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Lot 125
1 bt Pommard 1961 BB&R EB ls/lms 1 bt Pommard Chanlins Vintage Unknown Dom Bernard Delagrange bs/torn '1995' handwritten on label 1 bt Nuits-St-Georges 1961 Bouchard Père et Fils ls, bs/aged label foil removed, signs of seepage 1 bt The Societys Beaujolais-Villages 1983 Jacques Dépagneaux ts aged label 1 bt Beaujolais-Villages 1995 Georges Duboeuf vts 2 bts Volnay-Fremiets Clos de La Rougeotte Vintage Unknown Dom du Ch. De Beaune, Bouchard Père et Fils bs/ pt dis/cdl 2 bts believed Volnay-Fremiets Clos de La Rougeotte Vintage Unknown Dom du Ch. De Beaune, Bouchard Père et Fils bs/ pt dis/cdl missing labels 1 bt Bourgogne Passetoutgrain Clos La Capitaine Vintage Unknown Jean Allexant 1 bt Clos de Vougeot Vintage Unknown Dom de La Ch. De la Tour missing vintage slip bs/stl crusted/damaged foil Above 11 bottles
Lot 554
6 bts Forchir Pinot Grigio 'Lamis' Fruili 2005 4 i.n, 1 vts, 1 ts sl bs 1 bt Vigna Pezze Fiano di Avellino 2010 Struzziero vsl bs 1 bt Kanu Chenin Blanc 2011 Western Cape vsl bs 1 bt K-Naia Verdejo Vino Blanco de Rueda 2011 1 bt Yangarra Estate Vineyard Cadenzia 2008 McLaren Vale bs 1 bt Fifth Generation Chardonnay 2008 John. R. McLaughlin Family, NSW sl bs 1 bt Murphy Vineyards Big River Chardonnay 2012 sl bs Above 12 bottles
Lot 170
After Richard Simkin (1850–1926) - a 19th Century Victorian Chromolithography print depicting uniformed Scottish soldiers of the British Army 1895. Regiments to include Queens Own Cameron Highlanders, Scots Guards, Gordon Highlanders and others all named to the edge of the print. Titled ' The Scottish Regiments of the British Army 1895 ' drawn for the ' Boys Own Paper ' by R. Simkin. Mounted in frame measuring approx 48x73cm.
Lot 278
A WWI First World War medal group awarded to one 23485 Private Robert Henry Lowther of the 3rd Battalion Coldstream Guards. Comprising; War Medal and Victory Medal (both impressed 23845 Pte R. H. Lowther G. GDS), along with Lowther's holdall and cutlery. The holdall stamped with Lowther's service number, and same for the service issue knife, fork and spoon. Supplied with some later printed research and copied documents.
Lot 289
A collection of assorted WWII Second World War and other period related uniform items, comprising; an original vintage WW2 period Royal Air Force ensign flag, a 1952 Pattern RAF Trousers, later trousers, RAF Kitbag to one 2253268 D. R. Camps, RAF Grain Sack, various side caps, other caps, replica Nazi German armbands etc.
Lot 363
WWII Second World War Interest - a medal pair awarded to one 22208982 Bdr R. L. Doyle of the Royal Artillery. Comprising his WW2 War Medal with ribbon, and his General Service medal with clasps for Cyprus and Malaya (impressed to rim 22208982 Bdr R. L. Doyle). Doyle was deployed to Malaya in 1950 as part of the 26th Field Regiment at Selarang Bks, Singapore, then in Cyprus in Nov 1958 with the UN. Both medals with original ribbons.
Lot 390
After Richard Simkin (1850–1926) - a 19th Century Victorian Chromolithograph framed print depicting uniformed Irish soldiers of the British Army. Regiments to include Royal Dublin Fusiliers, 5th Royal Irish Lancers, 4th Royal Irish Dragoon Guards and others all named to the edge of the print. Titled ' The Irish Regiments of the British Army 1897 ' drawn for the ' Boys Own Paper ' by R. Simkin. Mounted in frame measuring 48x73cm.
Lot 410
After Richard Simkin (1850–1926) - a 19th Century Victorian Chromolithography framed print depicting uniformed Irish soldiers of the British Army. Regiments to include Royal Dublin Fusiliers, 5th Royal Irish Lancers, 4th Royal Irish Dragoon Guards and others all named to the edge of the print. Titled ' The Irish Regiments of the British Army 1897 ' drawn for the ' Boys Own Paper ' by R. Simkin. Mounted in frame measuring 48x73cm.
Lot 75
A WWI First World War medal group trio awarded to 10-15582 Sergeant Robert George Megarry of the Royal Irish Rifles, killed in action 1st July 1916 (First day of the Battle Of The Somme). Comprising his: 1914-15 Star (Impressed 10-15582 Sjt R. Megarry R IR RIF) War Medal (Impressed 10-15582 Sjt R. Megarry R IR RIF), Victory Medal (impressed same). With ribbons. Along with a large amount of printed research and copies of official documents. Poignant medal group.
Lot 95
A WWI First World War medal group awarded to one Major Thomas Dalzell Armstrong of the West Yorkshire Regiment (11th West Yorks). Mentioned in Dispatches three times. Comprising: 1914-15 Star (2. LIEUT T. D. ARMSTRONG W. YORK. R), War Medal (MAJOR T. D. ARMSTRONG), and Victor Medal (LIEUT T.D.ARMSTRONG). Each with its original ribbon (unused in box of issue), and the ribbon bar, with oak leaf. Also includes the accompanying set of miniatures, an unused Medal Ribbons Bar Brooch on card, and Armstrong's WWII Second World War hallmarked silver ARP Air Raid Precautions badge, boxed. Along with some later-printed history, including copies of his mentions in the London Gazette.
Lot 2044
Paragon porcelain limited edition Winston Churchill commemorative cigar casket, number 170 of 500, made to commemorate the centenary of the birth of Winston Churchill, sold with certificate signed by R Johnson, Director of the Fabric, the lid decorated with the Churchill crest printed in coloured enamels within a gilt laurel wreath cartouche, on a cobalt blue ground, with shaped borders, enclosing a timber lined interior, the base fully inscribed and with views of Chartwell Manor and Blenheim Palace, printed marks in gilt to underside, 26cm wide, in a brown leatherette travelling case, 34cm wide.Condition Report: Hinges on case broken.
Lot 2094
Case of Masonic regalia, to include 9ct gold 'Industria et Labore' presented to W. Bro. R. Grierson Fleming 18th W. M. of the Paulinus Lodge No. 3957 1936-1937 Lincoln,gross weight 25.9g, silver mounted medal, set of three miniature medals, apron, small leather case, book of Common Prayer, two caps, handkerchiefs, and other items,
Lot 2137A
WWI trio to A-438 PTE. C. ANDREWS K.R.R.C, WWI pair to 3660 Cpl. W. J. ALLEN. R. WAR. R. 1914 Star to 13033 PTE. H. BECKETT. S. WALES BORD. 1939-1945 War Medal, WWII group Boxed to Miss M. Sant Cassia SRN, with id. bracelet, , various other RAOB, Masonic and other medals and reproduction medals
Lot 2148
Spanish folding Navaja knife, Beck & Beck field glasses, Bronze plaque Sir James Remnant. 9cm, WWI War Medal and Victory medal to 31337 A. C. SJT. A. E. LLOYD WELSH R. with a WWII Defence Medal, J Hudson & Co. whistle dated 1915, Ration book, general Nursing Council silver and enamel badge, 1930. and a 19th century walnut box
Lot 2216
BROUGHAM, Henry Peter,Brougham And His Early Friends: Letters to James Loch 1798-1809. . Collected and arranged by R. H. M. Buddle Atkinson and G. A. Jackson. London: Privately Printed, in 3 vols1908. Picturesque Europe. With Illustrations on Steel and Wood by the Most Eminent Artists. London: Cassell Petter & Galpin, Vols 2-3, Cassell's Popular Natural History, 4 parts in 2 vols , publ. London, Cassell, Petter and Galpin. Ritchie, Leitch, Windsor Castle, and It's Environs; including Eton College,1848, Edward Gibbon, The Decline and Fall of the Roman Empire, published by Ward, Lock & Co, Two volumes (10)
Lot 1092
Deckelterrine mit Platte. Meissen 1730. Runde, balusterförmige Terrine mit geschweiften, gold staffierten Rocaillehenkeln, auf erhöhtem Standring. Gewölbter, leicht überstehender Deckel mit reliefiertem, gold staffiertem Artischockenknauf. Runde, gemuldete Platte mit breiter, steigender Fahne. Verso umlaufend drei eisenrote Ringlinien. Alle Teile mit purpurnem Fond und Goldrand. Schauseiten mit vierpassigen Goldkartuschen, bunt bemalt mit Watteau- und Kauffahrteiszenen. Porzellan, am Boden unterglasurblaue Schwertermarke sowie alter roter Siegelstempel, Terrine: H=13 cm, D=17,5 cm; Platte: H=3,5 cm, D=24 cm. Vgl. R. Rückert 1966, Taf. 97, Nr. 380f.
Lot 716
Spielzeugfigur. Meissen 1749-50. Als österreichischer Unteroffizier, auf quadratischem Sockel stehend. Porzellan, bunt bemalt, ohne Marke. Modell von Johann Joachim Kaendler. Wohl als Geschenk im Auftrag Friedrich des Großen für Zarewitsch Peter, Sohn der Zarin Elisabeth Petrowna, H=12,4 cm. (rest. / besch.) Vgl. R. Rückert 1966, Taf. 226, Nr. 932.
Lot 1509
Kanne. Meissen 1723-24. Birnförmig, auf rundem, eingeschnürtem Standring. Geschweifter S-Henkel und kurze, v-förmige Schnaupe. Überstehender, gewölbter Deckel mit eingeschnürtem Knopfknauf. Beide Schauseiten mit Goldspitzenkartuschen, unterlegt mit Böttgerlüster, eisenrot gesäumt. Reserven bunt bemalt mit Chinoiserien, umschwärmt von Insekten und Vogel. Freiräume bunt bemalt mit Kakiemonblüten, Goldränder. Weißes Böttgerporzellan, ohne Marke. Am Boden und Innendeckel Goldziffer „22.“. Malerei von Johann Gregorius Hoeroldt, H=18,6 cm. Vgl. R. Rückert 1966, Taf. 47, Nr. 152.
Lot 1510
Prunkterrine. Meissen 1740-42. Balusterförmig, mit herausmodellierten Eberkopfmaskaronen. Gewölbter Deckel, bekrönt von Früchteknauf. Außenflächen bunt bemalt mit Floraldekor in Schattenmalerei. Porzellan, am Boden unterglasurblaue Schwertermarke und Pressziffer „20“, mit Bronzemontur am Standring und Lippenrand. Modell von Johann Friedrich Eberlein. Malerei von Johann Gottfried Klinger, H=22 cm, D=22,5 cm. Vgl. R. Rückert 1966, Taf. 77, Nr. 303.
Lot 104
Öl auf Leinwand 65 x 80 cm Gerahmt. Unten rechts der Mitte rot signiert 'R. Levy'. Rückseitig auf dem oberen Keilrahmensteg signiert, betitelt und datiert 'Rudolf Levy: Natura morta con fiasco. 1941'. - Oberflächlich geringfügig verschmutzt sowie mit geringfügigem Craquelé.Thesing 220 (Stilleben mit Früchten und Fiasco)ProvenienzEhem. Privatsammlung Hessen, seitdem in FamilienbesitzAusstellungenFlorenz 1950 (Galleria d'Arte L'Indiano), Rudolf Levy, Kat. Nr. 10; Turin 1954 (Museo Civico, Palazzo Madama), Espressionismo e Arte Tedesca del 20. Secolo, Kat. Nr. 14; Hannover 1955 (Deutscher Künstlerbund), 5. Jahresausstellung, Kat. Nr. 64; Frankfurt 1959 (Frankfurter Kunstkabinett Hanna Bekker vom Rath), Rudolf Levy, Gedächtnisausstellung, Kat. Nr. 21; Frankfurt 1963 (Kunstverein), Moderne Malerei. Frankfurter Privatbesitz, Kat. Nr. 75 mit Abb.; Frankfurt 1975 (Frankfurter Westend Galerie), Deutsche Künstler in Florenz während des Krieges, Kat. Nr. 41 mit Abb."Was für die späten Landschaften gilt - die Fortsetzung und Vervollkommnung des in den zwanziger Jahren ausgereiften Stils - trifft ebenso auf die späten Stilleben des Malers zu. Auch hier fallen die magische Komponente in der Gegenstandserfassung und die Verdichtung im Koloristischen ins Gewicht, Eigenschaften, die gerade die späten Stilleben-Ensembles zu einer in sich geschlossenen Werkgruppe werden lassen. In ihnen verbinden sich sinnliche und rationale Wirklichkeitserfahrung zu einem autonomen Bildkosmos, zu einer ästhetischen und logischen Ordnung. Der Eigenwert des Dekorativen, eingebunden in die Konstruktion aus gegenständlichen Elementen und deren Form- und Farbbeziehungen untereinander, bestimmt Levys Harmonievorstellung. In diesen Kompositionen kommt sie exemplarisch zum Ausdruck." (Susanne Thesing, Rudolf Levy. Leben und Werk, Nürnberg 1990, S. 182)
Lot 19
Bronzeplastik Höhe 98,8 cm Seitlich rechts unten bezeichnet und datiert "PROBEGUSS BRONZE 1964 UNVERKÄUFLICH FÜR JULIAN HILDEBRANDT". Posthumer Guss 1964; Unikat in diesem Material, neben der Auflage von 10 Aluminiumgüssen. Gießerei H. Noack, Berlin. - Mit schöner goldbrauner Patina.v. Maur P 10a (Aluminium)Mit einer Bestätigung von Tut Schlemmer, Stuttgart, vom 10. März 1979ProvenienzNachlass des Künstlers; Geschenk Tut Schlemmers an den Vorbesitzer, Familie Hans Hildebrandt; PrivatsammlungAusstellungenU.a. Bern 1959 (Kunsthalle Bern), Oskar Schlemmer, Kat. Nr. 157 (Aluminium); Hannover 1960/1961 u.a. Wanderausstellung (Kestner-Gesellschaft), Oskar Schlemmer, Kat. Nr. 158 (Aluminium); Rom 1962 (Galleria Nazionale d'Arte Moderna), Oskar Schlemmer, Kat. Nr. 44 (Aluminium); London 1962 (Marlborough Fine Art), Painters of the Bauhaus, Kat. Nr. 188 (Aluminium); Berlin 1963 (Akademie der Künste), Oskar Schlemmer, Kat. Nr. 254 (Aluminium); Stuttgart 1968 (Württembergischer Kunstverein), 50 Jahre Bauhaus, S. 298, Kat. Nr. 265 mit Abb.; London 1968/1971 u.a. Wanderausstellung, 50 Jahre Bauhaus, S. 297, Kat. Nr. 217 (Aluminium); Berlin 1977 (Neue Nationalgalerie/Akademie der Künste/Große Orangerie), Tendenzen der Zwanziger Jahre, Kat. Nr. 1/243, mit Abb. 112LiteraturKarin v. Maur, Oskar Schlemmer, Das plastische Werk, Stuttgart 1972, S. 27, mit ganzseitiger Farbtafel S. 25 (Aluminium); Wulf Herzogenrath, Oskar Schlemmer. Die Wandgestaltung der neuen Architektur, München 1973, Verz. 14.4, mit Abb. 227 (Aluminium); Hans M. Wingler, Kleine Bauhaus-Fibel, Berlin 1974; S. 18, mit Abb. S. 20 (Aluminium)In der bedeutenden „Bauplastik R“ visualisiert sich in nuce Oskar Schlemmers künstlerisches Gesamtwerk. Hier ist schon seine Auffassung von gegenstandsgebundener Abstraktion formuliert.Im Entstehungsjahr unseres Reliefs, 1919, konstituiert sich in Weimar das Staatliche Bauhaus aus der von Henry van de Velde gegründeten Kunstgewerbeschule. Neuer und moderner soll die Hochschule sein. Aus der Idee der Gestaltung jeden Lebensbereichs im Sinne des Gesamtkunstwerks entwickelt sich der Grundsatz, dass nun die Form der Funktion folgen und damit über die im 19. Jahrhundert entwickelte Schönheitsidee hinausgehen soll. Der neuen Devise „Form follows function“ wird der Mensch in seinen Maßen und Bedürfnissen zugrunde gelegt.1920 wird Oskar Schlemmer von Walter Gropius an das Bauhaus berufen und leitet die Klasse der Wandgestaltung - ein Aufgabenbereich, der in direktem Zusammenhang mit unserem Relief zu sehen ist. Denn formal ist die Wand als architektonisches Bauteil per se werkimmanent für die skulpturale Gattung Relief. Die Vermessung des menschlichen Körpers stellt Oskar Schlemmers ureigenstes Thema dar, in seiner Wandgestaltung, in seiner Plastik und Malerei sowie in seinem Bühnenwerk.„Er abstrahiert aus der menschlichen Gestalt die Idee ihrer Linie, das Gesetz ihrer Proportion und ihres Flächeninhalts“, beschreibt der Direktor der Dresdener Städtischen Kunstsammlungen, Paul Ferdinand Schmidt, in dem ersten umfassenden Artikel über Oskar Schlemmer im Jahrbuch der jungen Kunst bereits 1921. (zit. nach Karoline Hille. Fläche-Raum-Unendlichkeit, in: Ausst. Kat. Oskar Schlemmer. Wand-Bild-Bild-Wand, Städt. Kunsthalle Mannheim 1988, S. 19).Die nach Hans Hildebrandt folgende Bearbeiterin des Werks Oskar Schlemmers, Karin v. Maur, beschreibt die „Bauplastik R“ eingehend:Die "Reihe der Reliefs von 1919 [gipfelt] in der 'Bauplastik R', mit der Schlemmer nicht nur die Polychromie, sondern weitgehend auch die Flächengebundenheit verläßt. Auf der Vertikalachse eines schmalen Hochrechtecks erhebt sich eine nach rechts gewendete Jünglingsfigur, deren schlanke Umrisse auf elementare geometrische Grundformen reduziert sind. Aus ihren Proportionen ergibt sich ein tektonisches System aus kubischen Rechteckfeldern, gegeneinander versetzt zu beiden Seiten der teilenden und verbindenden Längsachse. Durch den rhythmischen Wechsel von konkaven und konvexen Partien wird die Fläche auf mehreren Ebenen in die Tiefe gestuft und überhöht. Auf diese Weise entsteht ein ebenso klares wie differenziertes Gefüge aus rechteckigen Hohlräumen, eingeschnittenen Konturen, scharfkantigen Graten und runden Wölbungen. Statt der Farben übernimmt hier das Licht die Funktion der aktivierenden Akzentsetzung: je nach Beleuchtung werden markante und wechselnde Kontraste von belichteten und verschatteten Partien erzeugt, die als dynamisches Element an der raumplastischen Gestaltung mitwirken. Das profilierte Gliederungssystem, das die Gestalt durchdringt und ihre gesetzmäßige Proportionierung sichtbar werden läßt, wirkt in allen Teilen so konsequent, daß Figur und Konstruktion zu einer harmonischen Ganzheit zusammenwachsen." (Karin v. Maur 1972, op. cit., S. 27).Noch differenzierter als in der Version in Aluminium erscheint das Spiel von Licht und Schatten, von Flächen und Linien, von Konkaven und Konvexen, in dem hier vorliegenden Bronzeguss, der in dieser Materialausführung einmalig und somit als Unikat zu begreifen ist.
Lot 21
Kinetische Edelstahlskulptur mit zwei beweglichen Dreiecken Höhe ca. 133 cm, Tiefe ca. 18,3 cm. Schenkellänge je 122 cm, 86,5 und 86,5 cm. Auf der Plinthe geritzt signiert und datiert 'Rickey 1983' sowie nummeriert. Exemplar 1/3. - Mit leichten Altersspuren.Mit schriftlicher Bestätigung von Philip Rickey, The Estate of George Rickey, East Chatham, vom 07.10.2019.ProvenienzZabriskie Gallery, New York; Christie's New York, 11.05.2016, Lot 299AusstellungenKinderhook 1983 (Landhaus Galleries), A spring Art Event to benefit the Columbia County Council of the Arts„George Rickey kinetische Skulpturen bestehen fast ausschließlich aus geradlinigen Formen: langen, sich verjüngenden Flügeln und rechteckigen oder quadratischen Flächen aus Edelstahl. Doch die Bahnen, die diese geradlinigen Formen in den Raum zeichnen, sind gekrümmt. Diese Unterscheidung ist wichtig, denn für Rickey sind die Bewegungen der Formen selbst. Bewegung, Geschwindigkeit, Dauer sind seine wirklichen Materialien. Er erforscht einen Kontrapunkt sichtbarer und unsichtbarer Geometrie in Konstruktionen, die so einfach und unkompliziert sind, wie die Werkzeuge der Shaker, doch ebenso mysteriös in ihrer Bedeutung wie Gottes Zirkel in den mittelalterlichen Darstellungen der Schöpfung. Obwohl Rickeys Skulpturen sich in klaren und festgelegten Bahnen bewegen, werden diese Bewegungen zum Zufall des Windes bestimmt und sind dadurch komplex, zufällig und immer rätselhaft. […] Ihre Bewegungen sollen langsam, ausgeglichen und still sein, ihre Form von schlichter Einfachheit. Diese Ästhetik rührt von dem Wunsch her, dass nichts von der Bestimmung des Raumes durch die Bewegung ablenken möge. Der langsame, wechselnde Rhythmus seiner Skulpturen ist schwer deutbar und geheimnisvoll, nicht beabsichtigt oder mechanisch. Die langsamen Bewegungen fesseln den Betrachter in zunehmendem Maße; Rickeys Skulpturen sieht man nicht nur an, man betrachtet sie wie man das Meer oder wogende Kornfelder betrachtet.“ (Hayden Herrera, in: George Rickey. Skulpturen Material Technik, Ausst.Kat. Amerika Haus Berlin 1979, S.12/13).Besteuerung: Regelbesteuerung (19% auf Zuschlagspreis und Aufgeld) falls kein Drittlandsexport (R)
Lot 29
Pastell auf hellgrauem handgeschöpften Papier 25 x 21 cm Unter Glas gerahmt. Unten rechts mit Bleistift signiert 'Kupka'. - Rückseitig auf dem Rahmenpapier mit Galerie- und Ausstellungsaufklebern.ProvenienzSaidenberg Gallery, New York (mit rückseitigem Papier-Klebeetikett); Privatsammlung, USA; Kunsthaus Lempertz, Auktion Moderne Kunst 859, Köln, 5. Juni 2004, Lot 814; Privatbesitz, RheinlandAusstellungenNew York 1962 (Saidenberg Gallery); New York 1975 (Salomon R. Guggenheim Museum), Frantisek Kupka 1871-1957 - A Retrospective, Kat. Nr. 85 (mit rückseitigen Ausstellungs-Etiketten); Zürich 1976 (Kunsthaus), Frank Kupka, Kat. Nr. 85 ("Studie in Beziehung zu amorphen Farbskalen")Auf der Suche nach dem Geistigen nimmt Frantisek Kupka mit seinen Kompositionen rhythmischer Formen und Farben eine bedeutende Position der Avantgarden des frühen 20. Jahrhundert ein. Als ein Kaleidoskop von wechselnden Lichteffekten, Farbformen und -räumen streben seine Kompositionen dieser Jahre nach nicht weniger als der Darstellung einer unsichtbaren kosmischen Ordnung. Nach einem zunächst figürlich geprägten Frühwerk stellt das Jahr 1911 den zentralen Wendepunkt seines künstlerischen Schaffens hin zum Abstrakten dar: „Da Kupka den Menschen als Mikrokosmos einer höheren Ordnung sah, dessen Wesen jene grossartigeren Rhythmen widerspiegelte, war sein Übergang von der Darstellung der menschlichen zur kosmischen Dimension logisch und seinem Glauben zuzuschreiben. 1911 war das Jahr seines Übergangs von konkreter zu abstrakter Darstellung, vom Speziellen zum Universalen, von der Welt der Phänomene zur noumentalen Idee.“ (Margit Rowell, Frantisek Kupka Eine Metaphysik der Abstraktion, in: Aust. Kat. Frank Kupka, Solomon R. Guggenheim Museum New York/Kunsthaus Zürich 19175/1976, S. 47).Unser Pastell versteht sich als betörender Repräsentant dieser für das Gesamtwerk des Künstlers zentralen Jahre und wurde vielfach prominent ausgestellt.
Lot 35
Öl auf Leinwand auf Holz 122 x 109 cm. Rückseitig auf dem Holz signiert, datiert und betitelt 'ARUBA Sean Scully '98 ARUBA' sowie mit Richtungspfeilen. - Mit Atelierspuren.Sean Scully Online-Werkverzeichnis, WVZ-Nr. SSp98 02ProvenienzGalerie Jamileh Weber, Zürich (mit rückseitigem Aufkleber) (1988); Privatsammlung, SchweizLiteraturDemetrio Paparoni, Arthur C. Danto, Arte e poststoria, Conversazioni sulla Fine dell’Estetica e Altro, Venedig 2020, o.S.Kelly Grovier (Hg.), Sean Scully, Bricklayer of the soul, Reflections in celebration, Ostfildern 2015, S. 120 mit Farbabb.In den Jahren 1997 und 1998 erarbeitet Sean Scully eine lockere Folge von Gemälden, die er nach Karibikinseln benennt, neben dem hier angebotenen „Aruba“ auch „Bonaire“, „Curacao“, „Anguilla“ und andere. Die Wahl der Bildtitel bleibt rätselhaft, stehen sie doch in keinem erkennbaren Zusammenhang mit den abstrakten Darstellungen. Tonal gehaltene Arbeiten in verhaltenem Kolorit nehmen in Scullys bildnerischem Schaffen einen wichtigen Platz ein. „Aruba“ steht mit seinen abgemischten Schwarz-, Grau-, Beige- und Graunuancen beispielhaft für diese Farbpalette. Die horizontal und vertikal gegeneinander laufenden Streifenfolgen verleihen dem Gemälde eine vordergründige Strenge und Gradlinigkeit, bei genauerer Betrachtung eröffnet sich jedoch eine vielschichtige Vitalität. Die Malweise ist von einer gewissen Unregelmäßigkeit geprägt, von Hand gezogene, vibrierende Linien und diffuse Konturen mildern und beleben die Strenge des Bildaufbaus. Die pastos in mehrfachen Schichtungen aufgetragene Farbe lässt dennoch zum Teil die tieferliegenden Farbschichten durchscheinen und beschwört eine unter der Oberfläche verborgene Bildwelt. Zwei sogenannte Insets, die die schmaleren Streifenfolgen beinhalten, brechen den eigentlichen Bildraum optisch und physisch auf. Insets, mit denen Scully seit der 1980er Jahren arbeitet, sind kleine, separat aufgezogene und bemalte Leinwände, die in das größere Werk implantiert werden. Anders als gemalte Farbfelder ermöglichen sie scharfkantige Abgrenzungen innerhalb der ansonsten mit unregelmäßigem Farbauftrag und diffus changierenden Konturen ausgeführten Werke. Als eine Art ineinandergefügtes Diptychon oder Triptychon erzeugen sie bildnerische Harmonien oder Konflikte, wobei die neu entstehenden Zusammenhänge deutlich über die Aussagekraft der Einzelteile hinausgehen.Besteuerung: Regelbesteuerung (19% auf Zuschlagspreis und Aufgeld) falls kein Drittlandsexport (R)
Lot 53
Öl und Ölkreide auf zwei aneinander montierten Kartons 73 x 102 cm. Gerahmt. Monogrammiert und betitelt 'aR. FEUER-MUND AR'. Rückseitig signiert und beschriftet 'Farbfest für Dokum[...] A. Rainer'. - Mit Atelierspuren.Wir danken dem Atelier Arnulf Rainer, Wien, für hilfreiche Auskünfte.ProvenienzGalerie Lelong, Zürich (mit rückseitigen Aufklebern); Privatsammlung, Nordrhein-WestfalenAusstellungenBarcelona 1998 (MACBA Museu d'Art Contemporani de Barcelona), documenta 7, 1982, A view of European painting of the momentNew York 1989 (Solomon R. Guggenheim Museum), Chicago (Museum of Contemporary Art), Wien (Historisches Museum der Stadt Wien), Den Haag 1990 (Haags Gemeentemuseum), Arnulf Rainer, Ausst.Kat.Nr.101 mit Farbabb. 54 (mit rückseitigem Aufkleber)Rivoli 1990 (Castello di Rivoli Museo d'arte contemporanea), Arnulf Rainer, Ausst.Kat.Nr.54 mit Farbabb.Zürich 1985 (Galerie Maeght Lelong), Arnulf Rainer, Ausst.Kat., S.7 mit Farbabb. Kassel 1982 (documenta 7), Ausst.Kat., Bd.II, S. 277 mit Abb. (mit rückseitigem Aufkleber)Im Jahr 1973 entdeckt Arnulf Rainer die Fingermalerei aus einer Notwendigkeit heraus: als ihm bei der konzentrierten Arbeit an einer Fotoübermalung der Pinsel abbricht, nutzt er die bloßen Finger, um das Bild ohne Unterbrechung fertigstellen zu können. Der unmittelbare Farbauftrag und die damit verbundenen gestischen Ausdrucksmöglichkeiten faszinieren ihn dermaßen, dass die Arbeit mit Fingern, Händen und Füßen von nun an zu seiner bevorzugten Technik wird. In den ersten Fingermalereien schlägt der Künstler die Farbe in gewaltsamen Aktionen auf den Malgrund, blutende Hände und vollkommene Erschöpfung sind die Folgen dieser Exzesse. Diese Kämpfe mit der Materie wandeln sich in den folgenden Jahren zu einem gemäßigteren, aber weiterhin körperlich und emotional äußerst intensiven Vorgang. Da sich Leinwand aufgrund ihrer Rauheit als ungeeignet erweist, arbeitet Rainer meist mit glatten Kartonplatten, um Verletzungen zu vermeiden.„Aus einer impulsiven Ohrfeigenattacke entstanden, die ich meiner eigenen Photoattrappe versetzte, hat sich die Malerei mit den eigenen Gliedern für mich immer mehr als eine Fundgrube für (umgesetzte) körperliche Berührungsgebärden erwiesen. […] Meistens ergaben sanfte Bildgrundbetastungen den Anfang. Nur wenn sich da nicht genügend Leben, das heißt Spurenintensität regte, streichelte, rieb und drosch ich allmählich. Trotzdem träumte ich weiter von sanften, flüssigen Berührungen, um daraus eine Bildlebendigkeit zu erweichen und zu erwecken, die heftige Erregung widerstrahlt.“ (Arnulf Rainer, zit. nach: Arnulf Rainer, Ausst. Kat. Historisches Museum der Stadt Wien, Wien 1990, S. 47). Das farbintensive, von gitterartigen Strukturen bestimmte „Fingerfarbfest (Feuer-Mund)“ erarbeitet der Künstler als Teil einer 6-teiligen Werkgruppe für die documenta 7, die 1982 unter der kuratorischen Leitung von Rudi Fuchs stattfindet.
Lot 57
Acryl auf Fensterglas mit Holzrahmen 107 x 92 x 5 cm. Rückseitig auf dem Holzrahmen signiert und datiert 'Yoshitomo Nara '91'. - Mit Atelier- und geringfügigen Altersspuren.Yoshitomo Nara, The complete works, paintings, sculptures, editions, photographs, Bd.1, San Francisco 2011, WVZ-Nr. P-1991-016ProvenienzDirekt vom Künstler; Privatsammlung, Rheinland-PfalzIm Jahre 1991, dem Entstehungszeitpunkt des hier angebotenen Werkes, befindet sich der aus Japan stammende Yoshitomo Nara in Düsseldorf, wo er als Schüler von A. R. Penck an der Kunstakademie studiert. Der Einfluss seines Lehrers lässt sich in diesem frühen Werk ablesen, welches in seiner stark vereinfachenden, skizzenhaften Ausführung an eine Kinderzeichnung erinnert. Es steht damit in Gegensatz zu Naras späteren Gemälden, die sich durch eine glatte, makellose Bildsprache auszeichnen. Das Gefühl von Isolation, dass der junge Künstler während seines mehrjährigen Aufenthalts in einem fremden Land empfindet, und seine Auseinandersetzung mit der ungewohnten Umwelt äußern sich in seiner Kunst. Auf nonverbale Weise vermag er in seinen Bildern und Zeichnungen dem Betrachter einen Einblick in sein Selbst zu geben, Kindheitserinnerungen und die Bildsprache japanischer Kinderbücher fließen mit ein. Schon in seinen frühen Werken konzentriert er sich auf isoliert dargestellte Kinderfiguren, die in einer Art Blase ohne definierten Umraum agieren. Sind diese kleinen Protagonisten oft durch Emotionen wie Verlorenheit, Trauer oder Wut gekennzeichnet, vermittelt sich in der vorliegenden Arbeit ein Gefühl von Optimismus und Unbekümmertheit. Ähnlich wie in den Manga-Comics seiner japanischen Heimat oder der Streetart verbindet Nara vielfach Malerei mit Textelementen. An den rauen Charakter der Streetart erinnert in unserem Werk auch der Bildträger, ein Fenster mit Holzrahmen, das als unkonventioneller Bildträger adaptiert wurde. Die Textpassagen, die Nara verwendet, entstammen in der Regel Rock- oder Punksongs, welche er während des malerischen Prozesses hört. Diese Musik ist ein wesentlicher Impulsgeber für ihn, Kernthemen wie Rebellion und Unangepasstheit finden sich vielfach in seiner Malerei wieder. Im vorliegenden Fall jedoch greift er die Freude an der Musik und eine positive Grundhaltung auf: „But nothing get[s] me down“.
Lot 92
Skizzenbuch mit 58 Zeichnungen: 51 Tuschfeder-, 4 Rötel- und 3 Bleistiftzeichnungen auf Karton, beidseitig, in Hoch- und Querformat 20 x 29,2 x 1 cm, 15 Doppelbögen mit Fadenbindung. Rückseitig signiert, datiert und beschriftet 'Skizzenbuch 57 Ralf'. - Mit Atelier- und leichten Altersspuren.ProvenienzPrivatsammlung, Nordrhein-WestfalenAusstellungenFrankfurt 2007 (Schirn Kunsthalle), Kiel (Kunsthalle), Paris 2008 (Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris), A.R. Penck, Retrospektive, Ausst.Kat.Nr.127Es handelt sich um das älteste bekannte Skizzenbuch A. R. Pencks, in dem der als Ralf Winkler geborene Künstler den Alltag in seinem Elternhaus in Dresden festhält. Mit sicherem Zeichenstrich stellt der 18-Jährige Mutter, Vater und Großmutter bei alltäglichen Beschäftigungen dar. Dabei handelt es sich keineswegs nur um künstlerische Fingerübungen, vielmehr wird das tiefe Interesse deutlich, das der junge Künstler den Menschen in seinem Umfeld entgegenbringt. Und so erfasst er in wenigen rasch auf das Papier gesetzten Linien das Wesen der porträtierten Person genau. Zugleich wird in diesen frühen Zeichnungen seine Auseinandersetzung mit Künstlergrößen wie Rembrandt und Picasso deutlich.
Lot 105
Paula Modersohn-Becker - - 1876 Dresden-Friedrichstadt - 1907 Worpswede Elsbeth mit Hühnern. 1902/03. Kohlezeichnung und Aquarell über Bleistift. Rechts unten sowie links unten mit den Nachlasssignaturen von Tille Modersohn 'f. P.M.B. / T. M.' und 'f. P.M.B. / T. Modersohn'. 22,7 x 31,8 cm (8,9 x 12,5 in), Blattgröße. [CH]. • Lückenlose Provenienz: aus dem Nachlass der Künstlerin. • Charakteristische kleine Skizze mit dem so unverkennbaren, ganz eigenen Stil der Künstlerin. • Spontan auf Papier gebannte Beobachtung des ländlichen Alltags in Worpswede. • Motivische Ähnlichkeiten mit Gemälden wie 'Kinder und Hühner vor Landschaft' (um 1902, Busch/Werner 295) und 'Elsbeth mit Hühnern unter Apfelbaum' (um 1902, Busch/Werner 296). PROVENIENZ: Aus dem Nachlass der Künstlerin (1876-1907). Sammlung Mathilde 'Tille' Modersohn (1907-1998, die Tochter der Künstlerin), Bremen. Galerie Wolfgang Werner, Bremen/Berlin (aus dem Nachlass der Vorgenannten erworben). Sammlung Deutsche Bank (2000 vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Deutsche Bank AG (Hrsg.), Man in the Middle. Sammlung Deutsche Bank, Frankfurt am Main 2002, S. 183 (mit Farbabb.). 'Dieses nicht Fertigdrehen, das besitzen die Franzosen in hohem Maße. [..] Wir Deutschen malen immer pflichtgetreu unser Bild herunter und sind zu schwerfällig, aus dem Stegreif eine kleine Farbenskizze zu machen, die oft mehr sagt als das Bild.' Paula Modersohn-Becker, zit. nach: Ausst.-Kat. Paula Modersohn-Becker. Aufbruch in die Moderne, Buchheim Museum, Bernried 2019/2020, S. 66. Bereits 1897 lernt Paula Becker bei einem ersten kurzen Besuch die Künstlerkolonie Worpswede nahe Bremen kennen und entschließt sich schon wenige Monate später, ganz in das kleine Dorf inmitten des Teufelsmoors überzusiedeln. Die hiesige Natur, die hier lebenden, einfachen Menschen und das künstlerische Milieu um die ansässigen Künstler Heinrich Vogeler, Rainer Maria Rilke, Fritz Overbeck, Otto Modersohn und Fritz Mackensen, bei dem sie ab 1898 Zeichen- und Malunterricht nimmt, haben während ihres kurzen Lebens einen immensen Einfluss auf sie und nicht zuletzt auf ihr künstlerisches Schaffen. Nach einem sehr anregenden, mehrmonatigen Aufenthalt in Paris mit intensiven Weiterbildungen an renommierten privaten Akademien heiratet sie nach ihrer Rückkehr nach Worpswede 1901 den einige Jahre älteren, bereits verwitweten Künstler Otto Modersohn, der seine kleine Tochter Elsbeth mit in die Ehe bringt. Elsbeth findet sich in zahlreichen Zeichnungen und Gemälden Modersohn-Beckers wieder und auch die hier angebotene, feine aquarellierte Skizze zeigt Elsbeth mit geflochtenen Haaren in blauem Kleidchen, mit erhobenem Arm und im Begriff, die geschickt mit nur einigen wenigen Pinselstrichen angedeuteten Hühner im Zaum zu halten. Das Kleid mit weißem Saum an den Ärmeln und dem horizontalen Streifen am unteren Rand ähnelt Elsbeths Kleid auf einer Fotografie aus dem selben Jahr (siehe Abb.). Die Künstlerin setzt sich in diesen Jahren sehr intensiv mit ihrer Malerei und Überlegungen zu Farbigkeit und Bildaufbau auseinander. In ihrem Tagebuch notiert sie im Oktober 1902, dem Entstehungsjahr der hier angebotenen Arbeit: 'Ich glaube, man müsste beim Bildermalen gar nicht so an die Natur denken, wenigstens nicht bei der Konzeption des Bildes'. Die ersten Skizzen sollen nach Ansicht der Künstlerin zwar den Eindruck von der Natur einfangen, dann aber mit der persönlichen Empfindung verknüpft werden. Letztendlich solle sich jedoch ein Rückbezug auf die Natur ergeben: 'dann muß ich von der Natur das hineinbringen, wodurch mein Bild natürlich wirkt' (jeweils zit. nach: Ausst.-Kat. Paula Modersohn-Becker. Der Weg in die Moderne, Bucerius Kunst Forum, Hamburg 2017, S. 24f.). In ihrem kurzen Leben mit gerade einmal zehn Schaffensjahren gelingt es Modersohn-Becker mit diesem künstlerischen Paradoxon aus natürlich wirkender Konzeption der Natur in Einbeziehung der persönlichen Empfindungen eine ganz eigene, unverwechselbare Formensprache innerhalb der Kunstgeschichte des frühen 20. Jahrhunderts zu entwickeln. [CH] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONPaula Modersohn-Becker -1876 Dresden-Friedrichstadt - 1907 Worpswede Elsbeth mit Hühnern. 1902/03. Charcoal and Watercolor over pencil. Lower left and right with the estate signatures 'f. P. M B. / T. M.' und 'f. P. M. B. / T. Modersohn' from Tille Modersohn. 22.7 x 31.8 cm (8.9 x 12.5 in), size of sheet. [CH]. • Consistent provenance: From the artist's estate. • Characteristic small sketch in the artist's signature style. • Spontaneously rendered observation of rural life in Worpswede. • Similar motif as in 'Kinder und Hühner vor Landschaft' (around 1902, Busch/Werner 295) and 'Elsbeth mit Hühnern unter Apfelbaum' (around 1902, Busch Werner 296). PROVENANCE: From the artist's estate (1876-1907). Collection Mathilde 'Tille' Modersohn (1907-1998, the artist's daughter), Bremen. Galerie Wolfgang Werner, Bremen/Berlin (from the artist's estate). Collection Deutsche Bank AG, Frankfurt a. M. (acquired from aforementioned in 2000). LITERATURE: Deutsche Bank AG (editor), Man in the Middle. Deutsche Bank Collection, Frankfurt am Main 2002, p. 183 (with color illu.). 'This certain incompletion, that's what the French are good at. [.] We Germans always dutifully finish our picture, we are far too cumbrous to impromptu render a small sketch, which, in many cases, says more than a fully executed picture.' Paula Modersohn-Becker, quite after: ex. cat. Paula Modersohn-Becker. Aufbruch in die Moderne, Buchheim Museum, Bernried 2019/2020, p. 66. Called up: June 18, 2021 - ca. 13.06 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 147
Arthur Segal - - 1875 Jassy - 1944 London Kain und Abel (Zyklus Altes Testament). 1918. Öl auf Rupfen. Herzogenrath/Liska 175. Links unten signiert und datiert. Verso handschriftlich bezeichnet '103'. 69 x 90 cm (27,1 x 35,4 in). 89 x 110 cm (35 x 43,2 in). Inkl. Original-Künstlerrahmen. • Seltenes frühes Beispiel für Segals charakteristische 'Rasterbilder', die sich durch ihre Mehrszenigkeit und Simultanität auszeichnen. • Die 'Kain und Abel'-Geschichte, als Urthema des tödlichen Menschenstreites, ist in besonderer Weise exemplarisch für Segals künstlerischen Neuanfang während des Ersten Weltkrieges im Schweizer Exil. • Das 1928 entstandene, ebenfalls vierszenige Gemälde 'Hafen in Bornholm' befindet sich in der Tate Modern, London. PROVENIENZ: Nachlass Marianne Segal, Tochter des Künstlers (bis 1970, Sotheby’s 16.4.1970). Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Kollektiv-Ausstellung Arthur Segal, Kunstsalon Wolfsberg, Zürich, 18.1.-16.2.1919, Kat.-Nr. 2. Kollektivausstellung von Arthur Segal, Fraenkel & Co. / Josef Altmann, Kunsthandlung und Antiquariat, Lützowufer, Berlin, 13.1.-28.2.1921, Kat.-Nr. 18. II. Exhibition Arthur Segal Collection, Permanent Exhibition, 1 England’s Lane, London, Mai 1962-Februar 1963, Kat.-Nr. 9. LITERATUR: (in Auswahl) Neue Züricher Zeitung, 3.2.1919. Züricher Post, 6.2.1919. Sotheby’s, London, Auktion 16.4.1970, Los 3 (mit Abb.). Max Osborn, Blätter des Jüdischen Frauenverbands, Sonderdruck, August-September 1927. Arthur Segal, in Rumänien geboren, findet ab 1907 in der Hauptstadt Berlin schnell Anschluss an die künstlerische Avantgarde. Segal studiert die Malerei der 'Brücke' und des 'Blauen Reiters' sowie der 'Münchner Künstlervereinigung'. Künstler wie Heckel, Kirchner und Schmidt-Rottluff liefern dem Frühwerk des Künstlers wichtige Anregungen. 1914 muss Segal jedoch mit Kriegsbeginn emigrieren und findet in Ascona seine neue Wahlheimat. Ascona ist zum damaligen Zeitpunkt künstlerisches Zentrum der emigrierten Bohème, ein beliebter Zufluchtsort für Künstler und Intellektuelle und so leben zu dieser Zeit etwa auch Malerinnen und Maler wie Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Paul Klee, Hugo Ball und Hans Arp in der Stadt. Unter anderem für die genannten Künstler wird Segals Haus 'Casa all’Angelo' bald zu einem beliebten Treffpunkt. Segal ist schockiert von der Barbarei des Krieges und verliert sein Vertrauen in die Kunst: 'Damals war ich der Kunst böse, dass sie den Krieg nicht verhindern konnte und betrachtete ihr Wirken als bankrott.' (zit. nach: Herzogenrath/Liska S. 29). Fortan wendet sich Segal verstärkt der Philosophie und der Religion zu und verfasst um 1915 zwei Manuskripte, in denen er sich mit dem Problem zwischenmenschlicher Beziehungen auseinandersetzt. Im 'Tagebuch eines Schwachen' beschäftigt er sich mit der völligen Umkehrung der Verteilung von Stärke und Schwäche und 1916 stellt er schließlich drei religiöse Wandgemälde, darunter 'Das Jünste Gericht', an den Gebäuden des Friedhofes von Ascona fertig. In diesem geistigen Kontext muss sich Segal geradezu zwangsläufig mit dem biblischen Thema von 'Kain und Abel' als dem Urthema des tödlichen Menschenstreites auseinandergesetzt haben, das die stoffliche Grundlage für das vorliegende frühe, erzählerische 'Rastergemälde' liefert. Ab 1917 entstehen die ersten charakteristischen 'Rastergemälde' Segals, die an der simultanen Darstellungsweise mittelalterlicher Fresken orientiert sind. 'Kain und Abel' ist ein charakteristisches Beispiel für diese einzigartige Bildform, die Segal in dieser speziellen Lebenssituation entwickelt hat und die er bis 1924 fortführt. Schön ist die besondere Harmonie der Farben, mit der es Segal gelingt, die vier narrativen Szenen und den bemalten Künstlerrahmen zu einer außerordentlich harmonischen Einheit zu verschmelzen. 1920 kehrt Arthur Segal in seine frühere Heimatstadt Berlin zurück und es folgen zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen. 1933 muss Segal aufgrund seiner jüdischen Herkunft erneut aus Deutschland fliehen. Er findet zunächst in Spanien eine neue Heimat, drei Jahre später geht er nach London, wo er 1944 stirbt. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.01 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).
Lot 156
Gerhard Marcks - - 1889 Berlin - 1981 Köln Stehender Jüngling, Arm eingestützt. 1945/1950. Bronze mit brauner Patina. Rudloff 462. Auf der Plinthe mit dem Künstlersignet. Dort hinten seitlich mit der Nummerierung und dem Gießerstempel 'Rich. Barth Bln Mariendorf'. Einer von drei bekannten, römisch nummerierten Lebzeitgüssen. Höhe: 118 cm (46,4 in). 1953 gegossen von der Gießerei Richard Barth, Berlin. • Seit über 45 Jahren Teil der Kunstsammlung der Deutschen Bank. • Nach über 20 Jahren wird nun erstmals wieder ein Guss dieser Bronze auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: www.artprice.de). • Weitere Arbeiten aus demselben Entstehungsjahr befinden sich u. a. in der Hamburger Kunsthalle, im Hirshhorn Museum in Washington, D. C., und im Wallraf-Richartz-Museum in Köln. PROVENIENZ: Sammlung Deutsche Bank. AUSSTELLUNG: Wohl jeweils ein anderes Exemplar: Gerhard Marcks, Städtische Kunsthalle, Mannheim, 19.4.-25.5.1953, Kat.-Nr. 18. Gerhard Marcks, Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen, 1953, Kat.-Nr. 16. 2. Biennale, Middelheimpark, Antwerpen, 20.6.-30.9.1953, Kat.-Nr. 42. Gerhard Marcks (anlässlich der Verleihung des Kulturpreises), Neues Museum, Wiesbaden, 1953, o. Kat. Gerhard Marcks, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen (mit der Galerie Vömel), Düsseldorf, 1954, o. Kat. Gerhard Marcks. An Exhibition of Sculpture with Drawings and Woodcuts, The Arts Council, London, 1954, Kat.-Nr. 8. Gerhard Marcks (zum 80. Geburtstag). Plastiken in Stein und Bronze - Zeichnungen - Holzschnitte, Mannheimer Kunstverein, 9.11.-7.12.1969, Kat.-Nr. 23. 'Plastik ist eine Sache der Gewichte und Proportionen, dem Chaos des Lebens abgerungene Form.' Gerhard Marcks, zit. nach: Günter Busch, Gerhard Marcks. Das plastische Werk, Frankfurt/Main 1977, S. 93. Mit seinen zurückhaltenden, zeitlos formschönen Werken gilt Gerhard Marcks heute als einer der wichtigsten deutschen Künstler der figurativen Bildhauerei. Während er seine Figuren in den 1920er Jahren noch deutlich expressionistisch gestaltet und die menschliche Anatomie verstärkt abstrahiert, findet er in seinem Kunstschaffen nach einer eindrucksvollen Reise nach Griechenland im Jahr 1928 und der Begegnung mit archaischer Plastik zu klareren, strengeren Formen, die ihn hin zu einem natürlicheren Menschenbild führen. Nach mathematisch bestimmbaren Formprinzipien versucht Marcks das Wesen des Menschen in wirklichkeitsnahen, aber keineswegs rein abbildenden Arbeiten zu ergründen. Seine Themen erschließt sich der Künstler dabei u. a. aus der griechischen Mythologie, häufig aber auch aus seiner direkten Umgebung: So arbeitet er bspw. gerne nach dem Modell seines ältesten Sohnes Herbert und seiner Enkelin Christine. Die in Stein oder Terrakotta, mit Vorliebe aber in Bronze geschaffenen Körper und Gesichter scheinen in sich zu ruhen, strahlen oft eine ganz besondere, teils verhaltene, kontemplative Stimmung aus, die für den Betrachter auch in der hier angebotenen Arbeit spürbar wird. Die Kriegsjahre vor Entstehung unserer Arbeit sind aufgrund persönlicher, beruflicher und politischer Tragödien wohl die härtesten im Leben von Gerhard Marcks. Wegen seines persönlichen Engagements für seine jüdischen Künstlerkolleginnen Trude Jalowetz und Marguerite Friedländer-Wildenhain wird er 1933 von den Nationalsozialisten aus dem Lehramt für Bildhauerei an der Kunstgewerbeschule in Halle entlassen. 1937 erhält er Ausstellungsverbot, seine Werke werden als 'entartet' verfemt, einige werden auch in der gleichnamigen Propagandaausstellung gezeigt. 1943 fällt der älteste Sohn Herbert an der Front, das Berliner Atelier wird durch einen Bombeneinschlag vollständig zerstört. Trotz dieser unendlichen persönlichen wie künstlerischen Verluste und der daraufhin eintretenden finanziellen Not ist Marcks weiterhin künstlerisch tätig, schafft u. a. die hier angebotene Arbeit 'Stehender Jüngling, Arm eingestützt'. Seine Künstlerfreundin Käthe Kollwitz schreibt 1944 bewundernd über ihn: '[..] die Kraft, die Gerhard Marcks aufbringt, bleibt mir fast unbegreiflich. Nicht nur, dass sein Sohn gefallen ist, auch seine Arbeit ist vernichtet, alles ist hin, und doch fängt der Mensch ein neues Leben an. Wo kommt all diese Kraft her?' (zit. nach: Eline van Dijk, Das Kunstwerk des Monats. Oktober 2017, in: LWL-Museum für Kunst und Kultur / Westfälisches Landesmuseum, S. 4). [CH] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.13 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONGerhard Marcks -1889 Berlin - 1981 Köln Stehender Jüngling, Arm eingestützt. 1945/1950. Bronze with brown patina. Rudloff 462. With the artist's signet on the plinth, as well as with the number and the foundry mark 'Rich. Barth Bln Mariendorf' on rear. One of three known Roman numbered lifetime casts. Height: 118 cm (46.4 in). Cast by art foundry Richard Barth, Berlin in 1953. • Part of Deutsche Bank Collection for more than 45 years. • This is the first time in more than 20 years that a cast of this bronze is offered on the international auction market (source: artprice). • Other works from the same year are at, among others, the Kunsthalle Hamburg, the Hirshhorn Museum in Washington, D. C. and the Wallraff-Richartz-Museum in Cologne. PROVENANCE: Deutsche Bank Collection. EXHIBITION: Each presumably different copy: Gerhard Marcks, Städtische Kunsthalle Mannheim, April 19 - May 25, 1953, cat. no. 18. Gerhard Marcks, Karl-Ernst-Osthaus-Museum, Hagen 1953, cat. no. 16. 2nd Biennial, Middelheimpark, Antwerp, June 20.6.-30.9.1953, cat. no. 42. Gerhard Marcks ('Kulturpreis' award winner), Neues Museum, Wiesbaden 1953, no cat. Gerhard Marcks, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen (together with Galerie Vömel), Düsseldorf 1954, no cat. Gerhard Marcks. An Exhibition of Sculpture with Drawings and Woodcuts, The Arts Council, London 1954, cat. no. 8. Gerhard Marcks (on occasion of the 80th birthday). Plastiken in Stein und Bronze - Zeichnungen - Holzschnitte, Mannheimer Kunstverein, November 9 - December 7, 1969, cat. no. 23. 'Sculpting is a matter of balance and proportions, forms wrested from the chaos of life.' Gerhard Marcks, quote after: Günter Busch, Gerhard Marcks. Das plastische Werk, Frankfurt/Main 1977, p. 93. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.13 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 161
Hans Purrmann - - 1880 Speyer - 1966 Basel Palmen vor Villa in Sorrent. 1951. Öl auf Leinwand. Lenz/Billeter 1951/13. Links unten signiert und mit der persönlichen Widmung 'An Frau Kiesel' bezeichnet. 40 x 48,3 cm (15,7 x 19 in). • Lange Teil der Sammlung von Sophie Kiesel, der Ehefrau des ehemaligen Direktors der Pfalzgalerie, Kaiserslautern, Carl M. Kiesel (1903-1971). • Italophil: Die farbenfrohe Darstellung aus Sorrent entsteht während einer der zahlreichen Sommeraufenthalte in Italien. • Bei der Villa handelt es sich womöglich um die Villa Gorki, die in den Arbeiten des Künstlers in diesem Sommer eine prominente Rolle einnimmt (Lenz/Billeter 1951/20-23). Das Werk ist unter der Nummer 213 im Archiv verzeichnet. PROVENIENZ: Sammlung Sophie Kiesel, Kaiserslautern (als Geschenk direkt vom Künstler erhalten, verso auf dem Keilrahmen mit dem Namen der Sammlerin bezeichnet). Privatsammlung Berlin. Privatsammlung Berlin (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Der Maler Hans Purrmann. Ölgemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Graphik von 1898-1960, Kunstverein Hannover, 1960, Kat.-Nr. 161. Hans Purrmann. Gemälde, Aquarelle, Graphik. Ausstellung zum hundertjährigen Jubiläum des Staatlichen Hans-Purrmann-Gymnasiums, Speyer 1979, Kat.-Nr. 45. LITERATUR: Arno Winterberg, Heidelberg, 59. Auktion, 1999, Los 2494. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.20 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONHans Purrmann -1880 Speyer - 1966 Basel Palmen vor Villa in Sorrent. 1951. Oil on canvas. Lenz/Billeter 1951/13. Lower left signed and inscribed with a persanal dedication 'An Frau Kiesel'. 40 x 48.3 cm (15.7 x 19 in). • For a long time part of the collection of Sophie Kiesel, the wife of the former director of the Pfalzgalerie, Kaiserslautern, Carl M. Kiesel (1903-1971). • Italophile: The colorful depiction of Sorrento was created during one of the numerous summer stays in Italy. • The villa is possibly Villa Gorki, which plays a prominent role in the works the artist made that summer (Lenz / Billeter 1951 / 20-23). The work is listed in the archive with the number 213. PROVENANCE: Collection Sophie Kiesel, Kaiserslautern (gifted from the artist, inscribed with her name on the reverse). Private collection Berlin. Private collection Berlin (acquired from the above). EXHIBITION: Der Maler Hans Purrmann. Ölgemälde, Aquarelle, Zeichnungen und Graphik von 1898-1960, Kunstverein Hannover, 1960, cat. no. 161. Hans Purrmann. Gemälde, Aquarelle, Graphik. Ausstellung zum hundertjährigen Jubiläum des Staatlichen Hans-Purrmann-Gymnasiums, Speyer 1979, cat. no. 45. LITERATURE: Arno Winterberg, Heidelberg, 59th auction, 1999, lot 2494. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.20 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 189
Heinrich Hoerle - - 1895 Köln - 1936 Köln Begegnung. 1925. Tempera. Backes Teil III 29. Rechts unten signiert. Rechts oben in der Darstellung monogrammiert. Verso mit Tuschezeichnung eines Rückenakts. Auf dünnem Karton. 27 x 16,2 cm (10,6 x 6,3 in), blattgroß. [SL]. • Aus der gefragten konstruktivistischen Werkperiode des Künstlers. • Mithilfe konstruktiver Flächensegmentierung lässt Hoerle Figur und Hintergrund miteinander verschmelzen. • Nach dem Ersten Weltkrieg ist der Künstler Mitglied der Kölner Dada-Gruppe um Max Ernst und Johannes Baargeld. • Seine Werke sind bereits zu Lebzeiten in renommierten musealen Sammlungen vertreten, unter anderem im Wallraf-Richartz-Museum, Köln, im Kunstmuseum Düsseldorf oder dem Museum in Detroit. PROVENIENZ: Galerie Michael Hasenclever, München. Sammlung Deutsche Bank. AUSSTELLUNG: Hoerle und sein Kreis, Ausstellung des Kunstvereins Frechen e. V., Dezember 1970-Januar 1971, Kat.-Nr. 96, Ausst.-Kat. mit Abb. Man in the Middle, Kunsthalle Tübingen, 13.9.-2.11.2003, Ausst.-Kat. mit Farbabb. S. 101. LITERATUR: Ariane Grigoteit, Ein Jahrhundert. One Century. 100 x Kunst, Sammlung Deutsche Bank, Frankfurt a. M. 2001, S. 120-121 (mit ganzs. Abb.). 'Wir wollen keine Bildchen malen, die sich der Satte über sein Sofa hängt, dass sie ihm den Mittagsschlaf versüßen. Wir wollen keine Bildchen machen, damit der Hungrige seinen Hunger vergisst. Wir wollen auch keine Bildchen machen, wo die Welt schön und alles gut ist.' Heinrich Hoerle Klein, abwechslungsreich und qualitätiv hochkarätig ist das künstlerische Gesamtwerk, das der Kölner Maler Heinrich Hoerle hinterlässt, als er im Alter von gerade 40 Jahren an Tuberkulose stirbt. Im Zuge der nationalsozialistischen Aktion 'Entartete Kunst' werden 21 Werke von Heinrich Hoerle aus deutschen Museen beschlagnahmt und teilweise vernichtet. Heute sind Hoerles Arbeiten eine Seltenheit auf dem Auktionsmarkt. Nach mehr als dreißig Jahren hat das herausragende, aber leider ab den 1970er Jahren in Vergessenheit geratene Werk Hoerles, der neben dem Fotografen August Sander und dem Maler Franz Wilhelm Seiwert zu den Protagonisten der Gruppe 'Kölner Progressive Künstler' zählt, erst 2008 in der Ausstellung des Museums Ludwig 'Köln progressiv 1920-33. Seiwert-Hoerle-Arntz' wieder die ihm gebührende museale Würdigung gefunden. Nach dem Ersten Weltkrieg ist Hoerle zunächst Teil der Kölner Dada-Gruppe um Max Ernst und Johannes Bargeld, löst sich aber bald wieder von Ernsts internationalen Dada-Bestrebungen, da er eine stärker national ausgerichtete, politischere Kunst anstrebt. Formal verschmilzt Hoerles klare, reduzierte Bildsprache Elemente der Neuen Sachlichkeit, des Konstruktivismus und des Kubismus, wobei bei der Tempera 'Begegnung' deutlich die Nähe zum analytischen Kubismus Picassos und Braques zu Tage tritt, die Hoerle formal mit einer konstruktivistischen Strenge und Grandlinigkeit verschmilzt, die vielmehr der konstruktivistischen Abstraktion entlehnt scheint. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONHeinrich Hoerle -1895 Köln - 1936 Köln Begegnung. 1925. Tempera. Backes Teil III 29. Lower right signed. Monogrammed in upper right part of the image. Verso with an India ink drawing of a nude in rear view. On thin board. 27 x 16.2 cm (10.6 x 6.3 in), size of sheet. [SL]. • From the artist's sought-after constructivist period. • Constructive surface segmenattion combining figure and background. • After WW I the artist was a member of the Cologne Dada group around Max Ernst and Johannes Baargeld. • His works were shown at renowned museums during his lifetime, among them the Wallraf-Richartz-Museum, Cologne, the Kunstmuseum Düsseldorf or the Detroit Art Institute. PROVENANCE: Galerie Michael Hasenclever, Munich. Deutsche Bank Collection. EXHIBITION: Hoerle und sein Kreis, exhibition at Kunstverein Frechen e.V., December 1970 - January 1971, cat. no. 96, ex. cat. with illu. Man in the Middle, Kunsthalle Tübingen, September 13 - November 2, 2003, ex. cat. with color illu. on p. 101. LITERATURE: Ariane Grigoteit, Ein Jahrhundert. One Century. 100 x Kunst, Collection Deutsche Bank, Frankfurt a. M. 2001, pp. 120-121, with full-page illu. 'We don't want to make pleasant pictures that adorn the walls of the overfed, so that they can enjoy their sweet midday nap. And we don't make pictures that help the hungry ones to forget about their hunger. Neither do we want to make pictures of a world in which all is good and nice.' (Heinrich Hoerle) Called up: June 18, 2021 - ca. 14.58 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 199
Gabriele Münter - - 1877 Berlin - 1962 Murnau Sommerblumenstrauß mit rotem Mohn und Phlox. Um 1950/1955. Gouache. Auf Velin. 61 x 43 cm (24 x 16,9 in), Blattgröße. [EH] • Ursprünglich im Besitz der legendären Galeristen Otto und Edda Stangl. • Stilisiertes Blumenbild aus der Spätphase. • Die Liebe zum arrangierten Detail ist besonders in Münters Blumenstillleben zu finden. PROVENIENZ: Moderne Galerie Otto Stangl (bis 1966). Privatsammlung Hamburg (1966-2019). Sammlung Schweiz. LITERATUR: Hauswedell, Hamburg, Auktion 149, 17.11.1966, Los 672. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONGabriele Münter -1877 Berlin - 1962 Murnau Sommerblumenstrauß mit rotem Mohn und Phlox. Um 1950/1955. Gouache. On wove paper. 61 x 43 cm (24 x 16.9 in), size of sheet. • Originally owned by the legendary gallerists Ernst and Edda Stangl. • Stylized flower picture from the late creative period. • The love for the arranged detail becomes especially obvious in Münter's flower still lifes. PROVENANCE: Galerie Stangl (until 1966). Private collection Hamburg (1966-2019). Collection, Switzerland. LITERATURE: Hauswedell, Hamburg, auction 149, November 17, 1966, lot 672. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.12 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 211
Christian Rohlfs - - 1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Mutter und Kinder. Um 1928. Öl auf Leinwand. Vogt 733. 107 x 220 cm (42,1 x 86,6 in). • Singuläres, monumentales Werk im Œuvre des großen deutschen Expressionisten. • Das bisher großformatigste Werk des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt (Quelle: artprice.com). • Weitere Werke des Künstlers sind u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, oder des Louvre Paris vertreten. • Einige seiner Arbeiten werden 1937 auf der Ausstellung 'Entartete Kunst' in München gezeigt. • 1955 werden einige Werke postum auf der documenta 1 in Kassel ausgestellt. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Galerie Boisserée, Köln (auf dem Keilrahmen mit dem Galerieetikett). Firmensammlung Nordrhein-Westfalen. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONChristian Rohlfs -1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Mutter und Kinder. Um 1928. Oil on canvas. Vogt 733. 107 x 220 cm (42.1 x 86.6 in). • Singular, monumental work in the oeuvre of the great German expressionist. • The artist's largest work offered on the international auction market (source: artprice.com) to date. • Other works by the artist are at, among others, the Museum of Modern Art, New York, or the Louvre, Paris. • Some of his works were shown in the 'Degenerate Art' exhibition in Munich in 1937. • In 1955 some works were exhibited posthumously at documenta 1 in Kassel. PROVENANCE: From the artist's estate. Galerie Boisseré, Cologne (with a gallery label on the stretcher). Corporate collection North Rhine-Westphalia. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.28 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 237
Marc Chagall - - 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence Le jugement de Chloé. 1961. Farblithografie. Mourlot 315. Cramer Livres 46. Signiert und nummeriert. Eines von 60 Exemplaren. Auf festem Velin von Arches (mit dem Wasserzeichen). 42 x 64 cm (16,5 x 25,1 in). Papier: 54 x 75,5 cm (21,3 x 29,7 in). Blatt 8 der Folge 'Daphnis und Chloé', aus der Suite neben der Buchauflage. Gedruckt bei Mourlot Frères, Paris, herausgegeben von Tériade Éditeur, Paris. [KT]. • 1959-1961 illustriert Marc Chagall für Tériade die antike, bukolische Erzählung des Longus von Daphnis und Chloé. • Besonders zarte, atmosphärische Darstellung, erfüllt von der Luft und dem Licht Griechenlands. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 16.04 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONMarc Chagall -1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence Le jugement de Chloé. 1961. Lithograph in colors. Mourlot 315. Cramer Livres 46. Signed and numbered. From an edition of 60 copies. On firm wove paper by Arches (with the watermark). 42 x 64 cm (16.5 x 25.1 in). Sheet: 54 x 75,5 cm (21,3 x 29,7 in). Sheet 8 from the series 'Daphnis and Chloé', from the suite next to the book edition. Printed by Mourlot Frères, Paris, published by Tériade Éditeur, Paris. [KT]. • The series 'Daphnis and Chloé' is still the greatest testimony to Chagall's graphic mastery. • From 1959 to 1961 Marc Chagall illustrates the ancient, bucolic tale of Daphnis and Chloé by Longus for Tériade. • Particularly delicate, atmospheric depiction, filled with the air and light of Greece. Called up: June 18, 2021 - ca. 16.04 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Lot 309
Willi Baumeister - - 1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Formen farbig (Fliegende Formen). 1937. Öl auf Leinwand. Beye/Baumeister 762. Auf dem Keilrahmen signiert und datiert sowie mit einem Etikett, dort nochmals signiert und mit der Werknummer 'WB Nr. 610' sowie ein weiteres Etikett mit rotem Fingerabdruck. 65 x 46 cm (25,5 x 18,1 in). Im Tagebuch des Künstlers befindet sich eine Skizze des Gemäldes (S.114) mit dem entwicklungsgeschichtlich aufschlussreichen Vermerk: 'Vorgänger der >fliegenden Formen< Juni 1938' (vgl. Beye/Baumeister 764ff.). • Eine der ersten rein abstrakten Kompositionen Willi Baumeisters aus der kleinen, frühen Werkgruppe der 'Ideogramme und Zeichen' (1937-1941). • Von größter Seltenheit. Bisher wurden erst zwei weitere Kompositionen aus dieser Werkgruppe auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Eine der wenigen mehrfarbigen Kompositionen der überwiegend in Schwarz-Weiß ausgeführten Werkgruppe. • Die schwebenden biomorphen Strukturen zeigen deutliche Parallelen zu zeitgenössischen Schöpfungen Hans Arps und Alexander Calders. • Baumeisters Gemälde der 'Ideogramme und Zeichen' gehört zu den zentralen abstrakten Positionen der 1930er Jahre. PROVENIENZ: Galleria d'Arte Stendhal, Mailand (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel). Galleria Gissi, Turin (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel). Klipstein & Kornfeld, Bern (1962). Galerie Valentien, Stuttgart (1987). Privatbesitz Reutlingen (1987 vom Vorgenannten erworben-2013). Galerie Schlichtenmaier, Stuttgart (2013). Privatsammlung Süddeutschland (beim Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Willi Baumeister - Ernst Wilhelm Nay, Kunsthalle Basel, 1960, (Nr. 1729, auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Willi-Baumeister - Das unbekannte in der Kunst, Stiftung für konkrete Kunst, Reutlingen 1988/89 (mit Farbabb. o.S.). LITERATUR: Klipstein & Kornfeld, Auktion 108, Bern, 25. und 26.5.1962, S. 12, Kat.-Nr. 51, (mit S/W-Abb. Tafel 98). Kunst des 20. Jahrhunderts, Lagerkatalog 1986/87, Galerie Valentien, Stuttgart 1987, S. 30 (mit Abb.). Wunderbar leicht sind die Kompositionen der kleinen Werkgruppe der 'Ideogramme und Zeichen'. In perfekter, schwebender Balance präsentieren sich die klar konturierten Formen zueinander austariert in spannungsvoller Distanz vor monochromem hellgrauen Grund. Nichts stört unseren Blick, mit dem wir dem sanften Schwingen der Kontur folgen. All das ruft zwangsläufig Parallelen zu den berühmten Mobiles Alexander Calders wach, mit denen der amerikanische Künstler ebenfalls um die Mitte der 1930er Jahre zu experimentieren beginnt. 'Formen farbig (Fliegende Formen)' gehört zu Baumeisters ersten konsequent abstrakten Schöpfungen, die sich nicht nur formal, sondern auch durch ihren Titel jeglicher figürlicher Assoziation verweigern. Baumeister hat eine starke Affinität zum Zeichen, das er in den 1940er Jahren einmal als 'Urform des Bildhaften' bezeichnet, als 'die erste und vielleicht reinste Position des Optisch-Visuellen' (zit. nach: Beye/Baumeister, Bd. I, S. 14). Neben Calder erinnern die sanft schwebenden Gebilde auf Baumeisters eindrucksvoller Komposition mit ihrer reduzierten biomorphen Formsprache auch an die zeitgenössischen Schöpfungen des deutsch-französischen Bildhauers Hans Arp. Die fast gleichaltrigen Künstler Arp und Baumeister kamen bereits früh über den Dadaisten Kurt Schwitters in Kontakt. Vermutlich begann ihre Freundschaft und ihr künstlerischer Austausch bereits in den 1920er Jahren in Paris. Für 1930 schließlich ist ein Zusammentreffen beider Künstler in der französischen Hauptstadt belegt und 1938, also im Jahr nach der Entstehung der vorliegenden Komposition, besichtigt Arp die von Baumeister 1937/38 in der Kunsthalle Basel zum Schutz vor den Nationalsozialisten deponierten Kunstwerke. Für die Nachkriegszeit sind gegenseitige Atelierbesuche und der Austausch von Kunstwerken und künstlerischen Positionen dokumentiert. Baumeister und Arp sind zudem Mitglieder der avantgardistischen Pariser Künstlergruppe 'Abstraction Création', der 1931 auch der amerikanische Künstler Alexander Calder beitritt. Die wunderschöne minimalistische Komposition 'Formen farbig (Fliegende Formen)' ist also nicht nur eine herausragend starke Komposition und laut Vermerk des Künstlers das seine schwarz-weiße Folge der 'Fliegenden Formen' initiierende Werk, sondern auch ein eindrucksvolles künstlerisches Dokument von Baumeisters internationalem künstlerischen Austausch in den 1930er Jahren. Baumeister, der ab 1946 als Professor an der Stuttgarter Kunstakademie lehrt, zählt heute zu den wichtigsten deutschen Avantgarde-Künstlern seiner Zeit und zu den wegweisenden Vertretern der abstrakten Malerei in Deutschland. Baumeisters Kompositionen waren bereits mehrfach auf Ausstellungen im Museum of Modern Art vertreten und waren dort bereits 1957 in der legendären Überblickschau 'German Art of the 20th Century' unter anderem neben Kompositionen Kandinskys zu sehen. Zuletzt hat 2014 das MKM Museum Küppersmühle, Duisburg, in der Ausstellung 'Willi Baumeister International' Baumeisters Werdegang vom Stuttgarter Kunststudenten zum international gefeierten Nachkriegskünstler in einer umfassenden Ausstellung nachgezeichnet. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.18 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).
Lot 311
Hans Hartung - - 1904 Leipzig - 1989 Antibes T 1931-1. 1931. Öl auf Holz. 46 x 38 cm (18,1 x 14,9 in). • Frühestes abstraktes Gemälde des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt (Quelle: www.artprice. com). • Seltenes frühes abstraktes Gemälde, das für Hartungs weiteres gestisch-abstraktes Schaffen wegweisend ist. • Im Dezember 2020 erzielte die stilistisch und farblich vergleichbare Komposition 'T1934-2' (1934) das zweithöchste Auktionsergebnis • 1975 widmet das Metropolitan Museum of Art, New York, dem europäischen Protagonisten der abstrakten Malerei eine Einzelausstellung. • Aus der Sammlung Deutsche Bank. Das Werk ist im Archiv der Fondation Hartung-Bergman, Antibes, registriert und wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis des Künstlers aufgenommen. PROVENIENZ: Galerie Kühl, Dresden (1931). Sammlung Friedrich Bienert, Berlin (1931 vom Vorgenannten erworben, - mindestens 1969, verso mit Transportetikett). Galerie Beyeler, Basel (verso mit dem Etikett). Sammlung Deutsche Bank (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Hans Hartung. Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen, Galerie Heinrich Kühl, Dresden 1931. Hans Hartung, Musée national d’art moderne, Paris 1969, Kat.-Nr. 20. LITERATUR: Hans Hartung. Spontanes Kalkül, Ausst. Kat. Museum der Bildenden Künste, Leipzig 2007, S. 206 (mit Abb.). 'Meiner Meinung nach ist die Malerei, die man die abstrakte nennt, kein Ismus [..], sie ist weder ein 'Stil' noch eine 'Epoche' in der Geschichte der Kunst, sondern einfach ein neues Ausdrucksmittel, eine andere menschliche Sprache - und zwar direkter als die frühere Malerei.' Hans Hartung Hans Hartung ist einer der wenigen deutschen Künstler, die sich nach nur vereinzelten figürlichen Versuchen von Anfang an konsequent der Abstraktion verschrieben haben. Ein Vortrag von Wassily Kandinsky, den der in Leipzig geborene Künstler 1925 während seiner Studentenzeit hört, wird dabei zum Schlüsselerlebnis. Fortan beginnt Hartung ausschließlich abstrakt zu arbeiten und wird schließlich zu einem der herausragenden Vertreter des europäischen Informel. Unsere leuchtende Komposition, die Hartung in flächig breitem Duktus auf den Malgrund setzt, scheint bereits den breiten Strich späterer Kompositionen von Pierre Soulages vorwegzunehmen. War der Schritt zur abstrakten Malerei für andere Künstler oft das Ergebnis eines langen Weges der Suche, so ist sie für Hartung vielmehr die frühe Grundlage eines besonders reichen gestischen Schaffens, das bis in die 1980er Jahre reicht. Diese künstlerische Konsequenz wird Hartung in der Zeit des Nationalsozialismus allerdings zum Verhängnis, weshalb die große öffentliche Würdigung seines Schaffens erst in der Nachkriegszeit einsetzt. Seine ungegenständlichen Arbeiten finden erst dann ein aufnahmewilliges Publikum. Zudem wird seine Zugehörigkeit zur École de Paris, die in den 1950er Jahren Mittelpunkt der europäischen Avantgarde ist, besonders gewürdigt. Hartungs Bildfindungen sind freie Formen eines dynamischen Schaffensprozesses, die sich durch ihren besonderen grafischen Gestus auszeichnen. Bereits in den 1970er Jahren wird Hartungs Œuvre nicht nur in Deutschland mit einer Retrospektive im Wallraf-Richartz-Museum in Köln, sondern 1975 sogar mit einer Einzelausstellung im Metropolitan Museum, New York, geehrt. Auf der New Yorker Ausstellung werden vorrangig Arbeiten der frühen 1970er Jahre gezeigt, in denen Hartung das lineare Formenpotenzial der beiden vorangegangenen Jahrzehnte mit neuen, stärker flächig ausgerichteten Formelementen verbindet. Seine Kompositionen weisen in dieser Zeit häufig breite, mit dem Spachtel oder Flachpinseln aufgetragene Farbzonen auf, welche mit den feinen Liniensystemen früherer Arbeiten zu ausdrucksstarken Farbklängen verschmolzen werden. Diese flächig ausgeführte Gestik der 1970er Jahre ist aber keineswegs neu in Hartungs Œuvre, wie unsere leuchtende Komposition aus dem Jahr 1931 zeigt. Die äußerst frühe abstrakte Komposition überzeugt durch ihre progressive, flächig-gestische Bildsprache und das Element der Überlagerung, beides Stilmittel, die nicht nur für Hartungs weiteres malerisches Œuvre in entscheidender Weise prägend sein werden. Hartungs Arbeiten befinden sich heute in zahlreichen internationalen Museen, u. a. im Metropolitan Museum of Art, New York, dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Gallery, London. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.22 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).
Lot 315
Hans Hartung - - 1904 Leipzig - 1989 Antibes T 1975 - R 25. 1975. Acryl auf Leinwand. Links unten signiert und datiert. Auf der umgeschlagenen Leinwand signiert, betitelt und bezeichnet. Auf dem Keilrahmen nochmals betitelt und bezeichnet sowie mit Richtungspfeil. 130 x 162 cm (51,1 x 63,7 in). [SM]. • Hans Hartung, einer der wichtigsten Vertreter des europäischen Informel und einer der einflussreichsten Protagonisten der École de Paris. • Das Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris würdigte den Mitbegründer des deutschen Informel jüngst mit einer großen Retrospektive (11. Oktober 2019 bis 1. März 2020). • Mithilfe dieser großen schwarzen und blauen, offensiv in Szene gesetzten Zeichen suggeriert der Künstler eine Bildperspektive, einen räumlich wirkenden und belebten Farbraum. So wirkt die Abstraktion wie eine Übersetzung von inspiriertem Gefühl. Das Werk ist im Archiv der Fondation Hans Hartung et Anna-Eva Bergman registriert und wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. PROVENIENZ: Galerie Kallenbach, München (1987 direkt vom Künstler erworben). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. 'I am always, always looking for a law, the alchemic rule that can turn rhythm, movement and color into gold; to transmute apparent disorder with the sole aim of conveying perfect movement and so creating order in disorder, and order through disorder.' (Hans Hartung zit. n. Jennifer Mundy, Hans Hartung. Works on Paper 1922-56, London 1996, S. 20) „Die Bildmittel rücken als Sprache des Malers so weit in den Vordergrund', so der Kunsthistoriker Will Grohmann, „daß man zunächst nur sie sieht. Mit Recht, denn sie sind mehr als bloße Mittel, sie spiegeln das, was wir früher als persönlichen Ausdruck bezeichneten.“ Die Komposition 'T 1975' zeigt vor einem hellen lila und gelben, leuchtkastenartigen Hintergrund eine von Hartung nahezu parallel entwickelte und mit einer Gummiwalze aufgetragene Figurine. 'T 1975' ist typisch für die Zeit und den unerhörten Reichtum an Formen und Farben, die Hartung zu einer harmonischen Idee vereint. Ab Anfang der 1970er Jahre setzt Hartung Werkzeuge ein wie eben eine Gummiwalze, die eigentlich zum Einfärben eines Lithografiesteins dient, um die Farbe, oft Schwarz und hier bisweilen Blau, auf einen vorab mit der Spritzpistole gleichmäßig eingefärbten Hintergrund zu rollen. Es bleibt nicht bei der Gummiwalze; Hartung präpariert etwa unterschiedliche Bürsten, Rollen, Besen, Pinsel, Schaber, Kratzer, Spachtel, Fächer und vieles andere mehr, um mit diesen Gerätschaften erstaunliche Effekte zu erzielen. Er entwickelt dabei ein technisch variables System, mit dem er die großen Gesten in seinen Bildern formuliert. Aber seine Malerei erschöpft sich nicht in ihren Werkzeugen, sie dienen ihm wie hier die Gummirolle, um unterschiedliche Möglichkeiten des Malprozesses als Experiment mit unvorhersehbarem Ergebnis zu gestalten. Ein Malprozess, den er nicht so sehr als ein Ereignis mit unvorhersehbarem Ausgang versteht, sondern eher als ein Experiment, das zu einem gewissen Anteil präzise steuerbar ist; - eine Technik, die schon K. O. Götz mit dem Rakel sich zu eigen macht, eine Technik, die nicht zuletzt Gerhard Richter zu einer eminent charaktervollen Bildformulierung steigert. Dunkle Farben, eine schwarze und eine blaue Form, stehen hier vor lichtdurchflutetem Hintergrund. Diesen extremen Gegensatz präzise herauszuarbeiten, trotz der Zweidimensionalität der monochromen Farben einen imaginären Tiefenraum zu kreieren, befördert Assoziationen beim Betrachten. Mithilfe dieser großen schwarzen und blauen, offensiv in Szene gesetzten Zeichen suggeriert der Künstler eine Bildperspektive, einen räumlich wirkenden und belebten Farbraum. So wirkt die Abstraktion wie eine Übersetzung von inspiriertem Gefühl. [MvL] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHans Hartung -1904 Leipzig - 1989 Antibes T 1975 - R 25. 1975. Acrylic on canvas. Signed and dated in lower left. Signed, titled and inscribed on the folded canvas. Once more titled and inscribed, as well as with a direction arrow, on the stretcher. 130 x 162 cm (51.1 x 63.7 in). • Hans Hartung is one of the most important representatives of European Informalism and one of the most influential protagonists of the École de Paris. • The Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris lately honored the co-founder of German Informalism with a grand retrospective (October 11, 2019 - March 1, 2020). • Through the aggressively staged large blue and black signs the artist suggests a perspective of a three-dimensional and vivid color space. Thus the abstraction is like a conversion of inspirational sensation. The work is registered in the archive at Fondation Hans Hartung et Anna-Eva Bergman and will be included into the forthcoming catalog raisonné. PROVENANCE: Galerie Kallenbach, Munich. (acquired from the artist in 1987) Private collection North Rhine-Westphalia. 'I am always, always looking for a law, the alchemic rule that can turn rhythm, movement and color into gold; to transmute apparent disorder with the sole aim of conveying perfect movement and so creating order in disorder, and order through disorder.' (Hans Hartung, quote from Jennifer Mundy, Hans Hartung. Works on Paper 1922-56, London 1996, p. 20) 'The pictorial means come to the fore as the painter's language', said the art historian Will Grohmann, 'that at first one only sees them. Rightly, because they are more than mere means, they reflect what we used to describe as a personal expression'. The composition 'T1975' shows a figurine in front of a light purple and yellow, background that looks like a light box, developed by Hartung in almost parallel manner and applied with a rubber roller. 'T1975' is typical of the time and the audacious abundance of shapes and colors that Hartung combined in a harmonious concept. Since the early 1970s Hartung has been using tools like the rubber roller, which is actually a tool used to dye a lithographic stone in order to roll the color, often black and sometimes blue, onto a background evenly colored with a spray gun beforehand. But there is a lot more than the rubber roller: Hartung prepares various types of brushes, rollers, brooms, paint brushes, scrapers, spatulas, fans and much more devices with which he achieves amazing effects. He developed a technically variable system with which he formulated the grand gestures in his pictures. But his painting is not limited to its tools; like the rubber roller here, they serve him to make the painting process an experiment with unpredictable results. A painting process that he does not understand as an action with an unpredictable outcome, but rather as an experiment that can be precisely controlled to a certain extent - a technique that C.O. Götz has made his own with the squeegee, a technique which, not least, Gerhard Richter elevates to an eminently characterful image formulation. Dark colors, a black and a blue form, stand here against a light-flooded background. Precisely worked out extreme contrasts, an imaginary depth of space despite the two-dimensionality of the monochrome colors, provokes associations in the observer. With the help of these large black and blue, aggressively staged signs, the artist suggests a pictorial perspective, a deep and lively color space. So the abstraction works like a translation of an inspired feeling. [MvL] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
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