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Lot 62
A selection of mostly late 19th/early 20th century silver-plate to include: a large coffee pot, a circular salver engraved with Vitruvian scrolls and Aesthetic style leaf and tendril decoration; an early 19th century Sheffield plated salver with pie crust edge and ?? shield engraved with armorial; one small teapot; an early 20th century brandy warmer; a two-handled trophy cup with vacant cartouches; a 3 light silver-plated candelabra (modern); a pair of 19th century silver-plated wine bottle coasters with turned wooden bases; early 20th century Jersey cream jug; a heavy silver-plated baluster-shaped tankard; other associated items.
Lot 235
A 1970s-80s teak modernist style desk - probably Scandinavian, the cleated, rectangular top over a single bank of drawers to the left, the upper drawer with removable plastic stationary tray, the lower drawer without base for hanging files, both with half-hoop brassed handles, on square chamfered supports to the corners. (LWH 160 x 80 x 73cm.) * Condition: Very even colour and finish throughout, with no fading. Small, faint ring mark to right hand end of top and a few light scratches to the front right corner of the top. There are a few tiny dings and mark to the edges, but these are insignificant and to be expected for a piece of this age – it is in good condition overall. The drawers run smoothly. There is a tiny dent to the top edge of the deep lower drawer.
Lot 267
A light-oak glazed wall hanging cabinet or bookcase - believed to be by Thomas Hudson (the 'Cowman') of Odell, Bedfordshire, the ogee moulded cornice over a pair of six-panel astragal glazed doors, enclosing a divided interior with two adjustable glass shelves to each side, on a moulded plinth. (LWH 92.5 x 28.75 x 78.5cm.)
Lot 430
A WWII Third Reich Nazi German Luftwaffe officer's dress dagger - the double-edged blade stamped 'wMw WAFFEN', globe pommel with oak leaves and swastika to both sides, ivorine grip (lacks wire binding) with oakleaf mount above the crossguard in the form of an eagle clutching a swastika in its talons, aluminium braided dress knot, 38cm. long, lacks scabbard.* Condition: Lacks scabbard. Some damage to the dress knot cord. Ivorine grip lacks the wire binding. Some light pitting and scratching from cleaning along the blade. Tip of blade has been bent and reshaped. Surface rust pitting to the acorn leaf mount above the cross guard.
Lot 112
Rupprecht Geiger 1908 München - 2009 München Bild E IV (Zeit und Raum). 1953. Eitempera auf Holz. Verso signiert, datiert, betitelt, mit den Maßangaben sowie mit '1981' bezeichnet und einem Richtungspfeil versehen. 61,5 x 53,5 cm (24,2 x 21 in) [AW]. • Ausdrucksstarktes Gemälde des großen deutschen Vertreters der Farbfeldmalerei. • Durch sein sanftes Oszillieren zwischen gelben, blauen und weißen Farbwerten begeistert dieses fein durchmodellierte, frühe Farbfeld. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). • Gemälde Rupprecht Geigers befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, wie u. a. in der Nationalgalerie Berlin, dem Museum Folkwang, Essen, und dem Lenbachhaus München. PROVENIENZ: Galerie Otto Stangl, München. Privatsammlung Süddeutschland (1981 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Rupprecht Geiger, Moderne Galerie Otto Stangl, München, 19.6.-31.7.1953. LITERATUR: Pia Dornacher/Julia Geiger, Rupprecht Geiger. Werkverzeichnis 1942-2002. Gemälde und Objekte, architekturbezogene Kunst, München 2003, WVZ-Nr. 126 (m. Farbabb.). 'Farbe hat wie Licht Anspruch, in die Reihe der Elemente eingestuft zu werden – Feuer, Wasser, Luft, Farbe, Licht und Erde.' Rupprecht Geiger, zit. nach: Jürgen Morschel, Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, München 1988/92, S. 2. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRupprecht Geiger 1908 München - 2009 München Bild E IV (Zeit und Raum). 1953. Egg tempera on panel. Signed, dated, titled and inscribed with the dimensions, '1981' and a direction arrow on the reverse. 61.5 x 53.5 cm (24.2 x 21 in) [AW]. • Expressive painting by the great German representative of Color Field Painting. • This early color field is particularly captivating for its gentle oscillation between yellow, blue and white color values. • For the first time offered on the international auction market (source: artprice.com). • Paintings by Rupprecht Geiger can be found in numerous important collections, among them the Nationalgalerie Berlin, the Museum Folkwang, Essen, and the Lenbachhaus Munich. PROVENANCE: Galerie Otto Stangl, Munich. Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1981). EXHIBITION: Rupprecht Geiger, Moderne Galerie Otto Stangl, Munich, June 19 -July 31, 1953. LITERATURE: Pia Dornacher/Julia Geiger, Rupprecht Geiger. Catalogue raisonné 1942-2002. Gemälde und Objekte, architekturbezogene Kunst, Munich 2003, no. 126 (color illu.). 'Color, like light, is entitled to be classified as an element - fire, water, air, color, light and earth.' Rupprecht Geiger, quoted from: Jürgen Morschel, Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Munich 1988/92, p. 2. Called up: December 8, 2023 - ca. 13.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 144
Günther Uecker 1930 Wendorf - lebt und arbeitet in Düsseldorf Feld. 2011. Nägel und weiße Farbe, auf Leinwand auf Holz. Verso signiert, datiert, betitelt und mit Richtungspfeil sowie mit Widmung. 40,5 x 30 x 10 cm (15,9 x 11,8 x 3,9 in). • Gebündelte Energie auf kleinem Format. • Dichte, kraftvolle Nagelung. • Von bestechender optischer Wirkung, die die charakteristische Nageltechnik des Künstlers auszeichnet. Dieses Werk ist im Uecker Archiv unter der Nummer GU.11.009 registriert und wird vorgemerkt für die Aufnahme in das entstehende Uecker-Werkverzeichnis. PROVENIENZ: Privatsammlung (seit 2011, direkt vom Künstler). 'Mein Körper spielte für die Proportionen meiner Arbeit von Anfang an eine Rolle. Die Abstände der Nägel zum Beispiel, die ich ja als Lichtartikulationsmittel benutze, hatten ihren Ursprung in den Verhältnissen meiner Hände.' Günther Uecker 1977, zit. nach: Ausst.-Kat. Günther Uecker. Eine Retrospektive, München 1993, o. S. 'Feld' von 2011 ist ein Paradebeispiel für die archetypischen Nagelreliefs von Günther Uecker. Als einer der Hauptakteure der 1958 gegründeten Gruppe ZERO strebte Uecker gemeinsam mit seinen Künstlerkollegen Otto Piene und Heinz Mack danach, das künstlerische Schaffen auf die ursprünglichsten und elementarsten Facetten der visuellen Wahrnehmung zu reduzieren: Licht, Schatten und Bewegung. Um 1957 begann er industriell gefertigte Massenprodukte in sein Werk zu integrieren. Nägel stellten sich als das perfekte Mittel heraus, diese Grundideen zum Ausdruck zu bringen und bis heute sind sie sein bevorzugtes Medium. Der Nagel ist 'das ideale Objekt […], um Licht und Schatten zu modellieren - um Zeit sichtbar zu machen. Er ragt als taktiler Fühler aus der flachen Oberfläche heraus, ähnlich wie eine Sonnenuhr' (Günther Uecker zitiert in: Alexander Tolnay, Hrsg., Günther Uecker Zwanzig Kapitel, Ostfildern-Ruit 2006, S. 72). In schrägen Winkeln und verschiedenen Tiefen hämmert Uecker in schwerer körperlicher Anstrengung die Nägel in einer fast rituellen Wiederholung ein und schafft so eine fesselnde Dualität von organischer Form und linearer Struktur. Die Ordnung der Nägel folgt einem instinkthaften Schwung, so dass die Nägel miteinander in Interaktion treten. In dieser Arbeit von ansprechendem Format gelingt ihm das auf eine besonders subtile und dennoch expressive Art und Weise. Eine dichte Landschaft aus zahllosen positionierten und leicht schräg gestellten Nägeln wird in ein dramatisches Hell-Dunkel verwandelt, das sich durch die weiß bemalten Nagelköpfe noch intensiviert. Es entsteht so eine komplexe Wirkung die sowohl vom Standpunkt des Betrachters aus als auch von der Richtung und Intensität der umgebenden Lichtquelle abhängt. Uecker fordert uns als Sehende auf, um das Werk herumzugehen, es zu erleben, denn aus jedem Blickwinkel lassen sich neue Mischungen aus Mustern, Bewegungen und Schatten entdecken. Uecker schafft hier einen sowohl Zeit als auch Raum überwindenden Effekt, der sich weigert, nachzulassen. Unsere Nagellandschaft 'Feld' ist so als ein wunderschönes Beispiel für Günther Ueckers perfektionierte monumentale Leichtigkeit anzusehen. [AW] Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGünther Uecker 1930 Wendorf - lebt und arbeitet in Düsseldorf Feld. 2011. Nails and white paint, on canvas, on panel. Signed, dated, titled and with a direction arrow and a dedication on the reverse. 40.5 x 30 x 10 cm (15.9 x 11.8 x 3.9 in). • Concentrated energy in a small format. • Dense and powerful nailwork. • With a captivating optical quality that is characteristic of the artist's nail technique. The work is registered in the Uecker Archive with the number GU.11.009 and has been earmarked for inclusion into the forthcoming Uecker catalogue raisonné. PROVENANCE: Private collection (since 2011, directly from the artist). 'My body played a role in the proportions of my work from the very beginning. The distances between the nails, for example, which I use as a means of articulating light, had their origin in the proportions of my hands.' Günther Uecker 1977, quoted from: Ex. cat. Günther Uecker. Eine Retrospektive, Munich 1993, no page 'Feld' from 2011 is a prime example of Günther Uecker's archetypal nail reliefs. As one of the main protagonists of the ZERO group, founded in 1958, Uecker, together with fellow artists Otto Piene and Heinz Mack, strove to reduce artistic creation to the most original and elementary facets of visual perception: Light, shadow and movement. Around 1957, he began to integrate industrially manufactured mass products into his work. Nails turned out to be the perfect means of expression for these basic ideas, and they would remain his preferred medium to this day. The nail is 'the ideal object [..] to model light and shadow - to visualize it. It protrudes from the flat surface as a tactile sensor, like a sundial' (Günther Uecker, quoted from: Alexander Tolnay, ed., Günther Uecker Zwanzig Kapitel, Ostfildern-Ruit 2006, p. 72). At oblique angles and with different depths, Uecker hammers the nails with great physical strain in an almost ritualistic repetition, creating a captivating duality of organic form and linear structure. The order of the nails follows an instinctive momentum, so that the nails interact with one another. In this work with an appealing format, he achieves this in a particularly subtle yet expressive way. A dense landscape of countless nails is transformed into a dramatic chiaroscuro intensified by the white-painted nail heads. The result is a complex effect that changes with the viewer's perspective and the light incidence. Uecker invites us to walk around the work, to experience it, because new patterns, movements and shadows can be discovered from every angle. In the present work Uecker creates an effect that transcends both time and space and refuses to wane. Our nail landscape 'Feld' can thus be seen as a wonderful example of Günther Uecker's perfect monumental lightness. [AW] Called up: December 8, 2023 - ca. 13.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 154
Heinz Mack 1931 Lollar/Hessen - lebt und arbeitet in Mönchengladbach und auf Ibiza Pyramide im Licht Chromatische Konstruktion. 1994. Acryl auf Leinwand. Verso signiert, datiert und mit Richtungspfeil. Auf dem Keilrahmen betitelt. 45 x 55 cm (17,7 x 21,6 in). [SM]. • Seit den frühen 1990er Jahren widmet sich Mack wieder intensiv der Malerei. • Inspiriert durch die Sonnenfarben seines Ateliers auf Ibiza. • Erst kürzlich zeigte das Museum Kunstpalast, Düsseldorf, eine groß angelegte Retrospektive seines Schaffens (2021) und in diesem Jahr widmet das Osthaus Museum in Hagen allein seiner Malerei eine umfassende Einzelausstellung. Mit einem Zertifikat des Atelier Heinz Mack, Mönchengladbach, vom September 2015. PROVENIENZ: Galerie Hoffmeister, Lüdenscheid (verso mit dem Galerieetikett). Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 2016). LITERATUR: Ketterer Kunst, München, 433. Auktion, 11.6.2016, Los 987. Inspiriert durch die Sonnenfarben seines Ateliers auf Ibiza, widmet sich Mack ab 1991 wieder intensiv der Malerei, nennt seine Werke 'Chromatische Konstellationen'. Heinz Mack gilt als unermüdlicher Experimentator im Spektrum des Farblichts. Als Maler, Zeichner, Skulpturenkünstler, Keramiker, aber auch als Gestalter von Plätzen und Interieurs stellt er die ästhetischen Gesetze von Licht und Farbe, Struktur und Form in immer neue Dialoge. Die vorliegende Arbeit reiht sich mit ihrer immateriellen Farb-und Bildauffassung nahtlos in diese Serie ein, in Bildräume voller Leuchtintensität und Farbreinheit. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHeinz Mack 1931 Lollar/Hessen - lebt und arbeitet in Mönchengladbach und auf Ibiza Pyramide im Licht Chromatische Konstruktion. 1994. Acrylic on canvas. Signed, dated and with a direction arrow on the reverse. Titled on the stretcher. 45 x 55 cm (17.7 x 21.6 in). [SM]. • After a longer break, Mack devoted himself to painting again in the early 1990s. • Inspired by the sunny colors of his studio on Ibiza. • The Museum Kunstpalast, Düsseldorf, recently presented a major retrospective of his work (2021) and this year, the Osthaus Museum in Hagen is devotes a comprehensive solo exhibition exclusively to his paintings. Accompanied by a certificate of authenticity issued by the Atelier Heinz Mack, Mönchengladbach, in September 2015. PROVENANCE: Galerie Hoffmeister, Lüdenscheid (gallery label on the verse). Private collection Baden-Württemberg (since 2016). LITERATURE: Ketterer Kunst, Munich, 433rd auction, June 11, 2016, lot 987. Inspired by the sunny colors of his studio on Ibiza, Mack returned to painting in 1991, calling his works 'Chromatic Constellations'. Heinz Mack is regarded a tireless experimenter in the spectrum of colored light. As a painter, draftsman, sculptor, ceramist, but also as a designer of squares and interiors, he constantly engages in new dialogues with the aesthetic laws of light and color, structure and form. With its immaterial conception of color and image, the present work fits into this series, into pictorial spaces full of luminous intensity and pure colors. Called up: December 8, 2023 - ca. 14.12 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 173
Gotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Ohne Titel. 1979. Aquarell auf Papier. Unten mittig signiert und datiert. 123 x 82 cm (48,4 x 32,2 in). [JS]. • Großformatiges, frühes Aquarell von strahlender Farbkraft. • Graubner erkundet in den 1970er Jahren intensiv die Leuchtkraft der Farben auf Papier, indem er die Pigmente in mehreren Schichten aufträgt und damit eine maximale Farbsättigung von faszinierender Brillanz und Tiefe erreicht. • Seit den 1960er Jahren strebt Graubner nach maximaler Befreiung der Farbe. PROVENIENZ: Privatsamlung Süddeutschland (direkt vom Künstler). 'Der nächste Schritt war, dass er die als bewegt bewegende Erscheinung begriffene Farbe nun auch entsprechend als Substanz behandelte. Das geschah zunächst in den Aquarellen [..] Graubner öffnete der Farbmasse [..] das Bildfeld ohne formale Vorbehalte, nutzte das Verlaufen der Farbe, das Stocken der Farbe, das Einsinken, das Tränken des Grundes, das Randabsetzen, Pfützen Bilden, Verlaufen, Verschwimmen, Sichzurückziehen, Überdecken, Verschleiern. Die Durchsichtigkeit der Aquarellsubstanz war neben ihrer Beweglichkeit für diese Verwendung ausschlaggebend: erst in der Überdeckung mehrerer transparenter Schichtverläufe bilden sich gesättigte Farbfelder, Farblichtvertiefungen.' Dietrich Helms, zit. nach: Gotthard Graubner, Zeichnung-Aquarell, 1946-1986, Bonn 1986, S. 46. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.37 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Ohne Titel. 1979. Watercolor on paper. Signed and dated in bottom center. 123 x 82 cm (48.4 x 32.2 in). [JS]. • Large-format, early watercolor of an intense radiance. • In the 1970s, Graubner intensively explored the luminosity of colors on paper by applying the pigments in several layers and thus achieving a maximum color saturation of fascinating brilliance and depth. • Since the 1960s, Graubner has been striving for the maximum liberation of color. PROVENANCE: Private collection Southern Germany (directly from the artist). 'In a next step, he wanted to treat the color, understood as a moving phenomenon, as a substance. This first happened in watercolors [..] Graubner opened up the pictorial field to the mass of paint [..] without formal reservations, using the running paint, its stagnation, soaking the ground, settling in the edges, forming puddles, running, blurring, retreating, covering, veiling. In addition to its flow property, the transparency of the watercolor substance was decisive for this use: saturated color fields and color light impressions only form after several transparent layers have been applied.' Dietrich Helms, quoted from: Gotthard Graubner, Zeichnung-Aquarell, 1946-1986, Bonn 1986, p. 46. Called up: December 8, 2023 - ca. 14.37 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 309
Hans Thoma 1839 Bernau - 1924 Karlsruhe Wundervögel. 1917. Öl auf Leinwand. Rechts unten monogrammiert und datiert. Verso auf dem Keilrahmen handschriftlich und typografisch nummeriert. 80,5 x 95,5 cm (31,6 x 37,5 in). PROVENIENZ: Paul und Beth von Bleichert, Leipzig (wohl 1917 erworben). Paul und Beth von Bleichert, Zürich (1920er Jahre, bis 2014 in Familienbesitz). Jack Kilgore & Co. Gallery, New York. Daxer & Marschall, München. Privatsammlung Baden-Württemberg. LITERATUR: Vgl. Henry Thode, Hans Thoma, Stuttgart/Leipzig 1909, S. 355, 421. Joseph August Beringer, Der Malerpoet, München 1917, o.S., Abb. Taf. 17. Die menschliche Sehnsucht, die erdhafte Gebundenheit im schwerelosen Flug zu überwinden, hat Hans Thoma vor allem in den Gemälden seiner sogenannten „Wundervögel“ zum Ausdruck gebracht. Bereits 1876 taucht im Gemälde „Paradies“ (Thode S. 89) ein solcher fantastischer Vogel auf. Ein weiteres Gemälde mit dem Titel „Sehnsucht“ (Thode S. 427) von 1900 zeigt einen Jüngling in einer weiten Flusslandschaft, der den am Himmel ziehenden Vögeln nachblickt. Besonders faszinieren allerdings die Gemälde, in denen die Betrachtenden gewissermaßen mit den Vögeln fliegen, weit über der sanften Landschaft in einem von irrealem, hellen Licht durchdrungenen Raum. Thoma vereint in ihnen die aus der ostasiatischen Kunst zu der Zeit bekannten Kraniche mit den weiten Schwingen mit den langen Feder des Paradiesvogels, teilweise auch der Pfauen. Das Motiv der Vögel führt er auch in der grafischen Technik der Radierung aus und gestaltet sich selbst damit ein Exlibris, in denen die Ornamentalität der Vogelgestalten besonders zur Geltung kommt. Den Vogelbildern scheint er auch einigen persönlichen Charakter beizumessen und als Freundschaftsbilder zu fungieren, widmet er doch seinem Freund Philipp Röth zum 60. Geburtstag solch eine Zeichnung und auch Henry Thode ist im Besitz eines der Gemälde. Der Wundervogel steht aber auch für das Reich der Fantasie und der Kunst, die sich nicht der Realität verpflichtet fühlt. In unterschiedlichen Flughaltungen schweben die großen Tiere mit den geschwungenen Hälsen und Federn über den Himmel, riesig über Landschaft, und erlauben den Betrachtenden eine neue Perspektive. Das traumhafte Gefühl des Schwebens hat für Thoma essentielle Bedeutung: „In meinen Bildern und ihrem Raum soll man Fliegen können“ (J.A. Beringer, Vollständiges Verzeichnis der radierten Platten und ihrer Zustände, München 1923, S. XIV). Der Kunsthistoriker Joseph August Beringer wies auch darauf hin, dass das Phänomen des Fliegens gerade in der Zeit der beginnenden Luftfahrttechnik einen besonderen Reiz auf Thoma ausgeübt haben könnte. Greifbar wird das Gefühl der Irrealität, das in so vielen von Thomas Bildern spürbar ist. Das Schweben im Raum, das Gefühl der Freiheit und die Sehnsucht nach ihr werden von Thoma in Gestalt der Wundervögel immer wieder thematisiert. In den geschwungenen Linien der Tiere lassen sich zudem Anklänge an die Kunst des Jugendstils sowie japanische Holzschnitte erkennen, wie sie um die Jahrhundertwende Konjunktur hatten. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 13.42 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHans Thoma 1839 Bernau - 1924 Karlsruhe Wundervögel. 1917. Oil on canvas. Lower right monogrammed and dated. With written and typogr. numbers on the reverse of the stretcher. 80.5 x 95.5 cm (31.6 x 37.5 in). PROVENANCE: Paul und Beth von Bleichert, Leipzig (presumably acquired in 1917). Paul und Beth von Bleichert, Zürich (1920s, family-owned until 2014). Jack Kilgore & Co. Gallery, New York. Daxer & Marschall, Munich. Private collection Baden-Württemberg. LITERATURE: Cf. Henry Thode, Hans Thoma, Stuttgart/Leipzig 1909, pp. 355, 421. Joseph August Beringer, Der Malerpoet, Munich 1917, no p., fig. plate 17. Hans Thoma expressed the human longing to overcome gravity in weightless flight in paintings of his so-called 'miracle birds'. Such a fantastic bird appeared for the first time in the painting 'Paradise' from 1876 (Thode p. 89). Another painting entitled 'Sehnsucht' (Thode p. 427) from 1900 shows a young man in a wide river landscape gazing at migrating birds in the sky. Particularly fascinating, however, are the paintings in which the viewer flies with the birds, as it were, far above the gentle landscape in a space permeated by unreal, bright light. In them, Thoma combines the wide-winged cranes familiar from East Asian art with the long feathers of the bird of paradise, and in some cases peacocks. He also made etchings of the motif he then used as his own bookplate, in which he particularly emphasized the ornamentality of the birds. He also seems to have attached a personal character to the bird pictures, as he dedicated such a drawing to his friend Philipp Röth for his 60th birthday and Henry Thode also owned one of the paintings. However, the miracle bird also stands for the realm of fantasy and art that does not feel bound to reality. In various flying postures, the large animals with their curved necks and feathers float above the landscape, allowing the viewer a new perspective. The dreamlike feeling of floating is of essential importance to Thoma: 'In my pictures and their space, one should be able to fly' (J.A. Beringer, Vollständiges Verzeichnis der radierten Platten und ihrer Zustände, Munich 1923, p. XIV). The art historian Joseph August Beringer also pointed out that the phenomenon of flying could have exerted a particular attraction on Thoma, especially at the time when aviation technology was just beginning. The unreal feeling is palpable in so many of Thoma's paintings. Floating in space, the feeling of freedom and the longing for it were repeatedly addressed by Thoma in the form of the miracle birds. The curved lines of the animals are also reminiscent of Art Nouveau and Japanese woodcuts, which were popular at the turn of the century. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 13.42 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 315
Heinrich von Zügel 1850 Murrhardt - 1941 München Schwarz- und Gelbschecke an der Jungviehweide. 1918. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. 50,5 x 70,5 cm (19,8 x 27,7 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. LITERATUR: Eugen Diem, Heinrich von Zügel. Leben - Schaffen - Werk, Recklinghausen 1975, WVZ-Nr. 902 (m. Abb.). Um 1894 beginnt Zügel, das 'Malerparadies' um das kleine am Altrhein gelegene Fischerdorf Wörth in der Nähe von Karlsruhe für sich zu entdecken, wo er in seiner mehr als 20-jährigen Lehrtätigkeit an der Karlsruher und Münchner Kunstakademie mit seinen Studenten, der sogenannten Zügelschule, in den Sommermonaten zahlreiche impressionistisch gemalte Landschaften und Tierbilder schafft. Nach 1900 hat sich Zügel vollends der Plein-air-Malerei zugewandt, woraufhin seine Werke zusehends an Schwung und Dynamik gewinnen. Dabei weicht Zügel von der noch zu Beginn seines Schaffens realistisch-beschreibenden Malweise ab und zeigt eine erstaunliche malerische Freiheit, die sich in den breiten, mit Pinsel und Malmesser aufgetragenen pastosen Farbstrichen, aufgelockert durch große und kleinere Tupfen, ausdrückt. Sein eigentliches Interesse als bedeutender Vertreter der Tiermalerei gilt weniger einer präzisen Wiedergabe der Tieranatomie und der Formen als vielmehr dem bewegten und lebendigen Licht in der Natur, das so das Bildgeschehen bestimmt. Zügels späte Werke zeigen einen Künstler, der bis in seine letzte Schaffensphase einer auf impressionistischer Lockerheit basierenden Unmittelbarkeit treu bleibt, die ganz aus der kraftvollen Farbigkeit heraus lebt. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 13.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHeinrich von Zügel 1850 Murrhardt - 1941 München Schwarz- und Gelbschecke an der Jungviehweide. 1918. Oil on canvas. Signed in lower right. 50.5 x 70.5 cm (19.8 x 27.7 in). PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. LITERATURE: Eugen Diem, Heinrich von Zügel. Leben - Schaffen - Werk, Recklinghausen 1975, catalogue raisonné no. 902 (illu.). Around 1894, Zügel began to discover the 'painter's paradise' around the small fishing village of Wörth on the Old Rhine near Karlsruhe, where he created numerous Impressionist landscapes and animal paintings with his students, the so-called Zügel School, during the summer months of his more than 20-year teaching career at the Karlsruhe and Munich art academies. After 1900, Zügel turned his full attention to plein-air painting, whereupon his works visibly gained momentum and dynamism. Zügel departed from the realistically descriptive painting style he had used at the beginning of his career and showed an astonishing painterly freedom, which was expressed in the broad, impasto strokes of paint applied with brush and pallet knife, broken up by large and small dabs. As an important animal painter, his real interest was less in the precise reproduction of animal anatomy and forms than in the moving and lively light in nature, which thus determines the pictorial events. Zügel's late works show an artist who remained true to an immediacy based on impressionistic looseness, which lives entirely from the powerful colors, right up to his last creative phase. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 13.50 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 341
Paul Baum 1859 Meißen - 1932 San Gimignano Dünen Weg (Vormittag-Sonne). Wohl 1894/95. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Auf dem Keilrahmen auf einem Klebeetikett nochmals signiert sowie betitelt. Auf dem Keilrahmen von fremder Hand datiert '1892'. 53,5 x 43,3 cm (21 x 17 in). Die Authentizität der Arbeit ist von Herrn Dr. Wolfram Hitzeroth, Paul Baum Archiv, Marburg, im April 2009 mündlich bestätigt worden. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Marré, Gladbeck. Privatsammlung Norddeutschland (seit den 1930er Jahren in Familienbesitz). Bevor sich Paul Baum seiner gemäßigt divisionistischen Malweise zuwendet, stehen seine Arbeiten ganz unter dem Einfluss des Impressionismus und der Plein-air-Malerei des 19. Jahrhunderts. Ursprünglich hatte er an der Dresdner Kunstakademie beim Großmeister der Landschaft, Friedrich Preller studiert. Als er 1894 bei einem Aufenthalt im belgischen Knokke Camille Pissarro und Theo van Rhysselberghe persönlich kennenlernt, hinterlässt deren divisionistischer Stil prägenden Einfluss. Im selben Jahr kehrt er wieder zurück nach Dresden und schließt sich dort der Sezession an, es entstehen auf dem Land in Goppeln bei Dresden seine ersten im pointillistischen Stil ausgeführten Werke. Baum scheut in seinen Landschaften die grellen Gegensätze, weder die Himmel noch die Landschaften haben spektakuläre Lichtereignisse. Es ist die Harmonie einer Landschaft unter etwas diffusen Lichtverhältnissen, die Paul Baum visualisiert. Die zarten Valeurs in unglaublich differenzierten Farbabstufungen formen ein Bild ruhiger Gelassenheit, in der die Landschaft sich selbst genügt. Es bedarf einer hohen Sensibilisierung des Auges, um sich in die Landschaften des Künstlers einzusehen; das Ergebnis ist dafür umso reicher. Paul Baum ist einer der wenigen deutschen Spätimpressionisten, die uns ein in sich geschlossenes malerisches Œuvre hinterlassen haben, das in seiner eigentlichen Bedeutung erst spät erkannt wurde. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONPaul Baum 1859 Meißen - 1932 San Gimignano Dünen Weg (Vormittag-Sonne). Wohl 1894/95. Oil on canvas. Signed in lower right. Once more signed as well as titled on an adhesive label on the stretcher. Dated '1892' on the stretcher by a hand other than that of the artist. 53.5 x 43.3 cm (21 x 17 in). This work's authenticity was kindly confirmed orally by Dr. Wolfram Hitzeroth, Paul Baum Archive Marburg, in April 2009. PROVENANCE: Collection of Dr. Marré, Gladbeck. Private collection Northern Germany (family-owned since the 1930s). Before Paul Baum turned to his moderate Divisionist style of painting, his works were entirely under the influence of 19th century Impressionism and plein-air painting. Baum shied away from glaring contrasts in his landscapes; neither the skies nor the landscapes evince spectacular light events. Paul Baum visualizes the harmony of a landscape under somewhat diffuse lighting conditions. The delicate values of incredibly differentiated color gradations form an image of calm serenity, in which the landscape is sufficient unto itself. It takes a highly sensitized eye to fathom the artist's landscapes; while the reward is all the richer. Paul Baum is one of the few German late Impressionists who have left us a self-contained painterly oeuvre, the real significance of which was only recognized belatedly. Called up: December 9, 2023 - ca. 14.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 345
Karl Hagemeister 1848 Werder a. d. Havel - 1933 Werder a. d. Havel Bewaldete Küstenlandschaft. Um 1912. Mischtechnik auf Leinwand. Links unten signiert. Verso auf Leinwand und Keilrahmen nummeriert '140'. 110 x 81 cm (43,3 x 31,8 in). Das Werk ist im Werkverzeichnis der Pastelle Karl Hagemeisters registriert. Wir danken Frau Dr. Hendrikje Warmt, Potsdam, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Norddeutschland. LITERATUR: Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister. In Reflexion der Stille. Monographie und Werkverzeichnis der Gemälde, Berlin 2016, S. 42 (m. Abb.). Gerade in den großformatigen, gemäldehaften Pastellen Karl Hagemeisters transportiert sich die für ihn so charakteristische lyrische Naturauffassung. Die Fragilität und Flüchtigkeit des pudrigen Materials spiegelt symbolisch auch auf die Flüchtigkeit des dargestellten Eindrucks der Lichtstimmungen und Atmosphäre wider. Das Auge tastet wieder und wieder die Oberfläche ab, bleibt dabei an objekthaften Konkretisierungen und Strukturen hängen oder gleitet in die Tiefe des samtartigen Farbraumes. Dadurch wird umso mehr ein kontemplatives Schauen begünstigt, das Hagemeisters naturmystischer Auffassung des Sich-Versenkens entspricht. Eingehüllt in Luft und Licht werden auch die Betrachter:innen Teil einer Empfindung 'vom bewegten Athem der Natur, von der bewegten Stimmung über und zwischen den Dingen, vom seelischen Element der Natur', der der Mensch nicht gegenübersteht, sondern in deren belebten Organismus er selbst eingeschlossen ist (Hagemeister, Tagebuchaufzeichnungen, zit. nach: Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister. Reflexion der Stille, Berlin 2016, S. 142). Vor allem am Ende des 19. Jahrhunderts werden die Farben, wie mineralischer Staub als reinstes Pigment in Vorstellung und Handhabung, aufgrund ihrer Leuchtkraft und ihrer matten, samtartigen Oberflächenwirkung sehr geschätzt und gerne in der Landschaftsmalerei genutzt. Im vorliegenden Pastell gewinnen Farbe und Technik immer größere Autonomie gegenüber ihrer darstellenden Funktion. Sanft bewegte Wellen, feuchter Sand und im Wind wogende Äste und Laub sind in zarter Berührung auf die Leinwand gesetzt, auf der sich die Landschaft vom konkreten Motiv in die fast körperhafte Empfindung eines kühlen Meereshauchs verwandelt. Die sich auflösenden Formen suggerieren ein Gefühl der Unbegrenztheit und Weite, in deren metaphysisch empfundener Immaterialität die Seelen des Künstlers, der Betrachtenden und der Natur verbunden sind. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONKarl Hagemeister 1848 Werder a. d. Havel - 1933 Werder a. d. Havel Bewaldete Küstenlandschaft. Um 1912. Mixed media on canvas. Lower left signed. Numbered '140' on the reverse. 110 x 81 cm (43.3 x 31.8 in). The work is mentioned in the catalogue raisonné of Karl Hagemeister's pastels. We are grateful to Dr. Hendrikje Warmt, Potsdam, for her kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Northern Germany. LITERATURE: Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister. In Reflexion der Stille. Monograph and catalogue raisonné of paintings, Berlin 2016, p. 42 (fig.). Karl Hagemeister's large-format, painterly pastels convey his characteristic lyrical view of nature. The fragility and fleeting nature of the powdery material also symbolically reflects the fleeting nature of the impression of the depicted light and atmosphere. The eye scans the surface again and again, lingering on object-like concretizations and structures or gliding into the depths of the velvety color space. This all the more encourages a contemplative way of looking, which corresponds to Hagemeister's natural-mystical concept of immersion. Suffused by air and light, the viewer also becomes part of a sensation 'of the moving breath of nature, of the moving atmosphere above and between things, of the spiritual element of nature', which man is not confronted with, but in its living organism he himself is enclosed (Hagemeister, Tagebuchaufzeichnungen, quoted from: Hendrikje Warmt, Karl Hagemeister. Reflexion der Stille, Berlin 2016, p. 142). Especially at the end of the 19th century, the colors, like mineral dust as the purest pigment in conception and handling, were highly valued for their luminosity and their matt, velvety surface effect and were often used in landscape painting. In the present pastel, color and technique gain ever greater autonomy over their representational function. Gently moving waves, damp sand and branches and foliage swaying in the wind are placed on the canvas with a delicate touch, transforming the landscape from a concrete motif into the almost physical sensation of a cool sea breeze. The dissolving forms suggest a feeling of boundlessness and vastness, in whose metaphysically perceived immateriality the souls of the artist, the viewer and nature are connected. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 348
Hermann Pleuer 1863 Schwäbisch Gmünd - 1911 Stuttgart Vor den Einfahrtshallen des Alten Stuttgarter Bahnhofs. 1909. Öl auf Leinwand. Links unten signiert und datiert. Verso auf dem Keilrahmen mit diversen Etiketten. 80 x 100 cm (31,4 x 39,3 in). PROVENIENZ: Dr. Theodor Sproesser, Stuttgart (1913; verso mit dem Etikett). Kunsthaus Bühler, Stuttgart (verso mit dem Etikett). Privatbesitz Baden-Württemberg (seit mind. 1974). AUSSTELLUNG: Hermann Pleuer 1863-1911. Bilder aus dem Magazin, Galerie der Stadt Stuttgart, 1.3.-22.3.1983. Der deutsche Impressionismus, Kunsthalle Bielefeld, 22.11.2009-28.2.2010, S. 63 (m. Abb.). LITERATUR: Gabriele Kiesewetter, Hermann Pleuer 1863-1911. Leben und Werk, Stuttgart 2000, Nr. 1909,17 (m. Abb.). Franz Freiherr von Koenig-Fachsenfeld/Reinhard Freiherr von Koenig-Fachsenfeld, Werkverzeichnis Hermann Pleuer, 1911-1914, Archiv Schloss Fachsenfeld, Nr. 697. Nach dem Studium an den Akademien in Stuttgart und München wird Hermann Pleuer zunächst zu einem der wichtigsten Vertreter der impressionistischen Landschaftsmalerei in Süddeutschland. Dessen Vertreter in Frankreich hatten sich zumeist der Beschreibung moderner Freizeitkultur in den durch die Eisenbahn erschlossenen urbanen Naherholungsräumen gewidmet. 1875 entstehen Claude Monets berühmte Darstellungen des Pariser Bahnhofs Gare Saint Lazare, die wegweisend werden für die malerische und ästhetische Erschließung eines solch alltäglichen Ortes, der dadurch zum Symbol der Moderne wird. Im Zuge der Erweiterung des Stuttgarter Westbahnhofs beginnt Pleuer ab 1896 mit seiner eigenen Interpretation dieses neuartigen Motivs der Eisenbahn. Dabei setzt er sich intensiv mit dem mechanisch-technischen Aspekt auseinander, wie ein großes Konvolut aus Zeichnungen, Skizzen und Studien im Bestand der Staatsgalerie Stuttgart zeigt. Sein präziser Blick fällt dokumentarisch auf Räderwerk und Triebwerke der Lokomotiven, Montagewerkzeuge, Stellwerke und Weichen sowie auf die industrielle Bahnhofsarchitektur; der Mensch begegnet dem Betrachter als Reisender wie auch als dort beschäftigter Arbeiter. Die vor Ort entstandenen Zeichnungen dienen dabei oftmals als Vorstudien für ausgeführte Gemälde. Der Standpunkt mitten auf den Gleisen, bei dem die herannahenden Züge auf den Betrachter zukommen, zeigt die malerische Experimentierfreudigkeit, durch die die Dynamik des modernen Verkehrsmittels aus ungewöhnlicher Perspektive erlebbar gemacht wird. Weiteres Motivvokabular der Moderne bietet das elektrische Licht und dessen Reflexion auf dem Metall der Gleise sowie die Rauchwolken der Lokomotiven, die einen eindrucksvollen Effekt in der Dämmerung erzielen. Die Faszination Pleuers für die Eisenbahnthematik, für die er berühmt wird, liegt nicht zuletzt in deren Symbolik für ein sich beschleunigendes Leben in der Moderne im ausgehenden 19. und beginnenden 20. Jahrhundert begründet, deren Mobilität und Schnelligkeit durch Industrie und Technik ermöglicht werden. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHermann Pleuer 1863 Schwäbisch Gmünd - 1911 Stuttgart Vor den Einfahrtshallen des Alten Stuttgarter Bahnhofs. 1909. Oil on canvas. Lower left signed and dated. With several labels on the reverse. 80 x 100 cm (31.4 x 39.3 in). PROVENANCE: Dr. Theodor Sproesser, Stuttgart (1913; with the label on the reverse). Kunsthaus Bühler, Stuttgart (1984; with the label on the reverse). Private collection Baden-Württemberg (since at least1974). EXHIBITION: Hermann Pleuer 1863-1911. Bilder aus dem Magazin, Galerie der Stadt Stuttgart, March 1 - 22, 1983. Der deutsche Impressionismus, Kunsthalle Bielefeld, November 22, 2009 - February 28, 2010, p. 63 (fig.). LITERATURE: Gabriele Kiesewetter, Hermann Pleuer 1863-1911. Leben und Werk, Stuttgart 2000, no. 1909, 17 (fig.). Franz Freiherr von Koenig-Fachsenfeld, Reinhard Freiherr von Koenig-Fachsenfeld, catalogue raisonné, 1911-1914, Archiev Schloß Fachsenfeld, no. 697. After studying at the academies in Stuttgart and Munich, Hermann Pleuer initially became one of the most important representatives of Impressionist landscape painting in southern Germany. Its representatives in France had mostly devoted themselves to describing modern leisure activities in urban recreational areas that had been made accessible by the railroad. In 1875, Claude Monet's famous depictions of Gare Saint Lazare in Paris became groundbreaking for the painterly and aesthetic development of such an ordinary motif that would become a symbol of modernity. In the course of the expansion of Stuttgart's Westbahnhof, Pleuer began his own interpretation of this novel motif in 1896. In doing so, he put strong focus on the mechanical-technical aspect, as can be seen in a large number of drawings, sketches, and studies in the inventory of the Staatsgalerie Stuttgart. He depicts the locomotives’ gears and engines, the tools, signal boxes and switches, as well as the station’s architecture with great precision The drawings were often made on site and served as preliminary studies for the paintings. The viewpoint in the middle of the tracks, with the approaching trains coming towards the viewer, shows the painterly joy of experimentation, through which the dynamics of the modern means of transportation become tangible from an unusual perspective. The electric light and its reflection on the metal of the tracks, as well as the clouds of smoke from the locomotives, which create an impressive effect at dusk, provide further modernist elements. Pleuer's fascination with the railroad theme, for which he would become famous, is largely owed to its symbolic significance for an accelerated modern life in the late 19th and early 20th centuries, when mobility at a higher speed became possible through industry and technology. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.34 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 352
Christian Landenberger 1862 Ebingen - 1927 Stuttgart Badender Knabe (Dingelsdorf). 1913. Öl auf Leinwand. Am unteren Rand rechts der Mitte signiert und datiert. Verso auf dem Keilrahmen mit nummeriertem Etikett sowie bezeichnet 'Herr Prof. Landenberger'. 72,5 x 78,5 cm (28,5 x 30,9 in). PROVENIENZ: Sammlung Otto Osswald (1880-1960), Stuttgart (vom Künstler erworben, anschließend in Familienbesitz; auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Sammlung Hermann-Josef Bunte, Bielefeld. AUSSTELLUNG: Kunstausstellung der Münchner Secession, Königl. Kunstausstellungsgebäude am Königsplatz, München, 23.5.-31.10.1914, Nr. 131 (auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Christian Landenberger zum 10. Todestag, Kunsthaus Schaller, Stuttgart 1937 (auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Hermann Stenner und seine Zeit, Kunstforum Hermann Stenner, Bielefeld, 20.1.-10.6.2019, S. 219, Kat.-Nr. 112. Die Sammlung Bunte. Expressionistische Meisterwerke des 20. Jahrhunderts, Gut Altenkamp, Aschendorf, 12.7.-25.10.2020. Sehnsucht nach Natur. Hermann Stenner Christian Landenberger Adolf Hölzel, Kunststiftung Hohenkarpfen, Hausen ob Verena, 6.6.-22.8.2021. Hermann Stenner und seine Lehrer. Werke aus der Sammlung Bunte, Museum Haus Opherdicke, Kreis Unna, 5.9.2021-27.2.2022, S. 69 (m. Abb.), S. 162. LITERATUR: Heinz Höfchen, Christian Landenberger, Stuttgart 1986, WVZ-Nr. 1913,4. Christian Landenberger zählt zu den Malern, die sich in Deutschland schon früh mit der Freilichtmalerei impressionistischer Prägung beschäftigen. Nach dem Beginn seines Studiums an der Stuttgarter Kunstakademie führt er dieses von 1883 bis 1885 an der Münchner Kunstakademie fort. Kurz darauf wendet er sich allerdings, nach dem Abbruch seines Studiums, einem unakademisch geprägten, unmittelbaren Zugang der Malerei zu, bei der neue Entwicklungen vor allem in der Landschaft entstehen. Schließlich ist er 1892 Gründungsmitglied der Münchner Secession, bei deren Ausstellungen er bis 1916 regelmäßig präsent ist. Mit der Gründung einer privaten Malschule 1895 wirkt sich dieser impressionistische Einfluss auch auf seine Schüler wie bspw. Hermann Stenner aus, mit denen er Ausflüge in die freie Natur, vor allem in das idyllische Donautal unternimmt. Ein Motiv des Impressionismus, mit dem er sich bereits ab 1893 immer wieder neu auseinandersetzt, sind die badenden Knaben. Sommerliche Malaufenthalte hatten ihn wiederholt an den Bodensee (wie hier in Dingelsdorf) und den Ammersee geführt, wo die Umgebung ihm die perfekten Bedingungen für die Umsetzung von Lichteffekten, atmosphärischen Stimmungen und gelöster Einheit von Mensch und Natur in seinen Werken darbietet. Hinzu kommt die Beobachtung der natürlichen Bewegungen und Körperhaltungen der Kinder ohne jegliche Gekünsteltheit. Besonders die Wasseroberfläche ermöglicht einen irisierenden, von der Lokalfarbe abgelösten Einsatz der Farbe, deren Auftrag ganz in lockerem und spontanem Duktus erfolgt. Landenberger widmet sich dabei sowohl der Einzelfigur, wie in 'Badender Bub an der Donau', den er in ein gedämpftes Kaleidoskop aus Grün-, Violett- und Ockertönen einbindet, als auch der Gruppe, in der er die Figuren im sommerlichen Raum aus Luft, Wasser und Wärme einbettet. Für eines dieser Motive, 'Sommerabend am See' von 1904 (Neue Pinakothek, München), erhält er auf der X. Internationalen Kunstausstellung im Glaspalast München die Goldmedaille. Im folgenden Jahr wird er zum Professor an der Stuttgarter Kunstakademie ernannt. Die 'Badenden Knaben', ein Motiv, dem sich auch Max Liebermann ab den späten 1890er Jahren in über 30 Versionen mit großem Erfolg widmete, gehört zu den zentralen Themen des deutschen Impressionismus und ist somit, wesentlich auch durch Landenbergers künstlerischen Beitrag, von zentraler Bedeutung. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.39 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONChristian Landenberger 1862 Ebingen - 1927 Stuttgart Badender Knabe (Dingelsdorf). 1913. Oil on canvas. Signed and dated in bottom right. With a numbered label and inscribed 'Herr Prof. Landenberger' on the reverse. 72.5 x 78.5 cm (28.5 x 30.9 in). PROVENANCE: Otto Osswald Collection (1880-1960), Stuttgart (acquired from the artist, family-owned, with a label). Hermann-Josef Bunte Collection, Bielefeld. EXHIBITION: Kunstausstellung der Münchner Secession, Königl. Kunstausstellungsgebäude am Königsplatz, Munich, May 23 - October 31, 1914, no. 131 (with the label). Christian Landenberger zum 10. Todestag, Kunsthaus Schaller, Stuttgart 1937 (with the label). Hermann Stenner und seine Zeit, Kunstforum Hermann Stenner, Bielefeld, January 20 - June 10, 2019, p. 219, cat. no. 112. Die Sammlung Bunte. Expressionistische Meisterwerke des 20. Jahrhunderts, Gut Altenkamp, Aschendorf, July 12 - October 25, 2020. Sehnsucht nach Natur. Hermann Stenner Christian Landenberger Adolf Hölzel, Kunststiftung Hohenkarpfen, Hausen ob Verena, June 6 - August 22, 2021. Hermann Stenner und seine Lehrer. Werke aus der Sammlung Bunte, Museum Haus Opherdicke, Kreis Unna, September 5, 2021 - February 27, 2022, p. 69 (fig.), p. 162. LITERATURE: Heinz Höfchen, Christian Landenberger, Stuttgart 1986, no. 1913,4. Christian Landenberger was one of the painters in Germany who became involved in Impressionist open-air painting at an early stage. After beginning his studies at the Stuttgart Art Academy, he continued at the Munich Art Academy from 1883 to 1885. Shortly afterwards, however, he dropped out of university and turned to a non-academic, direct approach to painting, in which he pursued new paths, particularly in landscape painting. Finally, in 1892, he would be a founding member of the Munich Secession and regularly showed works at the exhibitions until 1916. With the founding of a private painting school in 1895, this Impressionist influence also had impact on his students, such as Hermann Stenner, with whom he went on excursions into the great outdoors, especially into the idyllic Danube valley. One Impressionist motif that he repeatedly explored from 1893 onwards was bathing boys. Summer painting sojourns had repeatedly taken him to Lake Constance and Lake Ammersee, where the surroundings offered him the perfect conditions for the realization of light effects and the unspoiled unity of man and nature in his works. He also observed the natural movements and postures of the children without any artificiality. The surface of the water in particular allowed for an iridescent use of color, detached from the local color, which is applied in a loose and spontaneous style. Landenberger devoted himself both to the individual figure, as in 'Bathing Boy on the Danube', which he integrates into a muted kaleidoscope of green, violet and ochre tones, and to the group, in which he embedded the figures in the summery space of air, water and warmth. For one of these motifs, 'Sommerabend am See' (Summer Evening by the Lake, 1904, Neue Pinakothek, Munich), he was awarded a prize at the X. International Art Exhibition at the Glaspalast in Munich. The following year he was appointed professor at the Stuttgart Art Academy. The 'Badenden Knaben', a motif to which Max Liebermann also devoted himself with great success in over 30 versions from the late 1890s onwards, is one of the central themes of German Impressionism and is therefore of central importance, largely due to Landenberger's artistic contribution. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.39 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 354
Christian Landenberger 1862 Ebingen - 1927 Stuttgart Knabe am See. 1911. Öl auf Papier, kaschiert auf Leinwand. 21,5 x 14 cm (8,4 x 5,5 in). Wir danken Herrn Dr. Heinz Höfchen für die freundliche wissenschaftliche Beratung. Das Werk ist im Nachtrag des Werkverzeichnisses registriert. PROVENIENZ: Sammlung Hermann-Josef Bunte, Bielefeld. AUSSTELLUNG: Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunstmuseum Ahlen, 25.2.-28.5.2007; Städtische Galerie, Böblingen, 16.3.-29.6.2008. Adolf Hölzel und sein Kreis. Positionen der Klassischen Moderne aus der Sammlung Bunte, Museum Moderner Kunst Wörlen, Passau, 9.8.-28.9.2008. Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunsthalle Aschaffenburg, Jesuitenkirche, 29.5.-6.9.2009; Kunsthaus Apolda Avantgarde, 24.1.-5.4.2010. Wege in die Klassische Moderne – Sammlung Bunte, Schloss Achberg + Neues Schloss Kißlegg, 17./18.4.-25./18.7.2010. Das Glück in der Kunst. Expressionismus und Abstraktion um 1914. Die Sammlung Bunte, Kunsthalle Bielefeld, 21.3.-3.8.2014. Hermann Stenner und sein Lehrer. Christian Landenberger – Werke um 1910, Kunstmuseum Albstadt, 19.2.-18.6.2017. Christian Landenberger zählt zu den Malern, die sich in Deutschland schon früh mit der Freilichtmalerei impressionistischer Prägung beschäftigen. Nach dem Beginn seines Studiums an der Stuttgarter Kunstakademie führt er dieses von 1883 bis 1885 an der Münchner Kunstakademie fort. Kurz darauf wendet er sich allerdings, nach dem Abbruch seines Studiums, einem unakademisch geprägten, unmittelbaren Zugang der Malerei zu, bei der neue Entwicklungen vor allem in der Landschaft entstehen. Schließlich ist er 1892 Gründungsmitglied der Münchner Secession, bei deren Ausstellungen er bis 1916 regelmäßig präsent ist. Mit der Gründung einer privaten Malschule 1895 wirkt sich dieser impressionistische Einfluss auch auf seine Schüler wie bspw. Hermann Stenner aus, mit denen er Ausflüge in die freie Natur, vor allem in das idyllische Donautal unternimmt. Ein Motiv des Impressionismus, mit dem er sich bereits ab 1893 immer wieder neu auseinandersetzt, sind die badenden Knaben. Sommerliche Malaufenthalte hatten ihn wiederholt an den Bodensee und den Ammersee geführt, wo die Umgebung ihm die perfekten Bedingungen für die Umsetzung von Lichteffekten, atmosphärischen Stimmungen und gelöster Einheit von Mensch und Natur in seinen Werken darbietet. Hinzu kommt die Beobachtung der natürlichen Bewegungen und Körperhaltungen der Kinder ohne jegliche Gekünsteltheit. Besonders die Wasseroberfläche ermöglicht einen irisierenden, von der Lokalfarbe abgelösten Einsatz der Farbe, deren Auftrag ganz in lockerem und spontanem Duktus erfolgt. Landenberger widmet sich dabei sowohl der Einzelfigur, wie in 'Badender Bub an der Donau', den er in ein gedämpftes Kaleidoskop aus Grün-, Violett- und Ockertönen einbindet, als auch der Gruppe, in der er die Figuren im sommerlichen Raum aus Luft, Wasser und Wärme einbettet. Für eines dieser Motive, 'Sommerabend am See' von 1904 (Neue Pinakothek, München), erhält er auf der X. Internationalen Kunstausstellung im Glaspalast München die Goldmedaille. Im folgenden Jahr wird er zum Professor an der Stuttgarter Kunstakademie ernannt. Die 'Badenden Knaben', ein Motiv, dem sich auch Max Liebermann ab den späten 1890er Jahren in über 30 Versionen mit großem Erfolg widmete, gehört zu den zentralen Themen des deutschen Impressionismus und ist somit, wesentlich auch durch Landenbergers künstlerischen Beitrag, von zentraler Bedeutung. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.42 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONChristian Landenberger 1862 Ebingen - 1927 Stuttgart Knabe am See. 1911. Oil on paper, laminated on canvas. 21.5 x 14 cm (8.4 x 5.5 in). We are grateful to Dr. Heinz Höfchen for the kind expert advice. The work is listed in the addendum vol. of the catalogue raisonné. PROVENANCE: Hermann-Josef Bunte Collection, Bielefeld. EXHIBITION: Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunstmuseum Ahlen, February 25 - May 28, 2007; Städtische Galerie, Böblingen, March 16 - June 29, 2008. Adolf Hölzel und sein Kreis. Positionen der Klassischen Moderne aus der Sammlung Bunte, Museum Moderner Kunst Wörlen, Passau, August 9 - September 28, 2008. Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunsthalle Aschaffenburg, Jesuitenkirche, May 29 - September 6, 2009; Kunsthaus Apolda Avantgarde, January 24 - April 5, 2010. Wege in die Klassische Moderne – Sammlung Bunte, Schloss Achberg + Neues Schloss Kißlegg, April 17/18 - July 25/18, 2010. Das Glück in der Kunst. Expressionismus und Abstraktion um 1914. Die Sammlung Bunte, Kunsthalle Bielefeld, March 21 - August 3, 2014. Hermann Stenner und sein Lehrer. Christian Landenberger – Werke um 1910, Kunstmuseum Albstadt, February 19 - June 18, 2017. Christian Landenberger was one of the painters in Germany who became involved in Impressionist open-air painting at an early stage. After beginning his studies at the Stuttgart Art Academy, he continued at the Munich Art Academy from 1883 to 1885. Shortly afterwards, however, he dropped out of university and turned to a non-academic, direct approach to painting, in which he pursued new paths, particularly in landscape painting. Finally, in 1892, he would be a founding member of the Munich Secession and regularly showed works at the exhibitions until 1916. With the founding of a private painting school in 1895, this Impressionist influence also had impact on his students, such as Hermann Stenner, with whom he went on excursions into the great outdoors, especially into the idyllic Danube valley. One Impressionist motif that he repeatedly explored from 1893 onwards was bathing boys. Summer painting sojourns had repeatedly taken him to Lake Constance and Lake Ammersee, where the surroundings offered him the perfect conditions for the realization of light effects and the unspoiled unity of man and nature in his works. He also observed the natural movements and postures of the children without any artificiality. The surface of the water in particular allowed for an iridescent use of color, detached from the local color, which is applied in a loose and spontaneous style. Landenberger devoted himself both to the individual figure, as in 'Bathing Boy on the Danube', which he integrates into a muted kaleidoscope of green, violet and ochre tones, and to the group, in which he embedded the figures in the summery space of air, water and warmth. For one of these motifs, 'Sommerabend am See' (Summer Evening by the Lake, 1904, Neue Pinakothek, Munich), he was awarded a prize at the X. International Art Exhibition at the Glaspalast in Munich. The following year he was appointed professor at the Stuttgart Art Academy. The 'Badenden Knaben', a motif to which Max Liebermann also devoted himself with great success in over 30 versions from the late 1890s onwards, is one of the central themes of German Impressionism and is therefore of central importance, largely due to Landenberger's artistic contribution. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.42 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 366
Edward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Waldschatten. Um 1910-20. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen erneut signiert sowie betitelt. 61 x 50 cm (24 x 19,6 in). • Charakteristisches Motiv im Schaffen Cucuels, der sich vor allem den eleganten Frauengestalten in der Natur widmet • Cucuel zeigt sein malerisches Können im lebhaften Wechsel von Licht und Schatten, die die sommerliche Leichtigkeit spürbar machen • In der pastosen, impressionistischen Malweise fasziniert besonders das schillernde nuancenreiche Farbenspiel. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. Das Werk Edward Cucuels ist ab den 1910er Jahren geprägt durch eine heitere, unbeschwerte Freiluftmalerei, die er zunächst mit seinem Freund und Lehrmeister Leo Putz in Hartmannsberg am Chiemsee betreibt. Hier arbeiten die Maler über vier Jahre hinweg jeden Sommer Seite an Seite. Zuvor ist er hauptsächlich als Grafiker und Illustrator für die Presse tätig, unter anderem in den 1890er Jahren in New York, nachdem er in seiner Geburtsstadt San Francisco an der Kunstakademie und in Paris an der fortschrittlichen Académie Julian studiert hat. Ab 1914 ist Cucuel am Ammersee und anschließend am Starnberger See südlich von München ansässig, wo er eine Villa mit weitläufigem Seegrundstück besitzt. Dort führt er die zuvor gewählte Motivik fort: junge, elegant gekleidete Damen, die lässig drapiert im Grünen ihrem Freizeitvergnügen nachgehen. Im Stil unabhängiger von Putz werdend, fängt Cucuel seine Bilder durch einen ungebrochen flüssig bis flüchtigen Pinselduktus in satten Farbtönen von hoher Leuchtkraft ein. Den besonderen Reiz von Edward Cucuels Gemälden macht ihre spürbare Leichtigkeit und nonchalante Eleganz aus. Die Inszenierung der Modelle lässt die Grenze zwischen Pose und unbeobachteter Spontaneität verschwimmen, in der lockeren Ausführung erscheint die Malerei als angenehmer sommerlicher Zeitvertreib. Häufig verwendet er dabei nicht nur den Pinsel, sondern trägt die Farbe in breiten Strichen mit dem Malmesser auf, wodurch seine Motive trotz der hellen, pastelligen Farben eine solide Körperlichkeit erlangen. Insbesondere die Welt der schönen, unbeschwerten jungen Frau in sommerlicher Landschaft ist eines der erfolgreichsten Motive von Edward Cucuel. Seine Bilder vom Ufer des Starnberger Sees und dem zur Villa gehörenden Park sowie der kleinen, lichterfüllten Wäldchen im Umland sind Ausdruck einer Lebenshaltung, die gleichzeitig charakteristisch für eine bestimmte Gesellschaftsschicht ist, der der Maler in seiner vom Spätimpressionismus beeinflussten Malweise auf exemplarische Weise huldigt. Irisierende Lichtreflexe auf der weißen Kleidung der Damen, hier vor dem intensiven Grün der Zweige und des von einzelnen Sonnenflecken erhellten Erdbodens, geben der Szene jenen imaginären Zauber des optisch Entrückten, der für viele Arbeiten Cucuels aus dieser Epoche so charakteristisch ist. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Waldschatten. Um 1910-20. Oil on canvas. Lower left signed. Signed, as well as titled on the reverse. 61 x 50 cm (24 x 19.6 in). • A characteristic motif in Cucuel's oeuvre, which is primarily dedicated to elegant female figures in nature • Cucuel demonstrates his painting skills in the lively alternation of light and shadow, which make the summery lightness palpable • In the impasto, impressionistic painting style, the dazzling, nuanced play of colors is particularly fascinating. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. From the 1910s onward, Edward Cucuel's work was characterized by cheerful, carefree open-air painting, which he initially pursued with his friend and teacher Leo Putz in Hartmannsberg am Chiemsee, where the painters worked side by side every summer for four years. Prior to this, he worked mainly as a graphic artist and illustrator for the press, such as in New York in the 1890s, after studying at the Academy of Fine Arts in his native city of San Francisco and at the progressive Académie Julian in Paris. From 1914, Cucuel lived on Lake Ammersee and then on Lake Starnberg south of Munich, where he owned a villa with an extensive lakeside garden. He continued the motif he had previously chosen: young, elegantly dressed ladies, casually draped and enjoying their leisure time in the countryside. Becoming more independent in style from Putz, Cucuel captured his pictures with an unbroken fluid to fleeting brushstroke in rich colors of high luminosity. The special appeal of Edward Cucuel's paintings lies in their palpable lightness and nonchalant elegance. The staging of the models blurs the boundary between pose and unobserved spontaneity; in the relaxed execution, painting appears to be a pleasant summer pastime. He often not only uses a brush, but also applies the paint in broad strokes with a painting knife, giving his motifs a solid physicality despite the bright, pastel colors. In particular, the world of the beautiful, carefree young woman in a summer landscape is one of Edward Cucuel's most successful motifs. His pictures of the shores of Lake Starnberg and the park belonging to the villa, as well as the small, light-filled woods in the surrounding countryside, are an expression of an attitude to life that is also characteristic of a certain social class, to which the painter paid homage in his late Impressionist-influenced style of painting. Iridescent reflections of light on the white clothing of the ladies, here against the intense green of the branches and the ground illuminated by individual patches of sunlight, give the scene that enraptured magic that is so characteristic of many of Cucuel's works from this period. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 367
Edward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Im Schatten. Um 1920. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Verso auf der Leinwand erneut signiert. Verso auf dem Keilrahmen zweifach signiert sowie betitelt. Zwei alte handschriftlich und typografisch nummerierte Etiketten sowie Metallplakette Kunsthaus Banger. 90 x 101 cm (35,4 x 39,7 in). • Aus der Reihe der im Sommerhaus des Künstlers am Starnberger See entstandenen Gartenbilder. • Cucuels impressionistische Szenen sind Embleme des Lebensgefühls der damaligen Münchner Hautevolee. • Farbintensiv und schwelgerisch inszeniert Cucuel sommerliche Wärme und Trägheit. PROVENIENZ: Kunsthaus Banger, Bad Nauheim (verso mit der Plakette). Privatsammlung. Die Jahreszeit der Gemälde Cucuels ist der Sommer, den er seit seiner endgültigen Übersiedelung nach München im Jahr 1907 immer wieder in längeren Aufenthalten an den oberbayerischen Seen verbringt. Ursprünglich aus San Francisco im sonnigen Kalifornien stammend, führt ihn der Weg über die Pariser Académie Julian und die Tätigkeit als Zeitungsillustrator in New York und Berlin, Reisen durch Frankreich und Italien schließlich nach München, wo er sich der Künstlergruppe 'Die Scholle' um Leo Putz anschließt. Dessen Verbindung von Landschaftsmalerei mit weiblichen Figuren wird für seinen Stil prägend sein. Cucuel beteiligt sich an den Ausstellungen der Münchner Sezession und präsentiert dort vor allem Frauenporträts und Akte in lichtdurchfluteten Interieurs, Plein-air-Darstellungen mit Gesellschaftsszenen und reizvolle bayerische Landschaften. Der zunehmende Erfolg ermöglicht ihm den Erwerb eines größeren See-Anwesens am Ammersee, wo in den Sommermonaten zahlreiche Badeakte und die ersten 'Kahnbilder' mit den Cucuel-typischen, mondän ge- und entkleideten jungen Frauen entstehen. Ab 1918 gehört ihm ein Atelierhaus mit großem, malerischen Garten und Anlegestelle am Starnberger See, in das er sich ebenso während des Sommers begibt, um seine lichtvollen, von der Spontaneität des französischen Impressionismus und der unmittelbaren Plein-air-Malerei beeinflussten Motive einzufangen. Fritz von Ostini schildert Cucuels idyllisch-eleganten Arbeitsplatz mit lyrischen Worten: 'Hier hat er seinen Studienplatz in einem großen, etwas verwilderten Ufergarten des südlichen Starnberg selbst, einem Garten mit vielen alten und merkwürdigen Baumgruppen, mit Bootshütte, einem kleinen Hafen, Landungssteg und Gebüschen, die es möglich machen, Modelle, unbelästigt von Lauschern, zu stellen. Nicht weit davon hat ein Yachtclub Hafen und Klubhaus und auf dem blausilbernen Wasser kreuzen zu jeder Tageszeit ungezählte Boote mit weißen Segeln. Die Pracht des Lichtes auf diesem See ist bei nur einigermaßen hellem Wetter einzig, die Fernsicht mit dem zartblauen Kranz der Alpen bezaubernd und die Bergsilhouette, abgeschlossen durch das charaktervolle Massiv von Deutschlands höchstem Berge, der Zugspitze, könnte keine Phantasie, die Großartiges und Liebliches vereinigen will, schöner finden [..]. Kein Platz, der sich besser für Edward Cucuels Arbeit eignete.' (zit. nach: Fritz von Ostini, Der Maler Edward Cucuel, Zürich u. a. 1924, S. 35f.). Unser Werk zeigt eines seiner Modelle gedankenversunken am eleganten Gartenmobiliar der 1920er Jahre, in weißer, luftiger Sommerkleidung, umgeben vom intensiven Blaugrün der üppigen Vegetation und den im Hintergrund hell leuchtenden Blumen. Es vermittelt so die Wärme, Trägheit und Leichtigkeit dieser sorglosen Zeit. Während der Wintermonate hält sich Cucuel bis 1934 bereits immer wieder in New York auf, bis er sich gezwungen sieht, zu Kriegsbeginn 1939 Deutschland endgültig den Rücken zu kehren. Er lässt sich wieder im sonnigen Kalifornien in Pasadena nieder, wo er bis zu seinem Tod zurückgezogen lebt. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.59 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEdward Cucuel 1875 San Francisco - 1954 Pasadena Im Schatten. Um 1920. Oil on canvas. Signed in lower right. Once more signed on the reverse. Twice signed and titled on the stretcher. With two old labels, numbered by hand and in typography as well as with a metal plate of Kunsthaus Banger. 90 x 101 cm (35.4 x 39.7 in). • From the series of garden paintings created in the artist's summer home on Lake Starnberg. • Cucuel's impressionistic scenes are emblems of the attitude to life of the Munich haute volée at that time. • Colorful and indulgent, Cucuel stages summer warmth and idleness. PROVENANCE: Kunsthaus Banger, Bad Nauheim (with the plate on the reverse). Private collection. Summer is the season of Cucuel's paintings, which he repeatedly spent in longer stays at the Upper Bavarian lakes since he had finally moved to Munich in 1907. Originally from San Francisco in sunny California, his path led him via the Académie Julian in Paris and a job as a newspaper illustrator in New York and Berlin, over journeys through France and Italy, finally to Munich, where he joined the artists' group 'Die Scholle' around Leo Putz. The latter's combination of landscape painting with female figures would be formative for his style. Cucuel participated in the exhibitions of the Munich Secession, where he mainly presented portraits of women and nudes in light-flooded interiors, plein-air depictions with social scenes and charming Bavarian landscapes. His increasing success enabled him to acquire a large lakeside estate on Ammersee, where he painted numerous bathing nudes and the first 'Kahnbilder' (barge pictures) with the typical fashionably dressed and undressed young women. From 1918 he owned a studio house with a large, picturesque garden right Lake Starnberg, where he also went during the summer to capture his light-filled motifs influenced by the spontaneity of French Impressionism and the immediacy of plein-air painting. Fritz von Ostini described Cucuel's idyllic and elegant workplace in lyrical terms: 'Here he has his place of study in a large, somewhat overgrown riverside garden south of Starnberg, a garden with many old trees, with a boat hut, a small harbor, landing stage and bushes that allow models to pose unmolested by eavesdroppers. A nearby yacht club has harbor and clubhouse and there are countless boats with white sails on the blue-silver water at any time of the day. The splendor of the light on this lake is unique in only reasonably bright weather, the distant view with the pale blue wreath of the Alps enchanting, and the mountain silhouette, completed by the characterful massif of Germany's highest mountain, the Zugspitze [..]. No place more suitable for Edward Cucuel's work.' (quoted from: Fritz von Ostini, Der Maler Edward Cucuel, Zurich et al. 1924, pp. 35f.). Our work shows one of his models lost in thought in white, airy summer clothes, surrounded by the intense blue-green of the lush vegetation and the bright flowers in the background. It conveys the warmth, idleness and lightness of that carefree time. During the winter months, Cucuel from time to time stayed in New York and was forced to turn his back on Germany for good at the beginning of the war in 1939. He settled again in sunny California in Pasadena, where he lived in seclusion until his death. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.59 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 368
Hans Unger 1872 Bautzen - 1936 Dresden Akt mit Paradiesvogel. Wohl um 1908. Öl auf Holz. Verso auf dem Schmuckrahmen mit diversen Ausstellungetiketten, handschriftlich bezeichnet und nummeriert sowie mit dem Brandstempel mit Künstlernamen. 170 x 140 cm (66,9 x 55,1 in). PROVENIENZ: Sammlung John Knittel (1891-1970), Schweiz (seither in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Künstlerbund Hagen, Wien, 1912, Nr. 668 (auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Kunstpalast Düsseldorf, Nr. 2568 (auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Leipziger Kunstverein, Nr. 8.627 (auf dem Schmuckrahmen mit Etikett). Große Berliner Kunstausstellung, 12.5.-31.8.1926, Nr. 897. Hans Unger gehört zu den zentralen, wenn auch bisher weniger beachteten Vertretern des Symbolismus und Jugendstils in Deutschland um die Jahrhundertwende. Ursprünglich als Dekorationsmaler am Königlichen Hoftheater Dresden ausgebildet, nimmt er daselbst ein Studium an der Kunstakademie in der Landschaftsklasse Friedrich Prellers auf, nach dem er auf seinen Reisen durch Italien und im Austausch mit der Goppelner Schule mit der aufgehellten freien Palette des Impressionismus Bekanntschaft macht. Ungers künstlerische Tätigkeit fasziniert durch die Vielzahl an Techniken und Materialien, mit denen er sich zwischen Symbolismus, Impressionismus und Jugendstil beschäftigt, darunter Plakatkunst, Illustrationen für Zeitschriften wie 'PAN' und 'Jugend', Bühnenvorhänge und Mosaiken. 1897 kauft die Dresdner Gemäldegalerie sein Werk 'Die Muse', mit dem er größere Bekanntheit als Maler erlangt. Im selben Jahr begibt sich Unger nach Paris, um dort ein halbes Jahr an der Académie Julian zu studieren. Prägend dürfte der Kontakt mit Werken der Maler des französischen Symbolismus gewesen sein, wie Pierre Puvis de Chavannes und Gustave Moreau, deren traumverlorene, sinnende Frauengestalten auch Ungers Schaffen in Zukunft beeinflussen. Dabei inszeniert Unger diese oftmals in allegorischem Kontext, etwa als die Sonne, der Frühling oder die Natur. Elemente impressionistisch-pastoser Lichtmalerei, die Schönlinigkeit weiblicher Formen im Jugendstil sowie exotistische Anklänge vereint Unger im vorliegenden Gemälde auf großem, wandfüllenden Format. Der reduzierte Bildinhalt mit den großen Flächen des Körpers und des Himmels wird durch äußerst lebendige, irisierende Farbsplitter zusammengesetzt. Rätselhaft mutet die ihr Haar richtende Frauengestalt auf der marmornen Terrasse an, in Zwiesprache mit ihrem Spiegelbild, bewundert von dem mit langen eleganten Federn ausgestatteten Paradiesvogel. Der mit perlmuttschimmernden Intarsien versehene Hocker mag auf Inspirationen durch Ungers Reise nach Ägypten zurückzuführen sein. Überlebensgroß gewinnt die exotische Venus bei ihrer Toilette einen erhabenen, monumentalen Charakter. In Ungers Werk sind die Frauengestalten keine Individuen, sondern stets Sinnbilder für die Kraft und Rätselhaftigkeit des Weiblichen. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 15.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONHans Unger 1872 Bautzen - 1936 Dresden Akt mit Paradiesvogel. Wohl um 1908. Oil on panel. With several exhibition labels, inscribed and numbered, as well as with the artist's stamp on the reverse. 170 x 140 cm (66.9 x 55.1 in). PROVENANCE: John Knittel Collection (1891-1970), Switzerland (ever since family-owned). EXHIBITION: Künstlerbund Hagen, Vienna, 1912, no. 668 (with the label). Kunstpalast Düsseldorf, no. 2568 (with the label). Leipziger Kunstverein, no. 8.627 (with the label). Große Berliner Kunstausstellung, May 12 - August 31, 1926, no. 897. Hans Unger is one of the central, albeit hitherto less recognized, representatives of Symbolism and Art Nouveau in Germany at the turn of the century. Originally trained as a decorative painter at the Royal Court Theater in Dresden, he began to study at the Academy of Fine Arts in Friedrich Preller's landscape class, after which he became acquainted with the brighter and free palette of Impressionism on his travels through Italy and in exchange with the Goppeln School. Unger's artistic activity is fascinating for the variety of techniques and materials he employed between Symbolism, Impressionism and Art Nouveau, including poster art, illustrations for magazines such as 'PAN' and 'Jugend', stage curtains and mosaics. In 1897, the Dresden Gemäldegalerie bought his work 'Die Muse', which earned him greater fame as a painter. In the same year, Unger went to Paris to study at the Académie Julian for six months. His contact with the works of French Symbolist painters such as Pierre Puvis de Chavannes and Gustave Moreau, whose dreamy, contemplative female figures would also influence Unger's work in the future, was probably formative, too. Unger often staged them in an allegorical context, for example as the sun, spring or nature. In the present painting, Unger combined elements of impressionist, pastose light painting, the beauty of female forms found in Art Nouveau and exotic echoes in a large, wall-filling format. The reduced pictorial content with the large areas of the body and the sky is composed of extremely lively, iridescent splashes of color. The female figure straightening her hair on the marble terrace appears enigmatic, in dialog with her reflection, admired by the bird of paradise with its long, elegant feathers. The stool with its shimmering mother-of-pearl inlays may have been inspired by Unger's trip to Egypt. Larger than life, the exotic Venus gains a sublime, monumental character. In Unger's work, the female figures are not individuals, but always symbols of the power and mysteriousness of the feminine. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 15.00 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).
Lot 373
Otto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Kaffeegarten in München. Um 1910/20. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen mit Künstleretikett, dort bezeichnet 'Kaffee Regina [..] Hotel in München'. 60,5 x 71 cm (23,8 x 27,9 in). PROVENIENZ: Privatsammlung Großbritannien. Pippels von lockerer Hand und in pastosem Farbauftrag geschaffenen Gemälde finden nach seinen ersten Münchner Ausstellungsbeteiligungen um 1912 eine große Anhängerschaft, und so entsteht in den folgenden Jahren ein umfangreiches Œuvre, das immer wieder die atmosphärische Stimmung des Lichts in den Vordergrund rückt. Pippel gehört zu den bedeutendsten Impressionisten zweiter Generation im süddeutschen Raum. Als Pippel 1908 zum Abschluss seiner Studien nach Paris reist, wird er durch die französischen Impressionisten bestärkt, die Licht- und Eindrucksmalerei für sich weiterzuentwickeln. Er wird Mitglied der 'Luitpold-Gruppe' und stellt 1912 erstmals im Glaspalast in München aus. Neben zahlreichen Landschaften hat Otto Pippel in seinen Gemälden immer wieder die bürgerliche Gesellschaft Münchens porträtiert, deren Teil er selbst ist. Mondäne Vergnügungen an den entsprechenden Orten der Münchner Gesellschaft, Tanztees, Konzert und Soiréen prägen sein Motivrepertoire. Hier zeigt er den Kaffeegarten des 1908 eröffneten luxuriösen Regina-Palast-Hotels an der Maximilianstraße in München, das mit seinen Veranstaltungen, Bällen und Konzerten besonders in den 1920er Jahren zum gesellschaftlichen Zentrum wurde. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 15.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOtto Pippel 1878 Lódz - 1960 München Kaffeegarten in München. Um 1910/20. Oil on canvas. Lower right signed. With the artist's label on the reverse, there inscribed 'Kaffee Regina [..] Hotel in München'. 60.5 x 71 cm (23.8 x 27.9 in). PROVENANCE: Private collection Great Britain. Following his first Munich exhibitions around 1912, Pippel's paintings, created with a loose gesture and an impasto application of the colors, became increasingly popular among art lovers. In the following years, he created an extensive oeuvre in which he repeatedly brought the atmospheric mood of light to the fore. Pippel was one of the most important southern German second-generation Impressionists. When Pippel traveled to Paris to complete his studies in 1908, he was encouraged to develop his light and impression painting by the French Impressionists. He became a member of the 'Luitpold Group' and exhibited for the first time at the Glaspalast in Munich in 1912. In addition to numerous landscapes, Otto Pippel repeatedly portrayed Munich's bourgeois society in his paintings, of which he was a part himself. Glamorous pleasures at the respective locations of Munich’s high society, dances, concerts and soirées characterize his repertoire of motifs. In the present work he shows the garden of the luxurious Regina Palace Hotel on Maximilianstrasse in Munich, opened in 1908, which became a society hub with its events, balls and concerts in the 1920s. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 15.07 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Lot 405
Otto Dix 1891 Gera - 1969 Singen Brücke in Dresden. Um 1911/12. Öl auf Leinwand, auf Malpappe aufgezogen. Rechts unten signiert (in die nasse Farbschicht geritzt). 46,1 x 65,3 cm (18,1 x 25,7 in). Zwischen Oktober 2022 und Oktober 2023 befand sich das Werk als Leihgabe im Museum Moritzburg in Halle (Saale). Bis zum 25. Februar 2024 zeigen die Deichtorhallen in Hamburg die groß angelegte Ausstellung 'Dix und die Gegenwart'. [CH]. • Bisher unbekanntes Gemälde aus dem Frühwerk (1910–1914) des später so bedeutenden Vertreters der Neuen Sachlichkeit. • Mit nah herantretendem Bildausschnitt, expressivem Duktus, starken Hell-Dunkel-Kontrasten und gekonntem Licht-und-Schatten-Spiel erhebt Dix die Architektur einer Brücke des im April 1898 in Betrieb genommenen Dresdener Hauptbahnhofs zur Protagonistin seiner Komposition. • Vergleichbare Arbeiten dieser Jahre zeigen bspw. die Lennéstraße in Dresden, den Blick auf Dresden-Neustadt oder das Fabrikviertel in Gera. • 1912 wird der hier gezeigte kraftvolle Spätimpressionismus seiner Landschafts- und Stadtmotive in Dresden und Gera durch eine eher stilpluralistische Phase abgelöst. Die Bestätigung von Frau Dr. Ulrike Lorenz lag bei Drucklegung noch nicht vor. PROVENIENZ: Sammlung Ludwig Oskar Herbert Rüger (1892 bis wohl 1966), Dresden. Seitdem in Familienbesitz. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 17.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOtto Dix 1891 Gera - 1969 Singen Brücke in Dresden. Um 1911/12. Oil on canvas, laid on cardboard. Signed in lower right (scratched into the wet paint). 46.1 x 65.3 cm (18.1 x 25.7 in). Between October 2022 and October 2023, the work was on loan at the Museum Moritzburg in Halle (Saale). Until Februar 25, 2024 the Deichtorhallen in Hamburg host the grand exhibition 'Dix und die Gegenwart'. [CH]. • Hitherto unknown painting by the important representative of New Objectivity from his early creative phase (1910–1914). • With a close-up detail, expressive style, strong light-dark contrasts and skilful play of light and shadow, Dix elevates the architecture of a bridge at Dresden Central Station, which went into operation in April 1898, to the protagonist of his composition. • Comparable works from these years show, for example, the Lennéstrasse in Dresden, the view of Dresden-Neustadt or the factory district in Gera. • In 1912, the powerful late Impressionism of his landscapes and city motifs in Dresden and Ger was replaced by a more pluralistic style. The certificate of authenticity by Dr. Ulrike Lorenz was not at hand before printing. PROVENANCE: Collection of Ludwig Oskar Herbert Rüger (1892 until presumably 1966), Dresden. Ever since family-owned. Called up: December 9, 2023 - ca. 17.38 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 480
Max Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Réveille du jour (L'eclipse). 1962. Mischtechnik. Öl und Gouache auf Papier. Rechts oben signiert. Auf Papier auf Harfaserplatte aufgezogen. 21 x 16,5 cm (8,2 x 6,4 in), Blattgroß. • Eindrucksvolles Zeugnis von Ernsts anhaltender technischer Experimentierfreude. • Der Übergang von Nacht zum Tag ist die Zeit des Traumes. • Max Ernst erzeugt das Magisch-Irreale durch seine besonderen Finessen der Maltechnik. • Gemälde des Künstlers befinden sich in zahlreichen bedeutenden internationalen Museen, u. a. dem Museum of Modern Art, New York, dem Centre Pompidou, Paris, und der Tate Collection, London. PROVENIENZ: Galerie Lucie Weill, Paris. Timothy Baum, New York. Privatsammlung Europa. Privatsammlung Norddeutschland Privatsammlung Schweiz (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Two Surrealist Wise Men as Seen at Christmastime. Max Ernst and Joan Miró, prints and drawings, Dez. 1968, Kovler Gallery, Chicago, Nr. 9. LITERATUR: Werner Spiess/Sigrid und Günter Metken, Max Ernst Œuvre-Katalog: Werke 1954-1963, Houston/Köln 1998, WVZ-Nr. 3617, S. 295 (m. Abb.). Sotheby's Parke Bernet, New York, 23.10.1974, Los 165. Christie's East, New York, 11.5.1989, Los 172. Die Suche und Entwicklung neuer Techniken ist dem Œuvre von Max Ernst immanent. Er spielt mit Übermalungen, Collagen, Frottagen, Grattagen. Auch das Abklatschverfahren verhilft ihm zur Verfremdung des Alltäglichen und der irritierenden Inszenierung des Unerklärlichen. Hier perlen die dunklen Pinselstriche vor einem hell aufsteigenden Grund ab. Max Ernst imaginiert die Stimmung des aufgehenden Tages, wenn der Vorhang der Nach gelüftet wird. Es ist die Zeit der Träume und des Ausdrucks des Unterbewussten. [EH] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 19.19 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMax Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Réveille du jour (L'eclipse). 1962. Mixed media. Oil and gouache on paper. Signed in upper right. On paper, laid on fiberboard. 21 x 16.5 cm (8.2 x 6.4 in), the full sheet. • Impressive testimony to Ernst's continued enthusiasm for technical experimentation. • The transition from night to day is the time of dreams. • Max Ernst creates a magical and unreal aura with his refined technique. • Paintings by the artist are in numerous important international museums like the Museum of Modern Art, New York, the Center Pompidou, Paris, and the Tate Collection, London. PROVENANCE: Galerie Lucie Weill, Paris. Timothy Baum, New York. Private collection Europa. Private collection Northern Germany. Private collection Switzerland (acquired from the above). EXHIBITION: Two Surrealist Wise Men as Seen at Christmastime. Max Ernst and Joan Miró, prints and drawings, Dec. 1968, Kovler Gallery, Chicago, no. 9. LITERATURE: Werner Spiess/Sigrid and Günter Metken, Max Ernst Œuvre Catalog: Werke 1954-1963, Houston/Cologne 1998, no. 3617, p. 295 (fig.). Sotheby's Parke Bernet, New York, October 23, 1974, lot 165. Christie's East, New York, May 11, 1989, lot 172. The search and development of new techniques is inherent in Max Ernst's oeuvre. He used over-painting, collage, frottage, grattage. In this sense, the Décalcomanie technique also helped him to alienate the mundane and to stage the inexplicable in a vexing manner. The dark brushstrokes roll off against a light background. Max Ernst imagines the atmosphere of the beginning of a day when the curtain of night is lifted. It is the time of dreams and expression of the subconscious. [EH] Called up: December 9, 2023 - ca. 19.19 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Lot 482
Gustav Wunderwald 1882 Köln - 1945 Berlin An der Heerstraße. 1918. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. 76 x 90 cm (29,9 x 35,4 in). [AR]. • Frühes, nächtliches Straßenbild, das seinen besonderen Reiz durch die bühnenartige Beleuchtung und das Spiel von Licht und Schatten erzielt. • Nach seinem Einsatz im Ersten Weltkrieg entwickelt sich Wunderwald zu einem wichtigen Vertreter der Neuen Sachlickeit und gilt als Chronist des Berliner Großstadtlebens. • Ausgestellt in der postumen Retrospektive in der Berlinischen Galerie und der Städtischen Galerie Albstadt anlässlich des 100. Geburtstags des Künstlers. Wir danken Frau Hildegard Reinhardt für die freundliche, wissenschafltiche Beratung. PROVENIENZ: Privatbesitz Sindelfingen. Kunsthandel Werner Fischer, Berlin (verso m. Etikett). Privatsammlung Niedersachsen (von Vorgenanntem erworben). AUSSTELLUNG: Neue Sachlichkeit - 12 Maler zwischen den Kriegen, Galerie von Abercron, Köln, 12.3.-3.5.1975, Kat.-Nr. 17 (m. Abb. S. 14, verso m. Etikett). Gustav Wunderwald. Gemälde, Handzeichnungen, Bühnenbilder. Eine Ausstellung zum 100. Geburtstag des Künstlers, Berlinische Galerie, Berlin 20.8.-10.10.1982; Städtische Galerie Albstadt, 21.11.1982-2.1.1983, Kat.-Nr. 36. LITERATUR: Hildegard Reinhardt, Gustav Wunderwald (1882-1945). Untersuchungen zum bildkünstlerischen Gesamtwerk, Hildesheim 1988, Kat.-Nr. WV 38 (mit SW-Abb. S. 324). Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 19.22 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONGustav Wunderwald 1882 Köln - 1945 Berlin An der Heerstraße. 1918. Oil on canvas. Signed in lower left. 76 x 90 cm (29.9 x 35.4 in). [AR]. • Early, nighttime street scene, the stage-like lighting and the play of light and shadow make for its special appeal. • After he had served in World War I, Wunderwald became an important representative of New Objectivity and is considered a chronicler of Berlin city life. • Exhibited in the posthumous retrospective at the Berlinische Galerie and Städtische Galerie Albstadt on the occasion of the artist's 100th birthday. We are grateful to Mrs Hildegard Reinhardt for her kind expert advice. PROVENANCE: Private collection Sindelfingen. Art dealer Werner Fischer, Berlin (with the label on the reverse). Private collection Lower Saxony (acquired from the above). EXHIBITION: Neue Sachlichkeit - 12 Maler zwischen den Kriegen, Galerie von Abercron, Cologne, March 12 - May 3, 1975, cat. no. 17 (illu. p. 14, with the label on the reverse). Gustav Wunderwald - Gemälde, Handzeichnungen, Bühnenbilder - Eine Ausstellung zum 100. Geburtstag des Künstlers, Berlinische Galerie, Berlin, August 20 - October 10, 1982, Städtische Galerie Albstadt, November 21, 1982 - January 2, 1983, cat. no. 36. LITERATURE: Hildegard Reinhardt, Gustav Wunderwald (1882-1945). Untersuchungen zum bildkünstlerischen Gesamtwerk, Hildesheim 1988, cat. no. WV 38 (black-and-white illu. on p. 324). Called up: December 9, 2023 - ca. 19.22 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Lot 280
A mixed group of knitwear by Mary Farrin including a strappy dress in fine knit (l.43"), a lightweight knit scarf in cream/green/pink, a long knit dress in silver with pearlised pinks/greens in crochet knit with self tie waist, deep v neck and a skirt with open jacket in soft pinks/creams/greens in light mohair and wool, the jacket with full sleeves and bead detailing, the skirt with light knit lining which hangs below outer skirt, deep slide slit and elastic waistband (skirt: l.25" lining: l.27") (see notes for lot 246) (5)
Lot 293
A Nelson souvenir brass snuff box, of circular form the removable cover with bust of Nelson, the base with Greek key frieze and 'Conqueror at Aboukir 1 Augt. 1798, Copenhagen 2 April 1801, Trafalgar 21 Octr. 1805, Where He Gloriously Fell" within wreath to the underside.Diameter 54mm, height 24mm.Areas of Verdigris/discolouration.M&P Fecit mark to the base is worn.Underside with light dents.Underside rim slightly misshapen.The expected knocks consistent with age.
Lot 406
Thorburn, Archibald: Game Birds and Wild Fowl of Great Britain and Ireland, Containing Thirty Plates in Colour, Showing Fifty-Eight Species, This Edition is limited to One Hundred and Fifty-Five copies, of which this is No. 120, Longman's, Green and Co., 1923, in publishers red cloth with gilt titled spine, folio. (1) Light spotting throughout, not affecting text or images.Loose at spine and some pages coming loose.Cover worn.
Lot 456
Hugh Monahan, (Irish 1914-1970), Pinkfeet - mid-day, oil on canvas, signed lower right and dated 1949, with Rowland Ward's Sporting And Natural History Galleries label verso, 39.5 x 49.5cm.Would benefit from a light, but generally in good order.Canvas good, no craquelure.Tear to canvas on back where it has been caught while hanging.
Lot 457
Hugh Monahan, (Irish 1914-1970), Mallard - Lough Gara, oil on canvas, signed lower right and dated 1949, with Rowland Ward's Sporting And Natural History Galleries label verso, 39.5 x 49.5cm. Would benefit from a light, but generally in good order.Canvas good, no craquelure.Tear to label at back.
Lot 458
Hugh Monahan, (Irish 1914-1970), Shovellers - Sligo - Evening, oil on canvas, signed lower right and dated 1949, with Rowland Ward's Sporting And Natural History Galleries label verso, 39.5 x 49.5cm.Would benefit from a light, but generally in good order.Canvas good, no craquelure.Tear to canvas on back where it has been caught while hanging.
Lot 517
A large Poole Pottery limited edition circular charger, of dished form, flambé glazed with central leaping dolphin, printed marks verso, dia.41cm Light surface scuffs and scratches to interior surface (mostly to centre).Small area of Sellotape residue to outer edge of reverse.Otherwise very good.
Lot 521
Michael Cardew (1901-1983) for Abuja Pottery - a studio stoneware footed table bowl, having a slightly rounded rim, ribbed body with stylised combed Tenmoku glaze, artist monogram and Abuja seal mark to outer edge of foot rim, dia.27.5cmApprox. 12x4mm surface chip to top edge of top rim.Small areas of roughness to interior surface due to glaze imperfections.Fine hairline to body of bowl, also running through footrim.Some light scuffs/scratches to glaze surface.
Lot 572
A Continental Art Deco silver and enamel table cigarette box, the hinged cover enamel decorated with tree lined landscape scene, gilt decorated interior, the exterior further engine turned throughout, makers mark rubbed, London import marks for 1927, 5.9ozt, 10.2 x 7.7 x 2.2cmEnamel excellent, intact and complete, with only very light surface scratches which are only visible on close inspection.Cover closes good and flush.Silver tarnished.Interior surface worn.
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