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Los 6
A pair of 19th century stained glass panels, centred with a male and a female portrait and each with a pedestal below and flanked by scrolling foliage and with anthemion motif above, each 82 X 48cm, now fitted in recent oak frames.Provenance: Purchased from an antique shop in Winchester that had reputedly acquired them from a demolished house. Restored by a firm on the Isle of Wight.
Los 358
INDIAN SCHOOL: a painted miniature oval portrait of a seated nobleman, possibly Ranjit Singh, the oval panel 15cm x 11.5cm, 25.5cm x 20.5cm overall Condition Report : some age related fading/discolouration but generally good, finely painted, gilding intact Condition reports are offered as a guide only and we highly recommend inspecting (where possible) any lot to satisfy yourself as to its condition.
Los 374
EARLY 19TH CENTURY SCHOOL Portrait of a gentleman, believed to be John MacGregor Oil on canvas 88cm x 67.5cm Condition Report : picture and frame in very good condition. overall craqueleure, but no losses Condition reports are offered as a guide only and we highly recommend inspecting (where possible) any lot to satisfy yourself as to its condition.
Los 375
EARLY 19TH CENTURY SCHOOL Portrait of a gentleman, believed to be Drummond Mary MacGregor Oil on canvas 88cm x 67.5cm Condition Report : overall, picture and frame in very good conditon, with overall crqauelure, but no losses or signs of major damage Condition reports are offered as a guide only and we highly recommend inspecting (where possible) any lot to satisfy yourself as to its condition.
Los 624
A pair of early 20th Century portrait miniatures to include one depicting the Duchess of Devonshire (Georgiana Cavendish) after Gainsborough (signed ), together with another depicting Lady Hamilton after George Romney (signed Smart), both painted on ivory and set within ivory frames. Measures 13.5 x 11.5cm.
Los 112
Grace Henry HRHA (1868-1953) The Gardener - Study for a Portrait of Paul Henry Oil on board, 50 x 60cm (19¾ x 23½'') Signed with initials Provenance: With Jorgensen Fine Art, Dublin, gallery label verso; private collection, Dublin. A version of this work was included in The Calihan Collection, Sotheby's London 11/9/2018, lot 27, where it sold £12,500
Los 60
Paul Henry RHA (1877 - 1958) Cottages in Achill Oil on canvas board, 35 x 45cm (13¾ x 17¾) Signed, inscribed in pencil verso Mountains can have that effect on a person. According to the artist's Irish Portrait (Henry 1951, p.50), prior to his first visit to Achill, Henry was a plains-dweller and the abruptness of the mountain contours now disturbed him. On Achill there is no getting away from Slievemore (An Sliabh Mór), its 671 meters dominates the landscape from virtually every direction and is instantly recognisable due to its conical form. From its summit there are magnificent views of Croaghan, the Inishkea islands and Belmullet peninsula, the Nephins and all the hills south to Mweelrea. Dr Brian Kennedy, the foremost authority on the artist, when inspecting this painting with the writer in 2002, dated it to 1925-30, at which point Henry had left the island after his prolonged sojourn that ended in 1919. Despite it being painted six to ten years after leaving Achill, the composition still reflects his sense of awe of the majesty of the mountain. As much as in real life, the mountain dominates the composition occupying a central position, the blue hues beautifully painted and modelled with the artist's signature fluid application of paint and glazes. The precision, even economy, of the brushwork throughout is another characteristic of Henry's work in general and is something he learnt from his early teacher, James Abbott McNeill Whistler. The foreground is simply made up of a shallow strip of vaguely arable land on which three thatched cottages anchor the composition, accompanied by small turf stacks. The scale of the tiny habitation nestled into the landscape is made all the more dramatic due to the layered backdrop of two ridges before ascending to Slievemore. The light and fluffy clouds which suggest one of those 'pet' days you get in the West, occupy half the composition, are beautifully modelled and brighten the scene, helping to create a sense of the majesty of nature as opposed to it being oppressive and overbearing. The impact of Henry's time in Achill cannot be overstated. It was to Dugort, on the north of the island and at the eastern foot of Slievemore, that Henry went when he first arrived on Achill in August 1910. But even then he found the village busy with tourists. 'Every second house seemed to be an hotel or boarding house', he later wrote, and so the morning after his arrival he set off for the much quieter village of Keel, itself positioned south of the mountain, where he subsequently established himself, taking rooms with John and Eliza Barrett who ran the post office in Keel.
Los 61
William John Leech RHA ROI (1881-1968) Girl in a Garden (Sunshine and Shadows) c.1924 Oil on canvas, 60 x 40cm (23½ x 15¾'') Exhibited: Dublin, National Gallery of Ireland, 'William John Leech: An Irish Painter Abroad', October/December 1996, Catalogue No.48, full page illustration page 193. Provenance: Previously in the collection of Blather Burke, then the collection of Pat & Antoinette Murphy, acquired from The Dawson Gallery. Literature: 'William John Leech, An Irish Painter Abroad', Denise Ferran & NGI, 1996, pgs, 190 - 193, illus in colour, p.193 William John Leech's older brother Cecil, had served in the First World War and had met Percy Botterell, a very successful London lawyer, who with his wife May, worked in the Hague to repatriate soldiers returning from the front, introduced the Botterells to the Leech family when both parties returned to London. Percy Botterell, commissioned Leech to paint a portrait of his wife in 1919. This meeting resulted in May Botterell becoming Leech's partner until they eventually married in 1953, after Percy's death, in 1952. The Botterells had three children, Jim, Guy and Suzanne, all of whom Percy commissioned Leech to paint. All were greatly affected by their mother's relationship with Leech, an Irish painter, without means. After the outbreak of the Second World War, Leech and his partner, May Botterell escaped from the London bombings, which damaged Leech's Steele's Studio, to his brother Cecil's small stud farm in Ham Green, Kent. Cecil Leech's, wife Babs was a painter and she welcomed 'Bill' as the family called him and also May Botterell and her daughter Suzanne. Leech had painted Suzanne c. 1920 after his first meeting with the Botterell family, capturing her vulnerability and childlike, wide-eyed innocence. This painting of Suzanne, with the rich pastures of Kent behind her, was probably painted four or five years later when Leech and May were staying at Ham Green. The work captures a more relaxed Suzanne, with white pinny and long blond hair. Due to Suzanne's young age she accompanied her mother everywhere she went with Leech. This fact was verified by, Babs Leech, in my many conversations with her, throughout the 1980's and early 90's. Both Leech's relatives and May Botterell's relatives generously gave the couple safe lodgings during and after the war years, with Leech repaying this kindness with his paintings. Suzanne Botterell became a singer and performed in nightclubs in London until she married the owner of a chocolate factory. She then became a recluse, dropping all contact with her family but she did respond to my letter, from the address of decades earlier, which I had previously garnered from the back of a Leech painting. Dr Denise Ferran, May 2021
Los 75
Ibrahim El Dessouki (Egypt, born 1969 )Portrait of the Artist Hend Adnan oil on canvas, framedsigned Ibrahim El Dessouki and dated '99' in Arabic, executed in 199950 x 35cm (19 11/16 x 13 3/4in).Footnotes:Provenance:Property from a private collection, AlexandriaNote:This work has been authenticated by the Artist himself'Art, be it poetry, visual art, drama or dance, is the transformation of what is real into magic, and converting what is magical into a tangible reality, for we perceive that there are, beyond those infantile voices, even more primordial voices. We artists guess the being of those most archaic voices; deeper, and more sagacious - spoken in a language of legend, yet we feel them as not mere legend, but simultaneously as dream and symbol'- Ibrahim El DessoukiBonhams is delighted to be presenting this powerful and enigmatic piece by Ibrahim El Dessouki depicting his wife, the Egyptian female artist Hend Adnan. El Dessouki's painting style is defined by his unique treatment of paint, accentuated by his ability to create subtle changes in its texture; his unusual use of negative space; and his deft manipulation of shadow and light. The artist's painting genres encompass portraiture, landscape and still life and captures his own unique and hypnotic perspective of the soul and essence of Egypt and its people. This painting is heavily influenced by ancient Egyptian paintings and sculptures and beautifully captures the sitters strong Egyptian features such as the prominent eyebrows, jet black hair and elegant resting hand and full lips.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Los 1008
SMIADECKI, FANCISZEKerwähnt 1. H. 17. Jh. in KrakauUmkreisTitel: Portrait eines jungen Herren. Technik: Öl auf Karton. Maße: 6,5 x 4,5cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogFanciszek Smiadecki Polen 16./17. Jh. Originale Porträt Miniatur SMIADECKI, FANCISZEKmentioned 1st half of 17th century in KrakowCircleTitle: Portrait of a Young Gentleman. Technique: Oil on card. Measurement: 6,5 x 4,5cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 1009
FRANZÖSISCHE SCHULE17. Jh.Titel: Portrait eines Herren mit Schnauzbart und weißem Kragen. Technik: Öl auf Karton. Maße: 5,5 x 4,3cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogFranzösische Schule Frankreich Originale Porträt Miniatur FRENCH SCHOOL17th C.Title: Portrait of a Gentleman with Moustache and White Collar. Technique: Oil on card. Measurement: 5,5 x 4,3cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 1042
PESNE, ANTOINE1683 Paris - 1757 BerlinTitel: Portrait der Louise Albertine Freifrau von Grappendorf (1729-1753) als Flora. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Doubliert. Maße: 146 x 112cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Literatur:E. Berckenhagen et al.: Antoine Pesne, Berlin 1958, S. 140, Nr. 136a mit Abb.Provenienz:Kunstsammlung Schloß Demerthin, Brandenburg, seit 1. H. 19. Jh.;1945 ausgelagert nach Schönefeld:im Rahmen der Bodenreform Überführung in das Volkseigentum der DDR;Märkisches Museum, Berlin, seit 1948;1992 an die Familie der Einlieferer restituiert, seitdem weiterhin als Leihgabe ausgestellt im Märkischen Museum."Schönste Seele im hübschesten Leibe" - so beschreiben Zeitgenossen Louise Albertine von Grappendorf, geb. von Brandt, und alle stürzen in tiefe Trauer, als sie mit nur 24 Jahren am 28.11.1753 auf einer Reise nach Schwedt plötzlich verstirbt.Oberjägermeister Wilhelm Hilmar von Grappendorf hat Louise Albertine zu seiner zweiten Gemahlin gewählt. Mit ihrer Jugend und Schönheit bringt sie als Hofdame in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts Glanz und Anmut an den Hof der Prinzessin Luise Amalie von Preußen und der Königinmutter Sophie Dorothea, der Mutter von Friedrich II. Wahrscheinlich stammt aus dieser Zeit der Auftrag an den preußischen Hofmaler Antoine Pesne, Freifrau von Grappendorf zu malen.Antoine Pesne entscheidet sich dafür die hübsche, junge Frau als Göttin der Blumen und Jugend abzubilden. Er steht damit in der Tradition berühmter Künstler wie Rembrandt oder Tizian, welche die Göttin Flora ebenso als junges Mädchen inmitten ihrer Blüten zeigt.Allerdings wählt der Künstler eine gleichermaßen göttliche wie andeutungsweise leicht frivole Darstellung der jungen Dame als Flora. Er setzt sie als Dreiviertel-Figur federleicht auf Wolken und kleidet sie in ein kostbares, spitzenbesetztes, blaues Atlas-Gewand, welches - umrahmt von einer diagonal geführten Blumenschärpe - ihre linke Brust am üppigen Dekolleté herausblitzen lässt. Ihr Blick im strahlend-schönen Gesicht fixiert den Betrachter freundlich, beinahe verschwörerisch; dazu lächelt sie so anmutig, dass sich kleine Grübchen auf ihren Wangen bilden.Pesne läßt Louise Albertine von Grappendorf mit ihren Händen Blüten streuen, assistiert von einem kleinen Putto, der mit Schmetterlingsflügeln auf sie zuschwebt und ihr ein Blumenbukett bringt.Antoine Pesne zählt mit seinen zahlreichen Portraits der königlich preußischen Familie und der Angehörigen ihres Hofstaates zu den berühmtesten Malern seiner Zeit. Die offiziellen Auftragswerke folgen den hohen Erwartungen an den königlichen Hofmaler. Unser bezauberndes Bildnis der Louise Albertine von Grappendorf dagegen spricht schon die galante, intimere Bildsprache des Rokokos, welche Antoine Pesne zum Ende seines künstlerischen Schaffens für sehr nahe und vertraute Abbildungen von Personen wählt.Erläuterungen zum KatalogAntoine Pesne Frankreich Rokkoko Französische Schule 17./18. Jh. Originale Historische Personen Gemälde Allegorie PESNE, ANTOINE1683 Paris - 1757 BerlinTitle: Portrait of Louise Albertine Baroness von Grappendorf (1729-1753) as Flora. Technique: Oil on canvas. Mounting: Relined. Measurement: 146 x 112cm. Frame/Pedestal: Framed.Literature:E. Berckenhagen et al.: Antoine Pesne, Berlin 1958, p. 140, no. 136a with ill.Provenance:Art collection Schloß Demerthin, Brandenburg, since 1st half of the 19th C.;1945 moved to Schönefeld:Transfer to public ownership of the GDR within the course of the land reform;Märkisches Museum, Berlin, since 1948;Restituted to the family of the consignor in 1992, since then has remained on display as a loan in the Märkisches Museum."Schönste Seele im hübschesten Leibe" ("Most beautiful soul in the loveliest body") - is how contemporaries describe Louise Albertine von Grappendorf, born von Brandt, and everyone falls into deep mourning when she dies suddenly at the age of only 24 on 28.11.1753 on a trip to Schwedt.Master of Hunting Wilhelm Hilmar von Grappendorf had chosen Louise Albertine as his second wife. With her youth and beauty, she brought glamour and grace to the court of Princess Luise Amalie of Prussia and Queen Mother Sophie Dorothea, the mother of Frederick II, in the first half of the 18th century.It is probably from this period that the Prussian court painter Antoine Pesne was commissioned to paint Freifrau von Grappendorf.Antoine Pesne chose to depict the pretty young woman as the goddess of flowers and youth. In doing so, he follows the tradition of famous artists such as Rembrandt or Titian, who also depicted the goddess Flora as a young girl surrounded by flowers.However, the artist chooses an equally divine and suggestively slightly frivolous depiction of the young lady as Flora. He places her as a three-quarter figure light as a feather on clouds and dresses her in a precious, lace-trimmed, blue Atlas robe, which - framed by a diagonally guided flower sash - allows her left breast to flash out at her lush décolleté. Her radiantly beautiful face fixes the viewer with a friendly, almost conspiratorial gaze; she smiles so gracefully that small dimples form on her cheeks.Pesne has Louise Albertine von Grappendorf scatter flowers with her hands, assisted by a little putto who floats towards her with butterfly wings and brings her a bouquet of flowers.With his numerous portraits of the royal Prussian family and members of their court, Antoine Pesne is one of the most famous painters of his time. The officially commissioned works follow the high expectations of the royal court painter. Our enchanting portrait of Louise Albertine von Grappendorf, on the other hand, already speaks to the gallant, more intimate pictorial language of the Rococo, which Antoine Pesne chose at the end of his artistic career for very close and familiar depictions of people.Explanations to the Catalogue
Los 1064
BOURDIN, ALPHONSEtätig in Frankreich um 1850Titel: Portrait eines Mädchens am Tisch. Technik: Aquarell und Gouache auf Elfenbein. Maße: 10,5 x 9cm. Bezeichnung: Signiert und datiert rechts: A. Bourdin 1853. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogAlphonse Bourdin Frankreich 19.Jh. Gemälde Porträt Miniatur Kind / Kinder BOURDIN, ALPHONSEactive around 1850 FranceTitle: Portrait of a Girl at a Table. Technique: Watercolour and gouache on ivory. Measurement: 10,5 x 9cm. Notation: Signed and dated right: A. Bourdin 1853. Frame/Pedestal: Framed.Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 1105
SIMM, FRANZ XAVER1853 Wien - 1918 MünchenTitel: Die Harfenspielerin. Technik: Öl auf Leindwand.Maße: 40,5 x 30cm.Bezeichnung: Signiert unten links: F. Simm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Tafel Klebezettel des Londoner Künstlerbedarfshandels Winsor&Newton.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Als Ensemble mit seinem originalen und opulenten Rahmen wirkt das Portrait einer jungen Dame an der Harfe wie eine offene Tür, die den heutigen Betrachter in die Epoche des Biedermeier zieht - auch wenn wir eigentlich nur durch ein Schlüsselloch schauen, da die Szene eher sehr intim und persönlich gehalten ist. Die elegant gekleidete Musikerin, die versonnen und nur für sich auf der Harfe spielt - allein die Darstellung einer Harfe als Instrument hat für sich schon Seltenheitswert - lebt in ihrer eigenen Welt, als einziges Attribut erscheint das Blumenstillleben mit den weißen Lilien, die Bezug nehmen auf die Lilien, mit denen schon auf mittelalterlichen Gemälden die Gottesmutter gekennzeichnet wurde. Der Stuhl und die opulent verzierte Seidentapete lassen auf ihre gehobene soziale Stellung schließen. Die Harfe können wir als Symbol für die innere Harmonie der jungen Dame verstehen.Alles dies ist sinnbildlich für das gesellschaftliche Leben, als sich das Bürgertum sein eigenes Idyll im Inneren geschaffen hat, für die Kunst und Kultur, Architektur und Mode von unmittelbarer Bedeutung waren.Franz Xaver Simm, geboren in Wien, hat dort bei Anselm Feuerbach studiert und ist nach Aufenthalten in Rom und Tiflis zusammen mit seiner Frau, die ebenfalls Malerin war, in München ansässig geworden. Dort machte er sich schnell einen Namen durch seine kleinformatigen Genredarstellungen, die sich stilistisch am Empire orientieren, dieser Spielart des Klassizismus, die nicht nur für die Innenarchitektur prägend war. Die Kombination seiner ausgezeichneten und detailreichen Malkultur zusammen mit dem prächtigen geschnitzten Goldrahmen von nicht minderer Qualität harmonieren und beeindrucken bei der Harfenspielerin in besonderer Weise.Erläuterungen zum KatalogFranz Xaver Simm Österreich Wiener Schule Münchner Schule 2.H. 19.Jh. Gemälde Musikinstrument Malerei Porträt SIMM, FRANZ XAVER1853 Vienna - 1918 MunichTitle: A Young Lady Playing the Harp. Technique: Oil on canvas.Height: 40,5 x 30cm.Notation: Signed lower left: F. Simm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:On the panel adhesive label from the London artists' supply dealer Winsor&Newton.Provenance:Private ownership, Germany.As an ensemble with its original and opulent frame, the portrait of a young lady at the harp seems like an open door that draws today's viewer into the Biedermeier era - even if we are actually only looking through a keyhole, as the scene is rather intimate and personal. The elegantly dressed musician, who plays the harp pensively and only for herself - the depiction of a harp as an instrument alone has rarity value in itself - lives in her own world, the only attribute appearing to be the floral still life of the white lilies, which refer to the lilies with which the Mother of God was identified with already in medieval paintings. The chair and the lavishly decorated silk wallpaper suggest her elevated social status. We can understand the harp as a symbol for the inner harmony of the young lady.All this is emblematic of social life when the bourgeoisie created its own idyll in the interior, for which art and culture, architecture and fashion were of immediate importance.Franz Xaver Simm, born in Vienna, studied there with Anselm Feuerbach and, after stays in Rome and Tbilisi, settled in Munich with his wife, who was also a painter. There he quickly made a name for himself with his small-format genre depictions, which were stylistically oriented towards the Empire, this variety of classicism that was influential not only for interior design. The combination of his excellent and detailed painting culture together with the splendid carved gold frame of no lesser quality harmonise and impress in this painting of A Young Lady Playing the Harp in a special way.Explanations to the Catalogue
Los 1107
VELDE, HENRY VAN DE1863 Antwerpen - 1957 OberägeriTitel: Portrait der Maria Sèthe im Profil. Verso: Entwurfszeichnung für eine Dekoration. Datierung: Um 1893. Technik: Bleistift auf Papier. Maße: 15 x 19,5cm. Rahmen/Sockel: Passepartout. Literatur:X. Tricot: Henry van de Velde tekeningen en pastels (1884-1904), Antwerpen 2017, S. 126-127, Kat. 31.Provenienz:Privatbesitz, Belgien.Erläuterungen zum KatalogHenry van de Velde Belgien Neoimpressionismus 19./20. Jh. Handzeichnungen Porträt Zeichnung Frau VELDE, HENRY VAN DE1863 Antwerp - 1957 OberägeriTitle: Portrait of Maria Sèthe in Profile. Verso: Design drawing for a decoration. Date: Ca. 1893. Technique: Pencil on paper. Measurement: 15 x 19,5cm. Frame/Pedestal: Mat.Literature:X. Tricot: Henry van de Velde tekeningen en pastels (1884-1904), Antwerp 2017, p. 126-127, cat. 31.Provenance:Private ownership, Belgium.Explanations to the Catalogue
Los 1108
VELDE, HENRY VAN DE1863 Antwerpen - 1957 OberägeriTitel: Portrait der Maria Sèthe. Verso: Entwurfszeichnung mit nachträglicher Bezeichnung des Sohnes "Thyl van de Velde/ 15 av. Grece/ Bruxelles 9/ Nr 11". Datierung: Um 1893. Technik: Bleistift auf Papier. Maße: 23,5 x 30,5cm. Bezeichnung: Bestätigung des Sohnes des Künstlers: "Portrait de/ ma mère par mon père/ Henry van..."Rahmen/Sockel: Passepartout. Literatur:X. Tricot: Henry van de Velde tekeningen en pastels (1884-1904), Antwerpen 2017, S. 124-125, Kat. 30.Provenienz:Privatbesitz, Belgien.Erläuterungen zum KatalogHenry van de Velde Belgien Neoimpressionismus 19./20. Jh. Handzeichnungen Porträt Zeichnung Familien VELDE, HENRY VAN DE1863 Antwerp - 1957 OberägeriTitle: Portrait of Maria Sèthe. Verso: Design drawing with subsequent inscription by the son "Thyl van de Velde/ 15 av. Grece/ Bruxelles 9/ Nr 11". Date: Ca. 1893. Technique: Pencil on paper. Measurement: 23,5 x 30,5cm. Notation: Confirmation of the artist's son: "Portrait de/ ma mère par mon père/ Henry van..."Frame/Pedestal: . Mat.Literature:X. Tricot: Henry van de Velde tekeningen en pastels (1884-1904), Antwerp 2017, p. 124-125, cat. 30.Provenance:Private ownership, Belgium.Explanations to the Catalogue
Los 1113
STUCK, FRANZ VON1863 Tettenweis - 1928 TetschenTitel: Portrait eines Herren mit Schnauzbart. Technik: Öl auf Leinwand. Maße: 49,5 x 39,5cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Leinwand Kopie eines alten Gutachtens von W. Hanfstengl, München 1922, demzufolge das Gemälde nach mündlicher Aussage des Künstlers während der Studienjahre bei Wilhelm Lindenschmidt entstanden ist.Provenienz: Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogFranz von Stuck Deutschland Münchner Sezession Münchner Schule 19./20. Jh. Gemälde Porträt Studie STUCK, FRANZ VON1863 Tettenweis - 1928 TetschenTitle: Portrait of a Gentleman with Moustache. Technique: Oil on canvas. Measurement: 49,5 x 39,5cm. Frame/Pedestal: Framed.Verso:On the canvas a copy of an old certificate from W. Hanfstengl, Munich 1922, according to which the painting was realised during the years of study with Wilhelm Lindenschmidt, according to an oral testimony by the artist.Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 1167
SCHIESTL, RUDOLF1878 Würzburg - 1931 NürnbergTitel: Portrait des Vaters des Künstlers, des Bildhauers Matthäus Schiestl d.Ä. Technik: Öl auf Holz. Maße: 74 x 67cm. Bezeichnung: Signiert und datiert oben: Matthäus Schiestl der Ältere / Aetatis Suae LXXXI / Rudolf Schiestl / 1914. Rahmen/Sockel: Rahmen. Literatur:L. Weismantel: Rudolf Schiestl, Berlin 1926, S. 35 (Abb.).Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogRudolf Schiestl Deutschland Realismus 1.H. 20.Jh. Gemälde Porträt Gemälde Künstlerporträt SCHIESTL, RUDOLF1878 Würzburg - 1931 NurembergTitle: Portrait of the Father of the Artist, the Sculptor Matthäus Schiestl the Elder. Technique: Oil on wood. Measurement: 74 x 67cm. Notation: Signed and dated at the top: Matthäus Schiestl der Ältere / Aetatis Suae LXXXI / Rudolf Schiestl / 1914. Frame/Pedestal: Framed. Literature:L. Weismantel: Rudolf Schiestl, Berlin 1926, p. 35 (ill.).Provenance:Private ownership, Gernamy.Explanations to the Catalogue
Los 1168
SCHIESTL, RUDOLF1878 Würzburg - 1931 NürnbergTitel: Selbstportrait des Künstlers mit seiner Familie. Technik: Öl auf Holz. Maße: 66 x 62cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Ausstellung:Rudolf Schiestl Gedächtnisausstellung, Norishalle Nürnberg, April 1932.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogRudolf Schiestl Deutschland Realismus 1.H. 20.Jh. Gemälde Künstlerporträt Gemälde Familien SCHIESTL, RUDOLF1878 Würzburg - 1931 NurembergTitle: Self Portrait of the Artist with his Family. Technique: Oil on wood. Measurement: 66 x 62cm. Frame/Pedestal: Framed. Exhibition:Rudolf Schiestl Gedächtnisausstellung, Norishalle Nuremberg, April 1932.Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 900
DEUTSCHE SCHULE16. Jh.Titel: Portrait eines vornehmen Mädchens. Technik: Öl auf Holz. Maße: 35 x 27cm Sockel/Rahmen: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Erläuterungen zum KatalogDeutsche Schule Originale Porträt Malerei Kind / Kinder GERMAN SCHOOL16th C.Titel: Portait of a Noble Girl. Technique: Oil on wood. Measurement: 35 x 27cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.Explanations to the Catalogue
Los 925
NIEDERLÄNDISCHE SCHULE2. H. 16. Jh.Titel: Portrait der Anna van Oudewater. Technik: Öl auf Holz. Durchmesser: 46,5cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das vorliegende Gemälde ist dokumentiert in der Datenbank des RKD, Den Haag, unter der Abb.Nr. 126002. Das Gegenstück zu dieser Arbeit zeigt den Utrechter Bürgermeister Dirk de Goyer, mit dem sich die hier Portraitierte 1566 vermählte. Aufgrund der Kostümierung werden beide Gemälde in diese Jahre datiert; Anna van Oudewater lebte bis 1635 in Utrecht.Erläuterungen zum KatalogNiederländische Schule Niederlande Niederländische/ Flämische Schule Originale Porträt Gemälde Historische Personen DUTCH SCHOOL2nd half of the 16th centuryTitle: Portrait of Anna van Oudewater. Technique: Oil on wood. Diameter: 46,5cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.The present painting is documented in the database of the RKD, The Hague under ill. no. 126002. The companion piece to this work shows the Utrecht mayor Dirk de Goyer, to whom she married in 1566. Due to the costuming, both paintings are dated to these years; Anna van Oudewater lived in Utrecht until 1635.Explanations to the Catalogue
Los 926
ANGUISSOLA, SOFONISBAum 1535 Cremona - 1625 PalermoTitel: Portrait eines Kindes. Technik: Öl auf Holz. Maße: 37 x 28cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Tafel alte Aufschriften.Gutachten:M. Tanzi, Cremona, 23.02.2021, liegt vor.Provenienz:Privatbesitz, Schweiz. Sofonisba Anguissola erlangte schon sehr früh internationalen Ruhm: In Cremona folgte sie den Lehren ihrer Meister Bernardino Campi und Bernardino Gatti und es gelang ihr, Werke zu schaffen, die ans Entzückende grenzten, wie das Familienportrait in der Nivaagaards Malerisamling, das Gemälde mit dem Schachspiel in Posen, und Portraits, die die Psychologie der Portraitierten erforschen und es wagen, über die Oberfläche der Haut hinauszugehen, wie beim Domkapitular von Brescia. Am Hof Philipps II. hingegen verlieren wir uns in einem Strudel von Malern, die dieselben Figuren portraitieren und immer wieder dieselbe Vorlage kopieren: Die königliche Familie wurde dargestellt von Anthonis Mor, Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Sofonisba und anderen, die eine beeindruckende Anzahl von Gemälden schufen, die weitgehend identisch waren. Die "Pintora" schafft es offensichtlich, mit Leichtigkeit auf verschiedenen expressiven und qualitativen Ebenen zu spielen.Verglichen mit der unendlichen Folge von Selbstportraits und den Portraits Anguissolas Schwestern ist unsere Figur Teil eines eher kleineren männlichen Repertoires des Künstlerin. Sie behält sich dabei eine weniger eindringliche und etwas unbekümmerte Charakterisierung vor und bezieht sich auf eine fast offizielle Idealisierung, jedoch nicht ohne etwas Raum für Ironie zu lassen. Es handelt sich bei dem vorliegenden Werk also um eine wichtige Ergänzung des Oeuvres der Portraits von Sofonisba Anguissola, die auf den ersten Aufenthalt der Malerin in Sizilien zu datieren ist. Aufgrund der noch relativ geringen Anzahl an Werken dieser Schaffenszeit, ist die Darstellung des jungen Sprosses aus einer lokalen Familie, die durch die zukünftige Forschung noch identifiziert werden kann, eine große Bereicherung dieses Kapitels.Wir danken Marco Tanzi, Cremona, der die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt hat.Erläuterungen zum KatalogSofonisba Anguissola Italien 17.Jh. Originale Kind / Kinder Gemälde Porträt ANGUISSOLA, SOFONISBAca. 1535 Cremona - 1625 PalermoTitle: Portrait of a Child. Technique: Oil on wood. Measurement: 37 x 28cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:Old inscriptions on the panel.Certificate:M. Tanzi, Cremona, 23.02.2021, is available.Provenance:Private ownership, Switzerland. Sofonisba Anguissola was an accomplished portrait painter who achieved international fame very early on: in Cremona she followed the teachings of her masters Bernardino Campi and Bernardino Gatti and succeeded in creating works that bordered on the delightful, such as the family portrait in the Nivaagaards Malerisamling, the painting with the chess game in Posen and portraits, portraits that explore the psychology of the sitter and dare to go beyond the surface of the skin, like that of the Canon of Brescia. At the court of Philip II, on the other hand, we get lost in a whirlpool of painters portraying the same figures and copying the same model over and over again: The royal family was depicted by Anthonis Mor, Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Sofonisba and others, who created an impressive number of paintings that were largely identical. The "pintora" obviously manages to play with ease on different expressive and qualitative levels.Compared to the endless succession of self-portraits and the portraits of Anguissola's sisters, our figure is part of a rather smaller male repertoire of the artist. She reserves a less forceful and somewhat carefree characterisation, referring to an almost official idealisation, but not without leaving some room for irony. The present work is thus an important addition to the oeuvre of Sofonisba Anguissola's portraits, which can be dated to the painter's first stay in Sicily. Given the still relatively small number of works from this creative period, the portrayal of the young scion from a local family, yet to be identified by future research, is a great enrichment of this chapter.We are greatful to Marco Tanzi, Cremona, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
Los 945
GENTILESCHI, ARTEMISIA1593 Rom - um 1654 NeapelTitel: Die Heilige Maria Magdalena. Datierung: Um 1650-1654. Technik: Öl auf Holz. Montierung: Parkettiert. Maße: 68 x 48cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Gutachten:Riccardo Lattuada, Rom, 30.03.2021.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das vorliegende Werk stellt die heilige Maria Magdalena als Büßerin vor: Nach ihrer Bekehrung und der Begegnung mit Jesus lebte sie als Einsiedlerin in Südfrankreich, in der Nähe von Marseille, wo sie das Evangelium verkündete. Der Kult um die büßende Magdalena hat viele Künstler fasziniert, die in ihr das weibliche Äquivalent zu Johannes dem Täufer sahen. Sie wird meist in zerschlissener Kleidung dargestellt, ähnlich der des Heiligen Johannes, oder ist nur durch ihr langes Haar bedeckt. Ihre äußere Schönheit hat sie verlassen, ihr Gesicht ist gezeichnet vom Fasten und nächtlichen Gebetswachen, aber sie erstrahlt in innerer Schönheit, denn sie hat Frieden und Freude im Herrn gefunden. Dieses bisher unbekannte Gemälde befindet sich seit etwa 50 Jahren in einer Privatsammlung, wo es dem Florentiner Maler Carlo Dolci zugeschrieben wurde. Es wurde kürzlich von Riccardo Lattuada als ein Werk von Artemisia Gentileschi erkannt, mit dem Hinweis, dass es möglicherweise ein Gemeinschaftswerk zwischen Artemisia Gentileschi und ihrem Lehrling Onofrio Palumbo war und wahrscheinlich in der letzten Lebensphase der Malerin entstanden ist. Es ist daher eine wertvolle Ergänzung zum Korpus der Gemälde der wohl berühmtesten Künstlerin des 17. Jahrhunderts.Um 1640-41, nachdem sie mit ihrem Vater Orazio in London tätig war, begab sich Artemisia nach Neapel, wo sie die letzte Phase ihres Lebens verbrachte. In Neapel waren ihre Werke bei Sammlern und Mäzenen begehrt, und um die immer größer werdende Nachfrage zu befriedigen, musste die Malerin Mitarbeiter gewinnen, vor allem wenn es um die Ausführung kleinerer Passagen großer Werke ging. Ihre Zusammenarbeit mit Malern wie Bernardo Cavallino, Onofrio Palumbo und Domenico Gargiulo ist bekannt und gut dokumentiert.Das Leben von Onofrio Palumbo, der vielleicht an der Ausführung einiger kleinerer Teile dieses Gemäldes beteiligt war, nicht aber an seiner Konzeption (die stattdessen ganz in der Verantwortung von Artemisia Gentileschi liegt), wird von dem Maler und Biographen der neapolitanischen Künstler, Bernardo De Dominici, beschrieben. Der Historiograph berichtet, dass Palumbo zunächst bei Battistello Caracciolo und dann bei Artemisia Gentileschi studierte, als die Malerin sich in Neapel niederließ. Diese Nachricht hat kürzlich eine archivarische Bestätigung gefunden: zwei Zahlungsbelege von 1653 und 1654 bezeugen tatsächlich eine Zusammenarbeit der beiden Künstler, also in denselben Jahren der Ausführung des vorliegenden Gemäldes.Maria Magdalena gehört zusammen mit Judith und Susanna zu den bevorzugten Frauenfiguren Gentileschis, die sie während ihrer gesamten Karriere in vielen Versionen, sowohl in Hochformat als auch in Querformat, malte. Wir danken Riccardo Lattuada, Neapel, der die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie vorgeschlagen hat.Erläuterungen zum KatalogArtemisia Gentileschi Italien Barock 17.Jh. Originale Religiöse Darstellung Altargemälde Heiligendarstellung GENTILESCHI, ARTEMISIA1593 Rome - ca. 1654 NaplesTitle: Saint Mary Magdalene. Date: Ca. 1645-1650. Technique: Oil on wood. Mounting: Parquetted. Measurement: 68 x 48cm. Frame/Pedestal: Framed. Certificate:Riccarfo Lattuada, Rome, 30.03.2021.Provenance:Private ownership, Germany.This work presents Saint Mary Magdalene as penitent: After her conversion and encounter with Jesus, she lived as a hermit in southern France, near Marseilles, where she preached the Gospel. The cult of the penitent Magdalene has fascinated many artists, who saw her as the female equivalent of John the Baptist. She is usually depicted in ragged clothing, similar to that of St. John, or is covered only by her long hair. Her outer beauty has left her, her face is marked by fasting and nightly prayer vigils, but she shines with inner beauty, for she has found peace and joy in the Lord. This previously unknown painting has been in a private collection for about 50 years, where it was attributed to the Florentine painter Carlo Dolci. It has recently been recognised by Riccardo Lattuada as a work by Artemisia Gentileschi, with the indication that it is a work from the collaboration between Artemisia Gentileschi and her apprentice Onofrio Palumbo and was probably executed in the last phase of the painter's life. It is therefore a valuable addition to the corpus of paintings by the most famous artist of the seventeenth century.Around 1640-41, after working with her father Orazio in London, Artemisia went to Naples, where she spent the last phase of her life. In Naples, her works were sought after by collectors and patrons, and to meet the ever-increasing demand, the painter had to recruit collaborators, especially when it came to executing smaller passages of larger works. Her collaboration with painters such as Bernardo Cavallino, Onofrio Palumbo and Domenico Gargiulo is well known and well documented.The life of Onofrio Palumbo, who was involved in the execution of this painting but not in its conception (which is instead entirely the responsibility of Artemisia Gentileschi), is described by the painter and biographer of Neapolitan artists Bernardo De Dominici. The historiographer reports that Palumbo studied first with Battistello Caracciolo and then with Artemisia Gentileschi when the painter settled in Naples. This news has recently found archival confirmation: two payment vouchers from 1653 and 1654 actually attest to a collaboration between the two artists, i.e. in the same years of the execution of the present painting.Mary Magdalene, together with Judith and Susanna, is one of Gentileschi's favourite female figures, which she painted in many versions, both in portrait and landscape format, throughout her career. We are grateful to Riccardo Lattuada, Naples, for suggesting the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
Los 959
FLÄMISCHE SCHULE17. Jh.Titel: Damenportrait. Datierung: Um 1650. Technik: Öl auf Holz. Montierung: Parkettiert. Maße: 51 x 38cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Parkettierung alt beschriftet: "Helena Leonora Sieveri / A Study by Ant. van Dyck / from the Collection of C.A. Lentham Esqu. No. 23" sowie mit Sammlungssiegel.Provenienz:Sammlung Goudstikker (mit rückseitigem Sammlungsstempel);Privatbesitz, Deutschland.Das Goudstikker Art Research Project bestätigt uns in einer Email vom 15.05.2020, dass keine Ansprüche an der vorliegenden Arbeit geltend gemacht werden.Wir danken Rudi Ekkart, Den Haag, für seine Hilfe bei der Katalogisierung des vorliegenden Gemäldes.Erläuterungen zum KatalogFlämische Schule Flandern Niederländische/ Flämische Schule Originale Porträt Gemälde Frau FLEMISH SCHOOLca. 1650Title: Portrait of a Lady. Date: ca. 1650. Technique: Oil on wood. Mounting: Parquetted. Measurement: 51 x 38cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:An old inscription on the parquettery: "Helena Leonora Sieveri / A Study by Ant. van Dyck / from the Collection of C.A. Lentham Esqu. No. 23" as well as the collection seal.Provenance:Collection Goudstikker (with collection stamp verso);Private ownership, Germany.The Goudstikker Art Research Project confirms in an e-mail dated 15.05.2020 that no claims are being made in respect to the present work.We are grateful to Rudi Ekkart, The Hague, for his help in cataloguing the present painting.Explanations to the Catalogue
Los 983
MIERIS, WILLEM VANLeiden 1662 - 1747Titel: Portrait von Catharina van der Voort. Technik: Öl auf Holz. Maße: 50,5 x 40cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Tafel alte Angaben zur Dargestellten.Literatur:O. Naumann: Frans van Mieris (1635-1681) the Elder, Davaco 1981, S. 180f, Nr. C 174.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das Gemälde ist dokumentiert in der Datenbank des RKD, Den Haag, unter der Abb.Nr. 14436.Catharina van der Voort (1622-74) war die zweite Ehefrau von Pieter de la Court, einem bekannten Geschäftsmann und Philosophen aus Leiden. De la Court, der mit dem Politiker Johan de Witt eng befreundet war, heiratete 1657 zunächst dessen Schwägerin Elisabeth Tollenaar und 1661 Catharina, die aus einer wohlhabenden Amsterdamer Kaufmannsfamilie stammte und mit Johan de Witt verwandt war. Das Paar hatte zwei Kinder, Magdalena und Pieter, und zog im Jahr 1665 nach Amsterdam.Es gibt mehrere Portraits von Pieter de la Court und Catharina van der Voort, sowohl als Einzelfigur als auch als Gruppe, das berühmteste davon ist das große Doppelportrait von Ferdinand Bol von 1661 (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerpen). Im Jahr 1667 wurden Mann und Frau erneut, aber diesmal getrennt, von Abraham van den Tempel portraitiert (die beiden Portraits befinden sich im Rijksmuseum, Amsterdam). Das Portrait von Catharina van der Voort zeichnet sich besonders durch das Glitzern der kostbaren Stoffe und die reiche, zarte Polychromie aus.Die beiden Portraits von van de Tempel gingen 1685, nach dem Tod von Pieter de la Court, an dessen Tochter Magdalena. Ihr Bruder Pieter de la Court van der Voort ließ im selben Jahr Kopien dieser Portraits bei Willem van Mieris anfertigen (für je 300 Gulden), um sie mit seiner Schwester gegen ihre Originale zu tauschen. Das Portrait von Pieter de la Court befindet sich heutzutage noch in Amsterdam in einer Privatsammlung, während das Portrait von Catharina van der Voort, welches das vorliegende Bild ist, sich seit einigen Jahrzehnten in einer Privatsammlung in Deutschland befindet.Wir danken Nadja Garthoff, RKD, Den Haag, die die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt hat.Erläuterungen zum KatalogWillem van Mieris Originale Porträt Gemälde Historische Personen MIERIS, WILLEM VANLeiden 1662 - 1747Title: Portrait of Catharina van der Voort. Technique: Oil on wood. Measurement: 50,5 x 40cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:On the panel old details of the portrayed woman.Literature:O. Naumann: Frans van Mieris (1635-1681) the Elder, Davaco 1981, p. 180f, no. C 174.Provenance:Private ownership, Germany.The painting is documented in the database of the RKD, The Hague, under the ill. no. 14436.Catharina van der Voort (1622-74) was the second wife of Pieter de la Court, a well-known businessman and philosopher from Leiden. De la Court, who was a close friend of the politician Johan de Witt, first married his sister-in-law Elisabeth Tollenaar in 1657 and then Catharina in 1661, who came from a wealthy Amsterdam merchant family and was related to Johan de Witt. The couple had two children, Magdalena and Pieter, and moved to Amsterdam in 1665.There are several portraits of Pieter de la Court and Catharina van der Voort, both as a single figure and as a group, the most famous of which is the large double portrait by Ferdinand Bol of 1661 (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerp). In 1667, husband and wife were portrayed again, but this time separately, by Abraham van den Tempel (the two portraits are in the Rijksmuseum, Amsterdam). The portrait of Catharina van der Voort is particularly distinguished by the glitter of the precious fabrics and the rich, delicate polychromy.The two portraits by van de Tempel went to Pieter de la Court's daughter Magdalena in 1685, after his death. In the same year, her brother Pieter de la Court van der Voort had copies of these portraits made by Willem van Mieris (for three hundred guilders each) in order to exchange them with his sister for her originals. The portrait of Pieter de la Court is still in Amsterdam today, in a private collection, while the portrait of Catharina van der Voort, which is the present painting, has been in a private collection in Germany for several decades.We are grateful to Nadja Garthoff, RKD, The Hague, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
Los 26
Email auf Kupfer. Nach einem Gemälde von Sir William Beechey. Brustbild in Dreiviertelansicht nach Links vor grauem Grund. In doppelreihigem schwarzem Rock mit Goldknöpfen und mit weißer Halsbinde. Im originalen feuervergoldeten Bronzerahmen, rechts unten graviert bez. "Enamel H. Bone R.A.", auf Samt montiert, eingelassen in geschnitzten Holzrahmen. Auf rückseitigem grün-weiß gesprenkeltem Contre-émail voll signiert, datiert und bezeichnet. Ca. 12 x 10 cm. Außenmaße Holzrahmen 29 x 22,5 cm.Henry Bone, London 1816.Rückseitig bezeichnet "Tho. Roberts jun. Esq. London May 1816 painted by Henry Bone R.A. enamel painter in order to his Majesty & enamel painter to H.R.H. the Prince Regent after the original by Sir W. Beechey R.A.".Der englische Künstler Henry Bone (Truro 1755 - London 1834) gehört zu den bedeutendesten Miniaturisten seiner Zeit. Er arbeitete als Emailmaler unter der königlichen Schirmherrschaft von George III., dem Prinzregenten und späteren Georg IV. sowie William IV. und führte vor allem Kopien nach Porträts berühmter Persönlichkeiten aus. Er war Mitglied der Royal Academy of Arts in der er von 1781 - 1832 ausstellte. Seine mit höchster Akkuratesse gemalten Bildnisse sind in vielen Museen vertreten, darunter in der National Portrait Gallery und im Victoria & Albert Museum in London.ProvenienzSammlung H. und I. Bischoff.LiteraturZum Künstler vgl. Coffin/Hofstetter, The Gilbert Collection, Portrait Miniatures in Enamel, London 2000, S. 53. ff.
Los 106
A large Sevres style hand painted dish with pink ground and central portrait of Louis XV, together with a set of six plates and two tazzas in the same design, depicting various portraits of noble women of the 18th century French and European courts, such as the Duchesse De Barry, the Comtesse D'Artois, Elizabeth d'Autriche, Madame de Lamballe, and others, each with overglazed interlaced blue 'L' marks to underside, the dish 30.5 cm diameter, the plates 23.5 cm diameter
Los 107
A 19th century French Sevres porcelain cabaret tray, of quatrefoil form with a central portrait of Louis XVI in a gilt roundel, on a blue celeste ground, with gilt rim, the underside with blue 1844 Sevres stamp and a red 'Chateau des Tuileries' stamp, 30 cm wideCondition report: overall good, no breaks, some loss of gilding
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