Hamed Abdalla (Egypt, 1917-1985)The Workers oil on panel, framedsigned 'H. Abdalla' (lower right)45 x 55cm (17 11/16 x 21 5/8in).Footnotes:Provenance:Property from a private collection, CairoBonhams are honoured to present these two lots by the pioneer of the Creative word and a prolific figure in Egyptian Modernism, Hamed Abdullah. Abdullah took his artistic focus one step further than the rest of his counterparts with his expansion into what he labelled the 'Creative Word.' The result was a series of written words expressed in paint, combining abstract concepts and human forms to bring radically different cultures, religions, and philosophies together on canvas. He was a self-taught artist from a modest peasant family of upper Egypt who gained recognition early in his life for this artist talent. At the age of 24 he had his first solo exhibition and from there showcased his works all over Egypt and was honoured a solo exhibition at the Museum of Egyptian Art in Cairo in 1949. Over the next decade he showcased his works worldwide and in 1956 he participated in a group exhibition at the Metropolitan Museum of Art in New York. He left Egypt to Denmark in 1956 and then moved to France in 1966.Abdullah refused to decide between figuration and abstraction, and the attraction he had for the experimentation of forms with various materials, brought Abdalla closer to the Cobra movement he was introduced to in the 1950s. This series defines one of the most original and radical moments in his diverse practice. Initially trained in calligraphy in Egypt but frustrated by the political and social situation in his home country, Abdalla settled in Copenhagen, where he experienced a period of intense experimentation and discovery. The ideas that had pervaded the work of the CoBrA artists (based in Copenhagen, Brussels and Amsterdam) were still prominent at this time in the local and international context. Their concepts of freedom of form and colour had a significant impact on Abdalla, who shared CoBrA's fascination with scrutinising familiar methods and radically exploring new artistic forms.Abdalla was an autodidact who loved to experiment by himself to find his own voice and claimed his Arab and Oriental heritage: 'my main rule - like the Oriental artist - is to paint nature as I see it in my mind and not as it appears to the eye. ' Having migrated from his country in March 1956, fleeing the regime's slavish art-propaganda and no longer in immediate contact with the physical realities of his people, Abdalla found inspiration in the Arabic letters with which he invented new forms, unique in their kind, even suggesting 'the Arab being', in line with the emancipation projects of his time.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
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Suad Al Attar (Iraq, born 1942)A Supressed Scream oil on canvas, framedsigned and dated in Arabic, titled on the verso, executed in 197770 x 60cm (27 9/16 x 23 5/8in).Footnotes:Provenance:Property from the collection of the late Michael William Palmer, an American Civil Engineer and Art Collector based in Iraq 1976-1980Thence by descent to the present owner, TexasPublished: Directory of Iraqi Plastic Arts; Printed on the occasion of the First Biennal of Arab Arts, Baghdad, Ministry of Culture 1974Exhibited:The First Biennal of Arab Arts, Baghdad, 1974This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Salah Abdel Kerim (Egypt, 1925-1988)Oreste oil on paper, framedsigned and dated 1969, executed in 196960 x 80cm (23 5/8 x 31 1/2in).Footnotes:Provenance:Property from a private collection, CairoPublished:L'Oeuvre De Salah Abdel Kareem, Egyptian Ministry of Culture, 2000, p.166 'Nothing forces us to knowWhat we do not want to knowExcept pain'― Aeschylus, The OresteiaBonham's are delighted to present an important and exquisite published work by the pioneering Egyptian painter, Salah Abdel Kerim. Depicting an architectural fantasy conceived of as a theatre set for Handel's Oreste, the present work combines Grecian, mythological and surreal visual elements to frame the famous ancient tale following Orestes mission of revenge for the murder of his father Agamemnon. Harrowing and other worldly, Kerim's almost supernatural landscape mirrors the nature of the mythological story it conveys, as something existing in the realm between fantasy and reality It was Hussein Bicar who first discovered the talent of Salah Abdel Kerim and instructed him in the basics of drafting. This encouraged Salah Abdel Kerim to enrol in the Faculty of Fine Arts. When Salah Abdel Kerim went to Paris to study theatre design and advertising from two great masters, André-Marie Cassandre and Paul Colin, he became familiar with expressionism and abstract art; but he chose a different path, having been seduced by the works of the SurrealistsBorn in Fayoum to a large family of five brothers and sisters. In 1938 he met the famous painter Hussein Bikar and became his student in the Faculty of Arts in Qena. He remained very attached to his professor all through his life. In 1940 he meets Hussein Youssef Amin and the Group of Contemporary Art at the secondary school of Farouk First in Abasya district in Cairo when he was introduced to surrealism for the first time.In 1943 he becomes a student at the Faculty of Fine Arts and graduates with honors in 1947. In 1948 he becomes an assistant to the interior decoration section at the FFA. He is then sent to a mission in Paris in 1952 and he becomes a student to Paul Colin and A.Marie Cassandre for publicity and theatre design.He then moves to Rome in 1956 to study design for cinema. In 1957 he received the international prize in painting from San Vito Romano, Italy and obtains his PHD from Centro Sperimental di Cinemato Grafia. Back in Egypt in 1958 he is appointed professor at the FFA where he started experimenting with sculpture. In 1959 he received the first prize for sculpture at the Biennale of Alexandria. At the same year he received from the Biennale of Saint Paolo, Brazil an honorary merit for his sculpture 'The Fish'. In 1960 he received the award of the Guggenheim National section for his painting 'Fighting Roosters'.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Fahr El-Nissa Zeid (Turkey, 1900-1991)The Earth Mother mixed media on cardboard, framedexecuted circa late 1930's55 x 45cm (21 5/8 x 17 11/16in).Footnotes:Provenance:Property from the private collection, LondonProperty from the collection Fahr-El Nissa Zeid's personal assistant, EnglandGifted directly from the artist to the above owner, circa 1970's'..During my first trip to the orient in Baghdad, I saw in the great expanses, the Bedouins... six or seven silhouettes that came from the depth of the horizon, as if flying over the sands.. They had on top of their heads a pyramid of pots of yoghurt, that looked from afar like very high chimneys ... and their veils floated in this gold [hue] that was ablaze' - Fahrlenissa ZeidLinear ImpressionsAdila Laïdi-Hanieh, PhD.This stunning work marks an important phase in Fahrelnissa Zeid's life and artistic output. As the wife of a member of the Hashemite royal family of Iraq, she visited the country for the first time in 1938, then in 1944. Her sojourns resulted in a prolific output of visual impressions, captured in sketchbooks held by her estate. The existence of this unique sketch from that period, and its availability for sale is a remarkable occurrence. Fahrelnissa Zeid was eager to know her new country. From her Baghdad base, she undertook excursions to Babylon and Nineveh, and a deeply affecting pilgrimage to the holy city of Karbala. She was so affected by the sadness and fervour she experienced around the shrine of Imam Hussein that she painted it for days, capturing the mosques' architecture, and the crowds of pilgrims. These two motifs are found in this sketch, in the background. Occupying the centre of the paper plane is an important motif in Fahrlenissa Zeid's painterly trajectory, that led to her eventual abstract turn. The woman at the centre is found in many of her paintings of from the mid-1940s, titled Bedouins Selling Yoghurt and Bedouin Women. In fact, these women were not Bedouin, but rural ma'eediyyats, who sell fresh homemade gaimar, a clotted cream made from water buffalo milk, a popular breakfast staple in Iraq and the Near East. These women were a common sight at dawn in Iraq in the spring and summer seasons. They walked from homes to markets, piling high on their heads the cream's measuring and serving pots made from round metal containers or palm baskets. The first sight of these strangely clad women to a Fahrlenissa Zeid who had lived only in Istanbul and Europe, would have a lasting influence. She would attribute her late 1940s turn towards abstraction first to her experience of transatlantic air travel in 1949, and to seeing the rapidly receding colourful landscape from above. Lesser known, is the second factor: The sight of advancing and vanishing 'Bedouin' women: 'Another souvenir that played a role in my abstract evolution was during my first trip to the orient in Baghdad. I saw in the great expanses, the Bedouins 'fly' ... from my window, I saw from dawn the very distant road, coloured orange in the morning. This is how I saw six or seven silhouettes that came from the depth of the horizon, as if flying over the sands. I was petrified. They had on top of their heads a pyramid of pots of yoghurt, that looked from afar like very high chimneys ... and their veils floated in this gold [hue] that was ablaze. I ran to the window, but they had already passed.... This little event played a role in my abstract painting... While looking at the Bedouin women, I was seeing space, speed and movement.' This unique work bears the trace of the quintessential Fahrelnissa Zeid gesture: Her sharp rapid thrusting line that turns then returns, criss-crosses and swarms the pictorial plane. In the interstices of the lines are ellipses of light that create depth in the folds of an abaya, in the coloured glass of a mosque window, and in the curve of a cheekbone. This drawing, is a visual record of Iraq, but it is also a study of colour, volume and motion. Always eschewing ethnographic details from her figurative works, Fahrelnissa Zeid juxtaposes here two striking scenes from her travels, and melds the pile of pots into a blue jet foregrounding the central figure. Thus, the central figure anticipates both her turn towards the abstract in the late 1940s, and the hieratic female figures of her 1980s Amman portraits.For further information on this lot please visit Bonhams.com
PESNE, ANTOINE1683 Paris - 1757 BerlinTitel: Portrait der Louise Albertine Freifrau von Grappendorf (1729-1753) als Flora. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Doubliert. Maße: 146 x 112cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Literatur:E. Berckenhagen et al.: Antoine Pesne, Berlin 1958, S. 140, Nr. 136a mit Abb.Provenienz:Kunstsammlung Schloß Demerthin, Brandenburg, seit 1. H. 19. Jh.;1945 ausgelagert nach Schönefeld:im Rahmen der Bodenreform Überführung in das Volkseigentum der DDR;Märkisches Museum, Berlin, seit 1948;1992 an die Familie der Einlieferer restituiert, seitdem weiterhin als Leihgabe ausgestellt im Märkischen Museum."Schönste Seele im hübschesten Leibe" - so beschreiben Zeitgenossen Louise Albertine von Grappendorf, geb. von Brandt, und alle stürzen in tiefe Trauer, als sie mit nur 24 Jahren am 28.11.1753 auf einer Reise nach Schwedt plötzlich verstirbt.Oberjägermeister Wilhelm Hilmar von Grappendorf hat Louise Albertine zu seiner zweiten Gemahlin gewählt. Mit ihrer Jugend und Schönheit bringt sie als Hofdame in der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts Glanz und Anmut an den Hof der Prinzessin Luise Amalie von Preußen und der Königinmutter Sophie Dorothea, der Mutter von Friedrich II. Wahrscheinlich stammt aus dieser Zeit der Auftrag an den preußischen Hofmaler Antoine Pesne, Freifrau von Grappendorf zu malen.Antoine Pesne entscheidet sich dafür die hübsche, junge Frau als Göttin der Blumen und Jugend abzubilden. Er steht damit in der Tradition berühmter Künstler wie Rembrandt oder Tizian, welche die Göttin Flora ebenso als junges Mädchen inmitten ihrer Blüten zeigt.Allerdings wählt der Künstler eine gleichermaßen göttliche wie andeutungsweise leicht frivole Darstellung der jungen Dame als Flora. Er setzt sie als Dreiviertel-Figur federleicht auf Wolken und kleidet sie in ein kostbares, spitzenbesetztes, blaues Atlas-Gewand, welches - umrahmt von einer diagonal geführten Blumenschärpe - ihre linke Brust am üppigen Dekolleté herausblitzen lässt. Ihr Blick im strahlend-schönen Gesicht fixiert den Betrachter freundlich, beinahe verschwörerisch; dazu lächelt sie so anmutig, dass sich kleine Grübchen auf ihren Wangen bilden.Pesne läßt Louise Albertine von Grappendorf mit ihren Händen Blüten streuen, assistiert von einem kleinen Putto, der mit Schmetterlingsflügeln auf sie zuschwebt und ihr ein Blumenbukett bringt.Antoine Pesne zählt mit seinen zahlreichen Portraits der königlich preußischen Familie und der Angehörigen ihres Hofstaates zu den berühmtesten Malern seiner Zeit. Die offiziellen Auftragswerke folgen den hohen Erwartungen an den königlichen Hofmaler. Unser bezauberndes Bildnis der Louise Albertine von Grappendorf dagegen spricht schon die galante, intimere Bildsprache des Rokokos, welche Antoine Pesne zum Ende seines künstlerischen Schaffens für sehr nahe und vertraute Abbildungen von Personen wählt.Erläuterungen zum KatalogAntoine Pesne Frankreich Rokkoko Französische Schule 17./18. Jh. Originale Historische Personen Gemälde Allegorie PESNE, ANTOINE1683 Paris - 1757 BerlinTitle: Portrait of Louise Albertine Baroness von Grappendorf (1729-1753) as Flora. Technique: Oil on canvas. Mounting: Relined. Measurement: 146 x 112cm. Frame/Pedestal: Framed.Literature:E. Berckenhagen et al.: Antoine Pesne, Berlin 1958, p. 140, no. 136a with ill.Provenance:Art collection Schloß Demerthin, Brandenburg, since 1st half of the 19th C.;1945 moved to Schönefeld:Transfer to public ownership of the GDR within the course of the land reform;Märkisches Museum, Berlin, since 1948;Restituted to the family of the consignor in 1992, since then has remained on display as a loan in the Märkisches Museum."Schönste Seele im hübschesten Leibe" ("Most beautiful soul in the loveliest body") - is how contemporaries describe Louise Albertine von Grappendorf, born von Brandt, and everyone falls into deep mourning when she dies suddenly at the age of only 24 on 28.11.1753 on a trip to Schwedt.Master of Hunting Wilhelm Hilmar von Grappendorf had chosen Louise Albertine as his second wife. With her youth and beauty, she brought glamour and grace to the court of Princess Luise Amalie of Prussia and Queen Mother Sophie Dorothea, the mother of Frederick II, in the first half of the 18th century.It is probably from this period that the Prussian court painter Antoine Pesne was commissioned to paint Freifrau von Grappendorf.Antoine Pesne chose to depict the pretty young woman as the goddess of flowers and youth. In doing so, he follows the tradition of famous artists such as Rembrandt or Titian, who also depicted the goddess Flora as a young girl surrounded by flowers.However, the artist chooses an equally divine and suggestively slightly frivolous depiction of the young lady as Flora. He places her as a three-quarter figure light as a feather on clouds and dresses her in a precious, lace-trimmed, blue Atlas robe, which - framed by a diagonally guided flower sash - allows her left breast to flash out at her lush décolleté. Her radiantly beautiful face fixes the viewer with a friendly, almost conspiratorial gaze; she smiles so gracefully that small dimples form on her cheeks.Pesne has Louise Albertine von Grappendorf scatter flowers with her hands, assisted by a little putto who floats towards her with butterfly wings and brings her a bouquet of flowers.With his numerous portraits of the royal Prussian family and members of their court, Antoine Pesne is one of the most famous painters of his time. The officially commissioned works follow the high expectations of the royal court painter. Our enchanting portrait of Louise Albertine von Grappendorf, on the other hand, already speaks to the gallant, more intimate pictorial language of the Rococo, which Antoine Pesne chose at the end of his artistic career for very close and familiar depictions of people.Explanations to the Catalogue
KNOLLER, MARTIN1725 Steinach - 1804 MailandTitel: Zephyr und Flora. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Auf Karton gelegt. Maße: 22,5 x 24,5cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Literatur:B. Baumgartl: Martin Knoller 1725-1804. Malerei zwischen Spätbarock und Klassizismus in Österreich, Italien und Süddeutschland, München 2004, S. 240.Provenienz:Privatbesitz, Italien.Martin Knoller gilt allgemein als einer der größten Freskenmaler seiner Zeit im österreichischen Raum. Nach seiner Ausbildung bei Paul Troger in Österreich ging er 1755 nach Rom und dann nach Mailand, wo er die Tochter eines wohlhabenden Kaufmanns heiratete und Professor an der Aaccademia di Belle Arti wurde. In der lombardischen Stadt hatte Knoller mehrere Aufträge, unter denen die Freskendekoration des Palazzo Greppi hervorsticht. Im Jahr 1772 wurde der Palast nach einem Entwurf von Giuseppe Piermarini gebaut, der das Werk 1778 vollendete. Zwischen 1778 und 1779 gestaltete der österreichische Künstler verschiedene Räume, darunter den Ballsaal, das Kaffeezimmer und ein Zimmer im ersten Stock. In diesem Raum stellte er Zephyr und Flora dar, wovon das vorliegende Werk die vorbereitende Studie ist.Typisch für den Künstler ist eine Frische und Vielfalt der Farben, die besonders in den leuchtenden Draperien auffällt. In seinen Werken neigt er jedoch zu einem strengen Klassizismus, mit klaren und geordneten Kompositionen.Erläuterungen zum KatalogMartin Knoller Originale Mythologie Malerei Antikendarstellung KNOLLER, MARTIN1725 Steinach - 1804 MilanTitle: Zephyr and Flora. Technique: Oil on canvas. Mounting: Laid down on card. Measurement: 22,5 x 24,5cm. Frame/Pedestal: Framed.Literature:B. Baumgartl: Martin Knoller 1725-1804. Malerei zwischen Spätbarock und Klassizismus in Österreich, Italien und Süddeutschland, Munich 2004, p. 240.Provenance:Private ownership, Italy.Martin Knoller is generally regarded as one of the greatest fresco painters of his time in the Austrian region. After training with Paul Troger in Austria, he went to Rome in 1755 and then to Milan, where he married the daughter of a wealthy merchant and became a professor at the Aaccademia di Belle Arti. In the Lombard city Knoller had several commissions, among which the fresco decoration of the Palazzo Greppi stands out. In 1772 the palace was built after a design by Giuseppe Piermarini, who completed the work in 1778. Between 1778 and 1779, the Austrian artist designed various rooms, including the ballroom, the coffee room and a room on the first floor. In this room he depicted Zephyr and Flora, of which the present work is the preparatory study.Typical of the artist is a liveliness and variety of colour, which is particularly noticeable in the bright draperies. In his works, however, he tends towards a strict classicism, with clear and orderly compositions.Explanations to the Catalogue
REIFFENSTEIN, CARL THEODORFrankfurt 1820 - 1893Titel: Weite Landschaft mit idealer rheinischer Burg. Technik: Öl auf Leinwand. Maße: 45,5 x 36cm. Bezeichnung: Signiert und datiert unten rechts: Carl Reiffenstein / Mai 58. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Dramatisch erhebt sich die Burg in der untergehenden Sonne. Während der Eingang von den letzten Sonnenstrahlen einladend beleuchtet wird, verschwindet der Turm bereits in die Nacht. In Frankfurt am Main geboren, studierte Carl Theodor Reiffenstein zunächst Architektur und später Malerei an der renommierten Städlschule. Seine Gemälde gelten bis heute als akribische Bestandsaufnahmen einer sich im Wandel befindenden Welt. Dabei konzentrierte er sich - wie auch im vorliegenden Gemälde - vor allem auf mittelalterliche Architekturen. Noch heute gilt sein Werk als zentrale Informationsquelle für das Frankfurter Stadtbild des 19. Jahrhunderts, welches bereits um 1850 einem strukturellen Wandel unterzogen wurde. Doch Reiffensteins Bilder gehen weit über das Dokumentarische hinaus. Als Reaktion auf die industrielle Revolution drücken seine Motive in der Tradition der Romantik seine Verbundenheit mit der Natur und einer idealisierten Vergangenheit aus. Nicht umsonst wird Carl Theodor Reiffenstein aufgrund seiner stimmungsvollen Landschafts- und Städtebilder auch der malende Dichter genannt. Erläuterungen zum KatalogCarl Theodor Reiffenstein Deutschland romantisch-realistische Schule Königsberger Malschule 19.Jh. Gemälde Rheintal Gemälde Architektur REIFFENSTEIN, CARL THEODORFrankfurt 1820 - 1893Title: Wide Landscape with Ideal Rhenish Castle. Technique: Oil on canvas. Measurement: 45,5 x 36cm. Notation: Signed and dated lower right: Carl Reiffenstein / Mai 58. Frame/Pedestal: Framed.Provenancen:Private ownership, Germany.The castle rises dramatically in the setting sun. While the entrance is invitingly illuminated by the last rays of the sun, the tower is already disappearing into the night.Born in Frankfurt am Main, Carl Theodor Reiffenstein first studied architecture and later painting at the renowned Städlschule. His paintings are still regarded today as meticulous inventories of a world in flux. In doing so, he concentrated - as in the present painting - primarily on medieval architecture. Even today, his work is regarded as a central source of information for the Frankfurt cityscape of the 19th century, which was already undergoing structural change around 1850. But Reiffenstein's pictures go far beyond the documentary. As a reaction to the industrial revolution, his motifs express his attachment to nature and an idealised past in the tradition of Romanticism. It is not for nothing that Carl Theodor Reiffenstein is also called the painting poet because of his atmospheric landscape and city pictures.Explanations to the Catalogue
HERZOG, HERMANN1832 Bremen - 1932 PhiladelphiaTitel: Waldlandschaft in Florida. Auf dem Weg ein Mächen mit einer Kuh. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Doubliert. Maße: 53,5 x 43,5cm. Bezeichnung: Signiert unten links: H. Herzog. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Nach seiner Ausbildung an der Düsseldorfer Malerschule bei Johann Wilhelm Schirmer, Andreas Achenbach und Hans Frederik Gude zog es den gebürtigen Bremer Hermann Herzog zuerst in die Gebrigslandschaften Norwegens, der Schweiz und den Pyrenäen. Ab den 1860er Jahren reiste er durch die heutige USA bis nach Kalifornien und fand seine Motive in den dortigen weiten Landschaften. Er ließ sich dann in Philadelphia nieder, wo er bis zu seinem Tod lebte und ein umfangreiches Werk hinterließ. Heute zählt er zu den Vertretern der Hudson River School, der wichtigen Gruppe amerikanischer Maler, die der Düsseldorfer Schule sehr nahe standen.Erläuterungen zum KatalogHermann Herzog Deutschland Düsseldorfer Schule Deutsch-Amerikaner Hudson River School 2.H. 19.Jh. Gemälde Amerika Malerei Waldlandschaft HERZOG, HERMANN1832 Bremen - 1932 PhiladelphiaTitle: Forest Landscape in Florida. On a path a girl with a cow. Technique: Oil on canvas. Mounting: Relined. Measurement: 53,5 x 43,5cm. Notation: Signed lower left: H. Herzog.Provenance:Private ownership, GermanyAfter his training at the Düsseldorf School of Painting with Johann Wilhelm Schirmer, Andreas Achenbach and Hans Frederik Gude, Hermann Herzog, who was born in Bremen, was first drawn to the mountainous landscapes of Norway, Switzerland and the Pyrenees. From the 1860s he travelled through what is now the USA as far as California and found his motifs in the vast landscapes there. He then settled in Philadelphia, where he lived until his death and left behind an extensive body of work. Today he is one of the representatives of the Hudson River School, the important group of American painters who were very close to the Düsseldorf School.Explanations to the Catalogue
SPITZWEG, CARLMünchen 1808 - 1885Titel: Der Wäscheplatz vor der Kleinstadt. Wäschebleiche in Meran mit Küchelberg im Hintergrund. Datierung: Um 1879. Technik: Öl auf Karton. Maße: 40 x 20cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf dem Karton Etikett mit handschriflicher Bestätigung und Nachlassstempel: "Ich bestätige hiermit, dass dies Bild 'Die Waschbleiche' von Carl Spitzweg gemalt ist / Otto Spitzweg" sowie Etikett der Galerie Heinemann, München mit der Nummer 11345.Literatur: H. Uhde-Bernays: Carl Spitzweg. Des Meisters Leben und Werk. 5. Aufl. München 1919, Abb. 49;F.v. Ostini: Aus Carl Spitzwegs Welt. Barmen 1924, S. 17;G. Roennefahrt: Carl Sptizweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle. München 1960, Nr. 1447;S. Wichmann: Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke: Gemälde und Aquarelle, Stuttgart 2002, S. 474, Nr. 1252. Hier mit weiteren Angaben zu Literatur und Provenienz.Provenienz:Galerie Xaver Scheidwimmer, München;Versteigerung Koller, Zürich, 11.11.1981, Nr. 5097 mit Abb.;Privatbesitz, Österreich, 1983-1990;Privatbesitz, Deutschland.In diesem Gemälde zieht Carl Spitzweg alle Register seiner Kunstfertigkeit: zunächst stellt er in biedermeierlicher Manier eine sonnendurchflutete Szene an einer alten Stadtmauer mit Stadtgraben dar. Im Vordergrund wässert eine junge Frau weiße Bettlaken, daneben spielt ein Kind. Im Hintergrund staffeln sich Häuser mit roten Dächern und die imposante gotische Nikolaus-Kirche von Meran zu Füßen einer gewaltigen Felsabbruchkante, dem Küchelberg.Ein Motiv mit scheinbarer Alltagsidylle. Aber dieses Gemälde wäre nicht ein Meisterwerk von Spitzweg, wenn nicht eine Botschaft, eine Geschichte, in diesem Kunstwerk stecken würde:Die auf dem ersten Blick so leicht mit der Gießkanne hantierende junge Frau leistet in Wirklichkeit Schwerarbeit. Denn gleich nach dem Waschen wurden zu dieser Zeit die gewichtigen Wäschestücke unausgewrungen auf dem Gras ausgelegt und mit der Gießkanne ständig feucht gehalten, damit die Sonne die Stoffe strahlend weiß bleichen konnte.Die abgebildete Magd läuft also immer wieder zum Bach, der an der Stadtmauer entlang rauscht, um die Gießkanne erneut für ihre Tätigkeit zu füllen. Gleichzeitig passt sie auf das neben der Wäsche spielende Kind auf und verscheucht die Katze, die womöglich noch mit ihren Tatzen über die frischen Leinen läuft. Am Ende der Stadtmauer schlendert scheinbar uninteressiert ein Wachsoldat in Uniform. Allerdings sammelt er offensichtlich gerade seinen ganzen Mut. Soll er die junge Frau ansprechen?Beide sind so in ihrer Welt versunken, dass sie nicht bemerken, wie das ganze Geschehen vom viereckigen Wohnturm der Stadtmauer aus genauestens beobachtet wird. Hier beugt sich eine Gestalt genussvoll aus dem Fenster und betrachtet neugierig den Fortlauf der Geschichte.Und schon hat Spitzweg uns Betrachter in die Bildgeschichte hineingezogen. Wir genießen die wunderbaren Details seiner künstlerischen Handschrift, die handelnden Personen, die genau bestimmbaren Pflanzen, die Darstellung des südländischen Städtchens Meran innerhalb der Stadtmauern, das muntere Licht-Schattenspiel. Und gleichzeitig amüsieren wir uns über die versteckten Andeutungen des Künstlers. Zu gerne würden wir in einer zweiten Variante des Bildes erfahren, wie die Geschichte ausgeht.Erläuterungen zum KatalogCarl Spitzweg Deutschland Münchner Schule 19.Jh. Gemälde Dorfleben Malerei Italien SPITZWEG, CARLMunich 1808 - 1885Title: Washing Place in front of the Town. Laundry bleach in Merano with the Küchelberg in the background. Date: Ca. 1879. Technique: Oil on card. Measurement: 40 x 20cm. Frame/Pedestal: Framed.Verso:On the card label with handwritten confirmation and estate stamp: "Ich bestätige hiermit, dass dies Bild 'Die Waschbleiche' von Carl Spitzweg gemalt ist / Otto Spitzweg" as well as label from Galerie Heinemann, Munich with the number 11345.Literature: H. Uhde-Bernays: Carl Spitzweg. Des Meisters Leben und Werk. 5th ed. Munich 1919, ill. 49;F.v. Ostini: Aus Carl Spitzwegs Welt. Barmen 1924, p. 17;G. Roennefahrt: Carl Sptizweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle. Munich 1960, no. 1447;S. Wichmann: Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke: Gemälde und Aquarelle, Stuttgart 2002, p. 474, no. 1252. Here with additional details to literature and provenance.Provenance:Galerie Xaver Scheidwimmer, Munich;Auction Koller, Zürich, 11.11.1981, no. 5097 with ill.;Private ownership, Austria, 1983-1990;Private ownership, Germany.In this painting Carl Spitzweg uses all the skills of his art: first he depicts a sun-drenched scene at an old city wall with a moat in Biedermeier style. In the foreground a young woman is washing white sheets, next to her a child is playing. In the background, houses with red roofs and the imposing Gothic Church of St. Nicholas in Merano are staggered at the foot of a huge cliff, the Küchelberg.A motif with an apparent everyday feel. But this painting would not be a masterpiece by Spitzweg if there were not a message, a story, in this work of art:The young woman using the watering jug so lightly at first glance is in fact doing hard work. For at that time, immediately after washing, the weighty pieces of laundry were laid out unwringed on the grass and kept constantly damp with the watering can so that the sun could bleach the fabrics brilliant white.So the depicted maid keeps running to the stream that rushes along the city wall to fill the watering can again for her job. At the same time, she keeps an eye on the child playing next to the laundry and shoos away the cat that may still be running its paws over the fresh linen. At the end of the city wall, a guard soldier in uniform strolls seemingly uninterested. However, he is obviously gathering all his courage. Should he approach the young woman?Both are so absorbed in their world that they do not notice how the whole event is being closely observed from the square residential tower of the city wall. Here a figure leans out of the window with relish and curiously watches the story unfold.And already Spitzweg has drawn us viewers into the pictorial story. We enjoy the wonderful details of his artistic handwriting, the characters, the precisely identifiable plants, the depiction of the southern town of Merano within the city walls, the lively play of light and shadow. And at the same time we are amused by the artist's hidden hints. We would love to find out how the story ends in a second version of the painting.Explanations to the Catalogue
REMINGTON, FREDERIC1861 Canton/New York - 1909 Ridgefield/ConnecticutTitel: The Bronco Buster. Technik: Silberguss.Maße: 57cm. Bezeichnung: Bezeichnet auf der Plinthe: Frederic Remington. Beiliegend das Zertifikat des Gießers Charles L. Wambold III, 10.08.1994.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Die Figur des Cowboys auf dem wilden Pferd, 1895 von Remington erstmals gegossen, ist heute eine der Inkunabeln der amerikanischen Kunst. Remington selber hat sich mit diesem Stück vom Maler und Zeichner zum Bildhauer entwickelt. Zahlreiche zeitgenössische Güsse finden sich in den Museen oder auch im Oval Office im Weißen Haus.Erläuterungen zum KatalogFrederic Remington USA Amerikanischer Realismus 2.H. 19.Jh. Bronzen Pferde Bronze Reiter / Reiterin REMINGTON, FREDERIC1861 Canton/New York - 1909 Ridgefield/ConnecticutTitle: The Bronco Buster. Technique: Cast silver.Measurement: 57cm. Notation: Inscribed on the plinth: Frederic Remington. Enclosed certificate of the founder Charles L. Wambold III, 10.08.1994.Provenance:Private ownership, Germany.The figure of the cowboy on the wild horse, first cast by Remington in 1895, is today one of the incunabula of American art. Remington himself evolved from painter and draughtsman to sculptor with this piece. Numerous contemporary casts can be found in museums or even in the Oval Office in the White House.Explanations to the Catalogue
KALLMORGEN, FRIEDRICH1856 Altona - 1924 GrötzingenTitel: Sommertag in der Heide. Der Botaniker. Datierung: 1881. Technik: Lavierte Tuschfederzeichnung über Bleistift auf Papier. Montierung: Montiert. Maße: 28,5 x 21cm. Bezeichnung: Signiert, betitelt und datiert unten links: Himmi sacra / is dos a Hizn! / Zur freundl. Erg. / an / Fr. Kallmorgen / Karlsruhe Juni 81. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Sammlung Kaletta, Hamburg.Wir freuen uns, Ihnen auch in dieser "Fine Art"-Auktion erstklassige Arbeiten des Künstlers Friedrich Kallmorgen aus der Sammlung von Rolf Kaletta anbieten zu können - einschließlich der Lieblingsstücke des Sammlers. Friedrich Kallmorgen gehört zu den führenden deutschen Impressionisten der Jahrhundertwende und ist insbesondere für seine stimmungsvollen Stadt- und Landschaftsansichten, zumeist im Hamburger und Karlsruher Umland, bei Sammlerinnen und Sammlern wie auch im institutionellen Bereich, bekannt und geschätzt. Rolf Kaletta trug über mehrere Jahrzehnte eine umfassende Sammlung an Werken Kallmorgens von musealer Qualität zusammen. Bereits 2020 vertraute er VAN HAM einige Werke des Künstlers sowie persönliche Anekdoten an, die im Rahmen seiner Sammeltätigkeit entstanden und Einblick in die tiefe Verbundenheit zwischen dem Sammler und dem Künstler geben. Als Rolf Kaletta im September vergangenen Jahres verstarb, hinterließ er eine beeindruckende Sammlung von Gemälden, Handzeichnungen und druckgraphischen Arbeiten, die er akribisch zusammentrug und mit großer Leidenschaft pflegte. Mit der Gründung der VAN HAM Art Estate hat sich VAN HAM als einziges deutsches Auktionshaus auf das Management von umfassenden künstlerischen Nachlässen spezialisiert. Auch im Umgang und Verkauf großer Sammlungen haben wir uns eine Vorreiterrolle erarbeitet, so dass es uns nun eine große Freude und Ehre ist, die exzellenten und marktfrischen Kunstwerke aus der Sammlung Kaletta anbieten zu dürfen. Erläuterungen zum KatalogFriedrich Kallmorgen Deutschland Düsseldorfer Schule Karlsruher Malerschule 2.H. 19.Jh. Handzeichnungen Landleben Zeichnung Selbstporträt KALLMORGEN, FRIEDRICH1856 Altona - 1924 GrötzingenTitle: Summer Day on the Heath. The botanist. Date: 1881. Technique: Washed ink pen drawing over pencil on paper. Mounting: Mounted. Measurement: 28,5 x 21cm. Notation: Signed, titled and dated lower left: Himmi sacra / is dos a Hizn! / Zur freundl. Erg. / an / Fr. Kallmorgen / Karlsruhe Juni 81. Frame/Pedestal: Framed. The present sheet is a study for the painting "Sommertag in der Heide" (cat. rais. Eder, no. G11).Provenance:Collection Kaletta, Hamburg.We are very pleased to offer you again in this "Fine Art" auction first-class works by the artist Friedrich Kallmorgen from the collection of Rolf Kaletta - including some of the collector's favorites. Friedrich Kallmorgen is one of the leading German impressionists of the turn of the century and is especially known and appreciated for his atmospheric city and landscape views, mostly of Hamburg and Karlsruhe - by collectors and institutions alike. Over several decades, Rolf Kaletta built up a comprehensive collection of museum-quality works by Kallmorgen. Already in 2020 Kaletta entrusted VAN HAM with some of the artist's works as well as personal anecdotes that arosed in the course of collecting activities and provide insight into the deep bond between the collector and the artist. When Rolf Kaletta passed away last September, he left behind an impressive collection of paintings, hand drawings and print works, which he meticulously collected and cared for with great passion. With the founding of the VAN HAM Art Estate, VAN HAM is the only German auction house specialized in the management of comprehensive artistic estates. We have also established a pioneering role in the handling and sale of large collections, so that it is now a great pleasure and honor for us to be able to offer the excellent and market-fresh works of art from the Kaletta Collection.Explanations to the Catalogue
KALLMORGEN, FRIEDRICH1856 Altona - 1924 GrötzingenTitel: Kindergruppe am Hochufer der Elbe bei Lauenburg. Datierung: 1910. Technik: Öl auf Leinwand. Maße: 98,5 x 115cm. Bezeichnung: Signiert unten rechts: Fr. Kallmorgen. Rahmen/Sockel: Rahmen. Literatur:I. Eder: Friedrich Kallmorgen 1856-1924. Monographie und Werkverzeichnis der Gemälde und Druckgraphik, Karlsruhe 1991, WVZ-Nr. G 686 mit Abb. Hier mit dem Hinweis: Kallmorgen-Bvz.Nr. 632;Ausst.Kat.: Friedrich Kallmorgen 1865-1924. Malerei zwischen Realismus und Impressionismus, Städtische Galerie Karlsruhe 19.03. - 26.06.2016, Petersberg 2016, Abb. S. 139.Provenienz:Sammlung Kaletta, Hamburg.Erläuterungen zum KatalogFriedrich Kallmorgen Deutschland Düsseldorfer Schule Karlsruher Malerschule 2.H. 19.Jh. Gemälde Kind / Kinder Gemälde Flusslandschaft KALLMORGEN, FRIEDRICH1856 Altona - 1924 GrötzingenTitle: A Group of Children on the High Bank of the Elbe near Lauenburg. Date: 1910. Technique: Oil on canvas. Measurement: 98,5 x 115cm. Notation: Signed lower right: Fr. Kallmorgen. Frame/Pedestal: Framed.Literature:I. Eder: Friedrich Kallmorgen 1856-1924. Monographie und Werkverzeichnis der Gemälde und Druckgraphik, Karlsruhe 1991, cat. rais. no. G 686 with ill. Here with the reference: Kallmorgen-Bvz.Nr. 632;Exhibition catalogue: Friedrich Kallmorgen 1865-1924. Malerei zwischen Realismus und Impressionismus, Städtische Galerie Karlsruhe 19.03. - 26.06.2016, Petersberg 2016, ill. p. 139.Provenance: Collection Kaletta, Hamburg.In this "Fine Art" auction we are once again able to offer first-class works by the artist Friedrich Kallmorgen from the former collection of Rolf Kaletta. Friedrich Kallmorgen is one of the leading German Impressionists of the turn of the century and is especially known and appreciated for his atmospheric city and landscape views, mostly of Hamburg and the surrounding area of Karlsruhe, by collectors as well as in the institutional sector. Over several decades, Rolf Kaletta amassed a collection of museum-quality paintings, drawings and prints. Even before his sudden death in September 2020, he entrusted Van Ham with some of the artist's works as well as personal anecdotes that arose in the course of his collecting activities and provide insight into the deep bond between the collector and the artist. Rolf Kaletta left behind an impressive collection of more than 60 paintings, numerous hand drawings and a large body of graphic works, which he meticulously assembled and cultivated with great passion. Now, Van Ham - as an auction house that has been able to specialise more and more in the management of large collections and comprehensive (artistic) estates in recent years - may scientifically process the impressive number of further works of art fresh from the market from the Kaletta Collection and offer them in several "Fine Art" auctions. In addition, numerous works by Kallmorgen are expected to be offered in November in the first part of a curated, monographic ONLINE ONLY auction.Explanations to the Catalogue
RIEMENSCHNEIDER, TILMAN1460 Heiligenstadt - 1531 Würzburgund WerkstattTitel: Schmerzensmann. Datierung: um 1500. Technik: Lindenholz (?), polychrom gefasst und vollrund geschnitzt.Maße: 102cmAusstellung:"Tilman Riemenschneider. Frühe Werke" Ausstellung Mainfränkisches Museum Würzburg und Staatliche Museen zu Berlin, 1981, im Kat. S. 255ff;"Tilman Riemenschneider - Werke seiner Glaubenswelt" Ausstellung Museum am Dom, Würzburg, 24.03.-13.06.2004, im Kat. Nr. 11, S. 202 mit Abb.Literatur:F. Mader (Bearb.): Kunstdenkmälder der Stadt Würzburg, München 1915, S. 223, Fig. 179;J. Bier: Tilman Riemenschneider. Die frühen Werke, Würzburg 1925, S. 40f;A. Schädler: Die Fränkische Galerie, Zweigmuseum des Bayerischen Nationalmuseums, Veste Rosenberg Kronach, München 1987, 34f.Provenienz:Karmelitinnenkloster Himmelspforten, Würzburg, erstmals erwähnt 1915;möglicherweise ursprünglich aus dem 1803 aufgelösten Zisterziensinnenkloster Himmelspforten, das 1844 von den Karmelitinnen wiederbesiedelt wurde.Tilman Riemenschneider, der Meister-Bildhauer aus Würzburg, prägte die skulpturale Kunst nördlich der Alpen im ausgehenden 15. Jahrhundert maßgeblich. Die überzeugende, nachempfindbare Körperlichkeit bei gleichzeitig höchster Spiritualität seiner Figuren stellt ihn an die Spitze bildhauerischer Meister seiner Zeit. Dabei tritt die individuelle Physiognomie der von ihm geschaffenen Skulpturen meist hinter deren spirituellen Ausdruck zurück.Erläuterungen zum KatalogTilman Riemenschneider Deutschland Renaissance 15./16. Jh. Skulpturen Religiöse Darstellung Skulptur Leben Christi RIEMENSCHNEIDER, TILMAN1460 Heiligenstadt - 1531 WürzburgWorkshopTitle: Man of Sorrows. Date: ca. 1500. Technique: Lime wood (?), colourfully painted and full-round carved.Measurement: 102cmExhibitions:"Tilman Riemenschneider. Frühe Werke" exhibition Mainfränkisches Museum Würzburg and Staatliche Museen zu Berlin, 1981, in cat. p. 255ff;"Tilman Riemenschneider - Werke seiner Glaubenswelt" exhibition Museum am Dom, Würzburg, 24.03.-13.06.2004, in cat. no. 11, p. 202 with ill.Literature:F. Mader (ed.): Kunstdenkmälder der Stadt Würzburg, Munich 1915, p. 223, fig. 179;J. Bier: Tilman Riemenschneider. Die frühen Werke, Würzburg 1925, p. 40f;A. Schädler: Die Fränkische Galerie, Zweigmuseum des Bayerischen Nationalmuseums, Veste Rosenberg Kronach, Munich 1987, 34f.Provenance:Kamelitinnenkloster Himmelspforten, Würzburg, first mentioned in 1915;possibly originally from the Zisterziensinnenkloster Himmelspforten, which was dissolved in 1803 and repopulated by the Carmelite nuns in 1844.Tilman Riemenschneider, the master sculptor from Würzburg, had a decisive influence on sculptural art north of the Alps in the late 15th century. The convincing, comprehensible physicality combined with the highest spirituality of his figures places him at the forefront of sculptural masters of his time. Yet the individual physiognomy of the sculptures he created usually takes a back seat to their spiritual expression.Explanations to the Catalogue
ANGUISSOLA, SOFONISBAum 1535 Cremona - 1625 PalermoTitel: Portrait eines Kindes. Technik: Öl auf Holz. Maße: 37 x 28cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Tafel alte Aufschriften.Gutachten:M. Tanzi, Cremona, 23.02.2021, liegt vor.Provenienz:Privatbesitz, Schweiz. Sofonisba Anguissola erlangte schon sehr früh internationalen Ruhm: In Cremona folgte sie den Lehren ihrer Meister Bernardino Campi und Bernardino Gatti und es gelang ihr, Werke zu schaffen, die ans Entzückende grenzten, wie das Familienportrait in der Nivaagaards Malerisamling, das Gemälde mit dem Schachspiel in Posen, und Portraits, die die Psychologie der Portraitierten erforschen und es wagen, über die Oberfläche der Haut hinauszugehen, wie beim Domkapitular von Brescia. Am Hof Philipps II. hingegen verlieren wir uns in einem Strudel von Malern, die dieselben Figuren portraitieren und immer wieder dieselbe Vorlage kopieren: Die königliche Familie wurde dargestellt von Anthonis Mor, Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Sofonisba und anderen, die eine beeindruckende Anzahl von Gemälden schufen, die weitgehend identisch waren. Die "Pintora" schafft es offensichtlich, mit Leichtigkeit auf verschiedenen expressiven und qualitativen Ebenen zu spielen.Verglichen mit der unendlichen Folge von Selbstportraits und den Portraits Anguissolas Schwestern ist unsere Figur Teil eines eher kleineren männlichen Repertoires des Künstlerin. Sie behält sich dabei eine weniger eindringliche und etwas unbekümmerte Charakterisierung vor und bezieht sich auf eine fast offizielle Idealisierung, jedoch nicht ohne etwas Raum für Ironie zu lassen. Es handelt sich bei dem vorliegenden Werk also um eine wichtige Ergänzung des Oeuvres der Portraits von Sofonisba Anguissola, die auf den ersten Aufenthalt der Malerin in Sizilien zu datieren ist. Aufgrund der noch relativ geringen Anzahl an Werken dieser Schaffenszeit, ist die Darstellung des jungen Sprosses aus einer lokalen Familie, die durch die zukünftige Forschung noch identifiziert werden kann, eine große Bereicherung dieses Kapitels.Wir danken Marco Tanzi, Cremona, der die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt hat.Erläuterungen zum KatalogSofonisba Anguissola Italien 17.Jh. Originale Kind / Kinder Gemälde Porträt ANGUISSOLA, SOFONISBAca. 1535 Cremona - 1625 PalermoTitle: Portrait of a Child. Technique: Oil on wood. Measurement: 37 x 28cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:Old inscriptions on the panel.Certificate:M. Tanzi, Cremona, 23.02.2021, is available.Provenance:Private ownership, Switzerland. Sofonisba Anguissola was an accomplished portrait painter who achieved international fame very early on: in Cremona she followed the teachings of her masters Bernardino Campi and Bernardino Gatti and succeeded in creating works that bordered on the delightful, such as the family portrait in the Nivaagaards Malerisamling, the painting with the chess game in Posen and portraits, portraits that explore the psychology of the sitter and dare to go beyond the surface of the skin, like that of the Canon of Brescia. At the court of Philip II, on the other hand, we get lost in a whirlpool of painters portraying the same figures and copying the same model over and over again: The royal family was depicted by Anthonis Mor, Alonso Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Sofonisba and others, who created an impressive number of paintings that were largely identical. The "pintora" obviously manages to play with ease on different expressive and qualitative levels.Compared to the endless succession of self-portraits and the portraits of Anguissola's sisters, our figure is part of a rather smaller male repertoire of the artist. She reserves a less forceful and somewhat carefree characterisation, referring to an almost official idealisation, but not without leaving some room for irony. The present work is thus an important addition to the oeuvre of Sofonisba Anguissola's portraits, which can be dated to the painter's first stay in Sicily. Given the still relatively small number of works from this creative period, the portrayal of the young scion from a local family, yet to be identified by future research, is a great enrichment of this chapter.We are greatful to Marco Tanzi, Cremona, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
CHIMENTI, JACOPO('L'Empoli')Florenz 1551 - 1640Titel: Madonna und Kind mit dem Johannesknaben. Datierung: Um 1595. Technik: Öl auf Holz. Montierung: Parkettiert. Maße: 75 x 62cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Gutachten:F. Berti, Florenz, 2017.Provenienz:Privatbesitz, Italien.Jacopo Chimenti oder Jacopo da Empoli, wie von dem Biographen der toskanischen Künstler, Filippo Baldinucci, erwähnt, fertigte in Florenz mehrere Gemälde für Privatleute an, die die Jungfrau Maria mit Jesus darstellen. In der Tat sind von diesem Maler zahlreiche Madonnen mit Kind bekannt, die oft, wie im Fall des vorliegenden Gemäldes, in Begleitung des Heiligen Johannes dargestellt sind. Die frühesten Darstellungen dieses Themas verraten noch Chimentis Lehrzeit bei Maso da San Friano und vor allem das Interesse des jungen Künstlers an Pontormo, einem seiner ersten Bezugspunkte. Dieser Einfluss ist vor allem in den um 1580 datierten Tafeln zu sehen, die sich einst in der Kirche San Bartolomeo in Lozzole befanden und dann im Museum von Tavarnelle Val di Pesa untergebracht wurden.Das vorliegende Gemälde auf Holz zeigt hingegen ähnliche Lösungen wie Werke aus den Jahren 1590-1595, wie z.B. das Gemälde mit der Madonna mit Kind und den Heiligen Johannes und Elisabeth aus der Sammlung Strozzi Guicciardini in Florenz. Diese Ähnlichkeiten zeigen sich unter anderem in der Komposition: In beiden Werken gilt der Austausch des Kreuzes zwischen dem Jesuskind, das auf dem Schoß seiner Mutter sitzt, und Johannes dem Täufer, als Hauptgeste. Ferner werden Position und Haltung der Figuren wiederholt, obwohl spiegelbildlich dargestellt. In beiden Fällen wird das ikonographische Attribut Jesu auch durch eine bescheidene Verschränkung von Ruten gebildet. Diese Gruppe aus drei Hauptfiguren, die auch 1594 für den oberen Teil des Altarbildes in der Kirche San Maria Novella und im darauffolgenden Jahr für das von San Felice in Piazza verwendet wurde, offenbart eine gewisse autonome figurative Sprache, die sich durch voll erkennbare Physiognomien und einen gewissen Naturalismus auszeichnet.Erläuterungen zum KatalogJacopo Chimenti Italien Manierismus 16./17. Jh. Originale Leben Christi Gemälde Heiligendarstellung CHIMENTI, JACOPO('L'Empoli')Florence 1551 - 1640Title: Madonna and Child with St. John the Boy. Date: Ca. 1595. Technique: Oil on wood. Mounting: Parquetted. Measurement: 75 x 62cm. Frame/Pedestal: Framed. CertificateF. Berti, Florence, 2017.Provenance:Private ownership, Italy.Jacopo Chimenti or Jacopo da Empoli, as mentioned by the biographer of the Tuscan artist Filippo Baldinucci, produced several paintings for private individuals in Florence depicting the Virgin Mary with Jesus. Indeed, numerous Madonnas with Child are known by this painter, often, as in the case of the present painting, accompanied by Saint John. The earliest representations of this subject still reveal Chimenti's apprenticeship with Maso da San Friano and, above all, the young artist's interest in Pontormo, one of his first points of reference. This influence can be seen above all in the panels dated around 1580, which were once in the church of San Bartolomeo in Lozzole and then housed in the museum of Tavarnelle Val di Pesa.The present painting on wood, on the other hand, shows similar solutions to works from the 1590-1595 period, such as the painting with the Madonna and Child and Saints John and Elizabeth from the Strozzi Guicciardini Collection in Florence. These similarities can be seen, among other things, in the composition: in both works, the exchange of the cross between the infant Jesus, sitting on his mother's lap, and John the Baptist, is considered the main gesture. Furthermore, the position and posture of the figures are repeated, although they are mirror images of each other. In both cases, the iconographic attribute of Jesus is also formed by a modest interlacing of rods. This group of three main figures, which was also used in 1594 for the upper part of the altarpiece in the church of San Maria Novella and the following year for that of San Felice in Piazza, reveals a certain autonomous figurative language, characterised by fully recognisable physiognomies and a certain naturalism.Explanations to the Catalogue
SARACENI, CARLOVenedig um 1580 - 1620Titel: Der Heilige Petrus als Büßer. Datierung: Um 1618-1619. Technik: Öl auf Kupfer. Montierung: Auf Holz gelegt. Maße: 23 x 18cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Carlo Saracenis Gemälde auf Kupfer bilden, zusammen mit den Werken von Adam Elsheimer, die Höhepunkte der italienischen Kunstkultur in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts. Der aus Venedig stammende Maler verwendete den Malträger aus Edelmetall bei zahlreichen Gelegenheiten: für Verkleinerungen größerer Kompositionen oder für autonome Gemälde, die manchmal in mehreren Exemplaren wiederholt wurden.Ein emblematischer Fall ist der Heilige Petrus als Büßer. Eine Version von Carlo Saraceni befindet sich in Rom in der Sammlung von Fabrizio Lemme (Öl auf Kupfer, 24,2 x 18,5 cm), die der Maler um 1618 ausführte. Den Erfolg der Komposition bestätigen mindestens zwei weitere Repliken, ebenfalls auf Kupfer, die auf die Werkstatt des Künstlers verweisen (Christie's, New York, 03.11.1999, Los 205, 22,2 x 16,8 cm; Dorotheum, Wien, 17.10.2017, Los 272, 23,3 x 18,1 cm). Das vorliegende Gemälde, das sich seit mehreren Jahrzehnten in einer deutschen Privatsammlung befindet, reiht sich in die kleine Gruppe der Werke auf Kupfer mit der Darstellung des büßenden Petrus ein und wird damit zur vierten bekannten Fassung. Die hohe Qualität der Ausführung lässt vermuten, dass das Gemälde von Carlo Saraceni selber in den Jahren 1618-1620 und nicht von einem seiner Schüler ausgeführt wurde.Wir danken Maria Giulia Aurigemma, Rom, für Ihre freundliche Unterstützung bei der Katalogisierung des vorliegenden Gemäldes.Erläuterungen zum KatalogCarlo Saraceni Italien Barock 16./17. Jh. Originale Religiöse Darstellung Andachtsbild Heiligendarstellung SARACENI, CARLOVenice ca. 1580 - 1620Title: St. Peter as Penitent. Date: Ca. 1618-1619. Technique: Oil on copper. Mounting: Laid down on wood. Measurement: 23 x 18cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.Carlo Saraceni's paintings on copper, together with the works of Adam Elsheimer, constitute the high points of Italian artistic culture in the first decades of the 17th century. The Venetian painter used the precious metal painting carrier on numerous occasions: for smaller versions of larger compositions or for autonomous paintings, sometimes repeated in several copies.An emblematic case is Saint Peter as a penitent. A version by Carlo Saraceni is in Rome in the collection of Fabrizio Lemme (oil on copper, 24,2 x 18,5 cm), executed by the painter around 1618. The success of the composition is confirmed by at least two other replicas, also on copper, which refer to the artist's workshop (Christie's, New York, 03.11.1999, lot 205, 22,2 x 16,8 cm; Dorotheum, Vienna, 17.10.2017, lot 272, 23,3 x 18,1 cm). The present painting, which has been in a German private collection for several decades, joins the small group of works on copper depicting the penitent Peter, becoming the fourth known version. The high quality of the execution suggests that the painting was executed by Carlo Saraceni himself in the years 1618-1620 and not by one of his pupils.We are grateful to Maria Giulia Aurigemma, Rome, for her kind support with cataloguing the present painting.Explanations to the Catalogue
SPADA, LIONELLO1576 Bologna - 1622 ParmaTitel: Samson und Delilah. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Randdoubliert. Maße: 152 x 193cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das vorliegende Gemälde stammt aus einer Privatsammlung in Deutschland, wo es seit etwa einem Jahrhundert mit der Zuschreibung an die italienische Schule aufbewahrt wird. Die korrekte Zuschreibung an den Bologneser Maler Lionello Spada wurde von Davide Dossi im Rahmen der Katalogisierung des Gemäldes vorgeschlagen und von Daniele Benati bestätigt.Das großformatige Gemälde stellt eine alttestamentliche Erzählung aus dem Buch der Richter dar, die von Samson handelt, einem Helden mit ungeheurer Kraft, die ihm direkt von Gott verliehen wurde. Die in den Helden verliebte Delilah erfährt, dass Samsons Stärke in seinen Haaren liegt, woraufhin sie - in Vereinbarung mit den Philistern, die ihr eine große, verlockende Belohnung versprochen hatten - Samson auf ihren Knien einschlafen lässt und ihm die Haare abschneidet. Nachdem er seine Kräfte verloren hat, wird Samson von den Philistern geblendet, gefangen genommen und nach Gaza gebracht, wo er in Ketten gelegt wird, um in einem Gefängnis den Mühlstein zu drehen. Die auf dem Gemälde dargestellte Szene zeigt den Moment, in dem Samson auf dem Schoß von Delilah schläft, die wiederum von einer alten Frau im Hintergrund eine Schere gereicht bekommt - ohne dabei den Blick von dem schlafenden Samson abzuwenden. Zwei Philister auf der linken Seite beobachten die Szene, die unbestrittenen Protagonisten sind jedoch Dalilah und Samson, deren Körper den Großteil der Bildfläche einnehmen. Diese Darstellung war in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhunderts besonders beliebt: Fast jeder Künstler versuchte sich an diesem Sujet, das sowohl als moralische Warnung als auch als galante Szene verstanden werden konnte.Es ist anzunehmen, dass das vorliegende Werk, dessen Auftraggeber und Provenienz vor etwa 1900 bislang noch unbekannt sind, im zweiten Jahrzehnt des 17. Jahrhunderts gemalt wurde. Nach einem Aufenthalt in Malta zwischen 1609 und 1610, wo Lionello Spada den Auftrag erhielt, drei Räume des Großmeisterpalastes mit Fresken auszustatten, und einem etwa fünfjährigen Aufenthalt in Rom, kehrte Spada um 1614 nach Bologna zurück. Das Gemälde mit Dalilah und Samson dürfte aufgrund der offensichtlichen stilistischen Affinitäten zu weiteren Werken in seiner zweiten Bologneser Schaffenszeit entstanden sein. Diese zeichnen sich insbesondere in der in seiner frühen Jugend erlernten Fähigkeit und Neigung zur perspektivischen Dekoration (die der Künstler mehrere Jahrzehnte später erneut verwendete), dem ornamentalen Reichtum und den neo-manieristischen Farben aus. All dies sind Elemente, die sich zu einer erneuerten klassizistischen Manier summierten, die durch die Kunst von Domenichino und Annibale Carracci in Rom und Neapel belebt wurde. Ein besonders interessanter Vergleich lässt sich mit dem Werk "Das Konzert" im Louvre anstellen, das Spada um 1615 malte. Auch hier sind die oben erwähnten stilistischen Merkmale zu erkennen, die die beiden Gemälde untrennbar miteinander verbinden.Wir danken Daniele Benati, Bologna, der die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt hat.Erläuterungen zum KatalogLionello Spada Italien Bologna Schule 16./17. Jh. Originale Religiöses Thema Gemälde Altes Testament SPADA, LEONELLO1576 Bologna - 1622 ParmaTitle: Samson and Delilah. Technique: Oil on canvas. Mounting: Edges relined. Measurement: 152 x 193cm. Frame/Pedestal: Framed. Provenance:Private ownership, Germany.The present painting comes from a private collection in Germany, where it has been kept for about a century with the attribution to the Italian school. The correct attribution to the Bolognese painter Lionello Spada was suggested by Davide Dossi in the course of cataloguing the painting and confirmed by Daniele Benati.The large-format painting depicts an Old Testament narrative from the Book of Judges about Samson, a hero with tremendous strength bestowed upon him directly by God. Delilah, who is in love with the hero, learns that Samson's strength lies in his hair, whereupon - in agreement with the Philistines, who had promised her a great, tempting reward - she makes Samson fall asleep on her knees and cuts off his hair. After losing his strength, Samson is blinded by the Philistines, captured and taken to Gaza, where he is put in chains to turn the millstone in a prison. The scene depicted in the painting shows the moment when Samson is sleeping on the lap of Delilah, who in turn is handed a pair of scissors by an old woman in the background - without taking her eyes off the sleeping Samson. Two Philistines on the left observe the scene, but the undisputed protagonists are Delilah and Samson, whose bodies take up most of the picture space. This depiction was particularly popular in the first decades of the 17th century: almost every artist tried his hand at this subject, which could be understood as both a moral warning and a gallant scene.It can be assumed that the present work, whose patron and provenance are as yet unknown before about 1900, was painted in the second decade of the 17th century. After a stay in Malta between 1609 and 1610, where Lionello Spada was commissioned to fresco three rooms of the Grand Master's Palace, and a stay of about five years in Rome, Spada returned to Bologna around 1614. The painting with Delilah and Samson was probably created during his second creative period in Bologna, due to the obvious stylistic affinities with other works. These stand out in particular in the skill and inclination for perspective decoration learned in his early youth (which the artist used again several decades later), the ornamental richness and the neo-Mannerist colours. All these are elements that added up to a renewed classicist manner, enlivened by the art of Domenichino and Annibale Carracci in Rome and Naples. A particularly interesting comparison can be made with the work "The Concert" in the Louvre, which Spada painted around 1615. Here, too, the stylistic features mentioned above can be seen, which inextricably link the two paintings.We are grateful to Daniele Benati, Bologna, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
FONTANA, LAVINIA1552 Bologna - 1614 RomUmkreisTitel: Minerva. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Doubliert. Maße: 149 x 116cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf dem Keilrahmen alte Zuschreibung an Alessandro Varotari.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Die aus Bologna stammende Malerin Lavinia Fontana ist bekannt für ihre Portraits und Andachtsszenen. Neben diesen Genres schuf sie auch einige Gemälde mit profanen, eher erotisch-mythologischen Themen. Galatea, Venus und Minerva sind die Heldinnen dieser Gemälde. Insbesondere Minerva galt als Sujet zweier Gemälde, die um 1604 (Bologna, Privatsammlung) und 1613 (Rom, Galleria Borghese, Inv. Nr. 7) entstanden. In beiden Gemälden ist die Göttin nackt oder mit einem transparenten Umhang dargestellt, der einen Blick auf ihren Körper zulässt, dargestellt. Sie ist zu drei Vierteln auf den Betrachter gerichtet. Mit den Händen hebt sie eine Tunika an, die sie gerade anziehen will; Schild und Rüstung liegen zu ihren Füßen.Das vorliegende Gemälde ist eine Ableitung der ersten Version mit der nackten Minerva, gemalt von einem Künstler, der in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts tätig war, wahrscheinlich aus dem Kreis von Lavinia Fontana selber. Die erste Version war sogar so populär, dass ihr ein Gedicht mit dem Titel "La Pallade ignuda della famosa pittrice Lavinia Fontana [Die nackte Minerva der berühmten Malerin Lavinia Fontana]" gewidmet wurde, verfasst 1605 in Rom von Ottaviano Rabasco. Vielleicht machte das Gedicht das Gemälde so berühmt, dass es in den ersten Jahrzehnten des 17. Jahrhundert kopiert oder abgeleitet wurde und dass Lavinia Fontana ein Jahrzehnt später eine zweite Version mit einer nackten Minerva ausführte.Wir danken Daniele Benati, Bologna, Maria Teresa Cantaro, Rom, und Patrizia Tosini, Rom, die die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt haben.Erläuterungen zum KatalogLavinia Fontana Italien Italienische Schule Manierismus 16./17. Jh. Originale Akt Malerei Mythologie FONTANA, LAVINIA1552 Bologna - 1614 RomeCircleTitle: Minerva. Technique: Oil on canvas. Mounting: Relined. Measurement: 149 x 116cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:On the stretcher an old attribution to Alessandro Varotari.Provenance:Private ownership, Germany.The Bolognese painter Lavinia Fontana is known for her portraits and devotional scenes. In addition to these genres, she also created some paintings with profane, more erotic-mythological themes. Galatea, Venus and Minerva are the heroines of these paintings. Minerva in particular was considered the subject of two paintings created around 1604 (Bologna, private collection) and 1613 (Rome, Galleria Borghese, inv. no. 7). In both paintings the goddess is depicted naked or with a transparent curtain allowing a view of her body. She is three-quarters turned towards the viewer. With her hands she lifts a tunic she is about to put on; shield and armour lie at her feet.The present painting is a derivative of the first version with the naked Minerva, painted by an artist active in the first half of the 17th century, probably from the circle of Lavinia Fontana herself. The first version was so popular, in fact, that a poem entitled "La Pallade ignuda della famosa pittrice Lavinia Fontana [The naked Minerva of the famous painter Lavinia Fontana]" was dedicated to it, written in Rome in 1605 by Ottaviano Rabasco. Perhaps the poem made the painting so famous that it was copied or derived in the first decades of the 17th century and that Lavinia Fontana executed a second version with a naked Minerva a decade later.We are grateful to Daniele Benati, Bologna, Maria Teresa Cantaro, Rome and Patrizia Tosini, Rome, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
GENTILESCHI, ARTEMISIA1593 Rom - um 1654 NeapelTitel: Die Heilige Maria Magdalena. Datierung: Um 1650-1654. Technik: Öl auf Holz. Montierung: Parkettiert. Maße: 68 x 48cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Gutachten:Riccardo Lattuada, Rom, 30.03.2021.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das vorliegende Werk stellt die heilige Maria Magdalena als Büßerin vor: Nach ihrer Bekehrung und der Begegnung mit Jesus lebte sie als Einsiedlerin in Südfrankreich, in der Nähe von Marseille, wo sie das Evangelium verkündete. Der Kult um die büßende Magdalena hat viele Künstler fasziniert, die in ihr das weibliche Äquivalent zu Johannes dem Täufer sahen. Sie wird meist in zerschlissener Kleidung dargestellt, ähnlich der des Heiligen Johannes, oder ist nur durch ihr langes Haar bedeckt. Ihre äußere Schönheit hat sie verlassen, ihr Gesicht ist gezeichnet vom Fasten und nächtlichen Gebetswachen, aber sie erstrahlt in innerer Schönheit, denn sie hat Frieden und Freude im Herrn gefunden. Dieses bisher unbekannte Gemälde befindet sich seit etwa 50 Jahren in einer Privatsammlung, wo es dem Florentiner Maler Carlo Dolci zugeschrieben wurde. Es wurde kürzlich von Riccardo Lattuada als ein Werk von Artemisia Gentileschi erkannt, mit dem Hinweis, dass es möglicherweise ein Gemeinschaftswerk zwischen Artemisia Gentileschi und ihrem Lehrling Onofrio Palumbo war und wahrscheinlich in der letzten Lebensphase der Malerin entstanden ist. Es ist daher eine wertvolle Ergänzung zum Korpus der Gemälde der wohl berühmtesten Künstlerin des 17. Jahrhunderts.Um 1640-41, nachdem sie mit ihrem Vater Orazio in London tätig war, begab sich Artemisia nach Neapel, wo sie die letzte Phase ihres Lebens verbrachte. In Neapel waren ihre Werke bei Sammlern und Mäzenen begehrt, und um die immer größer werdende Nachfrage zu befriedigen, musste die Malerin Mitarbeiter gewinnen, vor allem wenn es um die Ausführung kleinerer Passagen großer Werke ging. Ihre Zusammenarbeit mit Malern wie Bernardo Cavallino, Onofrio Palumbo und Domenico Gargiulo ist bekannt und gut dokumentiert.Das Leben von Onofrio Palumbo, der vielleicht an der Ausführung einiger kleinerer Teile dieses Gemäldes beteiligt war, nicht aber an seiner Konzeption (die stattdessen ganz in der Verantwortung von Artemisia Gentileschi liegt), wird von dem Maler und Biographen der neapolitanischen Künstler, Bernardo De Dominici, beschrieben. Der Historiograph berichtet, dass Palumbo zunächst bei Battistello Caracciolo und dann bei Artemisia Gentileschi studierte, als die Malerin sich in Neapel niederließ. Diese Nachricht hat kürzlich eine archivarische Bestätigung gefunden: zwei Zahlungsbelege von 1653 und 1654 bezeugen tatsächlich eine Zusammenarbeit der beiden Künstler, also in denselben Jahren der Ausführung des vorliegenden Gemäldes.Maria Magdalena gehört zusammen mit Judith und Susanna zu den bevorzugten Frauenfiguren Gentileschis, die sie während ihrer gesamten Karriere in vielen Versionen, sowohl in Hochformat als auch in Querformat, malte. Wir danken Riccardo Lattuada, Neapel, der die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie vorgeschlagen hat.Erläuterungen zum KatalogArtemisia Gentileschi Italien Barock 17.Jh. Originale Religiöse Darstellung Altargemälde Heiligendarstellung GENTILESCHI, ARTEMISIA1593 Rome - ca. 1654 NaplesTitle: Saint Mary Magdalene. Date: Ca. 1645-1650. Technique: Oil on wood. Mounting: Parquetted. Measurement: 68 x 48cm. Frame/Pedestal: Framed. Certificate:Riccarfo Lattuada, Rome, 30.03.2021.Provenance:Private ownership, Germany.This work presents Saint Mary Magdalene as penitent: After her conversion and encounter with Jesus, she lived as a hermit in southern France, near Marseilles, where she preached the Gospel. The cult of the penitent Magdalene has fascinated many artists, who saw her as the female equivalent of John the Baptist. She is usually depicted in ragged clothing, similar to that of St. John, or is covered only by her long hair. Her outer beauty has left her, her face is marked by fasting and nightly prayer vigils, but she shines with inner beauty, for she has found peace and joy in the Lord. This previously unknown painting has been in a private collection for about 50 years, where it was attributed to the Florentine painter Carlo Dolci. It has recently been recognised by Riccardo Lattuada as a work by Artemisia Gentileschi, with the indication that it is a work from the collaboration between Artemisia Gentileschi and her apprentice Onofrio Palumbo and was probably executed in the last phase of the painter's life. It is therefore a valuable addition to the corpus of paintings by the most famous artist of the seventeenth century.Around 1640-41, after working with her father Orazio in London, Artemisia went to Naples, where she spent the last phase of her life. In Naples, her works were sought after by collectors and patrons, and to meet the ever-increasing demand, the painter had to recruit collaborators, especially when it came to executing smaller passages of larger works. Her collaboration with painters such as Bernardo Cavallino, Onofrio Palumbo and Domenico Gargiulo is well known and well documented.The life of Onofrio Palumbo, who was involved in the execution of this painting but not in its conception (which is instead entirely the responsibility of Artemisia Gentileschi), is described by the painter and biographer of Neapolitan artists Bernardo De Dominici. The historiographer reports that Palumbo studied first with Battistello Caracciolo and then with Artemisia Gentileschi when the painter settled in Naples. This news has recently found archival confirmation: two payment vouchers from 1653 and 1654 actually attest to a collaboration between the two artists, i.e. in the same years of the execution of the present painting.Mary Magdalene, together with Judith and Susanna, is one of Gentileschi's favourite female figures, which she painted in many versions, both in portrait and landscape format, throughout her career. We are grateful to Riccardo Lattuada, Naples, for suggesting the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
GYSBRECHTS, FRANCISCUS1649 Antwerpen - um 1677Titel: Trompe-l'oeil eines Vanitas-Stilllebens mit Uhr und Totenschädel auf einem Regal an einer Wand, daneben Malutensilien. Technik: Öl auf Leinwand. Montierung: Doubliert. Maße: 143 x 99cm. Bezeichnung: Schwach lesbar signiert unten links auf dem Zettel: F. Gijsbregt. Rahmen/Sockel: Rahmen. Ausstellungen:"Mémoires du futur. La collection Olbricht". La Maison Rouge, Paris, 2011/2012;"Lebenslust & Totentanz", Kunsthalle Krems, 2010.Provenienz:Sammlung Jacques Heinrich Bassenge sr., Dresden 1812-1840;durch Erbschaft an Jacques Heinrich Bassenge jr., Dresden 1840-1893;durch Erbschaft an Friedrike Bassenge, Dresden 1893-1901;durch Erbschaft an Johanna Held, Dresden 1901-1923;Auktion Sotheby's, Amsterdam, 07.05.2008, Lot 37;Rafael Valls, London 2009;Sammlung Prof. Dr. Thomas Olbricht, Essen, erworben 2010.Das vorliegende Gemälde ist dokumentiert in der Datenbank des RKD, Den Haag, unter der Abb.Nr. 205299.Franciscus Gysbrechts war vermutlich der Sohn des Malers Cornelis Norbertus Gysbrechts. Gesichert ist, dass er 1649 in Antwerpen getauft wurde und dass er bei dem älteren Künstler gleichen Namens lernte, eng mit diesem zusammen arbeitete und ihn wohl auch auf Reisen an den dänischen Hof begleitete. Beide Gysbrechts waren berühmt für ihre überaus raffinierten Trompe-L'oeil-Gemälde.Das vorliegende, von Franciscus Gysbrechts signierte Gemälde bringt den sicheren Standpunkt des Betrachters in vielerlei Hinsicht ins Wanken. Auf der ersten Ebene stellt es eine Holzwand im Atelier dar: Ein an einer Holzwand befestigtes Bord mit darauf liegenden Mal-Utensilien führt den Betrachter in den Arbeitsraum des Künstlers. Der halbrunde obere Abschluss des Gemäldes mit dem gemalten blauen Vorhang ist später hinzugefügt. Auf dem Bord steht ein üppig mit verschiedensten Elementen staffiertes Vanitas-Stillleben, das seinerseits Trompe-l'oeil-Qualitäten besitzt: Die Gegenstände in einer steinernen Nische sind so plastisch gemalt, dass sie nicht nur in den Bildraum des (gemalten) Ateliers, sondern auch in den des realen Betrachters zu ragen scheinen. Ähnliche Farbigkeiten und Stofflichkeiten in den verschiedenen Bildebenen verschränken diese raffiniert. Ein Spiel mit Sein und Schein. Dies führt wiederum zu der inhaltlichen Ebene des im Gemälde gemalten Bildes. Vielfältige Objekte führen vor Augen, dass die Welt der Sinne und des irdischen Reichtums flüchtig und eitel ist. Zeit, Vergänglichkeit und Tod soll der Betrachter sich vor Augen führen, wobei die Krone aus Getreidehalmen, die der Schädel trägt, auf die Eucharistie und das eigentlich anzustrebende ewige Leben hindeutet.Mit dem "Gesamt-Gemälde" stellt Franciscus Gysbrechts somit auch die flüchtige Kunst der Malerei mit all ihrer Raffinesse selbst in Frage und fordert den Betrachter auf, seine realen und geistlichen Standpunkte dauerhaft zu hinterfragen.Erläuterungen zum KatalogFranciscus Gysbrechts Niederlande Niederländische/ Flämische Schule 17.Jh. Originale Vanitas-Stillleben Gemälde Atelier GIJSBRECHTS, FRANCISCUS1649 Antwerp - ca. 1677Title: Trompe-l'oeil of a Vanitas Still Life with Clock and Skull on a Shelf on a Wall, Next to it Painting Utensils. Technique: Oil on canvas. Mounting: Relined. Measurement: 143 x 99cm. Notation: Signed faintly bottom left on the note: F. Gijsbregt. Frame/Pedestal: Framed. Exhibitions:"Mémoires du futur. La collection Olbricht". La Maison Rouge, Paris, 2011/2012;"Lebenslust & Totentanz", Kunsthalle Krems, 2010.Provenance:Collection Jacques Heinrich Bassenge Sr., Dresden 1812-1840;Inherited by Jacques Heinrich Bassenge Jr., Dresden 1840-1893;Inherited by Friedrike Bassenge, Dresden 1893-1901;Inherited by Johanna Held, Dresden 1901-1923;Auction Sotheby's, Amsterdam, 07.05.2008, Lot 37;Rafael Valls, London 2009;Collection Prof. Dr. Thomas Olbricht, Essen, acquired 2010.The present painting is documented in the database of the RKD, The Hague, under the ill. no. 205299.Franciscus Gysbrechts was probably the son of the painter Cornelis Norbertus Gysbrechts. It is certain that he was baptised in Antwerp in 1649 and that he studied under the older artist of the same name, worked closely with him and probably also accompanied him on journeys to the Danish court. Both Gysbrechts were famous for their extremely refined trompe l'oeil paintings.The present painting, signed by Franciscus Gysbrechts, shakes the viewer's secure point of view in many ways. On the first level, it depicts a wooden wall in the studio: A shelf attached to a wooden wall with painting utensils lying on it leads the viewer into the artist's working space. The semicircular upper end of the painting with the painted blue curtain was added later. On the shelf is a Vanitas still life lavishly staffed with a wide variety of elements, which in turn has trompe-l'oeil qualities: the objects in a stone niche are painted so vividly that they seem to project not only into the pictorial space of the (painted) studio, but also into that of the real viewer. Similar colours and similar materials in the different picture levels intertwine them in a sophisticated way. A play on being and appearance. This in turn leads to the level of content of the picture painted in the painting. Multiple objects demonstrate that the world of the senses and earthly wealth is fleeting and vain. Time, transience and death are to be brought to the viewer's mind, whereby the crown of corn stalks worn by the skull points to the Eucharist and the eternal life that is actually to be striven for.With the "total painting", Franciscus Gysbrechts thus also questions the ephemeral art of painting itself with all its sophistication, and challenges the viewer to permanently question his real and spiritual standpoints.Explanations to the Catalogue
MIERIS, WILLEM VANLeiden 1662 - 1747Titel: Portrait von Catharina van der Voort. Technik: Öl auf Holz. Maße: 50,5 x 40cm. Rahmen/Sockel: Rahmen. Rückseitig:Auf der Tafel alte Angaben zur Dargestellten.Literatur:O. Naumann: Frans van Mieris (1635-1681) the Elder, Davaco 1981, S. 180f, Nr. C 174.Provenienz:Privatbesitz, Deutschland.Das Gemälde ist dokumentiert in der Datenbank des RKD, Den Haag, unter der Abb.Nr. 14436.Catharina van der Voort (1622-74) war die zweite Ehefrau von Pieter de la Court, einem bekannten Geschäftsmann und Philosophen aus Leiden. De la Court, der mit dem Politiker Johan de Witt eng befreundet war, heiratete 1657 zunächst dessen Schwägerin Elisabeth Tollenaar und 1661 Catharina, die aus einer wohlhabenden Amsterdamer Kaufmannsfamilie stammte und mit Johan de Witt verwandt war. Das Paar hatte zwei Kinder, Magdalena und Pieter, und zog im Jahr 1665 nach Amsterdam.Es gibt mehrere Portraits von Pieter de la Court und Catharina van der Voort, sowohl als Einzelfigur als auch als Gruppe, das berühmteste davon ist das große Doppelportrait von Ferdinand Bol von 1661 (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerpen). Im Jahr 1667 wurden Mann und Frau erneut, aber diesmal getrennt, von Abraham van den Tempel portraitiert (die beiden Portraits befinden sich im Rijksmuseum, Amsterdam). Das Portrait von Catharina van der Voort zeichnet sich besonders durch das Glitzern der kostbaren Stoffe und die reiche, zarte Polychromie aus.Die beiden Portraits von van de Tempel gingen 1685, nach dem Tod von Pieter de la Court, an dessen Tochter Magdalena. Ihr Bruder Pieter de la Court van der Voort ließ im selben Jahr Kopien dieser Portraits bei Willem van Mieris anfertigen (für je 300 Gulden), um sie mit seiner Schwester gegen ihre Originale zu tauschen. Das Portrait von Pieter de la Court befindet sich heutzutage noch in Amsterdam in einer Privatsammlung, während das Portrait von Catharina van der Voort, welches das vorliegende Bild ist, sich seit einigen Jahrzehnten in einer Privatsammlung in Deutschland befindet.Wir danken Nadja Garthoff, RKD, Den Haag, die die Zuschreibung des vorliegenden Gemäldes auf Grundlage einer hochauflösenden Digitalfotografie bestätigt hat.Erläuterungen zum KatalogWillem van Mieris Originale Porträt Gemälde Historische Personen MIERIS, WILLEM VANLeiden 1662 - 1747Title: Portrait of Catharina van der Voort. Technique: Oil on wood. Measurement: 50,5 x 40cm. Frame/Pedestal: Framed. Verso:On the panel old details of the portrayed woman.Literature:O. Naumann: Frans van Mieris (1635-1681) the Elder, Davaco 1981, p. 180f, no. C 174.Provenance:Private ownership, Germany.The painting is documented in the database of the RKD, The Hague, under the ill. no. 14436.Catharina van der Voort (1622-74) was the second wife of Pieter de la Court, a well-known businessman and philosopher from Leiden. De la Court, who was a close friend of the politician Johan de Witt, first married his sister-in-law Elisabeth Tollenaar in 1657 and then Catharina in 1661, who came from a wealthy Amsterdam merchant family and was related to Johan de Witt. The couple had two children, Magdalena and Pieter, and moved to Amsterdam in 1665.There are several portraits of Pieter de la Court and Catharina van der Voort, both as a single figure and as a group, the most famous of which is the large double portrait by Ferdinand Bol of 1661 (Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Antwerp). In 1667, husband and wife were portrayed again, but this time separately, by Abraham van den Tempel (the two portraits are in the Rijksmuseum, Amsterdam). The portrait of Catharina van der Voort is particularly distinguished by the glitter of the precious fabrics and the rich, delicate polychromy.The two portraits by van de Tempel went to Pieter de la Court's daughter Magdalena in 1685, after his death. In the same year, her brother Pieter de la Court van der Voort had copies of these portraits made by Willem van Mieris (for three hundred guilders each) in order to exchange them with his sister for her originals. The portrait of Pieter de la Court is still in Amsterdam today, in a private collection, while the portrait of Catharina van der Voort, which is the present painting, has been in a private collection in Germany for several decades.We are grateful to Nadja Garthoff, RKD, The Hague, for confirming the attribution of the present painting on the basis of a high-resolution digital photograph.Explanations to the Catalogue
A collection of 19th century/early 20th century German porcelain teacups and saucers, comprising a Meissen teacup and matching saucer with floral and gilt pattern, a Meissen Imari pattern single cup, a Meissen hunting themed cup and saucer, the saucer with scratched out mark, and a single hand painted floral tea cup with gilt rim, unmarkedCondition report: some pitting to the glazes, minor chip to the rim of the first teacup (floral with gilt leaves), loss of gilding to the rims and handles commensurate with age. No breaks
Hornby 00 Gauge Battle of Britain Locomotive and various makers Rolling Stock, R2606 BR green rebuilt Battle of Britain Class 34109 'Sir Trafford Leigh Mallory' in original box, VG-E, appears test run only, tender weight loose, box F, Mainline GWR First/Third corridor Coach (incorrect box), GMR GWR Brake/Third Suburban coach, Lima LMS maroon First /Brake Corridor Coach, Hornby 4-wheel GWR Coach, Norstand Mineral Wagon, Tri-ang Hornby Goods Wagon with drop sides and Dapol BR Cattle wagon, all in original boxes, VG-E, boxes F-G (8)
Various Dolls Houses and Teddy Bears Collectors Reference Books, Dolls Houses The Collector's Guide by Douet, La Petite Cantiniere, Collecting Dolls House and Miniatures by Earnshaw, Dolls House by Jackson, Classic Dolls House by Eaton, Dolls House and Dollhouse Miniatures by O'Brien, Family Dolls House by Antrim, Dolls House Furniture by Towner, The Vivien Green Dolls House Collection, Family Dolls Houses and English Dolls Houses all three by Greene, The Ultimate Dolls House Book by Eaton, Dolls Houses A Personal Choice by Latham, History of Dolls House by Jacobs, Antique Miniature Furniture by Toller, Bliss Toys and Dolls Houses by Whitton, The Queen's Dolls House by Lambton, Toys Dolls Automata Marks and Labels by White, Teddy Bears A Celebration by Hillier, Peter Bull's book of Teddy Bears, Teddy Bear Lover Catalog by Menten, Teddy Bear Catalog by Bialosky, A Hug of Teddy Bears by Bull, Dean's Rag Book The First 100 Years by Miller, The Magic of Merrythought by Axe, The Book of the Teddy Bear by Hutchings, The Little Book of Celebrity Bears, Bear Care and Traditional Bears, all three by Cockrill, International Antique Toy and Doll Show Programmes for the 6th 1985 and 7th 1986 (4) , Millers Soft Toys Collector's Guide and Pageant of Toys by Miller, F-VG (35)
Various Collectors Reference Books, French Kitchenware by Cabre, Kitchenware by Marshall, Corkscrews by Ellis, A Spectacle of Spectacles by Jena, Antique Metalware by Perry, Collecting Whistles by Dundas, Iron and Brass Implements of the English House by Lindsay, Treen & Earthenware by Forty, Folk Art by Young, Enamelled Kitchenware American & European by Pikul, Tin Toys 1945-1975 by Buhler, Comic Strip Toys by Harman, Disney's Mickey Mouse Memorabilia 1928-1938 by Shine, Lesney Matchbox 1-75 Series Diecasts by Hammond, Street Jewellery and More Street Jewellery both by Baglee and Morley, Krazy Kat by Herriman, Collecting Dinky Toys Model Aircraft by Marshall, Ramsey's British Diecast Model Toys 3rd Ed 1988, Model Cars and Road Vehicles by Trench, Toy Collectors Handbook First Ed 1992 by Goldberg and Phillip's Auction hard cover Catalogue Dinky Toys 1934-1964 December 1988, generally F-G (22)
Non-Railway-related Collector's and other Books, mostly on toy/model/doll collecting, including 'The Tin Toy Car 1950-70' (Kelley), 'Matchbox Diecast Toys - first 40 years', Dolls in Miniature (Ackermann), 'Guide to Model Tin Figures' (Ortmann), 'History of Sindy' (Mansell), Dinky Toys and Corgi Toys (both Force), New Cavendish series Tin Toys, Dolls, Teddy Bears and Dolls Houses (4 soft-backs), and many other books on related subjects, F-E, (qty)
Non-Railway-related Collector's and other Books, including Tomart's Disneyana Catalog in 3 volumes, Street Jewellery, Cigarette and Trade cards, Leica-the first years (Rogliatti), 'Kleinfilmkamera Leica' (Wetzlar), Building Model Boats (Hasluck, 1901), various related auction catalogues and many others, mostly G-VG (qty)
A small collection of Hornby 0 gauge Trains, including a first-version M3 tank locomotive in LNER green as no 460 with uncommon 8-spoke wheels, F-G, mech tested ok, couplers and control knobs missing, minor damages and slight fading/crazing to finish, a red/red M1 3435 tender only, set-version Shell tanker without buffers, fibre wagon, barrel wagon with four green barrels, three M1 open wagons, No 2 turntable in red/green, level crossing, rails, and an assortment of lead items including some Dinky figures, LMC platform machines and others, mostly P-F, various damages (qty)
A large modern brass egg timer in the antique style, height 24cm, a Sewills of Liverpool revolving square faux glass clock, with clock, thermometer, barometer and hygrometer and an antique William Watson single lens microscope, the body of cylindrical form with large ring to the body, the lower section when unscrewed reveals a single lens marked '1in, Para, N.A.21x6, W. Watson & Sons Ltd, London, 12049', length 19cm (3). CONDITION REPORT On first impression, it appears to be a single lens pocket microscope, however William Watson also made telescopes and sights for military use and this could possibly be an element or a part from one of those items.
A group of early 20th century Wedgwood jasperware to include a jasper bowl with diced decoration, first in a museum series no.200/500, with certificate, an American Independence Bicentennial 1776-1976 goblet, various framed and unframed wall plaques, one black basalt example commemorative of Beethoven dated 1770-1827, an American Bicentennial 1976 wall plate, a green jasperware commemorative tea caddy with Prince Charles and Lady Diana Spencer, etc (11). CONDITION REPORT All have some age-related wear in the form of surface scratches, some slight discolouration to interior. Bowl: no obvious signs of restoration, no chips or cracks.Plaques: no chips or cracks, small ridge to top of small blue plaque.Green canister: some tiny discolouration marks to one side.
A 19th century green and white transfer 'Corn Laws' cider mug with motto 'By the efforts of the League, the first approach to real freedom of trade obtained 1845', with portraits of John Bright Esquire MP and Richard Cobden Esquire MP (the Members of Parliament who sponsored the bill lifting the tariffs on grain imports to England from abroad), marked 'Opaque China' on the underside, height 12.5cm. CONDITION REPORT A noticeable old chip to the inside rim and underside foot rim. There is some crazing and some firing pitting to the underside, some small faint hairlines. Generally of good stable condition.
UNATTRIBUTED; a pair of oils, farmyard stable scenes to include smithy shoeing a horse with tools in the foreground and a groom leading a horse into stable with two farm dogs in the foreground, each 22 x 29cm, framed and glazed, a mixed media 'Highland Raiders', initialled WCA lower left, 90 x 26cm, framed and glazed with title in oval ivory-coloured plaque, and a print 'Buff Shanghai Cock (First Prize), The Property of the Late Mr Parkinson, The Winner of Many Prizes', 25 x 18cm, framed and glazed (4).
A collection of seventeen HMS black bands from various ships, dating from the mid-1860s through to mid-20th century, to include HMS Daedalus, a WWI ship first established as a seaplane base in 1917 during WWI and later used for the main training and administrative centre of the fleet Air Arm, HMS Lochinvaar 1915, HMS Zulu, a Tribal Class destroyer of the Royal Navy c1936, HMS Cochrane, a Warrior Class armoured cruiser of WWII, HMS Heckla, a Royal Naval survey ship, HMS Dryad, a Dryad Class torpedo gun boat, also served as a minesweeper during WWI, HMS Osprey, a WWII battleship, HMS Royal Arthur, a First Class cruiser c18990, she served in Australia station and briefly on the North America and West Indies station before returning to home fleet in 1906, she was paid off after WWI, etc (17).
Two model Royal Naval war ships, a small model of a fishing boat, plated tankard with fish handle, inscribed 'H.M.S. Resolution First Commission', a quantity of ships' plaques, each mounted on wooden display board, to include 'Osprey', 'R.N.A. Warrington', 'H.M. Signal School' and many more.
A group of Royal Naval and Naval related prints and limited edition prints to include, Dennis Andrews; signed limited edition print no.3/2008, 'Bismark Attack', Robert Taylor; signed print 'The Swordfish Attack at Taranto', Simon Fisher; a signed limited edition print no.200/850, 'H.M.S. Hood, the Final Moment', a limited edition print no.61/500, 'The Hoylake Lifeboat R.N.L.B. Lady of Hilbre' Mersey Class, a limited edition print no.76/820, 'US Rangers Disembark From the Isle of Mann Ferry, Ben-My-Chree IV, D-Day 6th June 1944', Rex Phillip; a signed limited edition print no.193/1944, 'The Invasion Begins', a black leather-effect chart, 'Genealogical Tree of the Royal Marines' commencing with the Admirals Regiment 1664-1685 through to The Royal Marines 1923 Gibraltar and a facsimile chart first edition copy no.14/250 of 'The Sinking of the Scharnhorst, Boxing Day 26th December 1943', documenting the last dramatic action minute-by-minute of the assault, all framed and glazed (8).
A 2017 'The Queen's Official Birthday' £5 silver coin cover, limited edition no.183/250, a 'Great Britain Alone' five coin first day presentation cover, limited edition no.56/450, a 2016 'The Queen's Official Birthday' 1oz fine silver coin cover, limited edition no.244/450, a 2013 'Men's Singles Champion' limited edition no.743/995 commemorative first day stamp cover, and a 2013 'London Underground' 150th Anniversary' limited edition no.412/450 £2 silver coin cover (5).
A 2015 'The Longest Reigning Monarch' £5 silver coin, proof, limited edition no.3996/15,000, a 'First Birthday of HRH Prince George of Cambridge 2014' limited edition no.6467/7,500 £5 silver coin, a 2006 'Queen's 80th Birthday' limited edition no.6413 silver coin cover, a 2012 'Diamond Jubilee' (1952 - 2012) limited edition no.513 £5 silver coin cover, a 2018 'HRH Prince George 5th Birthday' gold plated photo printed five coin set, a 2015 numisproof of 'Longest Reigning Monarch' silver 2oz coin, limited edition no.274/495 and a 2017 'The Royal Engagement' Harry and Meghan, limited edition no.627/2017 1oz silver commemorative coin with gold plated embellishments (8).
A large collection of various first day covers and stamp books to include Queen Elizabeth II Sapphire Jubilee stamp collection, Royal commemorative coin covers, mixed Royal commemorative photo printed coins, London 2012 commemorative coin, 2006 proof coin collection, 2017 annual coin set, commemorative postage stamp sets to include 'The Birth of a King', 'Classic British Locomotives', 'Land Sea and Air' etc.
Various mixed coin and stamp collectibles to include, various coin sets including 'HRH The Prince George Five Crown Coin', 'The Diana Princess of Wales Five Crown Coin', 'The Prince George's First Birthday Photographic Five Crown Coin', 'The Pope John Paul II Canonisation Five Crown Coin', '2008 UK Coinage Royal Shield of Arms Proof Collection', various coin covers, etc (approx 26).
A group of Spode porcelain Military collector's plates, limited edition, comprising The Argyll & Sutherland Highlanders Plate., The Green Howard's plate., King's Own Scottish Borderers plate., The Royal Welch Fusilliers Plate., The Black Watch Plate., The Parachute Regiment Plate., The Royal Scot's Plate The First of Foot., The Duke of Wellington's Regiment Plate., The Gordon Highlander's Plate., The Gloucestershire Regiment Plate., The Royal Hampshire Regiment Plate., and The Cheshire Regiment Plate. (10)
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