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Los 1604
PORTRÄTIST DES 19. JAHRHUNDERTS "Porträts des Ehepaars Ludwig von Thomson und Auguste von Thompson" Öl auf Leinwand, Verso handschriftliche Notiz mit Angaben zum Leben der dargestellten Personen, HxB: 33/28 cm. Krakeliert, Rahmen, HxB: 40/34 cm. | PORTRAIT OF THE 19th CENTURY "Portraits of the married couple Ludwig von Thomson and Auguste von Thompson".Oil on canvas, handwritten note on verso with details of the lives of the persons depicted, HxW: 33/28 cm. Craquelure, frame, HxW: 40/34 cm.
Los 1603
PORTRÄTIST DES 19. JAHRHUNDERTS "Porträts der Geschwister Tekla und Ludwig Alfons August von Thomson" Öl auf Leinwand, Verso mit handschriftlichen Angaben zum Leben der dargestellten Personen, HxB: 33/26 cm. Krakeliert, Rahmen, HxB: 40/34 cm. | PORTRAIT OF THE 19th CENTURY "Portraits of the Siblings Tekla and Ludwig Alfons August von Thomson".Oil on canvas, verso with handwritten information about the life of the portrayed persons, HxW: 33/26 cm. Craquelure, frame, HxW: 40/34 cm.
Los 1616
SCHULE AUS DEM XVI JAHRHUNDERT "Porträt eines Adeligen mit Spitzenkragen und Goldkette" Öl auf Leinwand, bez."ANNO M.D.", Verso Papieretikett "Provinienz: Galerie Frau Oldenburg/berlin", HxB: 25/18 cm. Rest. und doubliert, Rahmen, HxB: 34/27 cm. | SCHOOL FROM THE XVI CENTURY "Portrait of a Nobleman with Lace Collar and Gold Chain". Oil on canvas, inscribed "ANNO M.D.", paper label on verso "Provinienz: Galerie Frau Oldenburg/berlin", HxW: 25/18 cm. Rest. and doubled, frame, HxW: 34/27 cm.
Los 1610
BEGAS, OSKAR (1828-1883) "Bildnis eines Jungen mit schwarzer Samtjacke" Öl auf Leinwand, signiert und datiert "O. Degas 70", HxB: 61/52 cm. Rest. und krakeliert, Rahmen, HxB: 86/76 cm. | BEGAS, OSKAR (1828-1883) "Portrait of a Boy, with Black Velvet Jacket"Oil on canvas, signed and dated "O. Degas 70", hxw: 61/52 cm. Rest. and crazed, frame, hxw: 86/76 cm.
Los 661
Francis Bacon (Dublin 1909 – 1992 London). „Étude pour un portrait de John Edwards“ (nach „Study for portrait of John Edwards“, 1986). 1987Farblithographie auf Arches-Velin. 67,5 × 50 cm (94,5 × 68 cm) (26 ⅝ × 19 ⅝ in. (37 ¼ × 26 ¾ in.)). Signiert.Sabatier 22.–Einer von 180 nummerierten Abzügen. Paris, Galerie Lelong, 1987. [3122] Gerahmt. Provenienz: Privatsammlung, Nordrhein-Westfalen (1988 in der Galerie Lelong, Paris, erworben)Wir berechnen auf den Hammerpreis 32% Aufgeld.
Los 69025
Studio of Michiel Jansz. van Miereveld (Dutch, 1567-1641)Portrait of a man, circa 1620Oil on panel12-1/2 x 8-3/4 inches (31.8 x 22.2 cm) PROVENANCE:Shapiro Auctions, New York, November 7, 2020, lot 217;Private collection, Chicago, Illinois, acquired from the above.We are grateful to Anita Jansen, Senior Curator of Old Master Paintings, Museum Prinsenhof, Delft, The Netherlands for generously sharing her expertise which was indispensable to the cataloguing of this lot. HID12701242017
Los 69026
Manner of Giovanni Battista Moroni (Italian, 1520-1578)Portrait of a gentleman in a black cap and doubletOil on panel10-3/4 x 8 inches (27.3 x 20.3 cm)Property from the Collection of Bill and Margot Winspear, Dallas, Texas PROVENANCE:Christie's, South Kensington, July 13, 2001, lot 224;Acquired by the present owner from the above. HID12701242017
Los 69027
Sir Peter Lely (Dutch, 1618-1680)Portrait of a Gentleman, thought to be the actor Henry Harris, in a feigned oval, circa 1660sOil on canvas30 x 25 inches (76.2 x 63.5 cm)Monogrammed lower left inside the oval: PLProperty from the Collection of Bill and Margot Winspear, Dallas, Texas PROVENANCE:Blundell, Hampshire (per the record below);Christie's, London, June 16, 2005, lot 212 (attributed to John Greenhill on the basis of a partial apocryphal signature);Philip Mould & Company, London;Acquired by the present owner from the above.During the second half of the seventeenth century, Sir Peter Lely assumed the mantle of Sir Anthony van Dyck as the most dominant portraitist in England, owing both to the enviable brio of his skillful likenesses and to his considerable personal charm. Everyone of consequence in his age sat to him.The present Portrait of a Gentleman, thought to be the actor Henry Harris, in a feigned oval (circa 1660) is, as English portrait specialist Philip Mould has commented, "a superb example of Lely's technique at what is arguably the highpoint of his artistic development. Here, the complete (and exceedingly difficult) mastery of tone so perfected by Rembrandt, and redolent of Lely's early education in Holland, is combined with his admiration for Van Dyck, whose elegant style increasingly became the starting point for all Lely's later work."In this portrait, Lely has made the most of the sitter's piercing intensity through his extremely subtle tonal gradations of the man's hooded eyes and sculpted nose—the two features imparting the most character to the face. They are also the most distinguishing characteristics of actor Henry Harris (circa 1634-1704), for whom only one surviving portrait is known [Magdalen College, Oxford, circa 1663]. Painted by John Greenhill, Lely's most talented pupil, that portrait shows Harris in the role of Cardinal Wolsey from Shakespeare's Henry VIII, presented in three-quarter view, and displaying an almost complete physiognomic resemblance to the man in Lely's painting. As Mould carefully observed, Lely's palette for the present portrait was limited, containing only four colors (brown, white, black, and red). He added: "Perhaps the most ingenious touch is the emergent backlight which offsets the thickly applied pigments in the face, and which instantly adds depth to the whole composition, while the delicate highlights on the sitter's left shoulder are enough to complete the sense of dimension, as his clothing appears to spill out over the painted oval frame. This sense of drama, captured throughout with the mastery of drawing that made Lely the most accomplished draughtsman after Van Dyck, ensures that we are fastened with a piercing gaze in a portrait of presence and power that few other artists – even across Europe – could have achieved at that time."Henry Harris was one of the leading actors of the late seventeenth century, and is known to us today chiefly through his friendship with diarist Samuel Pepys. Pepys recorded that he was able to command £20 for each new play (the equivalent of approximately £5,000 today), more than any other actor, and in 1663 he was made Yeoman of the Revels for life, with lodgings at court. Mould noted: "As part of the new generation of actors eager to please a post-Puritan audience, Harris played an important role in leading Londoners out of the rigid austerity of Cromwell's republic into the florid grandeur of the Stuart monarchy. He performed regularly for the King and the Duke of York. His friendship with Pepys began in 1667, the diarist thinking him ‘a very excellent person, such as in my whole [life] I do not know another better qualified for converse... I was mightily pleased with his company.' He was a ‘very curious and understanding person in all pictures and other things – and a man of fine conversation', and Pepys seems to have relied on the actor, who was something of a rogue, to experience the wilder antics of London life. After one evening of drink and merriment, he noted, ‘Lord, their mad bawdy talk did make my heart ake.''' HID12701242017
Los 8081
Schwitters, Kurt -- Anna Blume. Dichtungen37 S. und 5 Bl. Anzeigen. In lithographisch illustrierter Orig.-Broschur. 1919.21,9 x 14,5 cm.Auf dem Titelblatt signiert "Kurt Schwitters", datiert "29.4.21" und gewidmet "für Clara Dancker".Erste Ausgabe seines literarischen Erstlingswerks, herausgegeben vom Paul Steegemann Verlag, Hannover. Clara Dancker (1898-1985) entstammte einer reichen hannoverschen Familie und studierte zwischen den Weltkriegen an der Kunstakademie in Dresden. Wann genau sie Kurt Schwitters kennenlernte ist unbekannt, spätestens jedoch mit der Arbeit Schwitters an einem Portrait der jungen Frau (Wvz. Orchard/Schulz 491). Schwitters und Dancker, die spätere Ehefrau des berühmten Urologen Georg Praetorius (Chefarzt der ersten urologischen Abteilung Deutschlands am heutigen KRH Klinikum Siloah, Hannover), verband eine lebenslange Freundschaft. Der Entwurf für die Lithographie des Einbandes befindet sich heute als Leihgabe in der Public Library, New York (vgl. Wvz. Orchard/Schulz 547). - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 8290
Kantor, Maxim -- "Portrait Zinoviev"Öl auf Leinwand. 2001.100 x 80 cm.Unten rechts mit Pinsel in Blau signiert "МАКСИМ", verso kyrillisch und deutsch signiert "MAXIM KANTOR", datiert und betitelt.Aus dem Rot und Pink der Komposition und dem Gesicht mit den in reliefartig-dickem Farbauftrag plastisch durchmodellierten Falten und Furchen leuchten intensiv die in die Ferne blickenden Augen hervor. Kolorit und malerische Umsetzung verleihen dem Philosophenbildnis eine Ausstrahlung von ungemeiner Kraft. In seiner Graphik "Three Philosophers" greift Kantor 2003 in seinem Mappenwerk "METROPOLIS.ATLAS" die Figur des Philosophen in ebenjenem rotkarierten Hemd erneut auf (maximkantor.com/Index_w2.html, Zugriff 15.02.2022). Alexander Zinoviev (Sinowjew) war ein russischer Philosoph, Dissident, Soziologe, Logiker und Schriftsteller. Wegen seiner fortgesetzten Kritik am Stalinismus wurde er 1978 ausgebürgert und lebte bis zu seiner Rückkehr nach Russland im Jahr 1999 in München. Die Kritik am bürokratischen System der Sowjetunion und später auch Russlands beherrschte weiter sein schriftstellerisches Schaffen, auch mit Gorbatschows Perestroika noch ging er scharf ins Gericht. Sinowjew blieb seiner Linie als unbequemer Querdenker immer treu. Als Sohn des Philosophen Karl Kantor wuchs Maxim im Umfeld der sowjetrussischen Intelligenzia auf. Dass Alexander Sinowjew ein enger Freund der Familie war, spiegelt sich in der intensiven, liebevollen Erfassung seines Bildnisses. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 8252
Anderle, Jiří -- Hommage aux Victimes de Terrorisme, Fragment Nr. VFarbradierung mit Kaltnadel und Aquatinta auf Velin. 1980.95,5 x 63,5 cm.Signiert "Anderle". Auflage 70 num. Ex.Der Künstler Jiří Anderle wurde in eine Generation hineingeboren, die das Trauma des Zweiten Weltkriegs erlebte und unter dem anschließenden streng kommunistischen Regime in Tschechien lebte und arbeitete. Aufgrund seiner Tätigkeit für das Schwarze Theater in Prag hatte der Künstler die Möglichkeit das Land zu verlassen und die Welt zu bereisen. So kam Anderle in Kontakt mit der internationalen Kunstgeschichte und rezipierte die Meister der Kunstgeschichte vielfach in seinem eigenen Werk. Die weibliche Figur in unserem Blatt ist dem Bildnis „Portrait of a Lady“ von Rogier van der Weyden nachempfunden und wird von Anderle in eine betende Frau umgewandelt. Ganz prachtvoller, wunderbar differenzierter Druck der formatfüllenden Darstellung, links mit dem Schöpfrand.Literatur: Kristin L. Spangenberg, Illusion and Reality. Prints by Jiri Anderle. The Anne and Jacques Baruch Collection, Ausst.-Kat. Cincinnati Art Museum 2008 (Kat.-Nr. 56) - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 7027
Bonnard, Pierre -- Portrait of Pierre-Auguste RenoirRadierung auf Bütten. Um 1916.25,6 x 19,8 cm (32,3 x 25,2 cm).Signiert von Jean Renoir und gewidmet.Bouvet 84.Bonnard, der Renoir verehrte, zeichnete die Radierung nach einer Fotografie, die Vater und Sohn Jean gemeinsam zeigte. Bouvet nennt keine Auflagenhöhe. Unten links mit Sammlerstempel "LS" (nicht bei Lugt). Prachtvoller Druck mit zartem Plattenton und dem wohl vollen Rand, unten und rechts mit dem Schöpfrand. – Beigegeben: Eine weitere Radierung von Bonnard, "La femme au chien", 1924, Illustration zu Octave Mirabeau, "Dingo" (Bouvet 90). Errata: Die Beigabe von Bonnard, nicht von Renoir; Bouvet 90. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 7312
Schwimmer, Max -- Drei Karikaturen 3 Zeichnungen. Blei- und Farbstift bzw. Kohle auf verschiedenen Papieren. Um 1920-30.Je ca. 15,2 x 11,5 cm.2 Blatt monogrammiert "MS", 1 Blatt betitelt.Vorhanden sind die Motive "Dame mit grünem Hut" (verso mit einer weiteren Bleistiftskizze), "Peer Gynth" und "Portrait eines Herrn". - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 7323
Struck, Hermann -- Junger Jude (Selbstportrait)Bleistift auf grünem Bütten. Um 1906.21,3 x 16 cm.Unten rechts mit Silberstift signiert "Hermann Struck".Mit kräftigen, kurzen und virtuos gesetzten Bleistiftstrichen bringt Struck dieses eindrückliche Portrait eines nachdenklichen jungen Mannes zu Papier. Teile der durchscheinenden Zeichnung wurden vom Künstler rückseitig mit Silberstift nachgezeichnet. 1906 wurde die Zeichnung spiegelbildlich und in Form einer lithographischen Reproduktion als Frontispiz des Bandes "Jungjüdische Gedichte, herausgegeben vom Verein Jüdischer Studenten" publiziert. – Beigegeben: Eine weitere signierte Bleistiftzeichnung des Künstlers, "Portrait eines jüdischen Mannes", 1928. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 8254
Anderle, Jiří -- Arnolfini PortraitFarbradierung mit Kaltnadel und Vernis mou auf Hahnemühle-Velin. 1979.90 x 66,3 cm (105 x 78,5 cm).Signiert "Anderle". Auflage 50 num. Ex.Effektvoll fragmentiert Anderle die Druckplatte, ebenso wie die Darstellung. Prachtvoller Druck mit Rand.Literatur: Kristin L. Spangenberg, Illusion and Reality. Prints by Jiri Anderle. The Anne and Jacques Baruch Collection, Ausst.-Kat. Cincinnati Art Museum 2008 (Kat.-Nr. 43) - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 7084
Drewes, Werner -- Portrait Frau Drewes / Bauhaus 1922Öl auf Leinwand. 1922.62 x 58,5 cm.Unten rechts mit Pinsel in Rot mit dem Künstlersignet, verso (später oder von fremder Hand?) bezeichnet "Drewes", datiert und auf dem Keilrahmen (von fremder Hand?) betitelt.Hochmodern ist sie gekleidet, die junge Margaret Drewes mit den schwarz-weißen Karos und dem lebendigen Kontrast zur gelben Bakelit-Perlenkette. Drewes malt seine Frau zur Zeit seiner ersten Erfahrungen an der Experimentierschule des Weimarer Bauhauses, noch vergleichsweise konventionell in Farbgebung und Duktus, mit recht trockenem Pinsel und harmonischem Kolorit. 1921 ging Drewes an das Bauhaus in Weimar, wo er nach dem obligatorischen Vorkurs bei Johannes Itten weiter bei Paul Klee, Oskar Schlemmer und Georg Muche studierte und sich zunächst in die Werkstatt für Wandmalerei begab. Anschließend reiste er ausgiebig durch Europa, Nordamerika und Asien. Nach seiner Rückkehr nach Deutschland im Jahre 1927 ging er wieder ans Bauhaus, diesmal an seinen neuen Standort in Dessau, wo er in den Klassen von László Moholy-Nagy und Wassily Kandinsky lernte. Er war einer der ersten Künstler, der die bahnbrechenden Konzepte der Bauhausschule in den Vereinigten Staaten über seine Malerei, Druckgraphik und Lehre bekannt machte. 1930 emigrierte er nach New York. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 131
Alfons Walde * (1891-1958), Damenportrait, Teerzeichnung auf Karton 17,5 x 12,5 cm. Auf der Rueckseite bezeichnet Alfons Walde Kitzbuel Tirol und Nachlassstempel. Gerahmt mit Passepartout und Vergoldeter Holzrahmen, 34,5 x 29,7 cm. *dieses Lot unterliegt der Folgerechtsabgabe | Alfons Walde * (1891-1958), Portrait of a lady, tar drawing on cardboard 17.5 x 12.5 cm. On the back inscribed Alfons Walde Kitzbuel Tirol and estate stamp. Framed with passe-partout and gilded wooden frame, 34.5 x 29.7 cm. *this lot is subject to the resale right levy
Los 32
Max Neuboeck (1893-1960), Hausansicht mit Straße, 1944, Oel auf Leinwand. Max Neuboeck war als Landschafts-, Genre- und Portraetmaler sowie als Holzbildhauer taetig, rechts unten signiert M. Neuboeck 44. Mit Holrahmen 93 x 84 cm. | Max Neuboeck (1893–1960), House View with Street, 1944, oil on canvas, Max Neuboeck was active as a landscape, genre and portrait painter as well as wood sculptor, signed lower right M. Neuboeck 44 and framed, dimensions: 93 x 84 cm.
Los 102
Jose Garcia Chicano (1775-1858), Portrait eines Herrn, Oel auf Leinwand, Spanien, Cadiz, 1829, signiert und datiert mit Ortsbezeichnung unten rechts J. Chicano. Cadiz 1829, gerahmt mit Holzrahmen 84 x 65 cm. | Jose Garcia Chicano (1775-1858), A Gentleman’s Portrait,, Oil on canvas, Spain, Cádiz, 1829, signed and dated lower right with location ‘J. Chicano. Cádiz 1829’, framed with wooden frame 84 x 65 cm.
Los 6608
Schlichten, Johann Franz von der -- Selbstbildnis des Künstlers.Schwarze Kreide. 36,5 x 27 cm. Verso möglicherweise eigenhändig signiert "Von der Schlichten", mit einer alten Annotation in Kreide "Eigenh. portrait von ihm / selbst gezeichnet". Um 1750. Wz. Basler Stab mit angehängtem B.Das reizvolle, feinsinnig observierte Selbstbildnis zeigt den Mannheimer Künstler im Alter von etwa 25 Jahren. Mit etwas verträumtem, melancholischem Blick schaut der junge Mann den Betrachter an. Das gewinnende, noch sehr jugendlich anmutende Gesicht mit den sanften Augen und der recht markanten, kräftig geformten Nase ist von Locken umkränzt, eine Schleife hält die vollen Haare oben zusammen. Das intime Bildnis wirkt sehr persönlich und strahlt eine große Lebendigkeit aus, wodurch der Dargestellte fast greifbar nah erscheint. Entsprechend delikat und gekonnt ist der zeichnerische Duktus. Die unterschiedliche Dichte der Kreideschraffuren schafft weiche Übergänge und erzeugt subtile Lichteffekte in den Haaren und im Inkarnat. Johann Franz von der Schlichten, Sproß einer aus den Niederlanden stammenden Künstlerfamilie, studierte in Bologna bei Felice Torelli und anschließend, 1745-48, bei Sebastiano Conca in Rom. Unser Selbstbildnis besitzt dadurch ein gewisses italienisches Flair. Seit dem Frühjahr 1751 war der begabte Künstler Direktor des kurfürstlichen Malereikabinetts in Mannheim, seit 1769 auch Lehrer an der dortigen Akademie. Er blieb zeit seines Lebens in Mannheim tätig und schuf Veduten und Genrebilder in der Art der niederländischen Feinmaler des 17. Jahrhunderts. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 6682
Bürkel, Heinrich -- "Die Braune": Kuh von vorne.Öl auf bräunlichem Papier. 14,2 x 14,2 cm.Seit Anbeginn der Malerei haben sich die Künstler der Darstellung von Tieren gewidmet. Das Spektrum reicht von der umrisshaften Zeichnung in der Höhlenmalerei bis hin zur akribisch genauen Wiedergabe, etwa bei dem Feldhasen von Albrecht Dürer. Unsere Ölstudie einer hellbraunen Kuh zeigt tatsächlich nicht irgendein Tier, sondern sie ist das Portrait eines individuellen Wesens. Virtuos hat Bürkel den langgestreckten Körper des Tiers mit dem mächtigen Kopf und den wachen Augen in fein lasierender Ölfarbe festgehalten. Fast sprechend erscheint das geöffnete Maul des Wiederkäuers und der Betrachter ist geradezu geneigt, von der freundlichen Erscheinung auf die charakterliche Eigenschaften des Tiers zu schließen.Provenienz: Aus dem Nachlass des Künstlers (mit dessen Nachlaßstempel verso, ähnlich Lugt 314c).Sammlung Wolf Stubbe, Hamburg.Privatsammlung, Hamburg. - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
![[*] Therbusch, Anna Dorothea -- Selbstbildnis als Bacchantin.Öl auf Leinwand. 79, x 64,5 cm. Unten rechts signiert und datier](https://cdn.globalauctionplatform.com/a429c64d-621c-4fd7-bb37-ae920155695e/9af3a2c8-e6a1-4a44-832c-ae920157a2cb/468x382.jpg)
Los 6027
[*] Therbusch, Anna Dorothea -- Selbstbildnis als Bacchantin.Öl auf Leinwand. 79, x 64,5 cm. Unten rechts signiert und datiert "A. D. Therbusch née de Liezewska Peintre / du Roi / 1778", die Signatur darüber wohl eigenhändig wortgleich wiederholt.Ihr Werdegang war für das 18. Jahrhundert eine Ausnahme. Im friderizianischen Berlin zwischen Rokoko und Aufklärung setzte sich Anna Dorothea Therbusch mit ungewöhnlicher Hartnäckigkeit, Ehrgeiz und vor allem künstlerischem Talent als Berufsmalerin ersten Ranges durch. Für eine Frau, zudem Gastwirtsgattin und fünffache Mutter eigentlich undenkbar. Ihre einzige Ausbildung genoss sie im väterlichen Atelier, da Künstlerinnen der Zugang zu den Akademien verschlossen war. Beharrlich strotze sie ihren alltäglichen Pflichten als Mutter und Ehefrau Zeit zum Malen ab, wurde 1761 sogar Hofmalerin in Mannheim. In der preußischen Hauptstadt avancierte sie dann in den 1770er Jahren zu einer der wichtigsten Akteurinnen im Kunstbetrieb. Zu ihren Kunden zählten das Königshaus und das gehobene Bürgertum gleichermaßen, zu den Bewunderern Gelehrte und Künstler wie Denis Diderot und Simon Chardin, in den Salons rühmte man ihren „durchdringenden Verstand und ihre außenordentliche Wissbegierde“. Tatsächlich überwanden ihre Bildnisse die oft formelhaften Konventionen der Porträtmalerei ihrer Zeit. Sie verlieh den Dargestellten mit lockerem Pinselschwung eine einnehmende Lebendigkeit, die sie insbesondere den Gesichtern einzuschreiben wusste. Kennzeichnendes Merkmal von Therbuschs Bildnissen war zudem der differenzierte und experimentierfreudige Umgang mit Farben.Auch unser Selbstbildnis fällt zunächst durch den Charme einer nuancenreichen Palette auf. Das Petrolgrün des gestreiften Seidenkleides ist herrlich auf das zarte Rosa des flatternden Schleiers abgestimmt. Das pudrige Rosé ist wiederum im Blumenkranz und den charakteristisch geröteten Wangen aufgegriffen. Es mag zunächst verwundern, dass sich die bereits 57-jährige 1778 als lebensstrotzende Bacchantin malt, wo sie uns doch nur drei Jahre später kurz vor ihrem Ableben mit Einglas als reife Frau mit strenger Mine entgegentritt. Die jugendliche Erscheinung, ist sich Helmut Börsch-Supan sicher, ist weniger ihrer Eitelkeit als vielmehr dem Wunsch geschuldet, ihre Vitalität geradezu allegorisch zu veranschaulichen. Nachdem sich nämlich 1777 Johann Heinrich Wilhelm Tischbein in Berlin niedergelassen hatte, war ihre Vormachtstellung als Porträtistin kurzzeitig ins Wanken geraten. Erstmals hatte sie auf ihrem Hauptgebiet ernsthafte Konkurrenz zu fürchten. Als Tischbein die Stadt nach nur einem Jahr wieder verließ, leuchtete der Stern der Malerin noch einmal strahlend auf. Die juvenile Inszenierung kann in diesem Zusammenhang als Statement ungebrochener Lebensfreude und Schaffensdrang gedeutet werden. Und welche Figur wäre hierzu geeigneter als die einer Mänade, jenen tanzfreudigen Frauen aus dem Gefolge des Bacchus?Durchaus souverän meistert die Malerin die Mischung aus mythologischer Referenz und modischem Auftritt. Unverkennbar sind die französischen Anklänge, die dem Bildnis Grazie und Eleganz verleihen, ohne in die Falle des allzu Süßlichen zu tappen. Bereits in ihrer Jugend hatte Therbusch die Malerei des Antoine Pesne zum Studium kopiert. Mit Mitte Vierzig trat sie dann die gewagte Reise nach Paris an. In kürzester Zeit gelang ihr 1767 die Aufnahme als Mitglied der Académie Royale. Es bedeutete ihren Durchbruch. Fortan signierte sie stolz als „Peintre du roi“ und malte sich in den folgenden zwei Jahrzehnten in den weiblichen Olymp der Kunst des 18. Jahrhunderts. Zweifellos zählt vorliegendes Bildnis als Zeugnis selbstsicherer Eigeninszenierung und maltechnischer Virtuosität zu den Glanzstücken der späten Jahre.Ein Gutachten von Prof. Helmut Börsch-Supan, Berlin, vom 21. Dezember 2021 liegt in Kopie vor.Provenienz: 1924 belegt in der Sammlung des Bankiers Herbert M. Gutmann, Potsdam (s. Dissertation Leopold Reidemeister).Zwischen 1924 und 1945 unter ungeklärten Umständen veräußert.April 2022 gütliche Einigung über die Restitution durch die letzten Eigentümer mit den Erben von Herbert M. Gutmann.Literatur: Eckhart Berckenhagen: "Anna Dorothea Therbusch", in: Zeitschrift des Deutschen Vereins für Kunstwissenschaften, 41 (1987), S. 151, Nr. 139 (als "Dame als Bacchantin").Leopold Reidemeister: Anna Dorothea Therbusch: ihr Leben und ihr Werk, Diss. Berlin 1924, S. 85 (als "Portrait einer Dame"). - Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. - Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.
Los 17
Rare Book The History of Kent. In Five parts. Containing I. An exact topography or description of the county. II. The Civil History of Kent.. V. The Natural History of Kent. HARRIS, John (c.1667-1719). London: Printed and Sold by D. Midwinter, 1719. [Kent Topography/Cartography] FIRST EDITION. Folio (40 x 29cm), pp.; iv, Dedication; iv, Preface; ii, Ode to Kent; iv, List of Subscribers; 592; xl. Illustrated with 43 fine engravings, of which 39 are double-page and/or fold-out. Includes fine panoramas of Rochester and Tunbridge Wells, the map of Romney Marsh, the map of the Isle of Thanet and a Latin version of the same. A county map of Beacons is included, but not the large folding county map. Elegantly bound in a late Georgian or Victorian polished and panelled calf with gilt-edges in the rough, by G.J. Andrews Binder of Bloomsbury. Contemporary ownership of David Polhill, many views exquisitely conserved at the time of rebinding, portrait frontispiece window-mounted at that time, subsequent repair to joint. Shows well. Volume One was all that was published, being issued shortly after Harris' death. A superb collection of views of the great Kentish houses, by Kip and Badeslade. Clearly given attention and expenditure in the nineteenth century, this is a well-preserved example. Good condition. All autographs come with a Certificate of Authenticity. We combine postage on multiple winning lots and can ship worldwide. UK postage from £4.99, EU from £6.99, Rest of World from £8.99
Los 38
Harry Clarke RHA (1889-1931)St Hubert, St Luke and St George (1927) Colour Scheme for the memorial window, St. Brigid's Church of Ireland, CastleknockWatercolour, 34.5 x 22cm (13½ x 8¾'')Provenance: With Grants Fine Art Gallery, label verso; with The Fine Art Society, label verso.Exhibited: 'The Stained Glass of Harry Clarke', The fine Art Society, 1988, catalogue no.46.In May 1927 when the commission for the Brooke memorial window for St Brigid’s Church of Ireland, Castleknock had been confirmed Harry Clarke noted in his diary ‘…bear in mind to give the maximum light and rich colour. Excellent light and position. Will stand rich colour and treatment… Subjects in base could be seen.’(1) When Harry Clarke and other stained glass artists of the period were in the process of designing a window, a key aspect was the creation of small-scale designs (usually made at the scale of one inch to the foot) to establish the composition and to determine the colour scheme; this example falls into the latter category.Raymond Brooke had commissioned Clarke to create a window to commemorate military, hunting and artistic members of his family. Three male saints were selected: St Hubert is depicted in the centre light and is in memory of Sir George Frederick Brooke, 1st Baronet of Summerton (the name of their home in Castleknock) who although a wine merchant and banker preferred to spend his time hunting, maintaining a prestigious pack of harriers that later became the North Kildare Harriers, and hence the choice of St Hubert, patron saint of hunters (note also Clarke’s inclusion of a poised hunting dog in profile). According to his daughter Rose Brooke, Sir George was a great admirer of Harry Clarke’s work and often used to go into his studio.’(2)The left light depicts St George, and it was in memory of the only son from Sir George’s first marriage, also named George, who was a member of the Irish Guards and who died at the Battle of Aisne in 1914. The choice of St George being appropriate not only as it is the deceased soldier’s name but also of course as he is a notable soldier saint, who along with St Michael, is one of the most popular saints for war memorial depictions. The right light was erected in memory of Sir George’s second wife Emily Alma (née Barton) a deeply religious and artistic individual who died several years ahead of both her husband and step-son. In addition to the full-length depictions of the three saints, each of the lights contain a predella panel at the base, and the one beneath St Luke shows the saint in his role as patron saint of artists, standing at an easel painting a portrait of the Virgin and Child.The apex of each light accommodates an angel bearing an heraldic shield, and behind and above them, in the three spandrels which comprise the tracery, is what the late Dr Nicola Gordon Bowe (the leading authority on Harry Clarke), referred to as ‘a deep blue sky threaded with gossamer and brightly coloured galactic phenomena’, a visual device she noted that Clarke had employed in his previous window for Tullycross Church but used here, in her opinion, to even greater effect.(3)Dr David CaronQuoted in Nicola Gordon Bowe, ‘Harry Clarke 1889–1931: His Life and Work’, PhD thesis, University of Dublin, 1991, vol. 2, p. 743.Ibid, vol. 2, p. 769 (quoting a letter from Rose Brooke to Nicola Gordon Bowe, 24 February 1974).Nicola Gordon Bowe, Harry Clarke, The Life and Work (Dublin: The History Press, 2018), p. 268.
Los 54
Hughie O'Donoghue RA (b.1953)Yellow Man II, 2008Oil on linen, 207 x 243cm (81½ x 95¾'')Signed; signed inscribed and dated 2008 versoProvenance: With the James Hyman Gallery, LondonExhibited: Hughie O'Donoghue, The Geometry of Paths, James Hyman Gallery, London, 06 March - 19 April 2008; Hughie O'Donoghue, Parables, Centre Culturel Irlandais, Paris, France, 30 May - 12 July 2008Literature: Hughie O'Donoghue, The Geometry of Paths, James Hyman Gallery, London, 2008, (cat.4), illustrated detail (un-numbered); Hughie O'Donoghue, Parables, Centre Culturel Irlandais, Paris, France, 2008, (cat. 8), illustrated p.15 and again, full page (un-numbered); Hughie O'Donoghue. Lost Histories. Imagined Realities, Gemeentemuseum, Den Haag, Holland, 2008, illustrated studio shot p. 12The starting point for Hughie O’Donoghue’s group of Yellow Man paintings is a lost work by Vincent Van Gogh, The Painter on the Road to Tarascon. It’s fair to say that O’Donoghue was drawn not just to the painting itself but even more to its history and the extraordinary status of Van Gogh as a cultural icon, a universal symbol of the artist. The original work is a self-portrait of sorts, a sun-drenched composition in which the painter, carrying his working materials , tramps through the baking southern countryside in search of a suitable vantage point. In time, the work came to reside in a gallery in Magdeburg in Germany. It was possibly incinerated there during an Allied bombing raid during the Second World War. It seems more likely, though, given its status, that it was removed for safe keeping with hundreds of other works to the Stassfurt mines. Certainly the so-called Monuments Men, whose story is fictionally recounted in George Clooney’s film, had it high on their list of works to try and recover.Before they got to the mines, however, there were two fires, possibly diversionary to disguise theft, and the Van Gogh never resurfaced, then or since. It is known through several photographs and O’Donoghue, who employs photography extensively as a documentary medium, recording a lost or buried past, was intrigued that the painting had been left in this curious, in-between state. He is not alone in this. Francis Bacon, who himself used photographs as sources continually, made a series of paintings inspired by reproductions of the lost Van Gogh.In the painting Van Gogh, within the landscape, was on his way to paint the landscape, and the earth in all its physical reality has consistently been at the heart of O’Donoghue’s work: he has envisaged the painter working the surface of the canvas as an archaeologist working a site, unearthing what is hidden within. In 1973, much taken with the work Van Gogh made when he lived in Arles, O’Donoghue visited the city to see if it might illuminate the mystery of the painter’s achievement. Nobody seemed to know much about the artist. In Arles, Van Gogh rented what became known as the Yellow House after his own celebrated painting (now in the Van Gogh Museum). On the Tarascon road, O’Donoghue asked a shopkeeper about the location of the famous house. “They showed me the place on the other side of the road where the house had once stood.” Badly damaged during the war in an Allied bombing raid, it was long gone.O’Donoghue’s Yellow Man, wearing a straw hat against the sun, stands in for Van Gogh, an every-person artist, setting out to explore through paint what is implicit though invisible, lost in the dense fabric of time past and lives lived, balancing destruction with restitutive creation. At the time, O’Donoghue had fulfilled a longterm plan to build a studio in rural Co Mayo, deep in the country where his mother’s family had lived and he was, figuratively speaking, more closely than ever working the earth of his own family history.Aidan Dunne, May 2022
Los 45
Pablo Picasso, Portrait de femme à la fraise et au chapeauFarblinolschnitt auf Velin mit Wasserzeichen "Arches". 53 x 40 cm (62,3 x 44 cm). Unter Glas gerahmt. Signiert und gewidmet 'pour Inés' [sic]. Künstlerexemplar außerhalb der Auflage. Gedruckt von Arnéra, Vallauris. - Sehr schöner Druck. Leichte Knickspur im Unterrand links.Baer 1323 B.b.2.; Bloch 1145Wir danken Christine Pinault, Picasso Administration Paris, für freundliche InformationenProvenienzPrivatsammlung Nordrhein-Westfalen“Picassos Beschäftigung mit dem Linolschnitt ist zweifellos dem Wunsche des Künstlers zu verdanken, der Farbe im graphischen Schaffen einmal eine bevorzugte Rolle zuzuweisen […]. Wie stets, wenn er einen solchen Versuch unternahm – sei es in Plastik, Litho, Keramik oder Aquatinta -, gelangte er auch in diesem Falle zu Ergebnissen, die mit nichts Vorhandenem vergleichbar sind, außer mit frühen Schöpfungen von Picasso selbst.“ (Wilhelm Boeck, Pablo Picasso. Linolschnitte, Neuaufl. Stuttgart 1988, S. V). 1958 begann Picasso intensiv in diesem für ihn neuen Medium zu arbeiten, das er bis 1965 immer wieder aufgriff. Bildthemen seiner spanischen Heimat dominieren die Linolschnitte, etwa in zahlreichen Stierkampfmotiven. Auch von Bildnissen El Grecos ließ er sich inspirieren. Neben seiner Interpretation eines Selbstporträts von El Greco (Baer 1320) schuf er im Frühling 1962 von Jacqueline, seiner Muse und zweiten Ehefrau, zwei Porträts in der spanischen Mode des 16. Jahrhunderts mit weißer Halskrause („à la fraise“) – zunächst am 10. April das „Portrait de Jacqueline à la fraise“ in Schwarz- und Grautönen (Baer 1321). Drei Tage später arbeitete er das Bildnis zu dem prachtvollen Druck aus, der hier angeboten werden kann. Von zwei Linolplatten mit sieben verschiedenen Farben in acht Durchgängen gearbeitet, gehört es zu den aufwendigsten farbigen Blättern des Künstlers. Die eleganten Züge Jacquelines fasste Picasso in ein raffiniertes Farbspiel von edelsteinartiger Brillanz. Dieses außerhalb der Auflage gedruckte Exemplar widmete Picasso seiner Haushälterin Inès Sassier, die seit 1936 bis zu seinem Lebensende für ihn arbeitete und seine enge Freundin und wichtige Vertraute war.
Los 523
László Moholy-Nagy, Xanti Schawinsky, AsconaVintage, Gelatinesilberabzug. 17,4 x 23,3 cm (18,2 x 24,1 cm). Rückseitig mit Bleistift beschriftet 'unter der dusche', mit Photographenstempel und dem Stempel 'Edition 'Tilleul'. Paris' sowie von fremder Hand mit Bleistift beziffert. - Abzug mit Gebrauchsspuren Unter Passepartout montiert.ProvenienzNachlass Xanti Schawinsky; Privatsammlung, SchweizLiteraturHans Heinz Holz, Xanti Schawinsky. Bewegung im Raum. Bewegung des Raums, Zürich 1981, S. 34 mit Abb.; Peter Hahn (Hg.), Xanti Schawinsky. Malerei, Bühne, Grafikdesign, Fotografie, Berlin 1986, S. 18 mit Abb. (jeweils Titelblatt der 'Basler Illustrierten'); Jeannine Fiedler (Hg.), Moholy Album. Perspektivwechsel auf den Fotostrecken der Moderne. Lászlo Moholy-Nagys schwarzweißfotografische Arbeiten 1924-1937, Göttingen 2018, S. 156 mit Abb. (Albumseite)Die Aufnahme entstand 1927 während der ersten von mehreren Reisen Moholy-Nagys nach Ascona im Schweizer Kanton Tessin, wo mehrere Bauhäusler, darunter Walter Gropius, Herbert Bayer, Oskar Schlemmer und Xanti Schawinsky sowie weitere Künstler und Schriftsteller den Sommer verbrachten. Das Photo wurde 1933 in der Ausgabe vom 4. August unter der Bezeichnung "Unter der Douche" auf der Titelseite der 'Basler Illustrierten' veröffentlicht (Abb.1). Diese spätere Bezeichnung ist insofern irreführend, als die Aufnahme, wie auf der entsprechenden Seite in Moholy-Nagys Album (Abb. 2) zu sehen, nicht unter der Dusche, sondern am Strand im Rahmen eines ausgelassenen Gruppenspiels entstand: "Sonnenanbeter bei der Beschwörung eines Sonnengottes", betitelte Moholy-Nagy das Spiel in seinen Aufzeichnungen. Ein enger Kreis von Badenden, unter ihnen Schawinsky, sitzt mit erhobenen Händen um eine stehende Person in der Mitte. Moholy-Nagy wählte für den hier vorliegenden, publizierten Abzug einen Ausschnitt, der die ursprüngliche Gruppenaufnahme in ein fröhliches, nahsichtiges Portrait des Bauhauskollegen verwandelt.Ausgehend von der Annahme, dass die Veröffentlichung als Hochformat 1933 - eine gängige Praxis in den Bildredaktionen jener Zeit - mit dem Einverständnis des Photographen erfolgte, könnte dieses Vorgehen als Beleg für das von Moholy-Nagy formulierte Postulat verstanden werden, dass eine gute Photographie aus verschiedenen Ansichten zu 'funktionieren' habe. Wir danken Dr. Jeannine Fiedler, Berlin für freundliche Auskünfte.
Los 526
Umbo (Otto Umbehr), Erinnerung an Lores AugenGelatinesilberabzug 1975 auf Agfa-Papier (Copyprint). 21,4 x 16,1 cm. Rückseitig mit Bleistift signiert, datiert, betitelt und mit Angaben zur Erstveröffentlichung sowie mit Nachlassstempel, darin von Phyllis Umbehr mit Bleistift signiert und datiert. - Die obere Kante minimal unregelmäßig beschnitten. Fein retuschiert. Unter Passepartout montiert.ProvenienzNachlass UmboLiteraturHerbert Molderings, Umbo. Otto Umbehr 1902 - 1980, Düsseldorf 1995, S. 65 mit Abb. und Tafel 14; Inka Schube (Hg.), Umbo. Fotograf, Ausst.kat. Sprengel Museum, Hannover u.a., Köln 2019, S. 15 mit Abb. (hier betitelt: Portrait Lore L.-E. [Lores Augen])
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