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534325 Preisdatenbank Los(e) gefunden, die Ihrer Suche entsprechen

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Apollo Art Auctions
Los 86

Ca. 200-300 AD.A beautiful jug featuring an ovoidal body, flaring, funnel-shaped neck and a high-arching handle connecting the body to the neck, embellished with trailed decoration. Originally light green in colour, the ageing of the glass has created a beautiful patina that gleams with iridescence.Size: L: 180mm / W: 66mm; 47.1g.Provenance: From the private collection of a Central London gentleman; previously in a collection formed on the UK / European art market before 2000.

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Lots Road Auctions
Los 453

PAOLO MOSCHINO VASES, a set of four, with light blue splatter design, 46cm H. (4)

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Lots Road Auctions
Los 454

PAOLO MOSCHINO DOUBLE GOURD VASES, a pair, with light blue splatter design, 37cm H. (2)

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Lots Road Auctions
Los 235

STOOL, 37cm H x 102cm W x 48cm D, Georgian style in light grey linen.

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Eppli im Königsbau
Los 93

LOUIS VUITTON x RICHARD PRINCE Handtasche "JAUNE DENIM". Defile Printemps-Ete 2008. Limited Edition. Beschichtetes Textil mit Logoschriftzügen und Leder in Rot/Orange. Hardware in Goldfarben. Textiles Innenleben in Orange. Leichter Abrieb an den Kanten und leichte Tragespuren. 40x14x20cm.| LOUIS VUITTON x RICHARD PRINCE handbag "JAUNE DENIM". Defile Printemps-Ete 2008. Limited Edition. Coated textile with logo lettering and leather in red/orange. Hardware in gold. Textile interior in orange. Light wear to edges and light wear marks. 40x14x20cm.

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Eppli im Königsbau
Los 74

LOUIS VUITTON VINTAGE Weekender "KEEPALL 60". Koll. 1991. Epi Leder Serie in Hellbraun mit goldfarbener Hardware und Nähten in Gelb. Klassisches Design. Sehr guter, gepflegter Erhalt. | LOUIS VUITTON VINTAGE weekender "KEEPALL 60". Epi leather series in light brown with gold-coloured hardware and yellow stitching. Classic design. Very good, well-kept condition.

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Eppli im Königsbau
Los 91

LOUIS VUITTON x RICHARD PRINCE Handtasche "JAUNE DENIM". Defile Printemps-Ete 2008. Limited Edition. Beschichtetes Textil mit Logoschriftzügen und Leder in Gelb. Hardware in Goldfarben. Textiles Innenleben in Gelb. Leichter Abrieb an den Kanten und leichte Tragespuren. 40x14x20cm.| LOUIS VUITTON x RICHARD PRINCE handbag "JAUNE DENIM". Defile Printemps-Ete 2008. Limited Edition. Coated textile with logo lettering and leather in yellow. Hardware in gold. Textile interior in yellow. Light wear to edges and light wear marks. 40x14x20cm.

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Eppli im Königsbau
Los 61

HERMÈS VINTAGE Gürtel, Länge 85cm. Koll. 1997. Boxcalf Leder in Schwarz und Hellbraun mit goldfarbener H-Schließe. Breite 4,5cm. Box anbei. Guter Erhalt.| HERMÈS VINTAGE belt, length 85cm. Coll. 1997. Boxcalf leather in black and light brown with gold coloured H-buckle. Width 4,5cm. Box enclosed. Good condition.

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Eppli im Königsbau
Los 62

HERMÈS VINTAGE Gürtel "KELLY", Länge 75cm. Koll. 1990. Fein genarbtes Leder in Blau (Innenseite in Hellbraun) mit goldfarbener Hardware und Kelly-Verschluss. Breite 4cm. Box anbei. Leichte Altersspuren und Tragespuren vorhanden.| HERMÈS VINTAGE belt "KELLY", length 75cm. Fine grained leather in blue (inside in light brown) with gold coloured hardware and Kelly closure. Width 4cm. Box enclosed. Slight signs of age and wear.

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Eppli im Königsbau
Los 27

HERMÈS VINTAGE Gürtel "COLLIER DE CHIEN", Länge 80cm. Koll. 1992. Lederriemen in Gold (Hellbraun) mit goldfarbener Hardware. Leichte Altersspuren und Abrieb an den Kanten vorhanden. Breite 4cm.| HERMÈS VINTAGE belt "COLLIER DE CHIEN", length 80cm. Coll. 1992. leather strap in gold (light brown) with gold-colored hardware. Slight signs of age and wear present on edges. Width 4cm.

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Eppli im Königsbau
Los 9

MONTBLANC Schreibgeräte Konvolut. 3 Schreibgeräte. 1x Meisterstück Füller (kleines Modell), 1x Meisterstück Kugelschreiber (kleines Modell und ohne Miene), 1x Meisterstück Drehbleistift (kleines Modell). Jeweils mit leichten Gebrauchsspuren. | 3 writing instruments. 1x Meisterstück fountain pen (small model), 1x Meisterstück ballpoint pen (small model and without refill), 1x Meisterstück propelling pencil (small model). Each with light traces of use.

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Eppli im Königsbau
Los 112

HERMÈS Handtasche "BIRKIN BAG 40". Koll. 2004. Chevre de Coromandel Leder in Hellbraun mit goldfarbener Hardware. Klassisches Modell mit weißen Nähten. Clochette, Schloss, Schlüssel und Staubbeutel anbei. Starker Abrieb an den Kanten und Tragespuren. | HERMÈS handbag "BIRKIN BAG 40". Coll. 2004. Chevre de Coromandel leather in light brown with gold-coloured hardware. Classic model with white stitching. Clochette, lock, key and dust bag enclosed. Heavy abrasion on the edges and wear marks.

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Eppli im Königsbau
Los 55

MCM VINTAGE Weekender. Klassische Visetos Serie in Hellbraun mit Details aus Leder und goldfarbener Hardware. Hauptfach mit Reißverschluss, Doppelhenkel, Halterung für Schulterriemen. Guter Erhaltungszustand, leichte Altersspuren. Adressanhänger anbei. 68x33x31cm.| MCM VINTAGE weekender. Classic Visetos series in light brown with leather details and gold hardware. Main compartment with zipper, double handles, holder for shoulder strap. Good condition, slight signs of age. Address tag attached. 68x33x31cm.

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Eppli im Königsbau
Los 42

LOUIS VUITTON Umhängetasche "MUSETTE SALSA". Koll. 2003. Damier Ebene Serie mit dunkelbraunem Glattleder. Überschlag mit Magnetverschluss. Längenverstellbarer Trageriemen. Leichte Tragespuren vorhanden. 22x5x23cm.| LOUIS VUITTON crossbody bag "MUSETTE SALSA". Coll. 2003. damier level series with dark brown smooth leather. Flap with magnetic closure. Adjustable length carrying strap. Light wear marks present. 22x5x23cm.

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Eppli im Königsbau
Los 43

LOUIS VUITTON Umhängetasche "OLAV". Koll. 2012. Damier Ebene Serie mit Details aus dunkelbraunem Glattleder. Längenverstellbarer Trageriemen aus Textil. Textiles Innenfutter in Dunkelbraun. Ein Außenfach. Leichte Tragespuren vorhanden. 20x8x25cm.| LOUIS VUITTON crossbody bag "OLAV". Coll. 2012. damier level series with details in dark brown smooth leather. Adjustable length strap in textile. Textile lining in dark brown. One exterior compartment. Light wear marks present. 20x8x25cm.

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Eppli im Königsbau
Los 6

HERMÈS Taschenanhänger 'RODÉO PÉGASE PM', Koll. 2021. Talisman (Charm) 'Pegasus' aus Milo-Lammleder und Swift-Kalbsleder in Blautönen und Hellbraun. Neuwertig mit Box.| HERMÈS bag charm 'RODÉO PÉGASE PM', coll. 2021.Talisman (Charm) 'Pegasus' in Milo lambskin and Swift calfskin in shades of blue and light brown. As new with box.

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Eppli im Königsbau
Los 107

HERMÈS VINTAGE Handtasche "MINI KELLY 19". Koll. 1996. Epsom Leder in Gold (Hellbraun) mit vergoldeter Hardware. Klassischer Laschenverschluss. Hauptfach mit kleinem Innenfach. Schulterriemen und Box anbei. Altersspuren wie Abrieb und Kratzer vorhanden. 19x8,5x15cm.| HERMÈS VINTAGE handbag "MINI KELLY 19". Coll. 1996. Epsom leather in gold (light brown) with gold-plated hardware. Classic flap closure. Main compartment with small inner pocket. Shoulder strap and box enclosed. Signs of age such as abrasion and scratches present. 19x8,5x15cm.

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Eppli im Königsbau
Los 84

MONTBLANC Füllfederhalter "KARL DER GROSSE - HOMMAGE À CHARLEMAGNE". Limited Edition 1971 / 4810. Korpus aus 925 Silber mit vergoldeten Details. 750 GG/WG Feder. Etui anbei. Guter Erhalt, Korpus angelaufen und Feder mit leichten Gebrauchsspuren. | MONTBLANC fountain pen "KARL THE GREAT - HOMMAGE À CHARLEMAGNE". Limited Edition 1971 / 4810. 925 silver barrel with gold plated details. 750 GG/WG nib. Case enclosed. Good condition, body tarnished and nib with light wear.

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Eppli im Königsbau
Los 15

VERSACE ISTANTE VINTAGE Seidenhemd, Gr. 52. 100% Seide in Orange mit Meeresmotiven in Multicolor. Leichte Tragespuren vorhanden. | VERSACE ISTANTE VINTAGE silk shirt, size 52. 100% silk in orange with sea motifs in multicolor. Light traces of wear present.

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Eppli im Königsbau
Los 96

LOUIS VUITTON Handtasche "COMETE BAG". Automne-Hiver 2008. Peach Monogram Shimmer Serie mit silberfarbener Hardware. Doppelhenkel, Front mit dekroativer Quaste. Leichter Abrieb an den Kanten, sonst sehr guter Erhalt. 29x20x17cm.| LOUIS VUITTON handbag "COMETE BAG". Automne-Hiver 2008. Peach Monogram Shimmer series with silver-tone hardware. Double handle, front with decorative tassel. Light wear to edges, otherwise in very good condition. 29x20x17cm.

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Eppli im Königsbau
Los 111

HERMÈS Handtasche "BIRKIN BAG 30". Koll. 2005. Taurillon Clemence Leder in Bleu Jean / Hellblau mit silberfarbener Hardware. Klassisches Modell. Full Set (mit Clochette, Schloss, Schlüssel, Staubbeutel, Rechnung und Box). Starker Abrieb an den Kanten, sonst guter Erhalt. | HERMÈS handbag "BIRKIN BAG 30". Coll. 2005. Taurillon Clemence leather in Bleu Jean / light blue with silver-coloured hardware. Classic model. Full set (with clochette, lock, key, dust bag, invoice and box). Heavy wear to the edges, otherwise in good condition.

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Eppli im Königsbau
Los 63

CHANEL VINTAGE Schultertasche, Koll. 1996/1997. Lackleder in Schwarz mit textilem Innenleben in Schwarz. Zwei Außenfächer, ein Hauptfach mit zwei kleinen Innenfächern. Leichte Tragespuren, Altersspuren und leichte Beschädigungen an den Henkeln. 32,5x11x26cm.| CHANEL VINTAGE shoulder bag, coll. 1996/1997. Patent leather in black with textile interior in black. Two outside compartments, one main compartment with two small inside compartments. Light wear marks, signs of age and slight damage to the handles. 32,5x11x26cm.

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Eppli im Königsbau
Los 20

HERMÈS VINTAGE Schultertasche KELLY 20 SELLIER". Kollektion 1989 (Stamp S in Circle). Fein genarbtes Leder in Hellbraun (Gold) mit goldfarbener Hardware. Modell mit langem Riemen. Überschlag mit Laschenverschluss. Hauptfach mit kleinem Innenfach. Innenleben mit leichten Gebrauchsspuren und einem Kugelschreiber-Fleck. Hardware und Leder mit Kratzern. Rundum ist die Tasche für ihr Alter in einem sehr gepflegtem Zustand. 20x9x15cm.| HERMÈS VINTAGE shoulder bag "KELLY 20 SELLIER". Collection 1989 (Stamp S in Circle). Fine grained leather in light brown (gold) with gold hardware. Model with long strap. Flap with tab closure. Main compartment with small inner pocket. Interior with light signs of wear and a ballpoint pen stain. Hardware and leather with scratches. All around, the bag is in great condition for its age. 20x9x15cm.

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Eppli im Königsbau
Los 39

LOUIS VUITTON VINTAGE Handtasche "DUPLEX". Koll. 1998. Epi Leder Serie in Schwarz mit goldfarbener Hardware. Lange Doppelhenkel, Hauptfach mit zwei kleinen Seitenfächern. Staubbeutel anbei. Sehr gepflegter Erhalt, leichte Kratzer vorhanden. 35x12x29cm.| LOUIS VUITTON VINTAGE handbag "DUPLEX". Coll. 1998. epi leather series in black with gold-tone hardware. Long double handles, main compartment with two small side pockets. Dust bag enclosed. Very neat condition, light scratches present. 35x12x29cm.

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Eppli im Königsbau
Los 77

HERMÈS Kartenetui "CALVI". NP.: 316,-€. Evercolor-Kalbsleder in Weiß mit hellbraunem Innenleben. Sehr guter Erhalt. Box anbei. | HERMÈS card case "CALVI". NP.: 316,-€. Evercolor calfskin in white with light brown interior. Very good condition. Box enclosed.

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Eppli im Königsbau
Los 22

HERMÈS Umhängetasche "STEVE LIGHT", Koll. 2018. Akt. NP.: 4.100,-€. Togo Leder in Hellgrau mit silberfarbener Hardware, breiter Überschlag mit Laschenverschluss, Schulterriemen mit Dornschließe, diverse Innenfächer. Box und Staubbeutel anbei. Neuwertiger Zustand. 33x5x27cm.|HERMÈS shoulder bag "STEVE LIGHT", coll. 2018. Retail price 4.100,-€. Togo leather in light grey with silver hardware, wide flap with tab closure, shoulder strap with pin buckle, various interior compartments. Box and dust bag enclosed. Mint condition. 33x5x27cm.

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Eppli im Königsbau
Los 35

HERMÈS Schultertasche "HERBAG". Koll. 2001. Korpus aus Canvas. Leder in Hellbraun mit Wasserflecken. Silberfarbene Hardware. Klassisches Modell mit Schulterriemen. Clochette mit Schlüssel (ohne Schloss) anbei. Starke Gebrauchsspuren und Flecken vorhanden. 38x13x31cm.| HERMÈS shoulder bag "HERBAG". Coll. 2001. canvas body. Leather in light brown with water stains. Silver colored hardware. Classic model with shoulder strap. Clochette with key (without lock) attached. Heavy wear and stains present. 38x13x31cm.

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Eppli im Königsbau
Los 38

GIANNI VERSACE COUTURE BUTTERFLY VINTAGE Kostüm, Gr. ca. 36/38. Blazer und Rock mit All-Over Schmetterling-Motiven auf weißem/hellblauem Grund. Leichte Tragespuren vorhanden.| GIANNI VERSACE COUTURE BUTTERFLY VINTAGE costume, size 36/38. Blazer and skirt with all-over butterfly motifs on white/light blue background. Light traces of wear present.

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Eppli im Königsbau
Los 53

HERMÈS VINTAGE Handtasche "MINI KELLY BAG 20 RETOURNE". Koll. 1992. Hellgrünes Leder mit goldfarbener Hardware. Klassisches Modell mit Überschlag und Laschenverschluss. Schulterriemen und Staubbeutel anbei. 20x9x14cm. Abrieb an den Kanten und leichte Alterspuren und Kratzer auf dem Leder. | HERMÈS VINTAGE Handbag "MINI KELLY BAG 20 RETOURNE". Light green leather with gold-coloured hardware. Classic model with flap and flap closure. Shoulder strap and dust bag enclosed. 20x9x14cm. Abrasion on the edges and slight signs of age and scratches on the leather.

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Eppli im Königsbau
Los 108

HERMÈS Handtasche "KELLY BAG 25". Koll. 2003. Boxcalf Leder in Schwarz mit goldfarbener Hardware. Klassisches Modell mit einem Schulterriemen. Staubbeutel, Clochette, Schloss und Schlüssel anbei. Kratzer und Abrieb vorhanden. Leichte Flecken und kleine Beschädigung auf der linken Seite. 25x9,5x18,5cm. | HERMÈS handbag "KELLY BAG 25". Coll. 2003. Boxcalf leather in black with gold-tone hardware. Classic model with one shoulder strap. Dust bag, clochette, lock and key enclosed. Scratches and abrasions present. Light stains and small damage on the left side. 25x9,5x18,5cm.

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Ketterer Kunst München
Los 463

Erich Heckel 1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Italienische Landschaft. 1909. Aquarell. Rechts unten signiert, datiert und betitelt. Auf festem Velin. 34,5 x 43 cm (13,5 x 16,9 in), blattgroß. • In dieser Leichtigkeit und Farbigkeit einzigartig. • Aquarelle von Heckels Italienreise im Jahr 1909 sind äußerst selten und werden seit über 30 Jahren erstmals wieder auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). • Weitere Aquarelle seiner Italienreise befinden sich im Brücke-Museum in Berlin. PROVENIENZ: Atelier des Künstlers (bis 1957: Stuttgarter Kunstkabinett). Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf (1957 vom Vorgenannten erworben). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Erich Heckel. Werke der Brückezeit. 1907-1917, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, 15.9.-27.10.1957, Nr. 52. Erich Heckel - Werke der frühen und späteren Epoche 1909-1952, Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf 1958, Kat.-Nr. 1. Erich Heckel, Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf 1981, S. 27 (m. Farbabb.) Erich Heckel 1883-1970. Aquarelle, Zeichnungen, Ausstellung zum 100. Geburtstag des Malers, Städtische Galerie, Würzburg, 3.7.-11.9.1983, Nr. 10 (m. Farbabb.). Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Im Rhythmus der Natur: Landschaftsmalerei der 'Brücke'. Meisterwerke der Sammlung Hermann Gerlinger, Städtische Galerie, Ravensburg, 28.10.2006-28.1.2007, S. 19 u. Farbabb. S. 75. Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina Wien, 1.6.-26.8.2007, Kat.-Nr. 131, m. Abb. Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, 30. Auktion, 26./27.11.1957, Los 308, m. SW-Abb. Tafel 32. Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 177, SHG-Nr. 201. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 166, SHG-Nr. 375. Andreas Hüneke, Erich Heckel, Bd. 1, S. 72 (m. Abb.). Im Frühjahr 1909 reist Erich Heckel für drei Monate nach Italien, das für Generationen von Künstlern mit seinen geschichtsträchtigen Stätten ein Muss gewesen ist. Erich Heckel jedoch besucht das Land und die Leute. 'Italienische Landschaft' zeigt seine Intension überaus klar. Heckel sucht nicht die geschichtslastigen Vorbilder, sondern das intensive und strahlende Licht der südlichen Landschaft. Der Künstler bezieht ein eigenes Atelier in Rom; auf Ausflügen in die Umgebung entstehen neben Zeichnungen ebendiese strahlenden Aquarelle. Die meisten der während seines Aufenthaltes entstandenen Ölgemälde sind 1945 im Bergwerk Neustaßfurt verbrannt. So auch 'Haus und Pinie' (Hünecke 1909-28), welches nach den Angaben von Siddi Heckel in der Darstellung zu dem vorliegenden Aquarell verwandt war. [EH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONErich Heckel 1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Italienische Landschaft. 1909. Watercolor. Lower right signed, dated annd titled. On firm wove paper. 34.5 x 43 cm (13.5 x 16.9 in), the full sheet. • In terms of airiness and colors, this work is one-of-a-kind. • Watercolors from Heckel's Italian journey in 1909 are extremely rare, this is the first time in more than 30 years that a work is offered on the international auction market again (source: artprice.com). • Other watercolors from his Italian journey are in possession of the Brücke Museum in Berlin. PROVENANCE: From the artist's studio (until 1957: Stuttgarter Kunstkabinett). Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf (acquired from the above in 1957). Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (with the collector's stamp Lugt 6032). EXHIBITION: Erich Heckel. Werke der Brückezeit. 1907-1917, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, September 15 - Ocotber 27, 1957, no. 52. Erich Heckel - Werke der frühen und späteren Epoche 1909-1952, Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf 1958, cat. no. 1. Erich Heckel, Galerie Wilhelm Grosshennig, Düsseldorf 1981, p. 27 (color illu.) Erich Heckel 1883-1970. Aquarelle, Zeichnungen, Ausstellung zum 100. Geburtstag des Malers, Städtische Galerie, Würzburg, July 3 - September 11, 1983, no. 10 (with color illu.). Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Im Rhythmus der Natur: Landschaftsmalerei der 'Brücke'. Meisterwerke der Sammlung Hermann Gerlinger, Städtische Galerie, Ravensburg, Ocotber 28, 2006 - January 28, 2007, p. 19 and color illu. on p. 75. Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina Vienna, June 1 - August 26, 2007, cat. no. 131, with illu. Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Stuttgarter Kunstkabinett, Roman Norbert Ketterer, 30th auction, November 26/27, 1957, lot 308, with black-and-white illu. on plateTafel 32. Heinz Spielmann (ed.), Die Maler der Brücke. Collection Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, p. 177, SHG no. 201. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (eds.), Die Maler der Brücke. Inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 166, SHG- no. 375. Andreas Hüneke, Erich Heckel, vol. 1, p. 72 (with illu.). In the spring of 1909 Erich Heckel traveled months to Italy for three, a journey which has been a 'must' for generations of artists. Erich Heckel, however, visited the country and its people. 'Italienische Landschaft' clearly testifies to his intention. Heckel did not seek to make historically significant depictions like many before him, instead he wanted to capture the intense and radiant light of the southern landscape. The artist moved into an own studio in Rome; on excursions to the surrounding area, he created these likewise radiant watercolors. Most of the oil paintings created during his stay were burned in the Neustaßfurt mine in 1945, among them 'Haus und Pinie' (Hünecke 1909-28), which, according to Siddi Heckel, had a motif similar to that of the present watercolor. [EH] Called up: December 10, 2022 - ca. 17.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 318

Edward Theodore Compton 1849 London - 1921 Feldafing Am Morteratschgletscher. 1903. Öl auf Leinwand. vgl Brandes S. 127. Rechts unten signiert und datiert. 51 x 40 cm (20 x 15,7 in). Wir danken Frau Sibylle Brandes, Tutzing, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen. In England geboren, sind die ersten Berge, die Compton bewandert, diejenigen in Westmoreland und Cumberland, in der Nähe des Wohnsitzes seiner Großeltern. Er beschließt aufgrund seiner Faszination für diesen eindrucksvollen Naturraum, sich auf die Bergmalerei zu spezialisieren. Als begeisterter Bergsteiger ist es ihm möglich, die Gipfel sowohl physisch als auch malerisch zu erobern. Autodidaktisch beginnt Compton ab 1863 sich durch Naturstudien das Malen beizubringen, ehe er einige Kunstschulen in England besucht. Für dieses Ölgemälde bestiegt Compton den weit über 4000 Meter hohen Morteratschgletscher in der Schweiz. Er ist der drittlängste Gletscher der Ostalpen ist umgeben von mehreren Dreitausendern, was einen einzigartigen Panoramablick bietet. Compton wählt einen Blickwinkel vom Plateau an der Baumgrenze, wo aus der grün-gelbe Wiese am rechten Bildrand ein kahler, sowie ein leicht nadeliger Baum ragen, die den Blick des Betrachters zu dem Panorama lenken. Das weite vereiste Gletscherplateau ragt bis zu den steil aufsteigenden monumentalen Bergen am Horizont. Der Himmel und die schneebedeckten Bergspitzen sind gelb angehaucht, vermutlich aufgrund der Abendsonne. Das wechselvolle Spiel des Lichtes und die Schnelligkeit der Wetterphänomene lassen immer auch eine gewisse unterschwellige Bedrohlichkeit in der Bergwelt präsent sein, jedoch strahlt dieses Gemälde auch eine idyllische Ruhe aus. [JG] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 14.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONEdward Theodore Compton 1849 London - 1921 Feldafing Am Morteratschgletscher. 1903. Oil on canvas. Cf. Brandes p. 127. Lower right signed. 51 x 40 cm (20 x 15.7 in). We are grateful to Ms Sibylle Brandes, Tutzing, for her kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Hesse. Born in England, Compton first climbed the mountains of Westmoreland and Cumberland, near the home of his grandparents. Fascinated by this impressive natural landscape, he decided to specialize in mountain painting. As a keen mountaineer, he was able to conquer the peaks both physically and artistically. Before attending several art schools in England, Compton began to study nature in 1863 to teach himself the art of painting. For this oil painting, Compton climbed the Morteratsch glacier in Switzerland, which is well over 4,000 meters high. The third longest glacier in the Eastern Alps, it is surrounded by several three-thousand-meter peaks, offering a unique panoramic view. Compton chose a vantage point from a plateau at the tree line where a bare tree and a sparsely-needled tree protrude from the green-yellow meadow at the right edge of the picture, directing the viewer’s gaze to the surrounding scenery. The vast icy glacier plateau extends to the towering steep mountains on the horizon. Both the sky and the snow-covered mountain peaks are tinged with yellow, most likely reflecting the evening sun. While the changeable effects of the light and the fast pace of the weather phenomena evoke a certain subliminal menace in this mountain setting, the painting also communicates a sense of idyllic serenity. [JG] Called up: December 10, 2022 - ca. 14.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 340

Charles-François Daubigny 1817 Paris - 1878 Paris Bords de l’Oise. Um 1870. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen mit altem Siegel in Rot. 38 x 65 cm (14,9 x 25,5 in). Mit einer Expertise von M. François Delestre, London/Paris, Oktober 2022. Das Werk wird in den zweiten Ergänzungsband des Catalogue raisonné aufgenommen. PROVENIENZ: Privatsammlung Bayern. Privatsammlung Baden-Württemberg (1979 vom Vorgenannten erhalten). Ein Großteil des Schaffens von Charles-François Daubigny entwickelt sich im Dialog mit der Oise, einem in Belgien entspringenden, malerischen Fluss, der nördlich von Paris schließlich in die breitere Seine mündet. In Paris ansässig, stellt Daubigny ab 1838 regelmäßig im Salon aus. Eine erste Landschaft aus Barbizon, wo er sich der Künstlergemeinschaft angeschlossen hatte, folgt 1844. Vor allem Camille Corot bewundert Daubigny sehr und mit ihm verbindet ihn später eine Freundschaft. In der sogenannten Schule von Barbizon entwickelt sich eine neue Landschaftsauffassung, in der romantische und realistische Elemente harmonisch zusammenfließen. Wundervoll zu beobachten ist dies in den kleinen Gemälden Daubignys. Eine fließende Ruhe und lyrische Atmosphäre entsteht in seinen Flusslandschaften, die er als einer der ersten unmittelbar vor dem Motiv anfertigt. Dafür richtet er sich ein kleines Atelierboot ein, getauft „Le Botin“, mit dem er auf der Oise zwischen Cergy, Pontoise, Valmondois und L’Isle Adam zu den unterschiedlichsten Tages- und Jahreszeiten unterwegs ist. Daneben bewohnt er ein Haus mit Atelier in Auvers-sur-Oise. An der Oise findet er zu einer sehr lockeren und freien Malweise, die mit ihrem Interesse an Atmosphäre, Licht und Wetterstimmungen zum Impressionismus hinzuführen beginnt. Als Mitglied der im Allgemeinen eher konservativen Salon-Jury ab 1866 spricht er sich für die Malerei der jüngeren Generation des Realismus und Impressionismus aus, bis die wiederholte Ablehnung der Werke Claude Monets ihn dieses Amt aufgeben lässt. An der ersten Ausstellung der Impressionisten 1874 nimmt Daubigny allerdings nicht teil und präsentiert seine Werke weiterhin im offiziellen Salon. Paul Cézanne, Claude Monet, Auguste Renoir und Vincent van Gogh bringen seiner Malerei, der ein gedämpfter, poetischer Zauber und eine berührende Intimität innewohnt, große Wertschätzung entgegen. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONCharles-François Daubigny 1817 Paris - 1878 Paris Bords de l’Oise. Um 1870. Oil on canvas. Lower left signed. Verso with an old seal in red. 38 x 65 cm (14.9 x 25.5 in). With an expertise from M. François Delestre, London/Paris, October 2022. The work will be included into the 2nd addenda vol. of the Catalogue raisonné. PROVENANCE: Private collection Bavaria. Private collection Baden-Württemberg (obtained from the above in 1979). Much of Charles-François Daubigny’s work unfolds in dialogue with the Oise, a picturesque river that originates in Belgium and eventually flows into the expansive Seine north of Paris. Based in Paris himself, Daubigny regularly exhibited at the Salon from 1838 onwards. He later joined the Barbizon artists’ community and painted his first Barbizon landscape in 1844. Daubigny greatly admired Camille Corot with whom he later formed a friendship. The so-called Barbizon School developed a new landscape perception in which Romantic and Realistic elements combine in a harmonious blend. Daubigny’s small paintings are magnificent examples of this approach. One of the first to place himself directly in front of the motif while working on his river landscapes, he created a fluid calmness and lyrical atmosphere in his paintings. Having organized a small studio boat, “Le Botin”, for this purpose, he traveled the Oise between Cergy, Pontoise, Valmondois and L’Isle Adam at different times of day and throughout the year. He also occupied a house with a studio in Auvers-sur-Oise. Daubigny adopted a very loose and free style of painting during his time on the Oise which began to suggest Impressionist elements through its attention to atmosphere, light and weather conditions. Starting in 1866 when he became a member of the rather conservative Salon jury, he declared his support for the paintings of the younger generation of Realist and Impressionist painters, until the repeated rejection of Claude Monet’s works prompted him to resign from this post. Daubigny nevertheless declined to take part in the first Impressionist exhibition in 1874 and continued to present his works at the official Salon. Paul Cézanne, Claude Monet, Auguste Renoir and Vincent van Gogh all expressed great appreciation for his art with its subtle poetic magic and touching intimacy. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 442

Gabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Haus am Hügel. 1906/07. Öl auf Leinwand. Verso mit dem Nachlassstempel auf der Leinwand und einem teils gestempelten, teils handschriftlich bezeichneten Etikett 'L 606'. 16,5 x 21,7 cm (6,4 x 8,5 in). • Charakteristisches, frühes Werk Münters in Spachteltechnik. • Die kleinen Ölskizzen aus der 'Phalanx'-Zeit gelten als entscheidende Meilensteine im Werk Münters. • Den frühen Arbeiten Münters und Kandinskys aus den Jahren 1902–1908 war zuletzt unter dem Titel 'Unter Freiem Himmel. Unterwegs mit Wassily Kandinsky und Gabriele Münter' im Lenbachhaus München eine eigene Ausstellung gewidmet. Mit einer schriftlichen Bestätigung der Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung, München, vom 29. August 2019. Das Gemälde wird in das Werkverzeichnis der Gemälde von Gabriele Münter aufgenommen. PROVENIENZ: Nachlass der Künstlerin. Gabriele Münter- und Johannes Eichner-Stiftung, München (1966-1974). Kunsthandel Franz Resch, Gauting (1974). Privatsammlung Süddeutschland (1974 vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Saarland. AUSSTELLUNG: Schöne Aussichten. Der Blaue Reiter und der Impressionismus. Franz Marc Museum, Kochel am See, 22.3.-19.7.2015, Kat.-Nr. 26 (m. Farbabb.). LITERATUR: Angela Lampe, Die Pariser Prüfung – Kandinskys und Münters Jahr in Frankreich, in: Cathrin Klingsöhr-Leroy (Hrsg.), Schöne Aussichten. Der Blaue Reiter und der Impressionismus, Kochel 2015, S. 39. 1901 war Gabriele Münter nach München gekommen, um Kunst zu studieren – eine zur damaligen Zeit für Frauen immer noch ungewöhnliche Lebensentscheidung. Da Frauen an der Kunstakademie nicht zugelassen sind, studiert sie an Privatakademien wie in der Künstlergruppe 'Phalanx', wo sie auf Kandinsky trifft. Mit dem noch verheirateten Kandinsky begibt sich Münter auf Reisen. Ende Mai 1906 brechen die beiden schließlich nach Paris auf, wo Münter in die vibrierende Künstlerszene eintaucht und große Befreiung und Bestärkung auch als weibliche Künstlerin erfährt. Das Werk 'Häuser am Hügel' ist während dieses Aufenthaltes 1906/07 entstanden. Gabriele Münter nimmt ein Zimmer im Viertel Montparnasse, während Kandinsky in Sèvres, einem Vorort, logiert. Ihre Motive findet Gabriele Münter auch hier, die Stadt Paris selbst interessiert sie motivisch kaum. Der ruhige Vorort mit seinen Villen und Gärten tritt in Münters Fokus. In den kleinen Werken dieser Zeit finden sich die künstlerischen Einflüsse der Impressionisten wieder, bei 'Häuser am Hügel' besonders schön in dem dicht gesetzten Farbauftrag der Bäume: Grün, Ocker, Blau und Rosa liegen dicht beieinander. Die Kraft von Licht und Farbe treten in den Mittelpunkt. Die hier entstandenen kleinen Ölskizzen gelten zu Recht als Meilensteine auf ihrem Weg zur Befreiung der malerischen Mittel. [EH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.26 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Haus am Hügel. 1906/07. Oil on canvas. Verso of the canvas with the estate stamp and a label, partly stamped, partly hand-inscribed 'L 606'. 16.5 x 21.7 cm (6.4 x 8.5 in). • Characteristic early Münter work in spatula technique. • The small oil sketches from her Phalanx days are considered key milestones in Münter's work. • Early works by Münters and Kandinsky from the years 1902-1908 were recently honored by the Lenbachhaus Munich in an exhibition titled 'Unter Freiem Himmel. Unterwegs mit Wassily Kandinsky und Gabriele Münter'. Accompanied by a written confirmation from the Gabriele Münter- and Johannes Eichner Foundation, Munich, dated August 29, 2019. The painting will be included into the forthcoming catalogue raisonné of Gabriele Münter's paintings. PROVENANCE: Artist's estate. Gabrieele Münter- and Johannes Eichner-Foundation, Munich (1966-1974) Art dealer Franz Resch, Gauting (1974) Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1974) Private collection Saarland. EXHIBITION: Schöne Aussichten. Der Blaue Reiter und der Impressionismus. Franz Marc Museum , Kochel am See, March 22 - July 19, 2015, cat. no. 26 with color illu. LITERATURE: Angela Lampe, Die Pariser Prüfung - Kandinskys und Münters Jahr in Frankreich. In: Cathrin Klingsöhr-Leroy (ed.), Schöne Aussichten, Der Blaue Reiter und der Impressionismus, Kochel, 2015, p. 39. In 1901 Gabriele Münter came to Munich to study art – an uncommon decision for women at the time. Since women were not admitted to the art academy, she studied at private academies, among them the school of the artist group 'Phalanx', where she met Kandinsky. Münter traveled together with Kandinsky, who at that point was still married. At the end of May 1906, the two finally set out for Paris, where Münter immersed herself in the vibrant artist scene and experienced great liberation and encouragement, also as a female artist. The work 'Häuser am Hügel“ (Houses on the Hill) was created during a stay in 1906/07. Gabriele Münter rented a room in the Montparnasse district while Kandinsky stayed in the suburb Sèvres. Gabriele Münter also found her motifs here; the city of Paris as a motif did not interest her much, instead Münter found inspiration in the quiet suburb with its villas and gardens. The artistic influence of Impressionism can still be found in the small works from this period, especially in 'Häuser am Hügel', with the densely applied colors of the trees: green, ocher, blue and rose are very close. The power of light and color take center stage. The small oil sketches she created there are deservedly regarded as milestones on her way to the liberation of painterly means. [EH] Called up: December 10, 2022 - ca. 17.26 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Los 356

Henry Moret 1856 Cherbourg - 1913 Paris La baie de Merrien. 1900. Öl auf Leinwand. Links unten signiert und datiert. Verso auf dem Keilrahmen handschriftlich betitelt sowie verschiedentlich nummeriert, mit altem nummeriertem, beitelten und bezeichnetem Etikett sowie typografisch nummeriertem Etikett '889.'. 50,5 x 61,5 cm (19,8 x 24,2 in). • Leuchtende, von avantgardistischen Prinzipien des Neoimpressionismus beeinflusste Küstenlandschaft • Moret vebringt ab 1880 den Sommer in der Bretagne und schließt sich Gauguin und der Schule von Pont-Aven an • Der bedeutende Galerist der Impressionisten, Paul Durand-Ruel schließt mit ihm einen Exklusivvertrag • Bretonische Landschaften Morets befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen, u.a. in der Eremitage, Sankt Petersburg, dem Boston Museum of Art, der National Gallery, Washington sowie dem Musée d'Orsay, Paris. Mit einer schriftlichen Bestätigung von Herrn Jean-Yves Rolland, Paris, November 2022. Das Werk wird in den in Bearbeitung befindlichen Catalogue raisonné Henri Moret aufgenommen. PROVENIENZ: Galerie für Alte und Neue Kunst Alexander Gebhardt, München. Privatsammlung Baden-Württemberg (1973 vom Vorgenannten erworben). Gegen Ende des 19. Jahrhunderts rückt die Bretagne als abgelegener, urwüchsiger und wildromantischer Landstrich in das Motivrepertoire derjenigen Künstler, die sich abseits des akademischen Salonbetriebs positionieren. Neben den klassischen Landschaftsmotiven bieten sich hier neue, bisher unentdeckte Ansichten rauher, unmittelbarer Natur und atmosphärische Licht- und Wetterstimmungen, hinzu kommen die oft niedrigen Lebenshaltungskosten im Vergleich zur Metropole Paris. Bekanntheit erlangt der abgelegene Landstrich in avantgardistischen Kreisen durch Paul Gauguin, der sich hier ab 1886 im kleinen Fischerdorf Pont-Aven aufhält. Moret hatte bereits zuvor in der Bretagne seinen Militärdienst geleistet und anschließend an der Pariser Akademie in den Ateliers der bedeutenden Salonmaler im historischen Genre Jean-Léon Gérôme und Jean-Paul Laurens studiert. 1880 wird ein erstes Landschaftsgemälde mit bretonischem Küstenmotiv im Salon des artistes français angenommen. Er kehrt im foglenden Jahr in die Bretagne zurück und bezieht Quartier in Le Pouldu, um sich fortan fast ausschließlich dieser Region zu widmen. Als Gauguin 1888 mit einigen Schülern den Sommer in Pont-Aven verbringt, schließt er sich ihnen an, lässt sich allerdings schließlich ab 1894 für Malaufenthalte dauerthaft in Doëlan nieder, während andere nach Paris zurückkehren. Ein fester Vertrag mit dem bedeutendsten Galeristen der Impressionisten, Paul Durand-Ruel verleiht ihm berufliche Stabilität. So entsteht ein in sich geschlossenes und zugleich in seinem koloristischen Ausdruck prismatisch leuchtendes Werk mit Themen wie den auch von Gauguin in den Blick genommenen Tang sammelnden Bretoninnen, Fischerbooten und schroffen Klippen mit Blick auf die Wildheit und Weite des Atlantiks. Malerisch erschließt er die Region Finistère am Ende des Landes, und wählt Motive über Moëlan, Pont-Aven, Belon, Brigneau und Ouessant. Ganz der impressionstischen Lockerheit in der Faktur sowie in Ansätzen der neoimpressionistischen Farbzergliederung verpflichtet, sind Morets bretonische Küstenlandschaften von einer eindrucksvollen Intensität, mit der er auf besondere Weise den Charakter dieser einzigartigen Region einfängt. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.44 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHenry Moret 1856 Cherbourg - 1913 Paris La baie de Merrien. 1900. Oil on canvas. Lower left signed and dated. Verso of the stretcher with title and several numbers, with an old numbered, titled and inscribed label and a label numbered '889.' in typography. 50.5 x 61.5 cm (19.8 x 24.2 in). • Luminous coastal landscape influenced by avant-garde principles of Neo-Impressionism • Moret spent the summers from 1880 in Brittany and joined Gauguin and the Pont-Aven School • The important gallery owner of Impressionism, Paul Durand-Ruel concluded an exclusive contract with him • Moret's Breton landscapes are in major international collections, including the Hermitage, Saint Petersburg, the Boston Museum of Art, the National Gallery, Washington and the Musée d'Orsay, Paris. Accompanied by a confirmation of authenticity from Mr Jean-Yves Rolland, Paris. The work will be included into the forthcoming catalogue raisonné Henri Moret. PROVENANCE: Galerie für Alte und Neue Kunst Alexander Gebhardt, Munich. Private collection Baden-Württemberg (acquired from the above in 1973). Towards the end of the 19th century, the remote, unspoiled and wildly romantic region of Brittany became part of the motif repertoire of artists who sought to distance themselves from the academic Salon scene. Aside from classic landscape motifs, the region offered new, hitherto unexplored views of rugged, unspoiled nature along with ambient light and weather, not to mention the generally lower cost of living compared to the capital, Paris. Having moved to the small fishing village of Pont-Aven in 1886, it was Paul Gauguin who brought this secluded region to the attention of the avant-garde circles. Prior to this, Moret had completed his military service in Brittany and gone on to study at the Paris Academy and the studios of the eminent historical Salon painters Jean-Léon Gérôme and Jean-Paul Laurens. The Salon des Artistes Français accepted his first landscape painting with a Breton coastal motif in 1880. Upon his return to Brittany in the following year, Moret settled in Le Pouldu and devoted himself almost exclusively to this region. When Gauguin and some of his students spent the summer in Pont-Aven in 1888, he joined the group. In 1894, he settled permanently in Doëlan to devote his time to painting, while others returned to Paris. A permanent contract with the leading Impressionist gallery owner, Paul Durand-Ruel, provided Moret with financial security. The resulting work is both self-contained and prismatically luminous in its color expression. His subjects include Breton women gathering seaweed, fishing boats and rugged cliffs overlooking the wildness and expanse of the Atlantic Ocean, motifs that Gauguin also tackled. Moret’s paintings often explore the Finistère region at the far edge of the country, focusing on motifs from Moëlan and Pont-Aven to Belon, Brigneau and Ouessant. Indebted to an Impressionist lightness of texture and the beginnings of Neo-Impressionist color fragmentation, Moret’s Breton coastal landscapes are of an arresting intensity, capturing the character of this singular region with a unique skill. Thanks to Durand-Ruel, Moret’s works were included in prestigious collections, among them the Hermitage, St. Petersburg, the Boston Museum of Art, the National Gallery, Washington, and the Musée d’Orsay, Paris. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.44 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 449

Gabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Mädchen und Fischer mit Booten. Wohl um 1915. Öl auf Malpappe. Verso mit dem Nachlassstempel, mit einem Aufkleber mit der gestempelten Nummer 1257 sowie mehreren handschriftlichen Vermerken. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 in). • Während des Skandinavienaufenthalts Münters entstehen einige ihrer bedeutendsten Werke. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angebote (Quelle: artprice.com). PROVENIENZ: Galerie Rosenbach 1973, Kat.-Nr. 344 (hier betitelt 'Am Flußufer') Privatsammlung Baden-Württemberg. AUSSTELLUNG: Westdeutsche Kunstmesse 17.-25.3.1973, Galerie Vömel, Nr. 8 m. Abb. (hier betitelt: 'Am Bootshafen'). Münter trifft in Stockholm auf den Kreis der schwedischen Avantgarde um Sigrid Hjertén, die von Matisse beeinflusst mit einem Dekorativismus in kühlen Farben experimentieren. Sie entwickelt in dieser Zeit einen völlig neuen Stil, der stark von den Einflüssen ihrer schwedischen Malerkollegen geprägt ist. Die starke Farbigkeit und die festen Formen der Zeit des 'Blauen Reiter' weichen nun einer Gestaltung in pastelligen Farben, einem fast amorphen Formengut und einer Entdichtung der Komposition. In diesem Umfeld entstehen wichtige Werke Gabriele Münters, wie z.B. Narvik Haven, das sich heute als Leihgabe der Sparebankstiftelsen DNB im Nationalmuseum in Oslo befindet. Fernab von Murnau und der alpenländischen Landschaft findet sie hier eine völlig andere Umgebung und andere Lichtverhältnisse vor. Es gelingt der Künstlerin dieses Licht des Nordens und die Weite der Landschaft stimmungsvoll einzufangen. Wo genau diese Szene entstanden ist, läßt sich nicht sagen, doch ist die Nähe des Meeres in der athmosphärischen Schilderung zu spüren. [EH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.35 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Mädchen und Fischer mit Booten. Wohl um 1915. Oil on cardboard. Verso with the estate stamp, with an adhesive label with the stamped number 1257 and several hand-written inscriptions. 38 x 46 cm (14.9 x 18.1 in). • Some of her most important works were made during Münter's time in Scandinavia. • For the first time on the international auction market (source: artprice.com). PROVENANCE: Galerie Rosenbach 1973, cat. no. 344 (titled 'Am Flußufer') Private collection Baden-Württemberg. EXHIBITION: Westdeutsche Kunstmesse March 17 - 25, 1973, Galerie Vömel, no. 8 with illu. (here titled: 'Am Bootshafen'). In Stockholm, Münter met the circle of the Swedish avant-garde around Sigrid Hjertén, who, influenced by Matisse, were experimenting with decorativism in cool colors. During this time she developed a completely new style that was strongly influenced by her Swedish fellow painters. The strong colors and the solid forms of the time of the 'Blauer Reiter' now gave way to pastel colors, an almost amorphous form and a deconsolidation of the composition. Important works by Gabriele Münter were created in this environment, among them Narvik Haven, which today is on loan at the National Museum in Oslo from the Sparebankstiftelsen DNB. Far away from Murnau and the alpine landscape, she found a completely different environment and different lighting conditions in Scandinavia. The artist succeeds in capturing this light of the north and the vastness of the landscape in an atmospheric way. Exactly where this scene was created cannot be said, but the proximity to the sea can be felt in the atmospheric depiction. [EH] Called up: December 10, 2022 - ca. 17.35 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 300

Adolf Heinrich Lier 1826 Herrnhut - 1882 Wahren/Südtirol Ernte am Chiemsee. 1861. Öl auf Leinwand. Mennacher 193. Rechts unten signiert und ortsbezeichnet 'München'. Verso auf dem Keilrahmen mit Sammlungsetikett und altem nummeriertem Etikett '95'. 98 x 148,5 cm (38,5 x 58,4 in). • Großformatiges, kompositorisch und technisch herausragendes Werk Liers. • Lier gehört zu den bedeutendsten Vertretern der Münchner Schule. • Sommerliche Erntemotive gehören zu den gesuchtesten Landschaften des Künstlers. • 14 Werke Liers befinden sich in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München. PROVENIENZ: Geheimer Kommerzienrat Adalbert Karl August Stier, Berlin (spätestens 1928 - 1934: Lepke Berlin). Sammlung 'Schwentz' (?), o. O. (1934 vom Vorgenannten erworben). Sammlung Georg Schäfer, Schweinfurt (mit dem Etikett). Privatsammlung Bayern (2007 erworben). LITERATUR: Rudolph Lepke's Kunst-Auctions-Haus Berlin, Gemälde neuerer Meister der Sammlung St., Berlin, alte und neuere Gemälde aus Privatbesitz: 25. April 1934, Los Nr. 37 (m. Abb. Taf. 4). Neumeister Auktionshaus, München, Auktion 19.9.2007, Los 616 (m. Abb.). Sommerliche Wärme und das goldene Leuchten der weiten Kornfelder werden in den Landschaften von Adolf Heinrich Lier zum bestimmenden Motiv. In der von zunehmendem Realismus geprägten Landschaftsmalerei der Mitte des 19. Jahrhunderts hatte sich auch zunehmend das Motiv der Kornernte etabliert, in der zwischen der Landschafts-, Genre- und Figurenmalerei neue malerische Wege erkundet werden. Auch Lier, der zunächst in München bei Richard Zimmermann, anschließend bei Eduard Schleich studiert, reist 1861 nach Paris, um die neusten Entwicklungen der dortigen Landschaftsmalerei kennenzulernen. Vor Ort wenig begeistert, wirken die Eindrücke einer solch einfachen, ungekünstelten Herangehensweise wie der Schule von Barbizon jedoch nach der Rückkehr nach Deutschland umso stärker, wenngleich bei Lier der malerische den sozialen Aspekt eindeutig überwiegt. Grundlegend wird vielmehr eine farbharmonische Tonalität, die hier von hellem, warmen und sommerlichen Gelb bestimmt wird, gegenüber dem dunstigen transparenten Blau der in der Ferne auftauchenden Bergsilhouetten des Voralpenlandes sowie dem darunter liegenden See. Die imposanten, sich über den Himmel wölbenden Wolkenformationen greifen die kraftvolle und voluminöse Form der großen Bäume auf, die der Landschaft trotz des idyllischen Motivs eine imposante Weite und Größe verleihen. Die Figuren bleiben demgegenüber zwar einerseits klein, gehen aber in der präszisen Darstellung ihrer Tätigkeit und ihres Variantenreichtums über reine Staffage hinaus. Lier zeigt Frauen, Männer und Kinder bei ihrer Arbeit, die jeder Schwere und Mühseligkeit entbehrt, eingebettet in die warme und nährende Natur. Charakteristisch für Werke der Münchner Schule ist auch das langgezogene Format, das eine Weiterführung des Bildausschnittes über die Ränder hinaus vorstellbar macht und panorama-artige Weite suggeriert, die sich auch bis tief in den ausgedehnten Bildraum zieht. Mit seinen noch von einem gewissen romantisierenden Realismus geprägten Landschaften, im Übergang zu einem an Licht und Atmosphäre interessierten Vorimpressionismus wird Lier zu einer prägenden Figur der Münchner Landschaftsmalerei. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 14.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAdolf Heinrich Lier 1826 Herrnhut - 1882 Wahren/Südtirol Ernte am Chiemsee. 1861. Oil on canvas. Mennacher 193. Lower right signed and inscribed 'München'. Verso with collection label and an old label numbered '95'. 98 x 148.5 cm (38.5 x 58.4 in). • Large-size work by Lier, excellent in terms of composition and technical mastery. • Lier was one of the main representatives of the Munich School. • Summery harvest motifs count among his most sought-after motifs. • 14 of his works are in the Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Munich. PROVENANCE: Adalbert Karl August Stier, Berlin (from 1928 the latest - 1934: Lepke Berlin). Collection 'Schwentz' (?), no place (acquired from the above in 1934). Collection Georg Schäfer, Schweinfurt (with the label). Private collection Bavaria (acquired in 2007). LITERATURE: Rudolph Lepke's Kunst-Auctions-Haus Berlin, Gemälde neuerer Meister der Sammlung St., Berlin, alte und neuere Gemälde aus Privatbesitz: April 25, 1934, lot no. 37 with ill. plate 4. Neumeister Auktionshaus, Munich, auction on September 19, 2007, lot 616 (with illu.). Summer heat and the golden glow of the vast cornfields are the defining motifs in Adolf Heinrich Lier’s landscapes. Increasingly characterized by Realism, landscape painting in the mid-19th century had also embraced the motif of the crop harvest, exploring new artistic paths that linked landscape, genre and figure painting. Lier, who studied in Munich under Richard Zimmermann and later under Eduard Schleich, traveled to Paris in 1861 to find out about the latest developments in landscape painting. Though he was not particularly enthusiastic while in Paris, his impressions of the simple, unaffected approach of the Barbizon School were all the more powerful after his return to Germany, although the artistic clearly outweighed the social aspect in Lier’s work. The fundamental aspect here is a harmonious color tonality dominated by bright, warm and summery yellow, contrasted with the hazy, transparent blue of the mountain silhouettes of the distant Alpine foothills and the lake below. The imposing cloud formations arching across the sky echo the powerful bulky shapes of the large trees, lending the landscape an imposing expanse and grandeur despite the idyllic motif. Although the figures appear small in contrast, they are more than mere decorative accessories thanks to the detailed portrayal of their activities and the richness of their diversity. Lier captures women, men and children at work, devoid of all hardship and toil, nestled in warm and nurturing natural surroundings. A characteristic feature of the works attributed to the Munich School is their elongated format which suggests a continuation of the picture beyond the edges and hints at a panoramic expanse that reaches deep into the extended picture plane. With his landscapes still characterized by a certain romanticizing Realism but on the cusp of a pre-Impressionist style focusing on light and atmosphere, Lier became an influential figure in Munich landscape painting. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 14.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 514

Oskar Kokoschka 1886 Pöchlarn/Niederösterreich - 1980 Montreux Blumenstilleben. 1964. Aquarell. Unten mittig signiert und datiert. Auf Velin von Arches (mit dem Wasserzeichen). 50 x 65,7 cm (19,6 x 25,8 in), blattgroß. [CH]. • Äußerst seltenes blattfüllendes Aquarell des Künstlers. • Kokoschka bringt die feingliedrige Aquarellzeichnung ohne Vorzeichnung zu Papier. • Die Zeichnungen und Aquarelle des Künstlers befinden sich in weltweit renommiertesten Museen und Sammlungen, darunter das Metropolitan Museum, New York, die Tate Gallery und das Victoria & Albert Museum, London, das Centre Pompidou, Paris, und die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München. • Die späteren Jahre seiner künstlerischen Karriere bringen große Erfolge mit sich: 1948 Teilnahme an der Biennale in Venedig, 1955, 1959 und 1964 Teilnahme an der documenta I, II und III sowie groß angelegte Retrospektiven in der Londoner Tate Gallery 1962 und im Belvedere in Wien 1971. Wir danken Herrn Dr. Alfred Weidinger, Linz, für die freundliche wissenschaftliche Beratung. Die Arbeit wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. PROVENIENZ: Privatsammlung Hamburg (wohl in den 1960er Jahren erworben). Seitdem in Familienbesitz. Insbesondere in den späteren Jahrzehnten spielen die Darstellungen von Bäumen und Blumen in Oskar Kokoschkas Schaffen eine immer größere Rolle. Bereits ab 1925 entstehen einige Blumenstillleben in Öl, doch seine heute so berühmten Blumenaquarelle entstehen erst ab den 1940er Jahren nach seiner Flucht und Emigration nach Großbritannien. In den damals so schwierigen, herausfordernden Kriegsjahren widmet sich der Künstler den Blumenmotiven mit großer Freude. Ihre universale Bildsprache erlaubt es ihm, auch in England weiterhin als Maler tätig zu sein: 'Ich musste fortfahren, Augen und Hände zu üben, vor allem, als nach der Schneeschmelze im ersten Sonnenlicht Schneeglöckchen, Krokusse, Hyazinthen, Narzissen und Tulpen aufblühten. Öffnete man die Augen, so wurde jeder Tag zum Erlebnis.' (Oskar Kokoschka, zit. nach: Ausst.-Kat. Kokoschka als Zeichner, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden, 2011/2012, S. 180) Zu Beginn der 1950er Jahre zieht es Kokoschka und seine Frau Olda nach Villeneuve an den Genfer See. Das Wohnhaus, die 'Villa Dolphin', verfügt über einen großen Garten, der dem Künstler reichhaltige Inspirationsquelle ist. Die Darstellung der ihn umgebenden Fauna scheint ihn auch aufgrund eines tieferen Umweltbewusstseins fasziniert und interessiert zu haben. So schreibt er in den 1970er Jahren in seinem umweltpolitischen Grußwort an den Kanton Waadt, er hege die große Hoffnung, dass es auch in der nächsten Generation noch möglich sein werde, 'einen in Blüte stehenden Kastanienbaum an Stelle eines neuen Autoparks, an Stelle eines Wolkenkratzers aus Beton zu sehen' (Ebd.) In jedem Fall sind Kokoschkas spätere Blumenaquarelle keinesfalls liebliche Darstellungen eines altbekannten, alltäglichen Motivs. Stattdessen schafft der Maler – wie auch in dem hier angebotenen blattfüllenden Aquarell von 1964 – aus zarten und kräftigen, pastelligen und satten Farbflächen eine offene, locker-leichte Komposition, in der er partiell sogar die Grenze zur Abstraktion überschreitet. [CH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOskar Kokoschka 1886 Pöchlarn/Niederösterreich - 1980 Montreux Blumenstilleben. 1964. Watercolor. Signed and dated in bottom center. On Arches wove paper (with watermark). 50 x 65.7 cm (19.6 x 25.8 in), the full sheet. [CH]. • Extremely rare full-sheet watercolor. • Kokoschka renders the delicate watercolor on the paper without a preliminary drawing. • Drawings and watercolors by the artist can be found in the world's most renowned museums and collections, among them the Metropolitan Museum, New York, Tate Gallery and the Victoria & Albert Museum, London, the Centre Pompidou, Paris, and the Bavarian State Painting Collection, Munich. • His late creative period was extremely successful: in 1948 participation in the Venice Biennial, in 1955, 1959 and 1964 participation in documenta I, II and III as well as the grand retrospective exhibitions at the London Tate Gallery in 1962 and the Belvedere in Vienna in 1971. We are grateful to Dr. Alfred Weidinger, Linz, for his kind expert advice. The work will be included into the forthcoming catalogue raisonné. PROVENANCE: Private collection Northern Germany (presumably acquired in the 1960s). Ever since family-owned. Depictions of trees and flowers played an increasingly important role in Oskar Kokoschka's work, especially in later decades. As early as in 1925 he created a number of flower still lifes in oil, but his flower watercolors, which are so famous today, were not created until the 1940s after he had fled and emigrated to Great Britain. During the then difficult, challenging war years, the artist devoted himself to floral motifs with great pleasure. Their universal pictorial language allowed him to continue working as a painter in England: 'I had to keep practicing my eyes and my hands, especially when, after the snow had melted, snowdrops, crocuses, hyacinths, daffodils and tulips bloomed in the first sunlight. Opened eyes, every day became an experience.' (Oskar Kokoschka, quoted from: ex. cat. Kokoschka als Zeichner, Staatliche Kunstsammlungen, Dresden, 2011/2012, p. 180) In the early 1950s, Kokoschka and his wife Olda moved to Villeneuve on Lake Geneva. Their house, the 'Villa Dolphin', was surrounded by a large garden that would serve the artist as a rich source of inspiration. The depiction of the fauna that surrounded him seems to have fascinated and interested him also because of a deeper environmental awareness. In the 1970s, for example, he sent an ‘environmental greeting’ to the canton of Vaud, stating “he had great hopes that the next generation will still have a chestnut tree in bloom instead of a new car park, instead of a skyscraper made of concrete' (ibid.) In any case, Kokoschka's later floral watercolors are by no means lovely depictions of a well-known, everyday motif. Instead, the painter creates – as in the full-page watercolor from 1964 offered here – an open, relaxed, light composition from delicate and strong, pastel and rich color surfaces, in which he even partially crosses the border to abstraction. [CH] Called up: December 10, 2022 - ca. 19.02 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Los 400

Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Signet der Künstlervereinigung Brücke. 1905. Holzschnitt. Gercken A-24. Dube H 692. Eines von 3 bekannten Exemplaren. Auf gräulichem Karton. 5 x 6,5 cm (1,9 x 2,5 in). Papier: 7 x 8,4 cm (2,8 x 3,3 in). Verso Fragment eines früheren Zustands des Holzschnitts 'Idiot 4' (Gercken 5). [SM]. • Nur eines von drei bekannten Exemplaren. • Neben diesem Exemplar wurde bisher kein weiteres auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). • Das erste Signet der jungen Künstlervereinigung 'Brücke'. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg (bis 28.5.1990: Galerie Wolfgang Ketterer). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032, vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Hans Wentzel, Unbekannte gebrauchsgraphische Arbeiten von Ernst Ludwig Kirchner, in: Jahrbuch der Hamburger Kunstsammlungen, 1968, S. 142 (anderes Exemplar). Galerie Wolfgang Ketterer, München, 150. Auktion, 19. und 20. Jahrhundert, Katalog I, 28.5.1990, Los-Nr. 228.(mit SW-Abb.). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 98, SHG-Nr. 35. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 286, SHG-Nr. 645. Signets und Vignetten als konstante Werbemaßnahme in einer Vielzahl von Formen und Funktionen entwickeln die jungen Künstler zu einem wichtigen Markenzeichen ihrer Vereinigung. Den wohl ersten Entwurf eines Signets für die 'Brücke' schneidet Ernst Ludwig Kirchner. Eine symbolhaft-erzählerische Szene wird von zwei Schriftbalken gerahmt: oben 'Künstlervereinigung' und unten 'Brücke'. Das Motiv verweist nicht nur auf den Namen der Gruppe, sondern auch auf deren reformerische Vorstellung: mitten auf einer Brücke über einem Gewässer steht eine nackte Frauengestalt, ihre Arme gen Himmel ausgebreitet. Zwei männliche Figuren, ebenfalls nackt, sitzen am Ufer im Rücken der Frau und beobachten die esoterisch aufgeladene Szene. Dieses emblematische Motiv einer die Arme in den Himmel reckenden Figur gehört um 1900 zu den populärsten, beliebtesten und in den ersten Jahren des Jahrhunderts allseits bekannten Plakaten, das der Maler und Lebensreformer Hugo Höppener, besser bekannt als Fidus, in seinem 'Lichtgebet' verdichtet: Ein nackter junger Mann auf dem Felsen reckt die Arme gen Himmel der Sonne entgegen und verkörpert sämtliche Sehnsüchte der deutschen Jugendbewegung: Hoffnungen auf Heil, Erlösung und Aufbruch, asketische Feier von Nacktheit und Schönheit, von Gesundheit, Kraft und Willen. Kurz: die Befreiung von allen zivilisatorischen Zwängen, ein deutliches Bekenntnis zur Sehnsucht der Künstler, die sie sehr bald in ihren Ateliers oder in Freiheit und Naturnähe an den Moritzburger Teichen ausleben werden. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Signet der Künstlervereinigung Brücke. 1905. Woodcut. Gercken A-24. Dube H 692. One of three known copies. On gray cardboard. 5 x 6.5 cm (1.9 x 2.5 in). Sheet: 7 x 8,4 cm (2,8 x 3,3 in). Verso with fragments of an earlier state of the woodcut 'Idiot 4' (Gercken 5). [SM]. • One of only three known copies. • Apart from this copy, no other copy has ever been offered on the international auction market (source: artprice.com). • The first signet of the young artist group 'Brücke'. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg (until May 28, 1990: Galerie Wolfgang Ketterer). Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (with the collector's stamp Lugt 6032, acquired from the above). EXHIBITION: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Hans Wentzel, Unbekannte gebrauchsgraphische Arbeiten von Ernst Ludwig Kirchner, in: Jahrbuch der Hamburger Kunstsammlungen, 1968, p. 142 (different copy). Galerie Wolfgang Ketterer, Munich, 150th auction, 19. und 20. Jahrhundert, catalog I, May 28, 1990, lot 228.(with black-and-white illu.). Heinz Spielmann (ed.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, p. 98, SHG no. 35. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (eds.), Die Maler der Brücke. Inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 286, SHG no. 645. The young artists made signets and vignettes as advertising means in a variety of forms and functions an important trademark of the group. The first design of a signet for the 'Brücke' was presumably cut by Ernst Ludwig Kirchner. A symbolic, narrative scene is framed by two bars of lettering: 'Künstlervereinigung' at the top and 'Brücke' at the bottom. The motif refers not only to the name of the group, but also to its reformist conception: a naked female figure stands in the middle of a bridge over a body of water, her arms stretched out into the sky. Two male figures, also nude, sit on the shore behind the woman and observe the esoterically charged scene. This emblematic motif of a figure stretching its arms into the sky is one of the most popular poster motifs around 1900, and the painter and life reformer Hugo Höppener, better known as Fidus, condenses it into his 'Lichtgebet' (Light Prayer): A naked young man on the rock stretches his arms towards the sun, embodying all the longings of the German youth movement: Hopes for salvation, redemption and renewal, ascetic celebration of nakedness and beauty, of health, strength and will. In short: the liberation from all constraints, a clear commitment to the longing of the artists, which they will very soon live out in their studios or in freedom and closeness to nature at the Moritzburg Ponds. [MvL] Called up: December 10, 2022 - ca. 16.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 317

Edward Harrison Compton 1881 Feldafing - 1960 Feldafing Blick vom Zugspitzgipfel. 1937. Aquarell und Gouache über Bleistift. Rechts unten datiert '13.X.07'. Verso mit dem Nachlasstempel. Auf Aquarellkarton. 33,4 x 49 cm (13,1 x 19,2 in), blattgroß. Wir danken Frau Sibylle Brandes, Tutzing, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers (verso mit dem Stempel). Privatsammlung Hessen. Wie sein Vater - ein ausgezeichneter Alpinist, der zahlreiche Erstbesteigungen absolviert - begeistert sich auch Edward Harrison Compton leidenschaftlich für die alpine Landschaft und das immer wieder überwältigende und veränderliche Naturerlebnis der Berge. In den 1930er Jahren begibt sich Compton vor allem ins Loisachtal und in das Werdenfelser Land, wo der Gipfel der Zugspitze seit 1930 mit der Zugspitzbahn leicht erreichbar ist. Vom Zugspitzplatt bietet sich ein atemberaubender Ausblick über die verschneiten Gebirgsketten, die sich imposant hintereinander aufreihen. Der blau angehauchte Himmel und die lavierend gemalten Bergketten lassen den gelblichen Aquarellkarton durchscheinen, wodurch der Eindruck entsteht, als sei Compton zur goldenen Stunde auf den Gipfel der Zugspitze, um diesen idyllischen Moment in dem hier angebotenen Aquarell einzufangen. Er bildet malerisch ebenso die wechselnde Lichtstimmung durch die vorüberziehenden Wolken ab, unter denen die menschenleere, kühle und in blauer Transparenz der Luft und des Lichts daliegende alpine Landschaft intensiv erfahrbar wird. [JG] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 14.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Harrison Compton 1881 Feldafing - 1960 Feldafing Blick vom Zugspitzgipfel. 1937. Watercolor and gouache over pencil. Lower right dated '13.X.07'. Verso with the estate stamp. On cardboard. 33.4 x 49 cm (13.1 x 19.2 in), the full sheet. We are grateful to Ms Sibylle Brandes, Tutzing, for her kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: From the artist's estate (with the stamp on the reverse). Private collection Hesse. Much like his father - an accomplished alpinist who completed numerous first ascents - Edward Harrison Compton was passionate about the alpine landscape and the stunning, ever-changing natural beauty of the mountains. In the 1930s, Compton mostly traveled to the Loisach Valley and the Werdenfelser Land, where the Zugspitzbahn train had provided easy access to the peak of the Zugspitze mountain since 1930. The Zugspitzplatt plateau offers a breathtaking view over the imposing snow-covered mountain ranges lined up one after another. The blue-tinged sky and wash-painted mountain ranges reveal the yellowish watercolor cardboard below, creating the impression that Compton was actually on top of the Zugspitze at the golden hour to capture this idyllic moment in the watercolor painting offered here. The passing clouds add to the artistic effect of the changing light atmosphere, emphasizing the deserted, cool alpine landscape with its blue translucency of air and light. [JG] Called up: December 10, 2022 - ca. 14.52 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 323

Edward Theodore Compton 1849 London - 1921 Feldafing Die Jungfrau. Um 1900. Aquarell. Links unten signiert. Auf Velin. 26,5 x 40 cm (10,4 x 15,7 in). Papier: 33 x 50,5 cm (12,9 x 19,8 in). Wir danken Frau Sibylle Brandes, Tutzing, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen. Autodidaktisch beginnt Compton ab 1863 sich durch Naturstudien das Malen beizubringen, ehe er einige Kunstschulen in England besucht. Als er 18 Jahre alt ist, wandert seine Familie nach Darmstadt aus. Ein einschneidendes Erlebnis für ihn ist die Familienreise ins Berner Oberland im Juli 1868: Bei der Überfahrt des Thuner Sees fasst Compton spontan den Entschluss, Bergmaler zu werden, als sich wie in einer Vision die Berge Eiger, Mönch und Jungfrau durch den sich lichtenden Nebel zeigen. Dieses Schlüsselerlebnis im Leben des Malers bringt ihn immer wieder zu diesem Ort und das vorliegende Aquarell ist eines Darstellung davon. Die Jungfrau ist der drittgrößte Berg in den Berner Alpen und Teil des markanten 'Dreigestirns'. Für dieses Aquarell wählt der Künstler einen Blickwinkel von dem benachbarten Berg mit Blick auf die am Horizont liegende Jungfrau. Wie ein Schleier umfasst der Nebel die Gebirgsgruppe und der Himmel ist einem leichten Grauton gemalt. Mit weißer Farbe nuanciert er das steile Gebirge an den Stellen, an denen vermutlich doch die Sonne reflektiert. [JG] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONEdward Theodore Compton 1849 London - 1921 Feldafing Die Jungfrau. Um 1900. Watercolor. Lower left signed. On wove paper. 26.5 x 40 cm (10.4 x 15.7 in). Sheet: 33 x 50,5 cm (12,9 x 19,8 in). We are grateful to Ms Sibylle Brandes, Tutzing, for her kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Hesse. Before attending several art schools in England, Compton began to study nature in 1863 to teach himself the art of painting. At the age of 18, he moved to Darmstadt with his family. In July 1868, Compton had a profound experience on a family trip to the Bernese Oberland. While crossing Lake Thun, with the Eiger, Mönch and Jungfrau mountains appearing through the clearing fog like a vision, the young man made the spontaneous decision to become a mountain painter. Thanks to this pivotal experience, the artist returned time and again. The watercolor painting on offer here is a portrayal of this exceptionally beautiful spot. The Jungfrau peak is the third highest mountain in the Bernese Alps and part of the distinctive “Triumvirate”. For this watercolor, the artist chose a vantage point from the adjacent mountain with a view of the Jungfrau looming on the horizon. A shroud of mist envelops the mountain range and the sky is painted a light shade of grey. White paint adds nuance to the steep mountains in places where sunlight is reflected. [JG] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.00 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 350

Charles Johann Palmié 1863 Aschersleben - 1911 München München, Marienplatz. 1908. Öl auf Leinwand. Links unten signiert sowie ortsbezeichnet und datiert 'München 08'. Verso auf der Leinwand sowie dem Keilrahmen verschiedentlich handschriftlich und typografisch nummeriert, dort mit altem Etikett des Künstlers zur Behandlung des Werkes. 150,5 x 116 cm (59,2 x 45,6 in). • Palmiés Ansichten der Münchner Altstadt um die Jahrhundertwende gehören zu seinen gefragtesten Sujets. • Unter dem Einfluss des französischen Impressionismus entwickelt Palmié ein unvergleichliches, höchst individuelles Kolorit. • Großformatige, ungemein atmosphärische Ansicht mit faszinierender Lichtstimmung. PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (aus Familienbesitz erhalten). 'Sein oft gemaltes Lieblingsmotiv: der Münchner Marienplatz als Herz der Stadt mit den schützenden Wahrzeichen der Mariensäule und den Türmen der Frauenkirche im Glanze bunter Lichter, ein Farbenfeuerwerk, das in neo-impressionistischer Behandlung fast an einen orientalischen Teppich gemahnt' Die Kunst für alle, Nr. 26, 1910-1911, S. 552. In vibrierender Farbigkeit gibt Palmié eines seiner Lieblingsmotive, den abendlichen Münchner Marienplatz nach einem Regenschauer, wieder. Die Fassade des Neuen Rathauses verschwimmt in dunklen violetten Tönen, ein durch die elektrische Beleuchtung grünlich erscheinendes Licht wabert durch die Straßen, in den Rathausarkaden verheißen die warm erleuchteten Fenster das schnelle Glück der Warenwelt. Mit unvergleichlicher Intensität macht Palmié hier die transformierende Kraft des Lichtes spürbar, das in allen Facetten des Spektrums in seiner Malerei gewürdigt wird. Die Ansicht des Marienplatzes konzentriert sich weniger auf eine präzise Wiedergabe architektonischer Details, sondern hält den flüchtigen Eindruck der Wetter- und Lichtphänomene fest. In diversen Ansichten diente Palmié – ähnlich wie Claude Monet die Kathedrale von Rouen in seinen seriellen Darstellungen – der zentrale Platz Münchens als malerisches und koloristisches Experimentierfeld, das er in immer neuen Farb- und Lichtstimmungen wiedergibt. Dabei wählt er einen Ausblick, bei dem in dieser Perspektive Monumente aus drei Jahrhunderten mit der mittelalterlichen Frauenkirche, der barocken Mariensäule und dem Neuen Rathaus aus der Mitte des 19. Jahrhunderts zusammen gezeigt werden können. Palmié visualisiert so auf raffinierte Weise den kontinuierlichen Wandel der Stadt, die er im Glanz der elektrischen Beleuchtung der Schaufenster als Bühne des modernen urbanen Lebens inszeniert. Palmié beginnt seine künstlerische Laufbahn mit einer Lehre als Dekorationsmaler und studiert anschließend an der Dresdner Akademie. 1884 siedelt er nach München über, wo er als Schüler von August Fink seine künstlerische Ausbildung vollendet. Palmié gehört zur Münchner 'Luitpold-Gruppe', die sich 1892 von der Münchner Künstlergenossenschaft abspaltet. Zudem ist er 1909 Gründungsmitglied der Neuen Künstlervereinigung München unter dem Vorsitz von Wassily Kandinsky, doch tritt er noch vor der ersten gemeinsamen Ausstellung im Winter 1909 wegen künstlerischer Differenzen aus. Zwei Jahre später stirbt er 1911 in München. Große Berühmtheit erlangt der Künstler zunächst vor allem durch seine Landschaftsdarstellungen. Aus der Tradition der Freilichtmalerei des Biedermeiers kommend, wendet er sich später dem Impressionismus und Pointillismus zu. Unverkennbar ist auch hier der Einfluss der französischen Impressionisten in Bezug auf die Motivwahl einer Stadtansicht, der Perspektive von oben und dem tupfenhaften Pinselduktus, vorformuliert in deren Darstellungen der Pariser Boulevards und Plätzen. Vermutlich kennt Palmié deren Gemälde, die erstmals 1891 auf der Ausstellung im Münchner Glaspalast präsentiert werden - darunter vier von Claude Monet, Seestücke und eine winterliche Landschaft. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONCharles Johann Palmié 1863 Aschersleben - 1911 München München, Marienplatz. 1908. Oil on canvas. Lower left signed, inscribed and dated 'München 08'. Verso of the canvas and the stretcher with several numbers (by hand and in typography), and with an old label inscribed by the artist with care instructions. 150.5 x 116 cm (59.2 x 45.6 in). • Palmié's views of Munich's old town around the turn of the century are among his most sought-after works • Under the influence of French Impressionism, Palmié developed an incomparable, highly individual coloring • Large-format, extremely atmospheric view with a fascinating lighting mood. PROVENANCE: Privat collection North Rhine-Westphalia (obtained from family ownership). Using a range of vibrant colors, Palmié captures one of his favorite motifs, Munich’s Marienplatz in the evening after a rain shower. The façade of the New City Hall dissolves into dark purple tones, greenish light produced by electric lamps wafts through the streets, and the warmly illuminated shop windows in the City Hall arcades hold the promise of instant consumer gratification. In this painting, Palmié conveys with unparalleled intensity the transformative power of light, which his work celebrates in all possible shades of the spectrum. Rather than a precise rendering of architectural details, his view of Marienplatz captures the fleeting impression of weather and light phenomena. Much like Rouen Cathedral in Claude Monet’s serial portrayals, Munich’s central square, which Palmié reproduced in various views in ever changing shades of color and lights, served the painter as a frequent source of artistic and coloristic experimentation. Choosing a perspective that combines monuments from three centuries, he displays the medieval Church of Our Lady, the baroque St. Mary’s Column and the New Town Hall from the mid-19th century. Palmié thus presents an ingenious vision of the continuous transformation of the city, casting it as a backdrop for modern urban life bathed in the glow of the shop windows’ electric lighting. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 345

Karl Hagemeister 1848 Werder a. d. Havel - 1933 Werder a. d. Havel Mädchen im Kohlfeld. 1886. Öl auf Leinwand. Warmt G 197 (2015: G 167). Rechts unten signiert und datiert. Verso auf der Leinwand mit zwei verblassten unleserlichen Stempeln. Verso auf dem Keilrahmen mit altem Etikett, bezeichnet 'Eigenthum von / Friedrich Hagemeister / Prof. Hagemeister', sowie mit weiterem Etikett 'Nr. 693 / Schulamt / Brandenburg G.H. / Ölgemälde / Prof. K. Hagemeister / 'Mädchen im Kohlfeld' Brandenburg 15 / IV [19]43'. Nummeriert 'B-0149' und '69.3'. 119 x 73 cm (46,8 x 28,7 in). Mit einem schriftlichen Gutachten von Frau Dr. Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister Archiv & Werkverzeichnis, Berlin, 24. Oktober 2022. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Frau M. Schweitzer, Brandenburg/Havel (vom Vorgenannten erhalten). Privatsammlung Berlin (1975 erworben). AUSSTELLUNG: Karl Hagemeister, Bröhan-Museum, Berlin, 12.3.-12.7.1998, Kat.-Nr. 49. LITERATUR: Peter Paret, Die Berliner Secession. Moderne Kunst und ihre Feinde im Kaiserlichen Deutschland, Berlin 1981, S. 105. Irmgard Wirth, Berliner Malerei im 19. Jahrhundert, Berlin 1990, Taf. 75. Margit Bröhan (Hrsg.), Karl Hagemeister (1848 - 1933) - Gemälde-Pastelle-Zeichnungen, Ausst.-Kat. Bröhan Museum, Berlin 1998, S. 100 (Abb. S. 101). Berührungspunkte mit der europäischen Moderne und dem aufkommenden Impressionismus in Paris hinterlassen bei Hagemeister den Drang mit impressionistischen Auffassungs- und Darstellungskonzepten in der zweiten Hälfte der 1880er Jahre zu experimentieren. Inspiriert von der sehr hellen und kraftvollen Farbgebung in einem gestisch schwungvollen Pinselduktus der Franzosen begann er seinen eigenen bildnerischen Ausdruck zu suchen. In Ferch, einem kleinen Fischerdorf im Havelland, wo Hagemeister von 1880 bis 1891/92 lebte, wandte er sich nicht nur der reichhaltigen Flora und Fauna, sondern auch, den französischen Vorbildern nacheifernd, figurativen Studien zu. Durch seine Kindheit auf dem Land entwickelt Hagemeister eine innige Liebe zur Tier- und Pflanzenwelt. Seine Hingabe begründet sich in seinem direktem Dasein in der freien Natur. Denn „wer Landschaften malt, muss sich aufhalten, wo die Landschaft ist; wer Prinzessinnen malt, muss dort sein, wo die Prinzessinnen sind.“ Für ihn stellt die Natur ein „seelisches Element“ dar, das er durch den Malprozess und das Verharren in freier Natur Vorort zu erspüren sucht. Hagemeister entwickelt eine malerische Herangehensweise, bei der ein pastos angelegter grober Vordergrund einem lasierend aufgetragenen Hintergrund entgegengesetzt wird. Davon umgeben präsentiert er im Mittelgrund des Bildaufbaus Bäuerinnen, die entweder in stiller Position verharren oder ihrer Arbeit nachgehen. Es entsteht eine Momentaufnahme, die eine Realität einfacher Landleute zeigt, ohne sich einem Sujet der bürgerlichen Porträts oder historischer Szenerien zu bedienen. Der Verzicht auf jegliche Beschönigung wendet sich einem Realismus zu, der bereits spätere Umwälzungen in den Kunstsalons in Deutschland ankündigt. Fernab der städtischen Zensur ist Hagemeister so Mitstreiter einer sich langsam vollziehenden Entwicklung grundlegender zukünftiger kunsthistorischer Veränderungen. Auch unser Bildnis „Das Mädchen im Kohlfeld“ zeigt ein stimmiges Zusammenspiel zwischen heimischer Schönheit von Mensch und Natur. Ein Bauernmädchen in schlichter Erscheinung sitzt auf dem Feld, während die ihr umliegende Natur in eine dynamischere Atmosphäre getaucht ist. Das Mädchen blickt in stiller Anmut über den äußeren Bildrand in die Ferne hinaus. Es entsteht ein kurzer Augenblick des Stillstandes, während die Bäume, Sträucher und das Feld durch den Wind bewegt werden. Pastoser und kräftiger Farbauftrag von lichten Gelb- und Grüntönen lassen ein Naturspektakel entstehen, dass um das zarte Mädchen in einfacher Tracht umher rauscht. [CS] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONKarl Hagemeister 1848 Werder a. d. Havel - 1933 Werder a. d. Havel Mädchen im Kohlfeld. 1886. Oil on canvas. Warmt G 197 (2015: G 167). Lower right signed and dated. Verso of the canvas with two faded illegible stamps. Verso of the stretcher with an old label inscribed: 'Eigenthum von / Friedrich Hagemeister / Prof. Hagemeister', sowie mit weiterem Etikett 'Nr. 693 / Schulamt / Brandenburg G.H. / Ölgemälde / Prof. K. Hagemeister / 'Mädchen im Kohlfeld' Brandenburg 15 / IV [19]43'. Numbered 'B-0149' and '69.3'. 119 x 73 cm (46.8 x 28.7 in). Accompanied by a written expertise from Dr. Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister Archive & catalogue raisonné, Berlin, October 24, 2022. PROVENANCE: From the artist's estate. Ms M. Schweitzer, Brandenburg/Havel (onbtained from the above). Private collection Berlin (acquired in 1975). EXHIBITION: Karl Hagemeister, Bröhan-Museum, Berlin, March 12 - July 12, 1998, cat. no. 49. LITERATURE: Peter Paret, Die Berliner Secession. Moderne Kunst und ihre Feinde im Kaiserlichen Deutschland, Berlin 1981, p. 105. Irmgard Wirth, Berliner Malerei im 19. Jahrhundert, Berlin 1990, plate 75. Margit Bröhan (ed.), Karl Hagemeister (1848 - 1933) - Gemälde-Pastelle-Zeichnungen, ex. cat. Bröhan Museum, Berlin 1998, p. 100 (illu. p. 101). In the second half of the 1880s, Hagemeister’s encounters with European Modernism and the emerging Impressionism in Paris prompted him to experiment with Impressionist concepts of perception and representation. Inspired by the bright and powerful colors of the French artists and their sweeping, expressive brushstrokes, he began to search for his own artistic language. While living in Ferch, a small fishing village in Havelland, from 1880 to 1891/92, Hagemeister explored the rich local flora and fauna and, inspired by the French masters, the art of figure drawing. During his childhood in the countryside, Hagemeister developed an intimate love for the world of animals and plants. This devotion was rooted in his direct exposure to the natural world. “If you paint landscapes, you have to be where the landscape is; if you paint princesses, you have to be where the princesses are.” Hagemeister saw nature as a “spiritual element” which he sought to sense and feel by immersing himself in the natural world and working through the painting process. He developed a style of painting that contrasts a rough impasto foreground with a glazed background. Framed by these, the middle ground of his compositions usually present peasant women either in a resting position or going about their work. Presenting a snapshot of the reality experienced by simple country people, his works avoid the classic motifs of bourgeois portraits or historical scenes. Hagemeister’s rejection of any embellishment approaches a realism that foreshadows subsequent developments in Germany’s art salons. Far from urban censorship, Hagemeister is thus part of a slowly unfolding process towards fundamental future changes in the history of art. Our portrait, “The Girl in the Cabbage Field”, reveals a harmonious interaction between the native beauty found in mankind and nature. Sitting in the field, a plain-looking peasant girl is surrounded by natural scenery imbued with a more dynamic atmosphere. With serene grace, the girl gazes into the distance beyond the outer edge of the picture. A brief moment of stillness unfolds while the trees, shrubs and field move in the wind. Strong impasto applications of light yellow and green shades create a natural spectacle that swirls around the delicate girl in her simple dress. [CS] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 332

Wilhelm Busch 1832 Wiedensahl bei Hannover - 1908 Mechtshausen bei Seesen/Harz 3 Bll.: Mann im Wirtshaus (Bl. 1). Schlachtender Bauer (Bl. 2). Das Jaussi im Winter (Bl. 3). Zwischen 1858–1875. Zeichnungen, Bleistift, Tusche. Brunngraber-Malottke 412 (Bl. 2). Monogrammiert (Bl. 1). Mit dem Künstlermonogramm (Bl. 3). Auf Velin und leichtem Karton. Von 10 x 5,1 cm (3,9 x 2 in). bis 16,4 x 10,2 cm (6,4 x 4 in). Wir danken Frau Dr. Ruth Brunngraber-Malottke, Wilhelm Busch Museum, Hannover, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Reinhard Piper (1879-1953), München (bis 1953). (Bl. 1) Nachlass Reinhard Piper. (Bl. 1) Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1981 vom Vorgenannten erworben). (Bl. 1) Sammlung Reinhard Piper (1879-1953), München (bis 1953, verso mit dem Sammerstempel, Lugt 5594).(Bl. 2) Nachlass Reinhard Piper. (Bl. 2) Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1981 vom Vorgenannten erworben: Karl und Faber) (Bl. 2). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (Dez. 1980 erworben) (Bl. 3). LITERATUR: Karl & Faber, München, 155. Auktion, 4./5.6.1981, Los 435 (Bl. 2). Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONWilhelm Busch 1832 Wiedensahl bei Hannover - 1908 Mechtshausen bei Seesen/Harz 3 Bll.: Mann im Wirtshaus (Bl. 1). Schlachtender Bauer (Bl. 2). Das Jaussi im Winter (Bl. 3). Zwischen 1858–1875. Drawings, pencil, India ink. Brunngraber-Malottke 412 (sheet 2). Monogrammed (sheet 1). With the artist's monogram (sheet 3). On wove paper and on light cardboard. From 10 x 5.1 cm (3.9 x 2 in). to 16,4 x 10,2 cm (6,4 x 4 in). We are grateful to Dr. Ruth Brunngraber-Malottke, Wilhelm Busch Museum, Hanover, for her kind expert advice. PROVENANCE: Collection Reinhard Piper (1879-1953), Munich (until 1953). (sheet 1) Estate of Reinhard Piper. (sheet 1) Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 1981). (sheet 1) Collection Reinhard Piper (1879-1953), Munich (until 1953, with the collector's stamp on the reverse, Lugt 5594).(sheet 2) Estate of Reinhard Piper. (sheet 2) Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 1981: Karl und Faber) (sheet 2). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired in Dec. 1980) (sheet 3). LITERATURE: Karl & Faber, Munich, 155th auction, June 4/5, 1981, lot 435 (sheet 2). Called up: December 10, 2022 - ca. 15.12 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 394

Otto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Klavierquartett. Um 1930. Öl auf Leinwand. Rechts unten in der nassen Farbe signiert. Verso auf der Leinwand betitelt sowie erneut signiert. 43 x 47,5 cm (16,9 x 18,7 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland. Otto Pippel gehört zu den bedeutendsten Impressionisten zweiter Generation im süddeutschen Raum. 1905 nimmt er sein Studium der Malerei in Karlsruhe auf und wechselt 1907 an die Dresdner Akademie zu Gotthard Kuehl, der besonders für seine Interieurszenen bekannt ist. Als Pippel 1908 zum Abschluss seiner Studien nach Paris reist, wird er durch die französischen Impressionisten bestärkt, die Licht- und Eindrucksmalerei für sich weiterzuentwickeln. Er wird Mitglied der 'Luitpold-Gruppe' und stellt 1912 erstmals im Glaspalast in München aus. Neben zahlreichen Landschaften hat Otto Pippel in seinen Gemälden auch immer wieder die bürgerliche Gesellschaft Münchens porträtiert, deren Teil er selbst ist. Mondäne Vergnügungen wie tafelnde Abendgesellschaften in prunkvollen Interieurs, Konzerte und Soiréen rücken während seiner malerischen Anfänge während der Belle époque in sein motivisches Repertoire und bleiben für ihn von dauerhaftem Interesse. Gegenüber einer impressionistischen Freilichtmalerei, die er sich spätestens nach einem Parisaufenthalt 1908 ebenfalls zu eigen macht, definiert er ein für ihn charakteristisches neues Genre des impressionistischen Interieurbilds. Beleuchtungseffekte warmer, zentraler Lichtquellen, deren Schein das Halbdunkel des Raumes erfüllt, werden koloristisch ergänzt und gesteigert durch das elegante Schwarz der Anzüge der Herren, weiße Effekte der Notenblätter runden die Farbharmonie ab. Pippel knüpft so an die Idee einer stimmungsvollen, musikalischen und in Farbharmonien wirkenden Malerei ab der Mitte des 19. Jahrhunderts an, in der Sujet, Bilderzählung und Details zugunsten eines reinen Farbeindrucks in den Hintergrund treten. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.35 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOtto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Klavierquartett. Um 1930. Oil on canvas. Signed in wet paint in lower right. Verso titled and once more signed. 43 x 47.5 cm (16.9 x 18.7 in). PROVENANCE: German private collection. Otto Pippel is recognized as one of the most prominent second-generation Impressionists in the region of southern Germany. After commencing his painting studies in Karlsruhe in 1905, he transferred to the Dresden Academy in 1907 to study with Gotthard Kuehl, who was noted for his portrayals of interior scenes. Traveling to Paris in 1908 to complete his studies, Pippel was inspired by the French Impressionists as he continued to develop his skills in the art of light and Impressionist painting. He went on to join the “Luitpold Group” and had his first exhibition at Munich’s Glaspalast in 1912. Along with numerous landscapes, Otto Pippel also frequently portrayed Munich’s bourgeois society, of which he was himself a member. Scenes of glamorous social entertainment events, including dinner parties in opulent settings, concerts and soirées, became part of his repertoire of motifs during the belle époque and remained a permanent focus of his work. In contrast to Impressionist outdoor painting, which he also adopted following his visit to Paris in 1908, he mainly concentrated on interior scenes, defining his own new genre within the field of Impressionist painting. Illuminative effects emanating from a warm, central light source whose glow fills the semi-darkness of the room are complemented and enhanced by the color of the elegant black of the gentlemen’s suits, with the white effects of the sheet music rounding off the harmonious color scheme. Pippel thus echoed the mid-19th-century concept of ambient, musical imagery rendered in color harmonies, wherein subject matter, visual narrative and detail play a secondary role to pure color impression. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 16.35 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 364

Carl Spitzweg 1808 München - 1885 München Zwei Dirndl auf der Alm. Um 1870. Öl auf Leinwand. Wichmann 1459. Links unten mit der Signaturparaphe. Verso auf dem Keilrahmen mit handschriftlicher Nummerieung sowie Ausstellungsetikett Haus der Kunst, München. 22 x 39 cm (8,6 x 15,3 in). • Wundervolles Panorama der oberbayerischen Voralpenlandschaft, die Spitzweg seit seinen malerischen Anfängen erschließt • Neben seinen Genrebildern ist Spitzweg ein Meister der Landschaft, die er effektvoll durch Licht und Schatten und transparenter Luftperspektive modelliert • Spitzweg begibt sich selbst unzählige Male auf Wanderschaft in die Berge • Charakteristisches Motiv der späteren Zeit sind die Sennerinnen auf der Alm, bei dem der Gestaltung der Landschaft große Bedeutung zukommt. Wir danken Herrn Detlef Rosenberger, der das Werk im Original begutachtet hat, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Rolf Schiess, Waldhof, Flawil/Schweiz (Nr. 224. bis 1967). Privatsammlung Süddeutschland (1996 erworben). Privatsammlung Deutschland (2011 erworben). AUSSTELLUNG: Carl Spitzweg und die französischen Zeichner Daumier, Grandville, Gavarni, Doré, Haus der Kunst, München, 23.11.-2.2.1985, S. 300, Nr. 535 (m. Abb. S. 477, verso mit dem Etikett). LITERATUR: Auktionshaus Neumeister, München, Auktion 21.3.1996, Los 759 (m. Abb. Taf. 20). Carl Spitzwegs außergewöhnliche Charaktere sind weltbekannt, sie illustrieren die Erzählungen fataler Situationen von allzu Menschlichem aus dem Alltag, die Schilderung von Gefühlszuständen in skurrilen wie tragischen Lebenssituationen. Spitzweg schöpft dabei aus seinem ausgesprochen großen Bildungs- und Erfahrungsschatz, er ist belesen und viel gereist. Besonders in den Seengebieten Oberbayerns ist er viel unterwegs. In seinen Gemälden erzählt er von Begegnungen im Chiemgau mit den Anhöhen der Voralpenlandschaft, von Aufenthalten in Südtirol, Italien und der Schweiz. Er besteigt die Berge und genießt die Aussicht, etwa vom 'ungeheuren' Watzmann in Berchtesgaden im Jahr 1836. Auch reist Spitzweg in der Mitte des Jahrhunderts nach Paris und kommt dort mit den jüngsten Errungenschaften der Barbizon-Maler in Berührung. Er erfährt viel über die Freilichtmalerei, die sogenannte Pleinairmalerei und die 'Paysage intime', bei der ein Stück vertrauter Natur unter freiem Himmel bei natürlichen Lichtverhältnissen und naturgegebener Farbigkeit dargestellt ist. In der Folge wählt Spitzweg neben den hochformatigen Gassen und Häusern immer häufiger in breitem, panoramaartigen Querformat die Aussicht in die freie Natur. Er bedient nicht mehr nur das für ihn so berühmte Genre, sondern versteht sich auch als großartiger Beobachter von Landschaften, in die er den Menschen in kleiner Staffage – wie hier die zwei jungen Mädchen – als Zeuginnen und Bewunderinnen einmaliger Blicke einbezieht. Es sind diese einzigartigen Gebirgslandschaften mit dem Blick ins Tal wie hier, die der Künstler selbst erwandert hat. Er hält sie in zahlreichen Skizzen, kleinen Ölstudien mit erzählerischem Beiwerk fest, um dann im Atelier die große Weite der Landschaft zu erinnern. Spitzweg erzählt von den mühevollen Aufstiegen durch enge Schluchten, über Lichtungen und genießt mit den beiden Dirndln den Blick ins Tal vom Plateau der Alm unter dem Gipfel des Herzogstands. Den Betrachter:innen und den beiden Mädchen eröffnet sich die weite Ebene in Richtung Landsberg am Lech und über den dazwischen im Dunst liegenden Ammersee und Starnberger See. Man spürt Spitzwegs Begeisterung am romantischen Fernblick und seinen Respekt vor der naturgegebenen Nuancierung. Die Brechung des Lichts in ihrem sanften Wechsel passt er meisterhaft an, ausgehend von dem stimmungsvoll detailliert erzählten Vordergrund der Alm über die dunstige, ausgedehnte Landschaft bis zum Horizont und darüber schließlich dem weiten wolkenlosen Himmel. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.55 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONCarl Spitzweg 1808 München - 1885 München Zwei Dirndl auf der Alm. Um 1870. Oil on canvas. Wichmann 1459. Lower left with paraph. Verso of the stretcher with a hand-written number and an exhibiton label from the Haus der Kunst, Munich. 22 x 39 cm (8.6 x 15.3 in). • Wonderful panorama of the Upper Bavarian Alpine landscape that Spitzweg had been capturing since his artistic beginnings • Next to the genre paintings, Spitzweg is a master of landscape depictions, which he effectfully modeled with light and shade and transparent aerial perspective • Spitzweg went on countless hiking trips through the mountains • The Alpine herdswoman is a characteristic motif for his later creative period when landscape depictions gained importance. We are grateful to Detlef Rosenberger, who saw the original work, for his kind expert advice. PROVENANCE: Collection Rolf Schiess, Waldhof, Flawil/Switzerland (no. 224. until 1967). Private collection Southern Germany (acquired in 1996). Private collection Germany (acquired in 2011). EXHIBITION: Carl Spitzweg und die französischen Zeichner Daumier, Grandville, Gavarni, Doré, Haus der Kunst, Munich, November 23 - February 2, 1985, p. 300, no. 535 (with illu. p. 477, verso with th elabel). LITERATURE: Auktionshaus Neumeister, Munich, auction on March 21, 1996, lot 759 (with illu. on plate 20). Carl Spitzweg’s unique characters are world-famous, illustrating tales of fatal, all too human situations and portraying emotional states in bizarre and tragic moments of life. Well-read and widely traveled, Spitzweg drew on his extensive education and wealth of experience. Spending a lot of time exploring, he often visited the lake districts of Upper Bavaria. His paintings relate his encounters with the foothills of the Alps in Chiemgau and his sojourns in South Tyrol, Italy and Switzerland. Spitzweg scaled the mountains and enjoyed the view from the peak, for instance the “monumental” Watzmann in Berchtesgaden in 1836. He also traveled to Paris in the middle of the century, where he was introduced to the latest accomplishments of the Barbizon painters and learned a lot about outdoor, or “plein air” painting and the “paysage intime” style. The latter concentrated on portraying a fragment of a familiar landscape in the open air in natural lighting conditions which were rendered with natural colors. In the following years, Spitzweg increasingly opted for wide, panoramic horizontal views of the open countryside in addition to vertical views of alleys and houses. Beyond the genre he was renowned for, he also saw himself as a great observer of landscapes, which he peopled with small staffage figures – such as the two young girls here – as witnesses and admirers of the unique vistas. The artist went hiking in these unique mountain landscapes, such as the one overlooking the valley in this painting. Having captured the scenery in numerous sketches and small oil studies with narrative accompaniments, he then recreated the vast expanse of the landscapes in the studio. In this painting, Spitzweg recounts the grueling ascent through narrow gorges and across clearings, joining the two maidens in their enjoyment of the panoramic view of the valley from the vantage point of the high pasture below the Herzogstand peak. A sweeping plain opens out towards Landsberg am Lech across the misty Ammersee and Starnberger See lakes. The viewer can feel Spitzweg’s delight in the romantic panorama and his regard for nature’s subtle nuances. He skillfully modulates the refraction of light in its gradual transformation from the evocative, detailed foreground of the mountain pasture and the hazy, sprawling landscape all the way to the horizon, and finally, above it, the vast, cloudless sky. [MvL] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.55 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 518

Alexej von Jawlensky 1864 Torschok - 1941 Wiesbaden Stillleben: Blumen in blauer Vase. 1936. Öl auf leinenstrukturiertem Papier, auf Pappe aufgezogen. Jawlensky/Pieroni-Jawlensky 2046. Links unten monogrammiert und rechts unten datiert. Verso auf der Pappe signiert, datiert „1936 IX“ und bezeichnet 'N 4' sowie von fremder Hand bezeichnet. 17,2 x 12,7 cm (6,7 x 5 in). [AM]. • Ausdrucksstarkes, lichtdurchflutetes Stillleben in nuancierter Farbigkeit. • Markante Inszenierung in mitreißendem Duktus. • Entstehung gleichzeitig mit der Serie der Meditationen. PROVENIENZ: Clara Gans, Kronberg / Dornach (1936 vom Künstler direkt erworben). Privatsammlung (durch Erbschaft von der Vorgenannten, bis 1959). Galerie Thomas, München (1978). Privatsammlung Rheinland-Pfalz (bis 1981: Wolfgang Ketterer). Galerie Wilhelm Großhennig. Privatsammlung Europa (bis 1999: Christie's London). Privatsammlung Italien/Frankreich (1999 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Galerie Thomas, München, Alexej Jawlensky, Zeichnungen, Aquarelle, Miniaturen, Bilder, Februar - März 1978 (Kat. Nr. 84, Abb. S. 3). LITERATUR: Galerie Wolfgang Ketterer München, Auktion 47, 1.6.1981, Los 676 mit Farb-Abb. Christie´s London, Live Auction 6168: German Pictures, 7.10.1999, Los 139. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONAlexej von Jawlensky 1864 Torschok - 1941 Wiesbaden Stillleben: Blumen in blauer Vase. 1936. Oil on canvas-structured paper, laid on cardboard. Jawlensky/Pieroni-Jawlensky 2046. Lower left monogrammed and lower right dated. Verso of the cardboard signed, dated '1936 IX“ and inscribed 'N 4' as well as inscribed by a hand other than that of the artist. 17.2 x 12.7 cm (6.7 x 5 in). [AM]. • Expressive, light-flooded still life in nuanced colors. • Striking depiction in an exciting duct. • Made the same time as the series of the Meditations. PROVENANCE: Clara Gans, Kronberg / Dornach (acquired directly from the artist in 1936). Private collection (inherited from the above, until 1959). Galerie Thomas, Munich (1978). Private collection Rhineland-Palatinate (until 1981: Wolfgang Ketterer). Galerie Wilhelm Großhennig. Euroipean private collection (until 1999: Christie's London). Private collection Italy/France (acquired from the above in 1999). EXHIBITION: Galerie Thomas, München, Alexej Jawlensky, Zeichnungen, Aquarelle, Miniaturen, Bilder, February - March 1978 (cat. no. 84, illu. on p. 3). LITERATURE: Galerie Wolfgang Ketterer Munich, auction 47, June 1, 1981, lot 676 with color illu. Christie´s London, Live Auction 6168: German Pictures, October 7, 1999, lot 139. Called up: December 10, 2022 - ca. 19.07 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

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Los 380

Oswald Achenbach 1827 Düsseldorf - 1905 Düsseldorf Ischia mit Blick auf das Castello Aragonese. 1880. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. 43,5 x 60,5 cm (17,1 x 23,8 in). • Oswald Achenbach zählt neben seinem Bruder Andreas zu den führendsten Landschaftsmalern Europas, der den Ruf der Düsseldorfer Schule mitbegründet • Äußerst charakteristische Achenbach-Komposition mit schattigem Vordergrund und Blick über das Meer • Achenbach prägt mit seinen Gemälden wesentlich das malerische Italienbild der Nachromantik • Aus dem deutlich helleren, freieren Werk der 1880er Jahre, in dem Achenbach nach einer transparenteren, lichtdurchwirkten Gesamtwirkung strebt. PROVENIENZ: Galerie Paffrath, Düsseldorf. Privatsammlung Deutschland. AUSSTELLUNG: 125 Jahre Galerie G. Paffrath 1867-1992: Jubiläumsausstellung, Galerie Paffrath, Düsseldorf, 1992 S. 42-43 (m. Abb.). 'Welcher Reichtum im Ton, im Gegenstand: Ein Raketenfeuerwerk an Glanz, Funkeln, Leuchten, ein sprudelnder malerischer Geist von ganz außerordentlichen Fähigkeiten. [..] Es scheint, als wolle er Italiens Ehren verkünden.' Cornelius Gurlitt, Die Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts, Berlin 1907, S. 378. Oswald Achenbach zählt zu den bedeutendsten Landschaftsmalern des 19. Jahrhunderts. Als Hauptvertreter der Düsseldorfer Malerschule, deren Entwicklung er als Professor der Landschaftsklasse an der Kunstakademie maßgeblich beeinflusst, widmet er seine künstlerische Schaffenskraft in erster Linie der klassischen Landschaft Italiens. Diese in zahlreichen Studienreisen erkundete Naturkulisse ist stetiger Inspirationsquell und veranlasst ihn immer wieder zu Reisen in den Süden. 1871 hält er sich mit seiner Familie ein Dreivierteljahr in Italien auf und bereist die für die Landschaftsmalerei im Laufe der Jahrhunderte ikonisch gewordenen Orte, darunter die pittoreske Amalfiküste sowie die Inseln Capri und Ischia. Romantische Faszination klingt in der Felseninsel Trachyt mit der auf dem Gipfel thronenden jahrhundertealten Festung mit ihrer bewegten Geschichte an, daneben zu erkennen die Kuppel der Chiesa dell'Immacolata. Charakteristische Architektur, Natur und Mensch gehen bei Achenbach stets eine raffinierte und harmonische Synthese ein, die selbst vom Künstler arrangierte und komponierte Elemente natürlich und ungekünstelt wirken lassen. Wesentlicher Stimmungsträger der Gemälde Oswald Achenbachs ist jedoch immer das besondere Licht, das der Künstler in mannigfaltigen Effekten einzusetzen weiß. Bei unserem Bild wird die weit sich vor unserem Auge ausbreitende Landschaft durch das spätnachmittägliche Sonnenlicht sanft beleuchtet. Stellenweise führt dieser Beleuchtungseffekt zu einer nahezu modern anklingenden Auflösung der Konturen im Bild: 'Das Atmosphärische und Malerische verbanden sich zu einer unlösbaren Einheit und hatten dadurch eine Skizzenhaftigkeit des Gegenständlichen zur Folge, die ihn [Achenbach] zu Recht [..] parallel zum französischen Impressionismus zu den Vertretern der koloristischen Moderne rechnen ließen.' (zit. nach: Ekkehard Mai, Der Sehnsucht Traum und Wirklichkeit - Oswald Achenbach zwischen Romantik, Realismus und Salon, in: Ausst.-Kat. Andreas und Oswald Achenbach. Das A und O der Landschaft, Kunstmuseum Düsseldorf 1997/98, S. 43-56, hier S. 53). [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOswald Achenbach 1827 Düsseldorf - 1905 Düsseldorf Ischia mit Blick auf das Castello Aragonese. 1880. Oil on canvas. Lower right signed and dated. 43.5 x 60.5 cm (17.1 x 23.8 in). • Oswald Achenbach, along with his brother Andreas, was one of the leading European landscape painters and co-founder of the Düsseldorf School • Very characteristic Achenbach composition with a shady foreground and view across the sea • Achenbach's paintings were formative for the late romanticist idea of Italy • From the lighter free work of the 1880s, in which Achenbach attained a transparent light-flooded effect. PROVENANCE: Galerie Paffrath, Düsseldorf. German private collection. EXHIBITION: 125 Jahre Galerie G. Paffrath 1867-1992: Anniversary exhibition, Galerie Paffrath, Düsseldorf, 1992 pp. 42-43 (with illu.). 'What richness in tone, in object: a firework of brilliance, sparkle, shine, a bubbling painterly spirit of quite extraordinary abilities. [..] It seems as if he wants to announce Italy's honors' Cornelius Gurlitt, Die Deutsche Kunst des 19. Jahrhunderts, Berlin 1907, p. 378 Called up: December 10, 2022 - ca. 16.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 335

Friedrich von Amerling 1803 Wien - 1887 ebenda Bildnis eines Mädchens. 1839. Öl auf Leinwand. Rechts unten mit eingeritzter Signatur und datiert. Verso auf dem Keilrahmen mit altem handschriftlich bezeichnetem Etikett sowie nummeriert '2734'. 45,5 x 38 cm (17,9 x 14,9 in). • Amerling ist neben Waldmüller einer der technisch virtuosesten Porträtisten der Wiener Gesellschaft. • Seine Darstellungen und Typen sind prägend für eine romantisch-biedermeierliche Schönheitengalerie. • Bildnisse aus seiner Hand befinden sich in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München, dem Belvedere und dem Kunsthistorischen Museum, Wien sowie der Alten Nationalgalerie, Berlin. PROVENIENZ: Privatsammlung Wien/USA (seit mindestens drei Generationen in Familienbesitz). Neben Ferdinand von Waldmüller gehört Friedrich von Amerling zu den bedeutendsten Porträtmalern des Habsburgischen Österreichischen Kaiserreichs. Seine Ausbildung beginnt er 1815 an der Akademie der Künste in Wien, anschließend folgen einige Jahre an der Akademie in Prag. Künstlerische Bildungsreisen führen ihn nach London, Paris und Rom, während derer er sich mit der Kunst bedeutender schulprägender Meister wie Thomas Lawrence oder Horace Vernet auseinandersetzt, als auch mit dem für das malerische Curriculum unerlässlichen Antikenstudium, Diese ausgedehnte Reisetätigkeit führt ihn im Laufe seines Lebens außerdem nach Spanien, erneut nach England, nach Griechenland, Skandinavien bis ans Nordkap und schließlich 1886 nach Ägypten und Palästina. Kurz vor der Entstehung unseres Bildnisses reist er nach Italien, in die Niederlande und 1839 nach München. Zu dieser Zeit ist er bereits einer der gefragtesten Porträtisten des Großbürgertums und des Hochadels, zu seinen bedeutendsten Werken gehört das Porträt von Franz I. im Kaiserornat (1821, Kunsthistorisches Museum, Wien), das durch die ungewöhnlich lebensnahe Pose und die präzise modellierte Stofflichkeit der Gewandung und der juwelengeschmückten Reichsinsignien einzigartigen Stellenwert im Œuvre besitzt. Das bis dato teuerste versteigerte Gemälde aus seiner Hand, 'Mädchen mit Strohhut' (1835, The Princely collection, Liechtenstein, Vaduz/Wien), zählt jedoch zu den Bildnissen schöner Unbekannter. Für solche Bildnisse stehen ihm oft Schönheiten aus Musik und Theater Modell, die ihm für Typenporträts wie die Morgenländerin oder 'Lautenspielerin' ihr Gesicht leihen (1828, Belvedere, Wien). Von der gleichen technischen Raffinesse in den Details wie den glänzenden Seidenbändern, den zarten Rosen im geflochtenen Haar, dem transparent schimmernden Porzellanteint und den rosigen Wangen bis zum dunkelrot samtenen Kleid mit dem puffigen Fellkragen ist das Bildnis dieses jungen Mädchens, dessen Physiognomie ganz der unschuldigen Lieblichkeit des von Amerling bevorzugten Frauentypus entspricht. Vor dem dunkel gehaltenen Hintergrund verstärkt sich der Effekt der akribisch geschilderten Stofflichkeit und der Lichteffekte, mit denen Amerling hier den Idealtypus einer naiv-unberührten, mit romantisch-verklärtem, leicht abwesenden Blick dargestellten jungen Schönheit entwirft. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONFriedrich von Amerling 1803 Wien - 1887 ebenda Bildnis eines Mädchens. 1839. Oil on canvas. With the scratched signature and the date in lower right. Verso of the stretcher with an old label with inscription and the number '2734'. 45.5 x 38 cm (17.9 x 14.9 in). • Next to Waldmüller, Amerling was one of the most virtuoso portraitists of the Viennese society. • His depictions were formative for the romatic ideal of beauty typical of the Biedermeier era • His portraits are in the Bavarian State Painting Collections, Munich, the Belvedere and the Kunsthistorisches Museum, Vienna and the Alte Nationalgalerie, Berlin. PROVENANCE: Private collection Vienna/USA (family-owned for at least three generations). Together with Ferdinand von Waldmüller, Friedrich von Amerling is one of the most eminent portrait painters of the Austrian Hapsburg Empire. Beginning his education in 1815 at the Academy of Arts in Vienna, he subsequently spent several years at the Academy in Prague. His educational journeys took him to London, Paris and Rome, where he studied the art of prominent masters of the school, such as Thomas Lawrence and Horace Vernet, as well as studying the ancient world, which was an essential part of the artistic curriculum at the time. In the course of his life, his extensive travels also took him to Spain, England, Greece, Scandinavia, the North Cape and eventually, in 1886, to Egypt and Palestine. Shortly before he created the portrait on offer here, von Amerling traveled to Italy, the Netherlands and, in 1839, to Munich. At this time, he was already one of the most sought-after portraitists for the upper middle classes and the high nobility; one of his greatest works is the portrait of Franz I in imperial regalia (1821, Kunsthistorisches Museum, Vienna), which occupies a unique place in his oeuvre thanks to the subject’s unusually lifelike pose and the accurately rendered materiality of the robe and the jewelry-adorned imperial insignia. “Girl with Straw Hat” (1835, The Princely Collection, Liechtenstein, Vaduz/Vienna), the most expensive von Amerling painting sold at auction to date, is among the portraits of unknown beauties. Beautiful women from the world of music and theater, who lent him their faces for type portraits such as the “Oriental Woman” or the “Lute Player” (1828, Belvedere, Vienna), often served as models for his portraits. This portrait of a young girl, whose physiognomy is eminently representative of the innocent gentleness of von Amerling’s preferred type of woman, displays the same technical sophistication of detail, from the shiny silk ribbons and the delicate roses in the braided hair to the transparent shimmering porcelain complexion and rosy cheeks and the dark red velvet dress with the puffy fur collar. The dark background accentuates the effect of a meticulously rendered materiality and the impact of the light effects, which von Amerling employs to create the archetype of a naïve, untouched young beauty, portrayed with a romantic, slightly absent-minded gaze. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.16 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

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Ketterer Kunst München
Los 466

Alfons Walde 1891 Oberndorf - 1958 Kitzbühel Winterlandschaft. Um 1924. Tempera und Bleistift auf Papier. Rechts unten signiert sowie links oben in Bleistift bezeichnet '117'. Verso mit dem Nachlassstempel, dort von der Tochter des Künstlers, Frau Guta Eva Berger, geb. Walde, signiert. 11,3 x 14,4 cm (4,4 x 5,6 in), blattgroß. [JS]. • Walde ist der unangefochtene Meister der Winterlandschaft. • Durch das gleißende Licht und den Rhythmus der schwarzen Tannen und Schattenwürfe perfekt inszenierte Schneelandschaft. • Waldes künstlerische Meisterschaft en miniature. Mit einer Fotoexpertise von Herrn Prof. Dr. Gert Ammann, Völs, vom 19. Dezember 2018. Das Gemälde wird in dem von Gert Ammann und Michael Walde-Berger, dem Enkel des Künstlers, vorbereiteten Werkverzeichnis unter der Nummer 'D-LA-538' geführt. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Privatsammlung Deutschland. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAlfons Walde 1891 Oberndorf - 1958 Kitzbühel Winterlandschaft. Um 1924. Tempera and pencil on paper. Signed in lower right and inscribed '117' in pencil in upper right. Verso with the estate stamp, there signed by the artist's daughter Ms Guta Eva Berger, neé Walde. 11.3 x 14.4 cm (4.4 x 5.6 in), the full sheet. [JS]. • Walde is the uncontested master of the winter landscape. • The glistening light and the rhythm of the black firs and their shadows make this work a perfectly staged snowscape. • Walde's artistic mastery en miniature. Accompanied by a photo expertise issued by Prof. Dr. Gert Ammann, Völs, dated December 19, 2018. The painting will find mention in the forthcoming catalog raisonneé compiled by Gert Ammann and Michael Walde-Berger, the artist's grandson, with the number 'D-LA-538'. PROVENANCE: From the artists's estate. Austrian private collection. Called up: December 10, 2022 - ca. 17.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 469

Emil Maetzel 1877 Cuxhaven - 1955 Hamburg Blumenstillleben. 1920. Öl auf Malpappe. Rechts unten monogrammiert und datiert. 99,7 x 71 cm (39,2 x 27,9 in). [CH]. • Maetzel gilt als einer der Hauptakteure des Hamburger Expressionismus. • Seine Holzschnitte in der Hamburger Kunsthalle werden 1933 von den Nationalsozialisten als 'entartet' beschlagnahmt. • Erst kürzlich rückten Ausstellungen wie 'Die Hamburger Sezession' (2019) im Jenisch-Haus, Hamburg, und 'Ein Künstlerpaar der Moderne' (2019/2020) im Edwin-Scharff-Museum, Neu-Ulm, sowie im August-Macke-Haus, Bonn, die Arbeiten des Künstlers und seiner Ehefrau Dorothea Maetzel-Johannsen in ein neues Licht. • Während des Ersten Weltkriegs baut Maetzel eine Sammlung mit afrikanischen Skulpturen auf, die in seinem Œuvre immer wieder eine große Rolle spielen. • In der Gegenüberstellung des heimischen Blumen-Arrangements mit dem rustikalen Steingutkrug und Henkelbecher sowie der afrikanischen Holzskulptur schafft Maetzel hier einen spannungsreichen motivischen Kontrast. • Lückenlose Provenienz. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers. Privatsammlung Norddeutschland (vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Deutschland. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEmil Maetzel 1877 Cuxhaven - 1955 Hamburg Blumenstillleben. 1920. Oil on cardboard. Lower right monogrammed and dated. 99.7 x 71 cm (39.2 x 27.9 in). [CH]. • Maetzel was one of the protagonist of the Hamburg Expressionism. • In 1933 the Nazis confiscated his woodcuts from the inventory of the Kunsthalle Hamburg, as they considerem them 'degenerate'. • Recent shows like 'Die Hamburger Sezession' (2019) at the Jenisch-Haus, Hamburg, and 'Ein Künstlerpaar der Moderne' (2019/2020) at the Edwin-Scharff-Museum, Neu-Ulm, as well as at the August-Macke-Haus, Bonn, shine a new light on the works of the artist and his wife Dorothea Maetzel-Johannsen. • During WWI Maetzel compiled a collection of African sculptures that would always play an important role in his œuvre. • With the juxtaposition of a bouquet of domestic flowers, the rustic stein and a mug with the African sculpture, Maetzel created a fascinating contrats in the present work. • Consistent provenance. PROVENANCE: Artist's estate. Private collection Northern Germany (acquired from the above). Private collection Hesse (acquired from the above). Called up: December 10, 2022 - ca. 18.02 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Los 314

Heinrich von Zügel 1850 Murrhardt - 1941 München Bauer mit Kühen. Um 1915-20. Öl auf Leinwand. vgl. Diem 893, 925. Unten mittig signiert. Verso auf der Leinwand erneut signiert. Verso auf dem Keilrahmen nummeriert. 46 x 60 cm (18,1 x 23,6 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. Heinrich von Zügel widmet sich Zeit seines Lebens der Tiermalerei, wobei er sich insbesondere der Darstellung von Nutz- und Haustieren verschreibt. Eine Reminiszenz an seine Kindheit ist sicherlich die Tatsache, dass in seinen Werken zeitlebens Schafe und Rinder eine Hauptrolle spielen. In der hier angebotenen Arbeit ist eine bäuerliche Szene geschildert, in der ein Bauer seine Kühe scheinbar gerade auf die Weide bringt oder sie von dieser holt. Während Zügels Malerei zu Beginn noch akademisch geprägt ist, gelangt er später zu einer impressionistischen Ausdrucksweise. Für seine Malerei verlässt er sein Atelier und fängt das Lichtspiel für seine Gemälde ein. Mit raschen Pinselstrichen und pastosem Farbauftrag gelingen Zügel liebevolle Tierdarstellungen, die die Beziehung zwischen Mensch und Tier schildern. Als Professor an der Karlsruher und Münchner Kunstakademie bringt er in der sogenannten 'Zügelschule' seinen Studenten seine Malweise näher. Die Sommermonate verbringt man auf dem Lande und es entstehen zahlreiche Landschafts- sowie Tierbilder. Der Landbevölkerung dienen diese Aufenthalte als lohnenswerte Einnahmequelle, so verleiht man besonders schöne oder brave Tiere als Modell. Die sogenannten 'Malbuben' trugen die Malutensilien oder standen selbst Modell. [JK] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 14.48 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHeinrich von Zügel 1850 Murrhardt - 1941 München Bauer mit Kühen. Um 1915-20. Oil on canvas. Cf. Diem 893, 925. Signed in bottom center. Verso of the canvas once more signed. Verso of the stretcher numbered. 46 x 60 cm (18.1 x 23.6 in). PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Heinrich von Zügel devoted his entire life to the art of animal painting, showing a particular interest in the depiction of farm and domestic animals. A tribute to his childhood, sheep and cattle played a central role in his works throughout his life. The painting offered here shows a rural scene with a farmer moving his cows to, or from, the pasture. While starting out with an academic approach to painting, Zügel later adopted an Impressionist style. The artist liked to paint outside his studio to capture the play of light. Working with rapid brushstrokes and an impasto paint application technique, Zügel created charming portrayals of animals which focus on the relationship between man and beast. In his role as professor at the Karlsruhe and Munich Art Academies, he introduced his students to the so-called “Zügelschule” style of painting. His summer months were spent in the countryside producing numerous landscape and animal paintings. For the rural population, who provided the artist with particularly attractive and well-behaved animals to serve as models, these visits were a profitable source of income. So-called “Malbuben” (painter boys) carried the painting utensils or posed as models themselves. [JK] Called up: December 10, 2022 - ca. 14.48 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 302

Friedrich Voltz 1817 Nördlingen - 1886 München Weidelandschaft mit Hirtejunge. 1885. Öl auf Holz. Rechts unten signiert und datiert. Verso mit zwei kleinen fragmentierten alten Etiketten. 27,5 x 41,5 cm (10,8 x 16,3 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. Nach erster künstlerischer Ausbildung bei seinem Vater, ebenfalls Maler, setzt Friedrich Volz ab 1834 seine Studien an der Münchner Akademie fort, bleibt aber hauptsächlich Autodidakt. Für seine Motive begibt er sich zunächst ins Münchner Umland, wo er sich der Landschafts- und Tiermalerei widmet. Entscheidende weiterführende Impulse erhält er während einer Studienreise nach Holland, wo er die Landschaftsmalerei von Barend Cornelis Koekkoek und dessen Umkreis kennenlernt, die wiederum auf die immer noch wegweisenden niederländischen Meister des 17. Jahrhunderts zurückgreifen. Ab den 1850er Jahren arbeitet er eng mit seinen Künstlerfreunden Carl Spitzweg und Eduard Schleich d. Ä. zusammen. Von der gegenseitigen Beeinflussung des prägnanten Zeichners und hervorragenden Bildarrangeurs Voltz und des Mitbegründers der deutschen Freilichtmalerei Schleich zeugen insbesondere mehrere große Gemeinschaftsarbeiten, die die beliebten Münchner Bildthemen – Hirtenszenen, Rinder-, Pferde- und Ziegenherden inmitten von Baumkulissen – behandeln. Atmosphärische Stimmungen von Luft und Wetter, die gleichmäßige sanfte Verteilung des Lichts im landschaftlichen Bildraum sowie der effektvolle Einsatz von Hell-Dunkel-Kontrasten machen den besonderen Reiz der intimen Hirtenlandschaften aus Voltz’ Atelier aus. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 14.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFriedrich Voltz 1817 Nördlingen - 1886 München Weidelandschaft mit Hirtejunge. 1885. Oil on panel. Lower right signed and dated. With two small fragmentarily preserved labels on the reverse. 27.5 x 41.5 cm (10.8 x 16.3 in). PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Having received his first artistic training from his father, who was a painter in his own right, Friedrich Voltz pursued further studies at the Munich Academy from 1834 onwards. In the main, however, he remained a self-taught artist. Initially, he ventured to the Munich countryside in search of motifs, specializing in landscape and animal painting. A study trip to Holland, where he was introduced to the landscape painting of Barend Cornelis Koekkoek and his circle who were influenced by the groundbreaking Dutch masters of the 17th century, proved to be a crucial inspiration. From the 1850s onwards, he worked closely with his artist friends Carl Spitzweg and Eduard Schleich the Elder. Several major collaborative works exploring popular themes of the Munich School – pastoral scenes or herds of cattle, horses and goats set against a backdrop of trees – bear witness to the mutual influence between Voltz, a distinctive draftsman and outstanding visual arranger, and Schleich, a pioneer of German outdoor painting. Ambient air and weather scenes, the even, mellow distribution of light in the landscape composition and the effective use of chiaroscuro contrasts all add to the special appeal of the intimate pastoral landscapes Voltz created in his studio. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 14.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 354

Edward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Am Ufer. Um 1920. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. 71 x 58 cm (27,9 x 22,8 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Bayern. Der große malerische Reiz der Ölgemälde, die Edward Cucuel am Starnberger See schafft, beruht auf den delikaten Lichtverhältnissen, unter denen der Künstler seine Modelle und die umgebende Landschaft sieht. Dem seitlich einfallenden abendlichen Licht wird hier besondere Aufmerksamkeit geschenkt. Ohne die Konturen zu verhärten, legt es sich schmeichelnd um die Modelle. Die Valeurs werden ausgekostet, um wie hier im Weiß des Kleides und der irisierenden Wasseroberfläche ein leuchtendes Eigenleben zu feiern. Alle Härten sind gemieden. Ein wohltuender warmer Farbklang eint die Komposition, die ganz auf die stehende junge Dame zugeschnitten ist. Cucuels Anliegen, die schönen Seiten des Lebens zu feiern, wird hier überdeutlich. Seine unbekümmerten jungen Frauen sind Vertreterinnen einer hedonistischen Lebenskultur, die in Cucuels Sujets ihre Bestätigung findet. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.42 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Am Ufer. Um 1920. Oil on canvas. Lower left signed. 71 x 58 cm (27.9 x 22.8 in). PROVENANCE: Private collection Bavaria. The powerful artistic appeal of the oil paintings Edward Cucuel created at Lake Starnberg is based on the delicate light conditions in which the artist set his models and the surrounding landscape. In this painting, he paid particular attention to the evening light that enters the picture from the side, enveloping the model with flattering radiance without hardening the contours. The celebratory use of tone-on-tone technique gives the white of the dress and the iridescent surface of the water a luminous life of their own. All harshness is avoided. Unified by a warm color scheme, the composition is perfectly tailored to the standing young lady – a profound expression of Cucuel’s focus on celebrating the finer things in life. His carefree young women are representative of a hedonistic lifestyle that meets its affirmation in Cucuel’s subjects. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.42 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Los 329

Wilhelm Busch 1832 Wiedensahl bei Hannover - 1908 Mechtshausen bei Seesen/Harz 4 Bll.: Handstudie (Bl. 1). Hand- und Gewandstudie (Bl. 2). Rückenmuskelstudien (Bl. 3). Arm- und Gewandstudie (Bl. 4). Zwischen 1860–1875. Zeichnungen. Bleistift, Tusche. Brunngraber-Malottke 302 (Bl. 1.), 303 (Bl. 2), 297 (Bl. 3, verso 298), vgl. 283 (Bl. 4). Teilweise monogrammiert sowie nachträglich signiert. Auf Velin, Ingres-Bütten und leichtem Karton. Von 6,2 x 10,2 cm (2,4 x 4 in). bis 20,6 x 12,2 cm (8,1 x 4,8 in). Bl. 3 stammt aus dem posthum unvollst. rekonstruierten Skizzenbuch IV. Wir danken Frau Dr. Ruth Brunngraber-Malottke, Wilhelm Busch Museum, Hannover, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Reinhard Piper (1879-1953), München (bis 1953, 1 Bl. verso mit dem Sammlerstempel, Lugt 5594) (Bl. 1 u. 2). Nachlass Reinhard Piper (Bl. 1 u. 2). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1981 vom Vorgenannten erworben: Karl und Faber) (Bl. 1 u. 2). Privatbesitz Polen (Bl. 3). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1982 erworben: Hauswedell & Nolte) (Bl. 3). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (Bl. 4). LITERATUR: Karl & Faber, München, Auktion 155, 4./5.6.1981, Los 434 u. 435 (Bl. 1. u. 2). Hauswedell & Nolte, Hamburg, 243. Auktion, 11./12.6.1982, Los 265 (Bl. 3). Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONWilhelm Busch 1832 Wiedensahl bei Hannover - 1908 Mechtshausen bei Seesen/Harz 4 Bll.: Handstudie (Bl. 1). Hand- und Gewandstudie (Bl. 2). Rückenmuskelstudien (Bl. 3). Arm- und Gewandstudie (Bl. 4). Zwischen 1860–1875. Drawings. Pencil, India ink. Brunngraber-Malottke 302 (sheet 1.), 303 (sheet 2), 297 (sheet 3, verso 298), cf. 283 (sheet 4). Some monogrammed and belatedly signed. On wove paper, Ingres laid paper and light cardboard. From 6.2 x 10.2 cm (2.4 x 4 in). to 20,6 x 12,2 cm (8,1 x 4,8 in). Sheet 3 comes from the posthumous incompletely reconstructed sketchbook IV. We are grateful to Dr. Ruth Brunngraber-Malottke, Wilhelm Busch Museum, Hanover, for her kind expert advice. PROVENANCE: Collection Reinhard Piper (1879-1953), Munich (until 1953, 1 sheet with the collector's stamp on the reverse, Lugt 5594) (sheets 1 and 2). Estate of Reinhard Piper (sheets 1 and 2). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 1981: Karl und Faber) (sheets 1 and 2). Private collection Poland (sheet 3). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired in 1982: Hauswedell & Nolte) (sheet 3). Private collection North Rhine-Westphalia (sheet 4). LITERATURE: Karl & Faber, Munich, auxction 155, June 4/5, 1981, lots 434 and 435 (sheets 1 and 2). Hauswedell & Nolte, Hamburg, 243rd auction, June 11/12, 1982, lot 265 (sheet 3). Called up: December 10, 2022 - ca. 15.08 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Los 415

Mappenwerk / Portfolio 2. Jahresmappe der Künstlergruppe 'Brücke'. 1907. Mappe mit einer Lithografie von Karl Schmidt-Rottluff, einer Radierung von Emil Nolde und einem Farbholzschnitt von Cuno Amiet. Papier: bis 54,2 x 39 cm (21,3 x 15,3 in). Enthalten sind: Karl Schmidt-Rottluff. 'Holbeinplatz Dresden'. 1906. Lithografie. Schapire L 8. Söhn HDO 212-3. Signiert und im Druckstock monogrammiert. Auf Velin. 22,6 x 35,7 cm (8,9 x 14,1 in). Papier: 54,2 x 39 cm (21,3 x 15,4 in). Emil Nolde. 'Akt'. 1906. Radierung. Schiefler/Mosel/Urban 34 II (von II). Söhn HDO 212-4. Signiert, datiert sowie mit der Signatur des Druckers versehen. Auf Bütten von van Gelder Zonen (mit Wasserzeichen). 19,3 x 14,8 cm (7,6 x 5,8 in). Papier: 54,1 x 38 cm (21,3 x 15 in). Cuno Amiet. 'Giovanni Giacometti beim Lesen'. 1907. Farbholzschnitt. Mandach 25. Söhn HDO 212-1. Signiert und im Druckstock monogrammiert. Auf Japan. 26,9 x 23,7 cm (10,6 x 9,3 in). Papier: 53,7 x 38,7 cm (21,1 15,2 in). Vollständiger Inhalt der 2. Jahresmappe. Die Sammelmappe von 1906, die auch für die Aufbewahrung der folgenden Jahrgänge gedacht war, wird gemeinsam mit dem Inhaltsverzeichnis für die Mappen von 1906 und 1907 als separates Los angeboten. Die jeweiligen Blätter werden auf Wunsch zunächst einzeln und im Anschluss als gesamtes Mappenwerk aufgerufen. • Besonders vielfältige Zusammenstellung unter den Jahresgaben der Künstlergruppe 'Brücke'. • Mit diesen drei Arbeiten beweisen Nolde, Schmidt-Rottluff und Amiet auf eindrucksvolle Art das vielgestaltige Ausdruckspotenzial innerhalb der Künstlergruppe. • Die Jahrgänge 1906 und 1907 werden von den 'Brücke'-Künstlern mit einem aufwendig gestalteten Inhaltsverzeichnis versehen (separates Los). PROVENIENZ: Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Düsseldorf. Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (1993 vom Vorgenannten erworben, mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-1912, Bern 1958, S. 14, Nr. 6, 8-9 (anderes Exemplar). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 103-104, SHG-Nr. 46-48. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 34, SHG-Nr. 38; S. 376-377, SHG-Nr. 834; S. 40, SHG-Nr. 883. Mit der zweiten Jahresmappe zeigen die Künstler auch die Vielfalt grafischer Techniken. Während Amiets Holzschnitt noch im Stil einer feinen Zeichnung in Hellbraun verhaftet bleibt, zeigt Nolde mit seiner einen Akt wiedergebenden Radierung die Möglichkeit ausgefeilter Ätztechnik im Druck. Und Schmidt-Rottluff schließlich beteiligt sich an der Jahresmappe mit einem dichten Steindruck einer nächtlichen Ansicht des Holbeinplatzes in Dresden. Nicht Bestandteil der Jahresmappe von 1907 – vielmehr für 1908 eingeplant, aber dann erst 1909 beigefügt – ist der Holzschnitt von Axel Gallen-Kallela. Die zweite Jahresmappe von 1907 zeigt die Öffnung der Gruppe hin zur internationalen Bewegung: 'jeder gehört zu uns, der unmittelbar und unverfälscht wiedergibt' - dieser Passus des Programms wird nun offensichtlich. Cuno Amiet aus dem schweizerischen Oschwand, Emil Nolde aus dem dänischen Alsen und Axel Gallen-Kallela aus dem finnischen Helsingfors sowie der Bildhauer Lambertus Zijl aus dem niederländischen Busum werden von Kirchner im ersten Verzeichnis der aktiven Mitglieder aufgeführt (Abb.) Die Verhandlungen mit Lambertus Zijl führten zu keinem Ziel, dennoch schnitt Kirchner den Bildhauer vorschnell in die Liste. (Abb.) [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMappenwerk / Portfolio 2. Jahresmappe der Künstlergruppe 'Brücke'. 1907. Portfolio with a lithograph by Karl Schmidt-Rottluff, an etching by Emil Nolde and a color woodcut by Cuno Amiet. Sheet: up to 54.2 x 39 cm (21.3 x 15.3 in). Contains: Karl Schmidt-Rottluff. 'Holbeinplatz Dresden'. 1906. Lithograph. Schapire L 8. Söhn HDO 212-3. Signed and monogrammed in printing block. On wove paper. 22.6 x 35.7 cm (8.9 x 14.,1 in). Sheet: 54.2 x 39 cm (21.3 x 15.4 in). Emil Nolde. 'Akt'. 1906. Etching. Schiefler/Mosel/Urban 34 II (of II). Söhn HDO 212-4. Signed, dated and with the printer's signature. On van Gelder Zonen laid paper (with watermark). 19.3 x 14.8 cm (7.6 x 5.8 in). Sheet: 54.1 x 38 cm (21.3 x 15 in). Cuno Amiet. 'Giovanni Giacometti beim Lesen'. 1907. Color woodcut. Mandach 25. Söhn HDO 212-1. Signed and monogrammed in printing block. On Japon. 26.9 x 23.7 cm (10.6 x 9.3 in). Sheet: 53.7 x 38.7 cm (21.1 x 15.2 in). Complete content of 2nd annual portfolio. The 1906 portfolio, also intended to hold the following years, is offered as a separate lot along with the table of contents for the 1906 and 1907 portfolios. Initially, each sheet will be called up individually and in the following as the complete portfolio. • Particularly versatile compilation among the annual 'Brücke' portfolios. • With these three works, Nolde, Schmidt-Rottluff and Amiet impressively testify to the vast expressive potential of the artist group. • The years 1906 and 1907 feature a lavishly made table of contents (separate lot). PROVENANCE: Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Düsseldorf. Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (acquired from the above in 1993, with the collector's stamp Lugt 6032). EXHIBITION: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-1912, Bern 1958, p. 14, no. 6, 8-9 (different copy). Heinz Spielmann (ed.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, pp. 103-104, SHG no. 46-48. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (eds.), Die Maler der Brücke. Inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 34, SHG no. 38; pp. 376-377, SHG no. 834; p. 40, SHG no. 883. With the second annual portfolio, the artists also showed the diversity of graphic techniques. While Amiet's woodcut still remains in the style of a fine drawing in light brown, Nolde's etching of a nude shows the possibility of sophisticated etching techniques in print. And finally, Schmidt-Rottluff contributes a dense lithograph of a nocturnal view of Holbeinplatz in Dresden to the annual portfolio. The woodcut by Axel Gallen-Kallela is not part of the 1907 annual portfolio - it was planned for 1908, but not included until 1909. The second annual portfolio of 1907 shows how the group became more international: 'everyone with an urge to make direct and unadulterated creations belongs to us' - this passage of the program now becomes obvious. Cuno Amiet from Oschwand in Switzerland, Emil Nolde from Alsen in Denmark, and Axel Gallen-Kallela from Helsingfors in Finland, as well as the sculptor Lambertus Zijl from Busum in the Netherlands, are listed in the first directory of active members (fig.) Negotiations with Lambertus Zijl led nowhere, but Kirchner nevertheless hastily cut the sculptor into the list. (Fig.) [MvL] Called up: December 10, 2022 - ca. 16.50 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 353

Edward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Zwei Damen im Kahn. Um 1910. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. 80 x 80 cm (31,4 x 31,4 in). • Charakteristisches Motiv im Schaffen Cucuels, der sich vor allem den eleganten Frauengestalten in der Natur widmet • Cucuel zeigt sein malerisches Können im lebhaften Wechselspiel von Licht und Schatten, die die sommerliche Leichtigkeit spürbar machen • In der pastosen, impressionistischen Malweise fasziniert besonders das schillernde nuancenreiche Farbenspiel • Entstanden in der Sommervilla des Malers am Ammersee, seinem zentralen Wirkungsort. PROVENIENZ: Privatsammlung Bayern. 'Cucuel ist ein äußerst frisches Temperament. Die französische Schule und Anregungen von der 'Scholle' sind in seinen Damenbildnissen deutlich sichtbar. Aber er ist ein Maler, der aparte Situationen zu finden weiß und in seinen fröhlichen Frauenporträts sehr interessanten Farbenreizen nachgeht.' Kunstnachrichten, III. Jahrgang, Nr. 19/20, Berlin Juli 1914, S. 95. Das Werk Edward Cucuels ist ab den 1910er Jahren geprägt durch eine heitere, unbeschwerte Freiluftmalerei, die er zunächst mit seinem Freund und Lehrmeister Leo Putz in Hartmannsberg am Chiemsee betreibt. Hier arbeiten die Maler über vier Jahre hinweg jeden Sommer Seite an Seite. Zuvor ist er hauptsächlich als Grafiker und Illustrator für die Presse tätig, unter anderem in den 1890er Jahren in New York, nachdem er in seiner Geburtsstadt San Francisco an der Kunstakademie und in Paris an der fortschrittlichen Académie Julian studiert hat. Ab 1914 ist Cucuel am Ammersee und anschließend am Starnberger See südlich von München ansässig, wo er eine Villa mit weitläufigem Seegrundstück besitzt. Dort führt er die zuvor gewählte Motivik fort: junge, elegant gekleidete Damen, die lässig drapiert im Grünen ihrem Freizeitvergnügen nachgehen. Im Stil unabhängiger von Putz werdend, fängt Cucuel seine Bilder durch einen ungebrochen flüssig bis flüchtigen Pinselduktus in satten Farbtönen von hoher Leuchtkraft ein. Den besonderen Reiz von Edward Cucuels Gemälden macht ihre spürbare Leichtigkeit und nonchalante Eleganz aus. Die Inszenierung der Modelle lässt die Grenze zwischen Pose und unbeobachteter Spontaneität verschwimmen, in der lockeren Ausführung erscheint die Malerei als angenehmer sommerlicher Zeitvertreib. Häufig verwendet er dabei nicht nur den Pinsel, sondern trägt die Farbe in breiten Strichen mit dem Malmesser auf, wodurch seine Motive trotz der hellen, pastelligen Farben eine solide Körperlichkeit erlangen. Insbesondere die Welt der schönen, unbeschwerten jungen Frau in sommerlicher Seenlandschaft ist eines der erfolgreichsten Motive von Edward Cucuel. Seine Bilder vom Ufer des Starnberger Sees sind Ausdruck einer Lebenshaltung, die gleichzeitig charakteristisch für eine bestimmte Gesellschaftsschicht ist, der der Maler in seiner vom Spätimpressionismus beeinflussten Malweise auf exemplarische Weise huldigt. Die in einer kleinen Badebucht ins Boot steigenden jungen Damen sind ganz in den farblichen Zauber des blaugrün schimmernden Sees und der üppigen Vegetation eingebunden. Leichte Lichtreflexe auf der weißen Kleidung geben der Szene jenen imaginären Zauber des optisch Entrückten, der für viele Arbeiten Cucuels aus dieser Epoche so charakteristisch ist. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.40 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Zwei Damen im Kahn. Um 1910. Oil on canvas. Lower left signed. 80 x 80 cm (31.4 x 31.4 in). • Characteristic motif in Cucuel's work, which is primarily dedicated to the elegant female figures in nature • Cucuel shows his painterly skills in the lively interplay of light and shadow, which makes the summery lightness tangible • In the impasto, impressionistic style of painting, the shimmering, nuanced play of colors is particularly fascinating • Created in the painter's summer villa on Ammersee, his central place of work. PROVENANCE: Private collection Bavaria. 'Cucuel has an extremely fresh temperament. The French school and inspiration from the 'Scholle' are clearly visible in his portraits of women. But he is a painter who knows how to find unusual situations and pursues very interesting color stimuli in his cheerful female portraits.' Kunstnachrichten, vol. III, no. 19/20, Berlin, July 1914, p. 95. From the 1910s onwards, Edward Cucuel’s work was defined by a cheerful, light-hearted outdoor painting style, which he initially pursued together with his friend and teacher Leo Putz in Hartmannsberg on Lake Chiemsee. During four summers, the painters worked side by side, capturing the scenery and their models in vibrant, harmonious colors and fluid brushwork. From 1914 Cucuel was based in Holzhausen on Lake Ammersee, where he continued to paint his earlier motif of young, elegantly dressed ladies in casual poses pursuing their leisure activities in the countryside. The world of beautiful, carefree young women in summer lake landscapes is one of Edward Cucuel’s most successful motifs. His paintings of the shores of Lake Starnberg manifest an attitude to life typical of a certain social class, which his painting style, inspired by Late Impressionism, skillfully exemplifies. The young ladies climbing into a boat in a small cove are engulfed in the colorful magic of the shimmering blue-green lake and the lush vegetation. Light reflections on their white dresses lend the scene an enchanted visual enrapture that is characteristic of many of Cucuel’s works from this period. [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.40 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 362

Otto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Abendgesellschaft. Um 1930. Öl auf Holz. Rechts unten in der nassen Farbe signiert. Verso mit Etikett des Künstlers. 29,7 x 32,7 cm (11,6 x 12,8 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (bis 2012). Privatsammlung Baden-Württemberg. Pippels von lockerer Hand und in pastosem Farbauftrag geschaffenen Gemälde finden nach seinen ersten Münchner Ausstellungsbeteiligungen um 1912 eine große Anhängerschaft und so entsteht in den folgenden Jahren ein umfangreiches Œuvre, das immer wieder die atmosphärische Stimmung des Lichts in den Vordergrund rückt. Neben den im Freien und vor dem Motiv entstandenen Szenen widmet sich Pippel mit Vorliebe auch dem Interieur, vornehmlich der abendlich musizierenden oder tafelnden mondänen Gesellschaft. Hier tritt die künstliche Beleuchtung in sein Interesse, mit der sich ebenso stimmungsvolle Effekte erzielen lassen, kunstvoll verstärkt durch die goldenen Boiserien und großen Spiegelflächen der schemenhaft prunkvollen Architektur. Pippel schafft so ein ihm eigenes Genre, das bei der großbürgerlichen Gesellschaft seiner Zeit großen Anklang findet. 'In seinen Werken ist es zuweilen, als wäre den Farben Champagner beigemischt, so prickeln und flirren und flimmern sie. Und es mag Manchen geben, der vor diesen Bildern spät und zum ersten Male zum vollen Bewusstsein dessen kommt, was Impressionismus, Eindruckskunst, eigentlich ist.' (Richard Braungart, Leipziger Illustrierte Zeitung, o. J., zit. nach: Hermann Reiner, (Hrsg.), Otto Pippel, München 1948, S. 19). [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOtto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Abendgesellschaft. Um 1930. Oil on panel. Signed in wet paint in lower right. With the artist's label on the reverse. 29.7 x 32.7 cm (11.6 x 12.8 in). PROVENANCE: Private collection Southern Germany (until 2012). Private collection Baden-Württemberg. Created with a light hand and painted in an impasto style, Pippel’s works found a large following after his first exhibitions in Munich around the year 1912. In the subsequent years, he produced an extensive oeuvre that consistently showcased the atmospheric ambience of light. In addition to the scenes created outdoors in full view of the motif, Pippel also devoted himself to interior scenes, focusing on fashionable socialites at dinner parties or musical evenings. In this painting, he brings out the artificial lighting to produce ambient effects, skillfully enhanced by the golden boiseries and large mirrored surfaces of the opulent silhouetted architecture. Pippel thus established his very own genre, which was well received by the upper middle-classes of his time. “Now and again, it feels as if champagne has been added to the colors in his works, the way they sparkle and shimmer and flicker. And there may be some who, standing in front of these pictures, belatedly and for the first time arrive at the full realization of what Impressionism and Impressionist art actually are.” (Richard Braungart, Leipziger Illustrierte Zeitung, n.d., quoted from: Hermann Reiner, (ed.), Otto Pippel, Munich 1948, p. 19). [KT] Called up: December 10, 2022 - ca. 15.52 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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Ketterer Kunst München
Los 530

Adolf Hölzel 1853 Olmütz/Mähren - 1934 Stuttgart Figuren in Landschaft. 1928. Pastell. Rechts unten signiert. Auf Velin. 34,5 x 50 cm (13,5 x 19,6 in), blattgroß. • Besonders großformatiges Werk von gemäldehafter Wirkung und ausgesprochener Leuchtkraft. • Weitere Pastelle aus dieser Zeit befinden sich u. a. im Städel Museum, Frankfurt am Main, im Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, und im Sprengel Museum, Hannover. • In späteren Jahren setzt sich insbesondere die Künstlergeneration um die Bauhaus-Künstler Johannes Itten (1888-1967) und Oskar Schlemmer (1888-1943) mit den theoretischen Schriften Hölzels auseinander. Die Authentizität der Arbeit wurde von Dr. Alexander Klee, Wien, mündlich bestätigt. Wir danken für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Galerie Gertrud Dorn, Stuttgart. Ausgehend von der Beschäftigung mit den Glasfenstern und eigenen intensiven Farbstudien folgend, ist Adolf Hölzel zu einer Form der Abstraktion gelangt, die ihm erlaubt, seine Kompositionsgedanken gänzlich in einen Farbkanon flächiger Farbfelder einzubinden. Diese Form der Abstraktion, die sich figuraler Motive bedient, ist eng mit dem Namen Hölzel und seinen Schülern verknüpft. Ihm geht es neben der Gesamtwirkung auch um einen meditativen Charakter, der allen seinen Werken innewohnt, seien sie nun gegenständlich, abstrakt oder frei gestaltet. Das Festhalten am religiösen Grundmotiv, das auch in unserer Komposition nur noch erahnt werden kann, ist besonders für die späten Pastellarbeiten von Adolf Hölzel charakteristisch; sie durchziehen sie wie eine Art Leitmotiv, ohne jedoch eine dominante Rolle einzunehmen. Hölzel grenzt die Farbfelder klar voneinander ab, schafft bewusst Komplementär- und Hell-Dunkel-Kontraste und fasst alles wieder zu einer harmonischen Einheit zusammen. Die folgenden Worte des Künstlers sprechen für sich: 'Mach Eins zu Zwei und Zwei zu Eins / Und Zwei zu Drei und Drei zu Zwei / und alles zusammen wieder zu Eins / So wird sich des Bildes Grösse ergeben. / Ungeahnter Reichtum trotz Einfachheit entfalten.' (Adolf Hölzel, zit. nach: Edith Neumann, Und immer wieder rot, blau, gelb, in: Ausst.-Kat. Adolf Hölzel. Wegbereiter der Abstraktion, Galerie Albstadt, 1999/2000, S. 57). [CH] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAdolf Hölzel 1853 Olmütz/Mähren - 1934 Stuttgart Figuren in Landschaft. 1928. Pastel. Lower right signed. On wove paper. 34.5 x 50 cm (13.5 x 19.6 in), the full sheet. • Particularly large work characterized by a painting-like effect and a special radiance. • Other pastels from this time are at, among others, the Städel Museum, Frankfurt am Main, the Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna, and the Sprengel Museum, Hanover. • In later years, the generation of artists around the Bauhaus luminaries Johannes Itten (1888-1967) and Oskar Schlemmer (1888-1943) examined Hölzel's theories. This work's authenticity was kindly confirmed orally by Dr. Alexander Klee, Vienna. We are grateful for his kind expert advice. PROVENANCE: Galerie Gertrud Dorn, Stuttgart. Starting with the occupation with glass windows and following his intensive color studies, Adolf Hölzel attained a form of abstraction that allowed him to integrate his compositional ideas into a color canon of two-dimensional color fields. This form of abstraction, which also uses figural motifs, is closely linked to the name of Hölzel and his students. In addition to the overall effect, he was also concerned with a meditative character inherent in all his works, whether they are representational, abstract or freely composed. The adherence to a basic religious motif, which is just slightly hinted at in our work, is particularly characteristic of Adolf Hölzel's late pastel works. Even though they serve as a kind of leitmotif, they do not assume a dominant role. Hölzel clearly separated the color fields from one another, creating complementary- as well as light and dark contrasts, bringing everything back together as a harmonious whole. The following words of the artist speak for themselves: 'Make one into two and two into one / And two into three and three into two / and everything together again into one / This is how the picture will become great. / Unfolding unprecedented wealth despite simplicity.' (Adolf Hölzel, quoted from: Edith Neumann, Und immer wieder rot, blau, gelb, in: ex. cat. Adolf Hölzel. Wegbereiter der Abstraktion, Galerie Albstadt, 1999/2000, p. 57). [CH] Called up: December 10, 2022 - ca. 19.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

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Ketterer Kunst München
Los 357

Edward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Sommernachmittag am See. Um 1920. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. 101 x 101 cm (39,7 x 39,7 in). • Farbintensiv und schwelgerisch inszeniert Cucuel sommerliche Wärme und Trägheit • Charakteristisches Motiv im Schaffen Cucuels von mondäner und zarter Eleganz • Cucuel zeigt sein malerisches Können im lebhaften Wechselspiel von Licht und Schatten • Harmonischer und lichter Farbklang, dessen pastellene Nuancen die sommerliche Leichtigkeit spürbar machen. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland. Cucuel inszeniert die Modelle in seinen Bildern stets auch über die Accessoires und die Kleidung, mit der die Weiblichkeit sich umgibt: Strümpfe, elegante japanische Sonnenschirmchen, Bänder, blumengeschmückte Hüte, die im Sommer die Toilette komplettieren. Charakteristisch für Cucuels Gemälde sind dabei gerade diese unbeobachteten, intimen Momente, in denen die wärmenden Strahlen des Sommers die Szenerie erfüllen. Weit geht der Blick über den Starnberger See, auf dem träge ein paar weiße Segelboote hingetupft sind. Die breite Pinselführung, in der sich einzelne Farbpartien gegeneinander absetzen, zeugt immer noch vom malerischen Austausch mit Leo Putz, Mitglied der Münchner Künstlergruppe „Die Scholle“, mit dem Cucuel zwischen 1909 und 1914 den Sommer bis in den Herbst im Chiemgau verbringt. Bis dahin ist er hauptsächlich als Grafiker und Illustrator für die Presse tätig gewesen, unter anderem in den 1890er Jahren in New York, nachdem er in seiner Geburtsstadt San Francisco an der Kunstakademie und in Paris an der fortschrittlichen Académie Julian studiert hatte. Den Wendepunkt in seinem Schaffen bringt vor allem die Zeit um 1911, als er sich unter dem Einfluss von Leo Putz gänzlich der impressionistischen Freiluftmalerei zuwendet. In lockerem, breiten Duktus entstehen zahlreiche Motive des sommerlichen Lebens, wobei Putz und Cucuel oftmals die Modelle und Accessoires wie den mit Blumen verzierten Florentinerhut teilen. Cucuel verwendet in Orientierung an Putz' kräftige Malweise nicht nur den Pinsel, sondern trägt die Farbe in breiten Strichen oftmals mit dem Malmesser „alla prima“ auf, wodurch seine Motive trotz der hellen, pastelligen Farben eine solide Körperlichkeit erlangen. Seine Gemälde atmen die Wärme des Sommers, den Duft der Natur, die Kühle des Wassers, und sie verhelfen ihm aufgrund dieser Sinnlichkeit zu großem internationalen Erfolg, unter anderem im Pariser Salon. Seine Werke finden noch zu Lebzeiten vor allem Eingang in amerikanische Privatsammlungen und Museen. [KT] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 15.46 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Sommernachmittag am See. Um 1920. Oil on canvas. Signed in lower right. 101 x 101 cm (39.7 x 39.7 in). • Cucuel stages idleness on a warm summer day in intensive colors • A motif with sophisticated and tender elegance, characteristic of Cucuel's creation • With the lively interplay of light and shadow, Cucuel delivers proof of his mastery • Harmonious and vibrant color tone, the pastel nuances make the light summer atmosphere noticeable. PROVENANCE: Private collection Southern Germany. Called up: December 10, 2022 - ca. 15.46 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

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