A highly desirable 3.2 Audi Quattro in gleaming Misano Red with just over 25,000 miles. First launched in 1998 and in production until 2006, the MkI/Type 8N cars might share its PQ34 chassis with cars as commonplace as the VW Golf, Skoda Octavia and the Audi A3 but the coachwork - designed in California and named the NSU’s historical success at the Isle of Man - is a world apartFirst registered in 2003, this TT coupé has recently been imported from Japan and is showing just 25,528 milesIt's powered by a 3.2-lite VR6, producing 247bhp and 236lb/ft of torque which is sent to all four wheels through the 6-speed DSG automatic transmissionFinished in Misano Red Pearl complemented by a cream leather cabin, it sits on 18" 7-spoke cast-aluminium alloy wheelsThe specification includes climate control, heated front seats, heated rear screen and optional cup holdersSupplied with its Japanese history, including the grade sheet showing 'Grade 4'Low-mileage, an appealing colour scheme and impressive performance make this TT an ideal year-round daily driver, as well as a competent weekend cruiser or road trip companion Specification Make: AUDI Model: TT Year: 2003 Chassis Number: TBC Registration Number: TBA Transmission: Automatic Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 25528 Miles Make: RHDClick here for more details and images
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A unique opportunity to acquire an early Series 2 Morris Minor, offered by our generous benefactor Camilla Vickers, whilst helping her wonderful charity, Health:Pitch, with the chance to enjoy a moving, wonderful operatic performance by Francesca Lanza at the venue of your choice*. Offered without Reserve. The chance to acquire a 1953 split screen Morris Minor, offered by our generous benefactor Camilla Vickers, whilst helping her wonderful charity, Health Pitch, with the opportunity to enjoy a light-hearted operatic performance with music of your choice by Francesca Lanza at a venue of your choiceThe daring concept of Jukebox Opera is the brainchild of London-based Camilla Vickers who, having experienced the profoundly positive impact that her friend Francesca’s high-quality opera singing had on her mother as she was dying of cancer, set up the Davina Fund so that others could also benefit. From this grew Health:Pitch, a Registered Charity dedicated to restoring human connections by enhancing the lives of those who are vulnerable, isolated or in need of care.So, in what we believe is a first at any classic car auction, the buyer of Camilla's Morris Minor will have the option of a bespoke performance by Francesca at your choice of venue be it the local Care Home, a charity fund-raising event, or even a special birthday*The car itself is an early Series II split-screen in need of restoration having been parked for a number of years, but with a history file dating back to 1959Whilst Camilla's Morris has not been used in recent times it has been put back in running order but will require some recommissioning to use it readily.This combined Lot is offered at No Reserve and all proceeds, including Iconic Auctioneers Premiums and Commissions, will be donated in full to Health:PitchIn the true spirit of Christmas, long-term supporter of Camilla and Health Pitch, Bruce Jack Wines, have offered to donate six bottles of their award-winning Rioja Tempranillo from Spain to the lucky winner of this very special Lot and, equally generously, John Rogers of our Transport Partner, EM Rogers, will collect the little Morris from London and deliver it to our sale.Internationally-acclaimed flautist and soprano, Francesca Lanza, will perform a short piece prior to the sale of this Charity Lot at the Warwickshire Exhibition Centre on December 7th.* Typically Health:Pitch perform within 20 miles approx of Greater London though they could potentially travel further if travel expenses were covered Specification Make: MORRIS Model: MINOR SPLITSCREEN Year: 1953 Chassis Number: FBA11205248 Registration Number: NXY 599 Transmission: Manual Drive Side: Right-hand Drive Make: RHD Interior Colour: RedClick here for more details and images
Off the road for five years and in need of some recommissioning, this Celebration is offered without Reserve. The Celebration was the final iteration of Jaguar's XJ-S (later XJS). Its unique specification included chromed rear view mirrors and headlight surrounds, Aerosport diamond-cut alloy wheels, steering wheel with wood sections top and bottom, a black handbrake lever with full leather cover, a leaping Jaguar embossed into the leather in the upper part of the seat backs and contrasting piping around the seats and boot coverPowered by the naturally-aspirated, AJ16 4-litre straight-six, delivering 238bhp to the rear wheels through a 4-speed ZF automatic gearboxFrom 12 years current ownership and with six former registered keepers, this Celebration was first registered on 16/10/1995 and is finished in Sapphire Blue with Oatmeal leatherAn MOT failure in September 2019 (see Condition Report) and the car has not been used sinceThere is a partial service history, with records of the previous services until 2018 (mainly Auto Classico). Work during our vendor's ownership is documented with receiptsAs with any classic car needing work to get back on the road, we would encourage any prospective bidders to come along to the Sale and inspect the car so they can see it for themselves what may, or may not need doing Specification Make: JAGUAR Model: XJ-S Year: 1996 Chassis Number: SAJJNAED3EJ222542 Registration Number: N260 VEP Transmission: Auto Engine Number: 3980 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 142000 Miles Make: RHD Interior Colour: Oatmeal LeatherClick here for more details and images
First generation C208 Coupé propelled by AMG's legendary 5.4-litre, 350bhp V8 from long-term careful ownership and offered Without Reserve. Positioned between the SLK-Class and the CL-Class, the CLK (Coupé Leicht Kurz) remained in production through two generations between 1996 and 2010AMG’s take on the new model involved the insertion of their 5.4-litre M113 V8 and body and suspension settings adjusted to handle the extra powerAt the turn of the century, AMG was still very close to its tuner roots and the new engine was fitted with a forged crankshaft, pistons and rods. Offering 347bhp and massive torque, performance was impressiveThe model is understood to have been only available for around 18 months during which we believe c.400 were supplied to the UKDating from 2000 and finished in Brilliant Silver, this wonderful example has been maintained and cherished by its fastidious owner for almost 15 yearsStill displaying just over 86,000 miles, it flew through a recent MOT (no advisories) in August 2024This rare right-hand drive AMG rocket-ship is being offered without Reserve Specification Make: MERCEDES BENZ Model: CLK 55 AMG Year: 2000 Chassis Number: WDB2083742F157976 Registration Number: X699 PHJ Transmission: Automatic Engine Number: 11398460015082 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 86159 Miles Make: RHDClick here for more details and images
A well presented and maintained example of Bentley's 'Rocket Ship' convertible with less than 38,000 miles indicated. The Supersports was launched in 2009 as the marque’s most powerful road-going car and featured a tuned chassis, a wider rear track, a lower ride height, larger front air ducts, carbon-ceramic brake discs, forged wheels and gloss black exterior trimOne of 183 examples supplied to the UK, this GTC SS was first registered in 2010, showing less than 38,000 miles todayPowered by twin-turbocharged 6-litre W12, delivering 621bhp and 590lb/ft of torque to all four wheels through a 6-speed automatic transmission with paddle shiftRevisions were made to the ZF automatic gearbox, allowing a quick-shift system, reducing gearchange times by 50% and to rein in the extra horses, carbon-fibre reinforced Silicon Carbide ceramic brake discs were specified, the largest and most powerful ever fitted to a production carThis fabulous example is finished in Glacier White over a Beluga Black leather and Alcantara-trimmed cabin featuring contrasting stitching and piping, diamond-stitched inserts on the seat centres and door cards and carbon-fibre inlaysSupplied with a comprehensive service history consisting of both Bentley and specialist servicesOffering staggering performance at a fraction of the original price, this looks to be a rare and exciting opportunity for the next lucky owner Specification Make: BENTLEY Model: GTC SUPERSPORTS Year: 2010 Chassis Number: SCBDK23W7BC068209 Registration Number: YJ60 FRK Transmission: Automatic Engine Number: CKH001941 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 37655 Miles Make: RHDClick here for more details and images
Elegant DS 420 Limousine that with a little TLC could be a very rewarding proposal with possible business opportunities, to be offered without Reserve. A well appointed limousine that has been utilised within the wedding industry in recent yearsInterestingly noted as having a royal past with the first owner being HRH Princess Norhayati of BruneiWe understand that the car starts, runs and drives well with a current MOT valid until July 2025May require some attention to the bodywork depending upon your expectationsAccompanied by large history file containing ownership details, previous MOT Certificates and the original Daimler handbookYour early inspection is welcomed and encouraged to satisfy yourself that the Daimler fulfils your requirements Specification Make: DAIMLER Model: DS420 LIMOUSINE Year: 1985 Chassis Number: SADDUATL3AC200648 Registration Number: B800 XYU Transmission: Automatic Engine Number: TBA Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 84100 Miles Make: RHD Interior Colour: White LeatherClick here for more details and images
A rare Impreza WRX-STi Type-UK from long term ownership, with thousands of pounds of upgrades and offered without Reserve. First registered in 2004, this WRX STi Type UK Impreza was purchased by our client’s late brother in 2007 with just two previous recorded keepersIt's finished in Mica Blue over upgraded Prodrive bucket seats with a red-stitched black steering wheel and sits on black 5-spoke alloy wheelsThe engine was rebuilt in 2011 by API Impreza using an API Custom block, nitrided crank, 9,000rpm-rated steel rods, comp main bearings, Supertech pistons, Nimonic valves, double valve springs, titanium valve retainers, competition clutch and flywheel and much more (see Condition Report)The build cost in the region of £7,000 and the Dyno print out indicates 442bhp at the wheelsOther modifications include a sports spoiler, uprated brakes, uprated seats etc.Supplied with previous MOTs and invoices totalling over £17,000 during current ownershipLast MOT’d in 2022, the vehicle has not run since our vendor's brother's passing, so some recommissioning will be required before regular useConsequently, it's being offered without Reserve and we would encourage your viewing at the Warwickshire Event Centre to appreciate the potential value Specification Make: SUBARU Model: IMPREZA Year: 2004 Chassis Number: JF1GDBKH33G035655 Registration Number: VU04 FCX Transmission: Manual Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 69000 Miles Make: RHDClick here for more details and images
A very smart, UK-supplied, right-hand drive Mk2 with 46,355 miles indicated. A technological marvel from the days when engineers, not accountants, made the decisionsRemarkable numbers - 791cc, 70bhp, 9,000rpm, 790kg and 100mphUK buyers of the S800 benefitted from a conventional final drive with a prop shaft and coil-sprung live rear axle rather than the chain drive of the early carsIn February 1968, the S800M (aka MK2) was introduced with flush mounted interior door handles, side marker lights outside, dual-circuit brakes and safety glassThis sparkling little S800 is indeed a MK2 and is an original UK-supplied right-hand drive car first registered on 06/02/1969Refinished some years ago to an excellent standard and regularly maintained as required during its present ownershipSitting on a set of Wolfrace alloys, this little Honda is in great shape, running and driving well and ready to be enjoyed once again as intended Specification Make: HONDA Model: S800 Year: 1969 Chassis Number: 1006482 Registration Number: DVG 670G Transmission: Manual Engine Number: TBA Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 46355 Miles Make: RHD Interior Colour: BlackClick here for more details and images
A rare right-hand drive F-150 SVT Lightning, superbly presented with a sensational finish both inside and out. The Ford F-150 SVT Lightning was one of the earliest performance-oriented sport trucks, representing the Blue Oval’s first foray into the market. Produced in two generations, from 1993-1995 and 1999-2004,Powered by Ford’s 16-valve SOHC 5.2-litre Triton V8 engine helped by an Eaton supercharger. Refreshed in 2001 and now producing 380bhp and 450 lb/ft of torque offering 0-60mph in an impressive 5.4 secondsThis late-production second generation Lightning was acquired by our vendors in 2015 and fully restored in the intervening yearsAll mechanicals were upgraded during the first year of ownership, including all oils and filters, belts and supercharger beltsSubsequently, the interior was upgraded to include the simply superb 'FatBoy' dual-tone leather interior and the exterior was given its distinctive custom 'lightning flame' paintwork in 2016LPG converted some years prior at around 5,000 miles, all since safety checkedThe subject of an insurance loss (Cat D, damaged but repairable) in its first year on our shores in 2005The truck presents incredibly well, has been the pride and joy of our vendor as befits their investment and, estimated very sensibly, should attract plenty of attention Specification Make: FORD Model: F-150 SVT LIGHTNING Year: 2005 Chassis Number: 2FTRF07314CA66514 Registration Number: F15 ODH Transmission: Automatic Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 39285 Miles Make: RHD Interior Colour: Red and Black LeatherClick here for more details and images
A well maintained example of the 964 generation 911 Carrera 4 fitted with the desirable manual gearbox. Although patently still a 911, the 964 was in fact 85% different from the outgoing modelThis UK-supplied (C16) right-hand drive example was first registered in 1991 and has been in current ownership since 1998Powered by an air-cooled 3.6-litre flat-six, delivering 247bhp and 229lb/ft of torque to all four wheels through a 5-speed manual transmissionFinished in gleaming Grand Prix White complemented by a black soft top roof and a grey full leather interiorFitted with electric windows, front and rear fog lights and central locking. Factory options include Sport seats with electric height adjustment, top-tinted windscreen and a CD/radio playerSupplied with a original service book (24 stamps) and comprehensive history file, maintained throughout its life at Porsche dealers and specialistsDelightful, top of the 964 range, four-wheel drive Cabriolet that has obviously been looked afterRegistration AA3524 shown in the images is not included as part of the sale Specification Make: PORSCHE Model: 911 - 964 Year: 1991 Chassis Number: WP0ZZZ96ZMS451641 Registration Number: H117 ATV Transmission: Manual Engine Number: 62M06546 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 82901 Miles Make: RHDClick here for more details and images
Just two owners, less than 55,000 miles and substantial recent investment to present it in top form. The Mk2 may have suffered for not being the first Golf GTi but in many ways, it’s a better car - faster, more comfortable and more modernPowered by a 1.8-litre naturally aspirated inline-four, producing around 110bhp, driving the front wheels through a 5-speed manual transmissionDating from 1988, this 8-valve 3-door Mk2 has covered just 54,720 miles, nearly all of it with its original ownerPurchased by our vendor (the car's second owner) recently with the intention of returning it to top form as a gift for his son when he became old enough to driveConsequently, he has invested over £10,000 on a full underbody restoration, all running gear overhauled, engine bay fully detailed, SS exhaust and much more (see Condition Report)He chose to leave the paintwork alone as it's original and just needed a polish and waxTwo sets of wheels, factory originals and the (optional) BBS RAsMOT until October 2025 issued with no advisories. Original stamped service book/book pack Specification Make: VOLKSWAGEN Model: GOLF GTI 8V Year: 1988 Chassis Number: WVWZZZ1GZKW099967 Registration Number: F488 JNJ Transmission: Manual Engine Number: PB079596 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 54720 Miles Make: RHDClick here for more details and images
The first of ten in a range of specially designed 'Prepared by HRRCC’ R53 MINIs. Offered without Reserve. The inaugural 'Prepared by HRRCC' MINI finished in Chill Red with an Aspen White capSuperbly prepared and presented by HRRCC and now fully refreshed to meet their exacting standardsExtensive specification that includes the Factory Aero Kit, a full leather interior, height adjust seats, electric windows , 6-speed manual gearbox, LSD, stainless steel exhaust, traction control, ABS and Xenon headlightsNumerous bespoke HRRCC interior and exterior components including monogrammed headrests and gear knob, Alcantara trim additions and unique branding throughoutRefurbished and enhanced by HRRCC's engine bay presentation packageBenefitting from a full underbody rust prevention package in conjunction with DinitrolHighlighted by a set of fully refurbished 18" GP1-style alloy wheelsIn outstanding condition throughout and worthy of your early inspection to fully appreciate the quality on offerAn invoice on file states that the supercharger was serviced whilst a new water pump was being fitted, plus new auxiliary belt.Replacement service book with 6 stamps dating from 2021with corresponding invoiceNotable mechanical works carried out are:-Other notable mechanical works carried out are:-Parts fitted during the rejuvenation of YS54 VWG* Brand new hydro (oil filled) engine mount * Brand new top mounts * Brand new exhaust rubbers * Stainless Steel nut & bolt kit - engine bay * Brand new bottom ball joints* Brand new front wheel bearings* Brand new timing chain tensioner - Sytner * Brand new door check straps* Brand new boot handle * Brand new rear lights* Shot blasted & powder coated front & rear crash bars in satin blackMany of the parts were replaced in line with preventative maintenance Specification Make: MINI Model: COOPER S Year: 2004 Chassis Number: WMWRE32010TK75900 Registration Number: YS54 VWG Transmission: Manual Engine Number: D686S218 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 93000 Miles Make: RHD Interior Colour: Panther Black HideClick here for more details and images
Superbly presented, this ex-press car SD1 Twin-Plenum in Moonraker Blue epitomises just why these venerable Rovers continue to draw attention wherever they are seen. Essentially an homologation special, Rover introduced the Lotus-developed twin-plenum inlet manifold on the road-going Vitesse in 1985 to keep the factory-supported race cars at the head of the field. We understand that only 500 were builtIt's powered by a naturally-aspirated 3.5-litre V8 with a twin side-entry throttle plenum fuel injection system, originally producing around 190bhp and driving the rear wheels through a 5-speed manual transmissionThis is an original, UK-supplied, right-hand drive car, first registered here on 07/05/1986 as C106 XRW and is understood to have been one of the press cars for Austin Rover at the timeOur vendor, a keen club member, has spent his whole life in the local area within the motor industry, as did his father who ran many of the press cars, including this one, hence its acquisitionThe subject of substantial investment in recent years, with a quality restoration including a respray and the renowned Ken Clark of Hinckley attending to the mechanicals at a cost of well over £11,000This is a 'jump in and drive' timepiece that would wow at shows and, given its desirability, presence and quality, it could just be the perfect opportunity to acquire what was once the Pride of Britain Specification Make: ROVER Model: SD1 VITESSE TWIN PLENUM Year: 1986 Chassis Number: SARRREWZ7CM344216 Registration Number: C106 XRW Transmission: Manual Engine Number: 30A0003630 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 63307 Miles Make: RHDClick here for more details and images
This truly charming Morris Traveller 'Woodie' has been fully restored and now presents superbly. First registered in Surrey during 1964, little is known about this ‘Woodie’ apart from the fact that it was off the road from the 1990s until 2022A full restoration was commenced at that point, all detailed in the accompanying 'photobook'Originally 'Black', the restoration was comprehensive and included the Ash frame, new rear doors and fresh metalwork where requiredThe original 48bhp 1,098cc A-Series engine and gearbox were rebuilt and now sit happily in a very tidy engine bayWhen the mechanical aspects were completed, the car was professionally refinished, inside and out, in Old English WhiteThe interior is impressive with new seats and door cards in the original Cherokee Red, excellent chrome and switchgear and an original-style steering wheelSupplied with the aforementioned photobook, restoration invoices, and previous SORN CertificatesReady to be used and enjoyed by its next owner, we believe this well restored ‘woodie’ is one of the best we have seen and will be welcomed at any car show, concours event or club rally Specification Make: MORRIS Model: TRAVELLER Year: 1964 Chassis Number: MAW51058490 Registration Number: BPE 558B Transmission: Manual Engine Number: 10MAVH-86604 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 21589 Miles Make: RHD Interior Colour: Red VinylClick here for more details and images
One of only 91, RHD, 3.2-litre QVs well maintained and classically presented. Among the most practical of Italian exotics of the era, the Mondial offers the exhilarating performance and alluring style of a classic Ferrari from the 1980s, but with the benefit of a useable rear seatOn offer here is a UK-supplied, right-hand drive, 3.2-litre Quattrovalvole registered on 25/04/1986Classically presented in Rosso Corsa over Crema, it has covered just under 66,900 miles from new. MOT May 2025 3.2-litre, 32-valve DOHC V-8 engine mated to a 5-speed manual gearboxPurchased by our vendor from an investor, where it had sat for 5 years, he then spared no expense bringing it back to its former gloryThe work included timing belts, auxiliary belts, uprated pulleys, new injectors, fuel accumulator, filters, fuel regulator, uprated fuel lines made by Hell Performance, genuine fuel pump, new ignition leads. Full service carried out, oil filters, plugs, rotor arms & sealsIt has 348 wheels with new tyres all round, all brake calipers have been colour coded and fully rebuilt with new pistons, seals & padsThis was our vendor's first Ferrari but he has since bought another one. A great entry in to the world of Ferrari ownershipNB: 'Category D' Insurance Loss. Vehicle Damaged But Repairable - Insurer Decided Not To Repair FERRARI MONDIAL04/11/1998 Specification Make: FERRARI Model: MONDIAL Year: 1986 Chassis Number: ZFFWD21C000062087 Registration Number: C3 PGK Transmission: Manual Engine Number: 00670 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 66823 Miles Make: RHD Interior Colour: Crema leatherClick here for more details and images
A wonderful example of Vauxhall’s rightfully lauded but seldom seen, first-generation hot hatch. In the early 1980s, the Astra GTE marked Vauxhall’s first foray in to the relatively new hot hatch segment which proved very successfulOffering 115bhp from a revvy, naturally aspirated 1,796cc, four-cylinder with a 5-speed manual gearboxThis Polar White Mk1 cosmetically benefits from a respray and meticulous babying to ensure its condition remains wonderfulShowing no former keepers on the logbook, this is a fabulous opportunity to acquire the brilliantly nostalgic genesis of Vauxhall’s hot hatchWhilst the Golf GTi may have stolen the headlines in the 80s, the Astra delivered great value and great performanceIt's supplied with its original history file, the service book and a plethora of bills and invoicesWith so many GTEs falling into the wrong hands, this coveted car was certainly kept under lock and key and doesn't it show Specification Make: VAUXHALL Model: ASTRA GTE MK1 Year: 1984 Chassis Number: 33E2595208 Registration Number: A669 DFG Transmission: Manual Engine Number: 14086854 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 66200 Miles Make: RHD Interior Colour: Grey ClothClick here for more details and images
Attractive, Polaris Silver, Baur 2002 Cabriolet, one of just 260 right-hand drive, round tail-light cars. Synonymous with open-top BMWs, the design team at Baur in Stuttgart worked hard to keep the 2002’s rigidity, opting for a Targa-style arrangement replacing the saloon’s C-posts with a set of reverse-rake itemsThis 2002 Baur Cab is one of only 354 examples manufactured in right-hand drive and only 260 of these were early, round rear tail-light, examplesFinished in Polaris Silver over its original blue vinyl interior with grey carpets, its sits on newly refurbished alloysPowered by the 1,991cc, M10, 100bhp, inline-four coupled to a manual gearboxFirst registered in 1973, it's believed to have stayed with its first keeper till 1977, remaining with its second until our vendor's purchase in 2017It may have only covered 50 miles in current ownership but during that time it's had a gearbox rebuild, braking system new parts, tyres and heater matrixThis is a usable example of a desirable Classic BMW, with the all-important round tail lights Specification Make: BMW Model: 2002 BAUR CABRIOLET Year: 1972 Chassis Number: 2791084 Registration Number: JAY 590L Transmission: Manual Engine Number: 2791084 Drive Side: Right-hand Drive Odometer Reading: 78000 Miles Make: RHDClick here for more details and images
Fritz Klimsch 1870 Frankfurt a. Main - 1960 Freiburg Beschaulichkeit. Um 1924. Bronze mit brauner Patina. Verso mit dem Signatur und dem Gießerstempel 'H. Noack Berlin'. Höhe: 30,5 cm (12 in). Die Datierung 'vor 1924' konnte Hermann Braun anhand der Tatsache rekonstruieren, dass ein Neffe Fritz Klimschs ein Exemplar der 'Beschaulichkeit' im Jahre 1924 erwarb (vgl. Hermann Braun, Fritz Klimsch. Eine Dokumentation, Köln 1991, S. 359). [EH]. • Verschlungenes, nach innen gewandtes Bewegungsmotiv auf dreieckigem Grundriss. • Lyrisch-atmosphärisches Werk von meditativer Ruhe. • Besonders schöne Patina. PROVENIENZ: Privatsammlung Niedersachsen. LITERATUR: Hermann Braun, Fritz Klimsch. Werke, Hannover 1991, Nr. 121, S. 359, Abb. S. 172 (anderes Exemplar). 'Auffällig im Schaffen Klimschs ist, dass viele Plastiken des Künstlers auf immer wieder neue Weise ein Thema variieren – beispielsweise den stehenden, liegenden oder sitzenden Akt. Diese Werke zeigen teils völlig unterschiedliche Bewegungen, teilweise trennen sie nur Bewegungsnuancen, die erst bei näherer Betrachtung augenfällig werden. Ein Beispiel hierfür sind die Plastiken 'Am Strand' [..] und 'Beschaulichkeit' [..], deren Entstehung auch zeitlich nahe beieinander liegt – 1926 die eine, um 1924 die andere. [..] Trotz der auf den ersten Blick konstruiert und kompliziert anmutenden Köperhaltung strahlen beide Plastiken eine große Ruhe aus, wirken in sich gekehrt. [..] Die Plastiken zeigen, wie Klimsch sich mit einer Bewegung beschäftigte und auch kleinste Veränderungen in der Darstellung das Motiv wieder für ihn interessant werden ließen.' Sophia Dietrich, Der weibliche Akt und Variationen der Sitzenden, in: Die Bildhauer August Gaul und Fritz Klimsch, Frankfurt a. Main 2010, S. 245. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 14.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Klimsch 1870 Frankfurt a. Main - 1960 Freiburg Beschaulichkeit. Um 1924. Bronze with brown patina. Verso with the signature and the foundry stamp “H. Noack Berlin”. Height: 30.5 cm (12 in). Hermann Braun was able to determine the date “before 1924” based on the fact that a nephew of Fritz Klimsch purchased a copy of the “Beschaulichkeit” in 1924 (cf. Hermann Braun, Fritz Klimsch. Eine Dokumentation, Cologne 1991, p. 359). [EH]. • An intricate motif showing an inward-facing movement on a triangular ground. • A lyrical, atmospheric work characterized by meditative calm. • With a particularly beautiful patina. PROVENANCE: Private collection, Lower Saxony. LITERATURE: Hermann Braun, Fritz Klimsch. Werke, Hanover 1991, no. 121, p. 359, illustrated on p. 172 (different copy). “What is striking about Klimsch's work is that many of his sculptures vary a theme in ever-new ways – for example, the standing, lying or sitting nude. Some of these works show completely different types of movement, while others are only distinguished by slight nuances that only become apparent on closer inspection. The sculptures 'Am Strand' [On the Beach] [..] and 'Beschaulichkeit' [Contemplation] [..], which were created around the same time – the former in 1926 and the latter around 1924 – are a good example in this regard. [..] Despite the posture, which at first glance appears contorted and complicated, both sculptures radiate a great calm, appear introverted. [..] The sculptures show how Klimsch dealt with movement and how even the smallest changes in the representation allowed the motif to become interesting to him again.” Sophia Dietrich, Der weibliche Akt und Variationen der Sitzenden, in: Die Bildhauer August Gaul und Fritz Klimsch, Frankfurt a. Main 2010, p. 245. Called up: December 7, 2024 - ca. 14.52 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Wassily Kandinsky 1866 Moskau - 1944 Neuilly-sur-Seine Boot mit Laterne (Rapallo). Wohl 1906. Öl auf Leinwand, randdoubliert. 13,4 x 33,7 cm (5,2 x 13,2 in). [EH]. • Seit Entstehung in Privatbesitz – erstmals auf dem internationalen Kunstmarkt angeboten. • Im kleinen Format zeigt 'Boot mit Laterne (Rapallo)' die Farbe als Mittelpunkt des Interesses des Künstlers. • Das Farbenspiel greift voraus auf die intensive Farbauswahl in Kandinskys früher Murnauer Zeit. PROVENIENZ: Sammlung Gabriele Münter, Murnau. Privatsammlung München. LITERATUR: Hans Konrad Roethel, Jean K. Benjamin, Kandinsky. Werkverzeichnis der Ölgemälde, Bd. 1: 1900-1915, München 1982, WVZ-Nr. 163. 'Ein Bild muss klingen und von einem inneren Glühen durchtränkt sein.' Wassily Kandinsky 'Waren auch die Gründe für Kandinskys und Münters Reisen rein persönlicher Natur und hingen nicht mit künstlerischen Intentionen zusammen, hatten sie doch wesentliche Auswirkungen auf Kandinskys Kunst. Neue Sujets fanden Eingang in sein Werk, neues Licht und neue Farben verändern seinen Stil, und neue Erlebnisse regen seine Phantasie an.' Vivian E. Barnett, in: Das bunte Leben. Wassily Kandinsky im Lenbachhaus, München 1995, S. 127. Anfang Dezember 1905 brechen Wassily Kandinsky und seine Gefährtin Gabriele Münter wieder zu einer ausgedehnten Reise auf, diesmal an die ligurische Küste. Vom 23. Dezember 1905 bis zum 30. Juni 1906 überwintern die beiden dort in Rapallo. Hier passiert Wesentliches und Wegweisendes: 'Neue Sujets fanden Eingang in sein Werk, neues Licht und neue Farben verändern seinen Stil, und neue Erlebnisse regen seine Phantasie an' (Vivian E. Barnett, in: Das bunte Leben. Wassily Kandinsky im Lenbachhaus, München 1995, S. 127). Dies lässt sich auch in unserem kleinen Gemälde feststellen. Hat er zuvor den Kontrast von schwarzem Grund und bunter Farbe mehr in einer dem Art Nouveau verhafteten Weise in seinen märchenhaften Erzählungen verwendet, so zeigt Kandinsky hier das stimmungvolle Bild eines bunt erleuchteten Bootes in der tiefschwarzen Nacht. Es bleibt ein außergewöhnliches Werk für diese Zeit, in der sonst ausschließlich Schilderungen der Landschaft und des Meeres bei Tag entstehen. Bei diesem kleinen Gemälde wählt Kandinsky nicht die impressionistische Farbpalette, sondern eine Farbauswahl, die schon auf die kräftige Palette verweist, die erst zwei Jahre später in Murnau ihren Durchbruch finden wird. Die klaren, bunten Farben verselbständigen sich zu einem leuchtenden Zentrum in der nächtlichen Ruhe. Die hier von Kandinsky erprobten künstlerischen Varianten werden später in Gemälden der Murnauer Zeit in voller Blüte aufgehen. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONWassily Kandinsky 1866 Moskau - 1944 Neuilly-sur-Seine Boot mit Laterne (Rapallo). Wohl 1906. Oil on canvas, laid on canvas. 13.4 x 33.7 cm (5.2 x 13.2 in). [EH]. • In private ownership since it was created – for the first time offered on the international art market. • The small-sized “Boat with Lantern (Rapallo)” showcases the artist's focus on color. • The play of colors anticipates Kandinsky's intense color palette of his early Murnau period. PROVENANCE: Gabriele Münter Collection, Murnau. Private collection, Munich. LITERATURE: Hans Konrad Roethel, Jean K. Benjamin, Kandinsky. Catalogue raisonné of oil paintings, vol. 1: 1900-1915, Munich 1982, cat. rais. no. 163. 'An image must resonate and be imbued with an inner glow'. Wassily Kandinsky 'Even if the reasons for Kandinsky's and Münter's travels were purely personal and not related to their artistic objectives, they had a significant impact on Kandinsky's art. New subjects found their way into his work, new light and new colors changed his style, and new experiences stimulated his imagination.' Vivian E. Barnett, in: Das bunte Leben Wassiliy Kandinsky im Lenbachhaus, Munich 1995, p. 127. Wassily Kandinsky and his companion Gabriele Münter set out on another extended journey in early December 1905, this time to the coast of Liguria, where they spent half a year in Rapallo from December 23, 1905, to June 30, 1906. This was a seminal time for the artist: “New subjects found their way into his work, his style changed in with new colors and light, and new impressions stimulated his imagination” (Vivian E. Barnett, in: Das bunte Leben. Wassily Kandinsky im Lenbachhaus, Munich 1995, p. 127). These characteristics become evident in our small painting, too. While he had previously used the contrast between the black ground and the colorful brushwork in a manner more akin to Art Nouveau in his fairytale-like narratives, Kandinsky depicts the atmospheric image of a colorfully illuminated boat in the pitch-black night in the present work. It is an extraordinary piece for this period, as he mostly created depictions of landscapes and the sea by day. In this small painting, however, Kandinsky did not choose an impressionist palette but a range of colors that pointed the way to the bold spectrum he would first use in his breakthrough paintings from Murnau two years later. The clear, bright colors become independent, creating a glowing center in the nighttime calm. The artistic variations Kandinsky tried out here would later come to full fruition in his paintings from the Murnau period. Called up: December 7, 2024 - ca. 15.00 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Käthe Kollwitz 1867 Königsberg - 1945 Moritzburg Schwangere. 1920. Kohlezeichnung. Rechts unten signiert. Auf Velin. 60 x 45 cm (23,6 x 17,7 in), Blattgröße. [AW]. • Wichtige Vorzeichnung zu dem Holzschnitt 'Die Witwe I' in der Folge 'Krieg'. • Käthe Kollwitz gehört zu den wichtigsten deutschen Künstlerinnen des 20. Jahrhunderts. • Das Städel Museum in Frankfurt am Main würdigte Käthe Kollwitz jüngst mit einer umfassenden Ausstellung vom 20. März bis 9. Juni 2024. • Werke der Künstlerin befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, darunter das National Museum of Modern Art, Tokio, das Museum Folkwang, Essen, sowie das Museum of Modern Art, New York. PROVENIENZ: Sammlung Salman Schocken, Israel und USA (wohl bis 1967: Hauswedell). Sammlung S. Muhlstock, Montreal. Privatsammlung. Sammlung Schweiz. AUSSTELLUNG: Fixsterne. 100 Jahre Kunst auf Papier. Adolph Menzel bis Kiki Smith, Stiftung Schleswig Holsteinische Landesmuseen, Schloss Gottdorf, 31.5.-20.9.2009, S. 45 (m. Abb.). Wunder auf Papier - über 100 Jahre Zeichenkunst, Kunsthaus Villa Jauss, Oberstdorf, 23.7.-3.10.2010 (m. Abb.). Painting Still Alive. On the Way to Modernity, Centre of Contemporary Art, Torun (Polen), 11.11.2018-13.1.2019, S. 106 (m. Abb.). LITERATUR: Otto Nagel, Werner Timm, Käthe Kollwitz. Die Handzeichnungen, Berlin 1972, WVZ-Nr. 855 (m. Abb.). - - Dr. Ernst Hauswedell, Hamburg, 152. Auktion, 5.6.1967, Los 850 (m. Abb. S. 105). 'Ich will wirken in dieser Zeit.' Käthe Kollwitz, Tagebücher, 1922 Die künstlerische Auseinandersetzung mit dem Elend des Menschen ist zentral in Käthe Kollwitz' Œuvre. Themen wie Mutter und Kind, Krieg oder Tod finden Eingang in ihre Arbeit. Die eindrucksvolle Kohlezeichnung 'Schwangere' ist eine Vorstudie für Blatt 4 'Die Witwe I' der Holzschnittfolge 'Krieg' von 1922/23 und ebenfalls in diese Thematik einzuordnen. Im Gegensatz zur endgültigen grafischen Fassung ist die Schwangere hier nur mit einem karierten Rock und einem dunklen Umhang, der die Brust freilässt, bekleidet. Der Kopf ist nach rechts gesenkt und die Arme hängen seitlich herunter. Die Figur vermittelt uns ein bedrückendes und müdes Gefühl, dem Titel des späteren Holzschnittes entnehmen wir den Grund für diese Niedergeschlagenheit. Käthe Kollwitz zeigt hier eine schwangere junge Frau, der für immer unbekannte Kindsvater wohl kurz zuvor im Krieg gefallen, traurig und ratlos in die Zukunft blickend. Kaum eine Künstlerin vermag es so wie Kollwitz, derart grausame Themen erbarmungslos, aber bei Weitem nicht gefühllos auf das Papier zu bringen. Ihr Können bringt ihr 1919 als erster Frau die Mitgliedschaft in der Preußischen Akademie der Künste und gleichzeitig den Professorentitel ein. Bereits 1901 wird sie Mitglied in der Berliner Secession und so wird sie zu einer wichtigen Größe zunächst in der Kunst des Kaiserreiches und später der Weimarer Republik. Doch direkt nach der Machtübernahme der Nationalsozialisten wird Kollwitz zum Austritt aus der Akademie gezwungen, wird ihres Amtes als Leiterin der Meisterklasse für Grafik enthoben und mit einem indirekten Ausstellungsverbot belegt. Die Schrecken der Gesellschaft und die Schrecken des Krieges bleiben zeitlebens der künstlerische Motor für Käthe Kollwitz' Arbeiten, was die 'Schwangere' von 1920 außerordentlich belegt. [AW] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 14.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONKäthe Kollwitz 1867 Königsberg - 1945 Moritzburg Schwangere. 1920. Charcoal drawing. Signed lower right. On wove paper. 60 x 45 cm (23.6 x 17.7 in), size of sheet. [AW]. • Important preliminary drawing for the woodcut 'Die Witwe I (The Widow I)' in the series 'Krieg (War)'. • Käthe Kollwitz is one of the most important German artists of the 20th century. • The Städel Museum in Frankfurt am Main recently honored Käthe Kollwitz with a comprehensive exhibition from March 20 to June 9, 2024. The artist's works can be found in renowned international collections, including the National Museum of Modern Art, Tokyo, the Museum Folkwang, Essen, and the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Salman Schocken Collection, Israel and USA (probably until 1967: Hauswedell). S. Muhlstock Collection, Montreal. Private collection. From a Swiss collection. EXHIBITION: Fixed Stars. 100 Years of Art on Paper. Adolph Menzel to Kiki Smith, Schleswig Holsteinische Landesmuseen, Schloss Gottdorf, May 31 - September 20, 2009, p. 45 (with ill.). Wunder auf Papier - über 100 Jahre Zeichenkunst, Kunsthaus Villa Jauss, Oberstdorf, July 23 - Oct. 3, 2010 (illustrated) Painting Still Alive. On the Way to Modernity, Centre of Contemporary Art, Torun (Poland), November 11, 2018 - January 13, 2019, p. 106 (illustrated). LITERATURE: Otto Nagel, Werner Timm, Käthe Kollwitz. Die Handzeichnungen, Berlin 1972, catalogue raisnné no. 855 (illustrated). - - Dr. Ernst Hauswedell, Hamburg, 152nd auction, June 5, 1967, lot 850 (illustrated on p. 105). Käthe Kollwitz, journals, 1922 The artistic examination of human suffering is central to Käthe Kollwitz's oeuvre. She addresses themes such as mother and child, war, or death. The impressive charcoal drawing “Schwangere' (Pregnant Woman) is a preliminary study for sheet 4, “Die Witwe' (The Widow I) of the woodcut series “Krieg' (War) from 1922/23 and also fits the above-mentioned theme. In contrast to the final graphic version, the pregnant woman is only dressed in a plaid skirt and a dark cloak that leaves the chest uncovered. The head is bowed to the right, and the arms hang at her sides. The figure conveys a depressing and tired feeling, and the title of the later woodcut reveals the reason for her despair. Käthe Kollwitz shows a pregnant young woman; the father of the child will remain unknown to her, as he had probably been killed in action shortly before. The woman looks into the future with sadness and confusion. Hardly any other female artist could express such cruel topics on paper as mercilessly as Kollwitz, but she was far from being callous. Her skill earned her the distinction of becoming the first woman to be accepted as a member of the Prussian Academy of Arts in 1919, and at the same time, she was appointed professor. As early as 1901, she became a member of the Berlin Secession and thus an essential figure in the art world, initially in the German Empire and later in the Weimar Republic. However, shortly after the Nazis came to power, Kollwitz was forced to leave the Academy, dismissed from her teaching post she was also prohibited from exhibiting. The social horrors and the horrors of war remained the artistic impetus for Käthe Kollwitz's work throughout her life, as the present “Schwangere” from 1920 demonstrates. [AW] Called up: December 7, 2024 - ca. 14.38 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).
Carl Spitzweg 1808 München - 1885 München Schulmädchen im Walde. Um 1874. Öl auf Papier, kaschiert auf Malpappe. Rechts unten mit der in die nasse Farbe eingeritzten Signaturparaphe. 22 x 26,5 cm (8,6 x 10,4 in). • Raffinierte, erzählerische Komposition in malerischer Waldlandschaft. • Eine der beschwingten Bildwelten Spitzwegs, die seine Meisterschaft in der Verbindung von Figur und Raumwirkung in besonderem Maße einfängt. • Die (Schul-)Kinder im Wald sind in den 1860er und 1870er Jahren ein beliebtes Sujet Spitzwegs. • Erfolge auf der Pariser Weltausstellung von 1867 und der 'I. internationalen Kunstausstellung' im Münchner Glaspalast 1869 festigen seinen Ruf als einer der führenden deutschen Künstler des 19. Jahrhunderts. Mit der Dokumentation 'Schulkinder im Walde' von Siegfried Wichmann, Starnberg, 25. April 1995, darin abgedruckt das Gutachten von Adolf von Alt vom 30. März 1939. Wir danken Herrn Detlef Rosenberger, der das Werk im Original begutachtet hat, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers. Otto Spitzweg (1843-1921). Richard Spitzweg (1908 vom Vorgenannten erhalten). Privatsammlung Bayern (seit drei Generationen in Familienbesitz). LITERATUR: Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke. Gemälde und Aquarelle, Stuttgart 2002, WVZ-Nr. 896 (m. Abb.). Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, München 1960, Nr. 485 (m. SW-Abb.). - - Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Schulkinder im Walde, Dokumentation, Starnberg-München, R.f.v.u.a.K. 1994, Bayer. Staatsbibliothek München, Inv.-Nr. Ana 656 SW 61. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 13.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONCarl Spitzweg 1808 München - 1885 München Schulmädchen im Walde. Um 1874. Oil on paper, laminated on cardboard. Signed lower right, with the initials scratched into the wet paint. 22 x 26.5 cm (8.6 x 10.4 in). • A sophisticated, narrative composition set in a picturesque forest landscape. • One of Spitzweg's lively pictorial worlds in which he shows his mastery in combining figures and spatial effects. • (School) children in the forest were a popular subject for Spitzweg in the 1860s and 1870s. • Successful participation in the Paris Exposition Universelle of 1867 and the First International Art Exhibition at the Munich Glaspalast in 1869 cemented his reputation as one of the leading German artists of the 19th century. Accompanied by the documentation “Schulkinder im Walde” (Schoolchildren in the Forest) by Siegfried Wichmann, Starnberg, April 25, 1995, including a reprint of the certificate prepared by Adolf von Alt, March 30, 1939. We are grateful to Mr. Detlef Rosenberger, who examined the original work, for his kind support in cataloging his lot. PROVENANCE: From the estate of the artist. Otto Spitzweg (1843-1921). Richard Spitzweg (received from the above in 1908). Private collection, Bavaria. LITERATURE: Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Verzeichnis der Werke. Gemälde und Aquarelle, Stuttgart 2002, catalogue raisonné no. 896 (illustrated). Günther Roennefahrt, Carl Spitzweg. Beschreibendes Verzeichnis seiner Gemälde, Ölstudien und Aquarelle, Munich 1960, no. 485 (illustrated in b/w). - - Siegfried Wichmann, Carl Spitzweg. Schoolchildren in the Forest, Documentation, Starnberg-Munich, R.f.v.u.a.K. 1994, Bayer. Staatsbibliothek Munich, inv. no. Ana 656 SW 61. Called up: December 7, 2024 - ca. 13.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Hans (Jean) Arp 1886 Straßburg - 1966 Basel Remerciement pour un coup de dé. 1957. Öl auf braunem Packpapier, auf Leinwand aufgezogen. Verso auf einem Etikett signiert sowie typografisch datiert, betitelt und mit der Technikangabe bezeichnet. 120 x 70 cm (47,2 x 27,5 in), blattgroß. [AR]. • Großformatige Papierarbeit, in der Hans Arp zentrale Elemente seines Schaffens miteinander korrelieren lässt, wie Kurven und Leerformen. • Im Entstehungsjahr schafft er ein Wandrelief für das UNESCO-Gebäude in Paris mit vergleichbaren Formelementen. • Historisch bedeutsame Provenienz: ehemals Galerie Pierre (Loeb), Paris, wo 1925 die erste Ausstellung der Surrealisten stattfand, u. a. mit Werken von Hans Arp, Paul Klee, Man Ray und Max Ernst. PROVENIENZ: Galerie Pierre (Loeb), Paris (verso m. Etikett, Nr. 114). Erker-Galerie, St. Gallen. Privatsammlung Schweiz. Sammlung Schweiz. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHans (Jean) Arp 1886 Straßburg - 1966 Basel Remerciement pour un coup de dé. 1957. Oil on brown paper, laid on canvas. Signed, typographically dated, titled and inscribed with the technique on a label on the reverse. 120 x 70 cm (47.2 x 27.5 in), the full sheet. [AR]. • Large-format work on paper in which Hans Arp allows central elements of his work, such as curves and empty forms, to correlate. • In the year of its creation, he made a wall relief for the UNESCO building in Paris that features similar formal elements. • Significant provenance: formerly Galerie Pierre (Loeb), Paris, where the first Surrealist exhibition with works by, among others, Hans Arp, Paul Klee, Man Ray and Max Ernst took place in 1925. PROVENANCE: Pierre (Loeb) Gallery, Paris (with a label on reverse, no. 114). Erker-Galerie, St. Gallen. Private collection, Switzerland. From a Swiss collection. Called up: December 7, 2024 - ca. 15.54 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Felix Schlesinger 1833 Hamburg - 1910 Hamburg Kinder mit Hasen im Stall. Um 1870. Öl auf Leinwand. Links am unteren Bildrand im Holzschemel signiert. 38 x 49 cm (14,9 x 19,2 in). • Schlesinger gehört zu den bedeutendsten Vertretern der Düsseldorfer Schule, die der Genremalerei gegen Ende des 19. Jahrhunderts zu neuer Blüte verhelfen. • Neben Genre-Größen wie Ludwig Knaus, Benjamin Vautier und Franz Defregger zeichnen sich Schlesingers Werke besonders durch ihre poetisch-beschreibende, humoristische Erzählkraft aus. • Seine Kindermotive sind zu seinen Lebzeiten bereits international gesucht. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland. Felix Schlesinger gilt als bedeutender Genremaler des 19. Jahrhunderts, der im Besonderen das kindliche, unschuldig-idyllische Leben in den Blick nimmt. Ab den 1860er Jahren zeigt er vor allem kleine Bauernkinder beim Spiel oder mit ländlichen Tieren. Neben der Landschaftsmalerei verhilft besonders die Düsseldorfer Schule ebenfalls ab den 1840er Jahren der Genremalerei zu neuer Beliebtheit. So macht auch Schlesinger dort Station, nachdem er zunächst in seiner Heimatstadt Hamburg und anschließend in Antwerpen studiert hatte. Anschließend an seinen Aufenthalt in Düsseldorf begibt er sich nach Paris. 1861–1863 ist er kurzzeitig in Frankfurt tätig, bevor er sich schließlich in München als Genremaler niederlässt. Stilprägend in dieser Zeit sind die Vertreter der Düsseldorfer sowie Münchner Malerei, etwa Ludwig Knaus, Benjamin Vautier und Franz Defregger. Hatte noch Gustave Courbet in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts mit seinem anti-akademischen und programmatisch zu verstehenden Realismus für Skandale gesorgt, wird in der akademischen Genremalerei dieser Realismus nun in seiner poetisch-beschreibenden, humoristischen Erzählkraft das Ausdrucksmittel der Wahl. Eine sentimentalistische Verklärung, Stilisierung und Arrangiertheit solcher alltäglichen Szenen dient jedoch der Betonung des 'künstlichen' – sprich künstlerischen – Charakters der Darstellung, die keinesfalls vermitteln sollte, einfach eine reine Kopie der Wirklichkeit zu sein. Bereits in den Niederlanden des 17. Jahrhunderts war Alltägliches bildwürdig geworden, wobei zumeist moralisierende Implikationen oder allgemeine Aussagen zu menschlichem Verhalten vom Betrachter mitzulesen waren. Die Genremalerei des 19. Jahrhunderts konzentriert sich vor allem auf die sentimentalisierte Darstellung bäuerlichen oder bürgerlichen Lebens, oftmals im Mittelpunkt dabei die Familie, in der sämtliche Altersstufen als Ausprägung des Lebens vertreten sind. Besonders beliebt sind dabei auch die Motive mit Kindern, wie Schlesinger sie darstellt, die schon im 19. Jahrhundert international gesucht und vor allem in England und Amerika Anklang finden. [KT] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 13.21 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFelix Schlesinger 1833 Hamburg - 1910 Hamburg Kinder mit Hasen im Stall. Um 1870. Oil on canvas. Signed on the stool in the lower left margin. 38 x 49 cm (14.9 x 19.2 in). • Schlesinger was one of the most important representatives of the Düsseldorf School, which revived genre painting in the late 19th century. • Alongside great genre artists like Ludwig Knaus, Benjamin Vautier, and Franz Defregger, Schlesinger's works are characterized by their poetic-descriptive, humoristic narrative appeal. PROVENANCE: Private collection, Germany. Felix Schlesinger is considered an important genre painter of the 19th century. He put particular focus on the display of innocent and idyllic childhood life. From the 1860s, he mainly showed scenes of small farm children playing or with farm animals. In addition to landscape painting, the Düsseldorf School in particular also helped genre painting to regain popularity from the 1840s on. After he had studied in his hometown of Hamburg and then in Antwerp. Schlesinger also spent some time in Düsseldorf before he went to Paris. From 1861 to 1863 he briefly worked in Frankfurt before finally settling in Munich as a genre painter. The representatives of Düsseldorf and Munich painting, such as Ludwig Knaus, Benjamin Vautier and Franz Defregger, were particularly influential in this period. While Gustave Courbet caused scandals with his anti-academic and programmatic realism in the first half of the 19th century, this realism, with its poetic-descriptive, humorous narrative power, became the means of expression in academic genre painting. A sentimentalist glorification, stylization and arrangement of such everyday scenes, however, served to emphasize the 'artificial' – that is the artistic - character of the representation, which should in no way convey that it is simply a copy of reality. As early as in the 17th century in the Netherlands, everyday things had become worthy of being displayed, with the viewer reading mostly moralizing implications or general statements about human behavior. The genre painting of the 19th century primarily concentrated on the sentimental depiction of rural or bourgeois life, often focusing on the family, in which all age groups found representation as a characteristic of life. Motifs with children, as portrayed by Schlesinger, were particularly popular. They were sought after internationally as early as in the 19th century and were particularly popular in England and America. [KT] Called up: December 7, 2024 - ca. 13.21 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Olivier Mosset 1944 Schweiz Ohne Titel. 1974. Acryl auf Leinwand. Verso auf der umgeschlagenen Leinwand signiert und datiert. 100,5 x 100,5 cm (39,5 x 39,5 in). [KA]. • Zusammen mit Daniel Buren, Michel Parmentier und Niele Toroni gehört Olivier Mosset der ephemeren Gruppe 'BMPT' an. • Die Kreisbilder der späten 1960er und frühen 1970er Jahren gehören zu den meistgesuchten Werken des Künstlers. • Die Werke von Olivier Mosset sind u. a. in den Sammlungen der Pinault Collection, Paris, und dem Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (seit ca. 1984, Art & Public, Genf, verso auf dem Keilrahmen mit einem Etikett). 'A practice – which is really a mixture of confusions and certainties – begins as a concrete reality that gets the better of the analysis by obliterating the practice it wanted to actualize.' Olivier Mosset 1999, zit. nach: Olivier Mosset. Sans illusions, in: L’art c’est l’art, Neuchâtel, Musée d’etnographie, S. 178. Mit seinen beeindruckenden monochromen, abstrakten, geometrischen Gemälden ist Olivier Mosset eine Schlüsselfigur der Nachkriegsabstraktion. Obwohl sich sein Werk einer einfachen Kategorisierung und Fragen nach der beabsichtigten Bedeutung entzieht, lässt es sich am besten als rebellische Form der konzeptuellen Abstraktion beschreiben. Unser Werk 'Ohne Titel' von 1974 gehört zu der berühmten Serie, die der Künstler 1966–1974 schafft: eine Folge von nahezu identischen Ölgemälden mit einem schwarzen Kreis in der Mitte auf weißer Leinwand. Die Werke sind alle gleich; die Leinwände sind ein 1 Meter x 1 Meter großes, weiß bemaltes Quadrat mit einem schwarzen, 3,25 Zentimeter dicken mittigen Kreis. Der Kreis – der wegen seiner Radikalität oft als Null oder als 'O' interpretiert wird, das auf den ersten Buchstaben von Mossets Vornamen verweist – ruft ein anderes allografisches System auf: die Rundheit der musikalischen Notation. Durch seine Wiederholung wird der Kreis als stummes oder leises Pulsieren entschlüsselt. Olivier Mosset arbeitet damals bereits seit fast einem Jahrzehnt an dieser Serie und entwickelt eine klare, scharfe mechanische Bildsprache, die jeden Eindruck menschlicher Autorschaft verneint. Ähnlich wie Andy Warhol, dem Mosset 1967 begegnet, es damals mit seinen 'Campbell's Soup Cans' tut, stellen die Kreismalereien die Konzepte künstlerischer Urheberschaft, Authentizität und Wert in Frage. Mosset beginnt erstmals mit dieser Bildsprache zu experimentieren, als er Teil der Pariser anti-expressiven, anti-individualistischen 'BMPT'-Gruppe wird, zu der auch Daniel Buren, Michel Parmentier und Niele Toroni gehören. Mit ihrem experimentellen Ansatz in der Malerei versucht die Gruppe, etablierte Methoden der Kunstproduktion in Frage zu stellen und eine neue soziale und politische Funktion für Kunst und Künstler zu theoretisieren. In den zehn Jahren, in denen Olivier Mosset seine Kreisbilder sowie seine späteren Versuche mit weiteren Formen und Farben schafft, repräsentiert sein Werk weiterhin reine Materialität und regt zu offenen physischen Erfahrungen von Oberfläche, Maßstab und Muster an. Olivier Mossets Werke wurden in zahlreichen Einzel- und Gruppenausstellungen in den USA und Europa gezeigt. Er hat mehrere Retrospektiven und präsentiert 1990 seine Arbeiten im Schweizer Pavillon auf der 44. Biennale von Venedig und 2014 auf der Manifesta 10 in St. Petersburg. Die Werke von Olivier Mosset sind auch in bedeutenden ständigen Sammlungen zu sehen, darunter im Museum of Modern Art in New York, im Centre Pompidou in Paris und im Musée des beaux-arts in La Chaux-de-Fonds in der Schweiz. [KA] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 17.09 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONOlivier Mosset 1944 Schweiz Ohne Titel. 1974. Acrylic on canvas. Signed and dated on the reverse of the folded canvas. 100.5 x 100.5 cm (39.5 x 39.5 in). [KA]. • Along with Daniel Buren, Michel Parmentier and Niele Toroni, Olivier Mosset was a member of the ephemeral “BMPT” group. • The circle pictures from the late 1960s and early 1970s are among the artist's most sought-after works. • Olivier Mosset's works are part of, among others, the Pinault Collection, Paris, and the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Private collection, Southern Germany (since around 1984, Art & Public, Geneva, with a label verso on the stretcher). 'A practice – which is really a mixture of confusions and certainties – begins as a concrete reality that gets the better of the analysis by obliterating the practice it wanted to actualize.' Olivier Mosset 1999, quoted from: Olivier Mosset. Sans illusions, in: L’art c’est l’art, Neuchâtel, Musée d’etnographie, p. 178. With his striking monochromatic abstract geometric paintings, Olivier Mosset is a critical figure in post-war abstraction. Although his work defies easy categorization and questions of intended meaning, it is best described as a rebellious form of conceptual abstraction. Our work “Untitled” from 1974 is part of the famous series the artist created from 1966 to 1974: a series of almost identical oil paintings with a black circle in the center of a white canvas. All the works are identical; the canvases measure 1 meter x 1 meter, with a square painted white and a black, 3.25-centimeter-thick circle in the center. The circle – often interpreted as a zero or an “O” because of its radicalness, which refers to the first letter of Mosset's first name – invokes another allographic system: the roundness of musical notation. Through its repetition, the circle is decoded as a mute or quiet pulsation. Mosset worked on this series for almost a decade, developing a clear, sharp, mechanical visual language that negates any impression of human authorship. Like Andy Warhol, whom Mosset met in 1967 and pursued the same path with his “Campbell's Soup Cans,” the circle paintings question the concepts of artistic authorship, authenticity, and value. Mosset began experimenting with this imagery when he became part of the anti-expressive, anti-individualist Parisian “BMPT” group, including Daniel Buren, Michel Parmentier, and Niele Toroni. Through their experimental approach to painting, the group sought to challenge established art production methods and proposed theories about a new social and political function for art and artists. During the decade that Olivier Mosset was occupied with the circle paintings and his later experiments with other shapes and colors, his work continued to represent pure materiality and to encourage open physical experiences involving surface, scale, and pattern. Olivier Mosset's works have been featured in countless solo and group exhibitions in the United States and Europe. He has had several retrospectives and presented his work in the Swiss Pavilion at the 44th Venice Biennale in 1990 and Manifesta 10 in St. Petersburg in 2014. Olivier Mosset's works are part of major collections, including the Museum of Modern Art in New York, the Centre Pompidou in Paris and the Musée des beaux-arts in La Chaux-de-Fonds in Switzerland. [KA] Called up: December 7, 2024 - ca. 17.09 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Emil Schumacher 1912 Hagen - 1999 San José/Ibiza Xerxes. 1960. Öl und Sand auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. 100 x 80 cm (39,3 x 31,4 in). [JS]. • Starke, frühe Komposition aus Schumachers erster informeller Werkphase. • Perfekte Symbiose aus Titel und Komposition: Steinreliefs haben die Physiognomie des persischen Herrschers und äyptischen Pharaos Xerxes überliefert. • In den 1950er Jahren beginnt Schumacher die haptische Präsenz der Farbe durch das Beimischen von Sand zu steigern und schafft in 'Xerxes' eine an archaische Gesteinformationen erinnernde Farblandschaft. • 1961 in der Kootz Gallery, New York, ausgestellt und anschließend Teil einer amerikanischen Privatsammlung. Die Arbeit ist im Emil Schumacher Archiv, Emil Schumacher Museum, Hagen, registriert. Wir danken Herrn Rouven Lotz für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Kootz Gallery, New York (1961 direkt vom Künstler). Sammlung Catherine Epstein, New York (vom Vorgenannten erworben, bis 2016). Nachlass Catherine Epstein, New York (seit 2016). AUSSTELLUNG: 16 american and european artists, Samuel M. Kootz Gallery, New York (auf dem Keilrahmen mit dem Galerieetikett). Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Köln 1987, S. 27. Ab 1950 findet ein radikaler Umbruch in Schumachers malerischem Œuvre statt, das sich vom Gegenstand als Bildmotiv verabschiedet und sich schließlich um 1955 ganz für die reine Ausdruckskraft der Malerei entscheidet. Farbe, Linie und Materialität dominieren fortan sein Schaffen. Dieser stilistische Wandel vollzieht sich vor dem Hintergrund eines Zeitstils, der von der französischen École de Paris, dem Tachismus und vom amerikanischen Action-Painting geprägt ist. Schumacher fügt dem eigentlichen Malmittel, der Farbe, Sand hinzu, um die größtmögliche plastische Wirkung zu erreichen. Durch die pastosen Malmittel wird der Dualismus von Grund und malerischer Form aufgehoben und die kompositionelle Gliederung zugunsten einer lebendigen Farblandschaft in den Hintergrund gedrängt. Schumacher breitet ein an verkrustete Lehm- und Erdschichten erinnerndes Relief vor dem Betrachter aus und generiert auf diese Weise eine einzigartige Bildsprache, deren kraftvoller Ausdruck von ihrer haptischen Präsenz getragen wird. In der Pressemitteilung des MKM Museum Küppersmühle, Duisburg, zur großen Einzelausstellung 'Emil Schumacher – Inspiration und Widerstand' (15. November 2018 bis 10. März 2019) heißt es: 'Die Kunst der Gegenwart ist ohne ihn nicht denkbar: Emil Schumacher (1912–1999) zählt zu den wichtigsten Protagonisten der deutschen Nachkriegsabstraktion, die einen radikalen Neuanfang in der Kunst nach dem Zweiten Weltkrieg wagten und mit neuen Bildfindungen der Vergangenheit entgegentraten.' Schumacher hat die Farbe von der Form und die Linie vom Motiv befreit und durch diesen radikal emanzipatorischen Akt eine Entgrenzung der Malerei von der Fläche erreicht. Die vorliegende, hoch dynamische Komposition 'Xerxes' ist ein wunderbar frühes Zeugnis für Schumachers künstlerisch wegweisende Entscheidung, die Malerei durch den Aufbruch in die dritte Dimension zu entgrenzen. Um die reliefartige Wirkung seiner Gemälde noch zu steigern, bezieht Schumacher dann in späteren Werkphasen neben Sand auch weitere kunstfremde Materialien wie Steine, Blei, Asphalt oder Sisal in seine Kompositionen mit ein. [JS] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.37 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEmil Schumacher 1912 Hagen - 1999 San José/Ibiza Xerxes. 1960. Oil and sand on canvas. Signed and dated lower right. 100 x 80 cm (39.3 x 31.4 in). [JS]. • Strong, early composition from Schumacher's first informal work phase. • Perfect symbiosis of title and composition: the physiognomy of the Persian ruler and Egyptian pharaoh 'Xerxes' has been handed down in stone reliefs. • In the 1950s, Schumacher began to increase the haptic presence of the paint by adding sand, creating a color landscape in 'Xerxes' that recalls archaic rock formations. • Exhibited in 1961 at the Kootz Gallery, New York, and since then part of an American private collection. The work is registered in the Emil Schumacher Archive, Emil Schumacher Museum, Hagen. We are grateful to Mr. Rouven Lotz for his kind expert advice. PROVENANCE: Kootz Gallery, New York (from the artist in 1961). Catherine Epstein Collection, New York (acquired from the above - 2016). Catherine Epstein Estate, New York (since 2016). EXHIBITION: 16 american and european artists, Samuel M. Kootz Gallery, New York (with the gallery label on the stretcher). Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Cologne 1987, p. 27. Schumacher's oeuvre faced a radical change in 1950 when he abandoned the object as a pictorial motif and finally, around 1955, decided in favor of the pure expressive power of painting. From then on, color, line and materiality dominated his work. This stylistic change took place against the background of a contemporary style influenced by the French École de Paris, Tachism and American Action Painting. Schumacher added sand to the paint, in order to achieve the greatest possible plasticity. The impasto painting medium eliminates the dualism of ground and painterly form and pushes the compositional structure into the background in favor of a lively color landscape. Schumacher spread out a relief reminiscent of encrusted layers of clay, thus generating a unique pictorial language with a powerful expression supported by its haptic presence. The press release of the MKM Museum Küppersmühle, Duisburg, on the occasion of the large solo exhibition 'Emil Schumacher - Inspiration und Widerstand” (Inspiration and Resistance, November 15, 2018 to March 10, 2019) reads: 'Contemporary art is inconceivable without him. Emil Schumacher (1912-1999) is one of the most important protagonists of German postwar abstraction, who dared a radical new beginning in art after World War II and confronted the past with new pictorial inventions.” Schumacher liberated color from form and line from motif, and through this radically emancipatory act, he achieved a dissociation of painting and surface. This highly dynamic composition is a wonderfully early example of Schumacher's artistically groundbreaking decision to delimit painting by exploring the third dimension. With the aim of enhancing the relief-like effect of his paintings, Schumacher incorporated other non-art materials such as stones, lead, asphalt, and sisal into his later compositions. [JS] Called up: December 7, 2024 - ca. 16.37 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Gerhard Altenbourg 1926 Rödichen - 1989 Altenburg Um die Nacht. 1952. Mischtechnik. Tusche, Aquarell und Ölstift. Rechts unten signiert, datiert und betitelt. Auf dünnem Karton. 63,5 x 89,5 cm (25 x 35,2 in), blattgroß. [EH]. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt. • Fantasievolle, poetische Arbeit in unglaublichem Detailreichtum und technischer Virtuosität. • 1959 nimmt Altenbourg an der documenta II teil. • Altenbourgs Arbeiten befinden sich unter anderem in der Sammlung des New Yorker Museum of Modern Art. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen (Galerie Springer, 1966). AUSSTELLUNG: Gerhard Altenbourg. Wanderausstellung u. a. Haus am Waldsee, Berlin, 20.9.-2.11.1969; Kunsthalle Baden-Baden, Nov./Dez. 1969; Galerie Brusberg, Hannover, 8.3.-12.4.1970; Kunsthalle Düsseldorf, 7.7.-9.8.1970; Kunstverein Hamburg, 30.5.-28.6.1970. 15 artisti tedeschi - 15 deutsche Künstler. La situazione dell'uomo nel tempo presente. XXVII. Biennale Nazionale dell'Arte, Palazzo della Permanente, Mailand, Dez. 1971-Jan. 1972; Kunstverein Darmstadt, Feb./März 1972. LITERATUR: Annegret Janda, Gerhard Altenbourg. Monographie und Werkverzeichnis, Bd. 1: 1937-1958, Köln 2004, WVZ-Nr. 52/16. Dieter Brusberg (Hrsg.), Gerhard Altenbourg. Werk-Verzeichnis 1947-1969, unter Mitarbeit von Annegret Janda, Hannover 1969, WVZ-Nr. 52/16 (m. Abb.). Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.46 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGerhard Altenbourg 1926 Rödichen - 1989 Altenburg Um die Nacht. 1952. Mixed media. India ink, watercolor and oil paint pen. Signed, dated and titled lower right. On thin cardboard. 63.5 x 89.5 cm (25 x 35.2 in), the full sheet. [EH]. • This is the first time that this work is offered on the international auction market. • Imaginative, poetic work displaying incredible attention to detail and technical virtuosity. • Altenbourg took part in documenta II in 1959. • Altenbourg's works are part of the collection of the Museum of Modern Art in New York, among others. PROVENANCE: Private collection, Hesse (Galerie Springer, 1966). EXHIBITION: Gerhard Altenbourg. Touring exhibition, including stops at Haus am Waldsee, Berlin, September 20–November 2, 1969; Kunsthalle Baden-Baden, November–December 1969; Galerie Brusberg, Hannover, March 8 - April 12, 1970; Kunsthalle Düsseldorf, July 7 - August 9, 1970; Kunstverein Hamburg, May 30 - June 28, 1970. 15 artisti tedeschi - 15 deutsche Künstler. La situazione dell'uomo nel tempo presente. XXVII. Biennale Nazionale dell'Arte, Palazzo della Permanente, Milan, Dec. 1971 - Jan. 1972; Kunstverein Darmstadt, Feb./March 1972. LITERATURE: Annegret Janda, Gerhard Altenbourg. Monographie undWerkverzeichnis, vol. 1: 1937-1958, Cologne 2004, cat. rais. no. 52/16. Dieter Brusberg (ed.), Gerhard Altenbourg. Werk-Verzeichnis 1947-1969, with the assistance of Annegret Janda, Hannover 1969, cat. rais. no. 52/16 (illustrated). Called up: December 7, 2024 - ca. 15.46 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Karin Kneffel 1957 Marl - lebt und arbeitet in Düsseldorf Ohne Titel. 2016. Öl auf Leinwand. Verso signiert und mit der Werknummer '2016/4' bezeichnet. 160,5 x 130 cm (63,1 x 51,1 in). • Kneffel arbeitet hier wie Richter nach historischen Fotoaufnahmen und adaptiert diese malerisch. • Die in dieser Bildserie künstlerisch rekonstruierte Sammlung Hermann Lange beinhaltete einige der wichtigsten Werke der modernen Kunst. • Das dargestellte Werk von Chagall befindet sich im Städel – die Frankfurter Hängung wird hier von Kneffel korrigiert, sie gibt das Gemälde wie historisch gesehen andersherum wieder. • Die Künstlerin spielt mit Realität und Fiktion auf verschiedenen Bildebenen. • Von 2008 bis 2022 hält Kneffel eine Professur an der Akademie der Bildenden Künste in München. • Gemälde der Künstlerin befinden sich in bedeutenden öffentlichen Sammlungen, u. a. der Pinakothek der Moderne, München, dem Museum Frieder Burda, Baden-Baden, und der Olbricht Collection, Berlin. Auf der offiziellen Webseite der Künstlerin aufgeführt. PROVENIENZ: Gagosian Gallery, Beverly Hills. Privatsammlung (2016 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Karin Kneffel: New Works, Gagosian Gallery, Beverly Hills, 28.4.-11.6.2016. 'So ist der erste Eindruck, den ein Betrachter von Karin Kneffels Gemälden gewinnt, bis heute der einer virtuos inszenierten Künstlichkeit und einer nicht zu überwindenden Unsicherheit und Brüchigkeit unseres bildhaften Zugangs zur Welt [..].' Thomas Wagner, in: Karin Kneffel. Haus am Stadtrand, Krefeld 2009, S. 71. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 18.01 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarin Kneffel 1957 Marl - lebt und arbeitet in Düsseldorf Ohne Titel. 2016. Oil on canvas. Signed and inscribed with the work number “2016/4” on the reverse. 160.5 x 130 cm (63.1 x 51.1 in). • Kneffel, like Richter, uses historical photographs that she adapts in a painterly manner. • The Hermann Lange Collection, reconstructed by Kneffel in this series, included some of the most important works of Modern art. • The Chagall painting shown here is in the Städel Museum in Frankfurt, while Kneffel corrects how it is displayed there. She renders the painting the other way around, as historically seen. • The artist plays with reality and fiction on different pictorial levels. • Kneffel held a professorship at the Academy of Fine Arts in Munich from 2008 to 2022. • Paintings by the artist can be found in significant public collections, including the Pinakothek der Moderne, Munich, the Museum Frieder Burda, Baden-Baden, and the Olbricht Collection, Berlin. Listed on the artist's official website. PROVENANCE: Gagosian Gallery, Beverly Hills. Private collection (acquired from the above in 2016). EXHIBITION: Karin Kneffel: New Works, Gagosian Gallery, Beverly Hills, April 28 - June 11, 2016. 'Indeed, the first impression that observers of Karin Kneffel's paintings gain is one of a virtuously staged artificiality and an insurmountable insecurity and fragility of our pictorial access to the world [..].' Thomas Wagner, in: Karin Kneffel. Haus am Stadtrand, Krefeld 2009, p. 71. Called up: December 7, 2024 - ca. 18.01 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Markus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Kopf des Ganymed. 1995. Bronze bemalt. Seitlich unterhalb der linken Schulter mit dem Künstlermonogramm sowie verso rechts auf der Plinthe mit der Nummerierung und der Bezeichnung 'GMW'. Aus einer Auflage von 6 Exemplaren. Höhe: 60 cm (23,6 in). [KA]. • Die Bemalung von der Hand des Künstlers macht das Werk zum Unikat. • Markus Lüpertz ist ein Meister des Fragmentarischen und des Urmaterials, das jenseits der Erzählung unmittelbare Emotionen hervorruft. • Hier wird der griechische Held Ganymed, der 'Schönste aller Sterblichen' (Homer), dargestellt. • Zum ersten Mal auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde von Prof. Markus Lüpertz bestätigt, dem wir für die freundliche Unterstützung danken. PROVENIENZ: Galerie Michael Werner, Berlin. Vom jetzigen Eigentümer vom Vorgenannten erworben. 'Köpfe von Markus Lüpertz [sind] nicht unmittelbarer Ausdruck einer reinen Idee, vielmehr sind sie von Menschenhand gemacht. Sie bleiben deshalb ewig unvollendet. Ihre Oberfläche zeigt deutliche Spuren der Bearbeitung, die Proportionen widersprechen jeder anatomischen Richtigkeit. Nichts ist so, wie es sein soll. Auch der Kopf des Ganymed (1995) ist versehrt und gequält, brüchig und fragil, keineswegs mehr der Schönste aller Sterblichen.' Ferdinand Ullrich, Die Schönheit der Figur und die Erkenntnis der Welt, 2019, S. 5. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 17.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMarkus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Kopf des Ganymed. 1995. Bronze, painted. Monogrammed on the side below the left shoulder, numbered and inscribed “GMW” on the back right of the plinth. One of 6 copies. Height: 60 cm (23.6 in). [KA]. • The paintwork applied by the artist's hand makes each work a unique piece. • Markus Lüpertz is a master of fragmentation and the use of primeval material, thus evoking emotions beyond the narrative. • This work depicts the Greek hero Ganymede, the “most beautiful of all mortals” (Homer). • Offered for the first time on the international auction market (source: artprice.com). The authenticity of the present work has been confirmed by Prof. Markus Lüpertz, to whom we are grateful for his kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Galerie Michael Werner, Berlin. Acquired by the current owner from the above. 'The heads by Markus Lüpertz [are] not a direct expression of a pure idea, in fact, they are man-made. They will remain unfinished forever. Their surfaces show clear traces of treatment, the proportions contradict any anatomical correctness. Nothing is as it should be. Even the head of Ganymede (1995) is wounded and tormented, brittle and fragile, no longer the most beautiful of all mortals.' Ferdinand Ullrich, Die Schönheit der Figur und die Erkenntnis der Welt, 2019, p. 5 Called up: December 7, 2024 - ca. 17.02 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R), artist´s resale right compensation is due.
Stephan Balkenhol 1957 Fritzlar - lebt und arbeitet in Karlsruhe und Meisenthal Frau in gelben Shorts. 2019. Wawa-Holz, farbig gefasst. Höhe: 56 cm (22 in). Mit dem Sockel: 166,5 cm (65,6 in). [CH] Der Strichcode des Lebens – Die Sammlung Hans Braun Weitere Werke der Sammlung werden in unserem zeitgleich stattfindenden Online Sale (Auktion endet am 15.12.2024) angeboten. • Charakteristische Holzarbeit von hohem Wiedererkennungswert. • Durch die Aufsockelung auf Augenhöhe von großer räumlicher Präsenz. • Im Mittelpunkt von Balkenhols künstlerischem Schaffen steht der Mensch, den der Künstler nicht als einzigartiges Individuum darstellt, sondern ein Stück weit als anonymisierte, durchschnittliche und doch seltsam vertraut wirkende, greifbare und ausdrucksstarke Person. • Mit traditionellen Werkzeugen wie Hohleisen, Schnitzmesser und Klöpfel werden die Figuren aus dem Holz geschlagen und geschnitten. • So nutzt Balkenhol die klassische Form der Holzbildhauerei und kehrt zur Urtechnik dieser Gattung zurück. • Der traditionellen Technik stellt der Künstler hier außergewöhnlich zeitgenössische Kleidungsstücke gegenüber. PROVENIENZ: Galerie Löhrl, Mönchengladbach. Sammlung Hans Braun, Baden-Württemberg (vom Vorgenannten erworben). 'Meine Arbeiten sind keine Porträts im konkreten Sinne, sie stellen niemand Bestimmtes dar, sind aber auch nicht nur Zeichen oder Symbol [..].' Stephan Balkenhol, 1988, in einem Gespräch mit Rainer Krone, zit. nach: Ausst.-Kat. 'BINATIONALE'. Deutsche Kunst der späten 80er Jahre, Köln 1988. 'Ich will alles auf einmal: Sinnlichkeit, Ausdruck, aber nicht zuviel, Lebendigkeit, aber keine oberflächliche Geschwätzigkeit, Momentaneität, aber keine Anekdote, Witz, aber keine Kalauer, Selbstironie, aber keinen Zynismus. Und in erster Linie eine schöne, stille, bewegte, viel- und nichts-sagende Figur. Die Figur soll über sich hinauswachsen, über sich und über andere Dinge erzählen, ohne sich zu verrenken und Grimassen zu schneiden.' Stephan Balkenhol, zit. nach: Hans Werner Schmidt (Hrsg.), Stephan Balkenhol, Museum der bildenden Künste, Leipzig 2001, S. 2. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONStephan Balkenhol 1957 Fritzlar - lebt und arbeitet in Karlsruhe und Meisenthal Frau in gelben Shorts. 2019. Wawa-Wood, in color. Height: 56 cm (22 in). Including base: 166,5 cm (65,6 in). More works from the collection are available in our Online Sale (ends December 15, 2024). • Characteristic woodwork of high recognition value. • The base puts the work at eye level with the observer and lends it an impressive spatial presence. • Man is a central theme in Balkenhol's work. Not to represent the human being as a unique individual, but as an anonymous yet strangely familiar person. • Using traditional tools such as gouges, carving knives and mallets, the figures are hewn and cut out of the wood. • Balkenhol uses the classic form of wood carving and returns to the original technique of this genre. • The artist juxtaposes the traditional technique with exceptionally contemporary apparel. PROVENANCE: Galerie Löhrl, Mönchengladbach. Hans Braun Collection, Baden-Württemberg (acquired from the above). “My works are not portraits in a narrow sense, they do not represent anyone in particular, but they are also not just signs or symbols [..].” Stephan Balkenhol, 1988, in a conversation with Rainer Krone, quoted in: ex. cat. “BINATIONALE”. Deutsche Kunst der späten 80er Jahre, Cologne 1988. “I want everything at once: sensuality, expression, but not too much, liveliness, but no shallow banter, immediacy, but no anecdotes, wit, but no corny jokes, self-irony, but no cynicism. And first and foremost, a beautiful, silent, emotional figure that says a lot and nothing. The figure should transcend itself, tell about itself and about other things without contorting or grimacing.” Stephan Balkenhol, quoted in: Hans Werner Schmidt (ed.), Stephan Balkenhol, Museum der bildenden Künste, Leipzig 2001, p. 2. Called up: December 7, 2024 - ca. 16.38 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Theodoros Stamos 1922 New York - 1997 Ioannina (Griechenland) Infinity Field - Lefkada Series. 1982. Öl auf Leinwand. Auf der umgeschlagenen Leinwand signiert, datiert, betitelt und nummeriert mit '#10' sowie mit den Maßangaben versehen. 153 x 153 cm (60,2 x 60,2 in). [AW]. • Ausdrucksstarkes Beispiel für die Steigerung der Synthese von Farbe und Farbraumkörper in Stamos Werk. • Ein erster Aufenthalt 1970 auf der griechischen Insel Lefkada, nach dem Freitod seines engen Freundes Mark Rothko, hinterlässt einen tiefen Eindruck beim Künstler. • Die 'Infinity Field Series' ist als Reflektion von Landschaft, Natur, Meer und griechischen Mythen zu verstehen. • Stamos ist ein wichtiger Vertreter des abstrakten Expressionismus, bereits 1942 findet die erste Einzelausstellung in der Betty Parsons Gallery in New York statt. PROVENIENZ: Aus einer deutschen Unternehmenssammlung. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.35 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONTheodoros Stamos 1922 New York - 1997 Ioannina (Griechenland) Infinity Field - Lefkada Series. 1982. Oil on canvas. Signed, dated, titled, numbered “#10” and inscribed with the dimensions on the folded canvas. 153 x 153 cm (60.2 x 60.2 in). [AW]. • Expressive example of the increased color and color space synthesis in Stamos' work. • A first stay on the Greek island of Lefkada in 1970, after the suicide of his close friend Mark Rothko, left a deep impression on the artist. • The 'Infinity Field Series' should be understood as a reflection of landscape, nature, the sea, and Greek mythology. • Stamos is an important representative of Abstract Expressionism; he had his first solo exhibition at the Betty Parsons Gallery in New York as early as 1942. PROVENANCE: From a German corporate collection. Called up: December 7, 2024 - ca. 16.35 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R), artist´s resale right compensation is due.
Hermann Nitsch 1938 Wien - 2022 Mistelbach Schüttbild mit Malhemd. 1989. Mischtechnik auf Leinwand. Öl und Dispersionsfarbe auf Jute, mit Malhemd. Verso signiert und datiert. 200 x 300 cm (78,7 x 118,1 in). [AR]. • Großformatiges, unverkennbar kraftvolles Schüttbild mit Malhemd. • Religiöse Bezüge sind charakteristisch für Nitsch, wie auch hier durch die Verwendung der liturgischen Farben Blau und Grün. • Das Malhemd verweist auf den körperlichen Entstehungsprozess und ruft Assoziationen zu Kreuzigungs-Darstellungen hervor. • Nitsch gilt als Hauptvertreter des Wiener Aktionismus und sein Gesamtwerk als wegweisender Beitrag zur Kunst des 20. Jahrhunderts. PROVENIENZ: Galerie Steinek, Wien. Firmensammlung Ahlers AG, Herford (2006 von Vorgenanntem erworben). AUSSTELLUNG: Fetische des Blicks. Mode und Verführung, Stiftung Ahlers Pro Arte, Herford, 11.9.2021-16.1.2022, S. 18/19. 'das hemd wird oft als höchster schmuck und trophäe auf ein bild gehängt, um dessen farbgefüge zu bereichern, es gibt bilder, die brauchen kein hemd, andere verlangen danach' Hermann Nitsch, Das Malhemd, 1991, zit. nach: Dietmar Haubenhofer, Hermann Nitsch. Das Konzept des Orgien Mysterien Theaters. Malaktionen, Prinzendorf 2013, S. 122. Ab Mitte der 1950er Jahre entwickelt der österreichische Künstler Hermann Nitsch eine neue Kunstform, die bestehend aus Musik, Literatur und Kunst zu einem alle Sinne ansprechenden Gesamtkunstwerk verschmelzen soll. Als Teildisziplin seines 'Orgien Mysterien Theaters' ist die Malerei dabei nicht nur Ausgangspunkt, sondern auch Endresultat zahlreicher Aktionen und fest im Schaffen des Künstlers verankert. Ab 1989 entstehen die ersten vielfarbigen 'Schüttbilder', die sich aus unterschiedlichen Schichten zusammensetzen und wiederholt die liturgischen Farben Grün, Rot, Violett, Weiß und Schwarz beinhalten. Eine Ausstellung in der Albertina in Wien im Jahr 2019 hat die große Bandbreite von Nitschs Malerei erst kürzlich eindrucksvoll unter Beweis gestellt. In einem Beitrag zur Ausstellung beschreibt Hermann Nitsch die Farbe als 'ein gewaltiges Phänomen'. Seine Aktionsmalerei ist Ausdruck dieser lebenslangen Begeisterung für die Materie und die Werke bleibende Zeugnisse seiner mittlerweile legendären und vielfach dokumentierten Malaktionen. Neben der Farbe kommt auch dem Malhemd eine ganz besondere Rolle zu. 1991 schreibt Hermann Nitsch: '[.] das hemd wird oft als höchster schmuck und trophäe auf ein bild gehängt, um dessen farbgefüge zu bereichern, es gibt bilder, die brauchen kein hemd, andere verlangen danach' (Hermann Nitsch, Das Malhemd, 1991, zit. nach: Dietmar Haubenhofer, Hermann Nitsch. Das Konzept des Orgien Mysterien Theaters. Malaktionen, Prinzendorf 2013, S. 122). Dem hier in der Mitte der Leinwand angebrachten Exemplar sind die Spuren des sehr körperlichen, alle Sinne ansprechenden Entstehungsprozesses deutlich anzusehen und ruft dabei unweigerlich Assoziationen zu Kreuzigungs-Darstellungen hervor. Die Bezugnahme auf Religionen, philosophische Weltanschauungen sowie jahrtausendealte mystische Kulte ist charakteristisch für Hermann Nitschs Gesamtkunstwerk und tritt in unterschiedlichen Handlungen, Relikten und Assoziationsebenen immer wieder von neuem zutage. Nicht immer stieß Nitschs Kunstverständnis in der Öffentlichkeit auf Zustimmung, insbesondere in der Anfangszeit. Über die Jahrzehnte bis zu seinem Tod im Jahr 2022 hat sich der Blick auf sein Schaffen allerdings stetig verändert. Insbesondere seine frühen Werke sind heute als wegweisender Beitrag zur Kunst des 20. Jahrhunderts anerkannt und üben in ihrer Gesamtheit nach wie vor eine große Faszination auf sein Publikum aus. [AR] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 17.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHermann Nitsch 1938 Wien - 2022 Mistelbach Schüttbild mit Malhemd. 1989. Mixed media on canvas Oil and dispersion paint on jute. Signed and dated. 200 x 300 cm (78.7 x 118.1 in). [AR]. • Large-format, unmistakably powerful Pour Painting with the painter's shirt. • Religious references are characteristic of Nitsch's work, as is the case here with the use of the liturgical colors blue and green. • The painting shirt refers to the physical process of artistic production and evokes associations with depictions of the crucifixion. • Nitsch is regarded the main representative of Viennese Actionism and his oeuvre as a groundbreaking contribution to the art of the 20th century. PROVENANCE: Galerie Steinek, Vienna. Corporate Collection Ahlers AG, Herford (acquired from the above in 2006). EXHIBITION: Fetische des Blicks. Mode und Verführung, Foundation Ahlers Pro Arte, Herford, September 11, 2021 - January 16, 2022, pp. 18/19. 'The shirt is often hung on a painting as the highest adornment and trophy to enrich its color structure. There are paintings that don't need a shirt, others desperately need it.” Hermann Nitsch, Das Malhemd, 1991, quoted from: Dietmar Haubenhofer, Hermann Nitsch. Das Konzept des Orgien Mysterien Theaters. Malaktionen, Prinzendorf 2013, p. 122. Starting in the mid-1950s, the Austrian artist Hermann Nitsch sought to create a new form of art that would combine music, literature, and visual arts in the sense of Gesamtkunstwerk, a synthesis of arts that appealed to all the senses. As a sub-discipline of his “Orgien Mysterien Theater” (Theater of Orgies and Mysteries), painting served not only as impetus but also as the outcome of numerous actions and is firmly anchored in the artist's oeuvre. In 1989, the first multi-colored “Schüttbilder” (Poured Paintings) were created. Composed of different layers, they repeatedly incorporate the liturgical colors green, red, violet, white, and black. An exhibition at the Albertina in Vienna in 2019 impressively demonstrated the wide range of Nitsch's artwork. In an essay accompanying the exhibition, Hermann Nitsch described color as “a powerful phenomenon.” His action painting expresses this lifelong enthusiasm for the material, and the works are lasting testimonies to his legendary and widely documented painting actions. Apart from the color, the painter's shirt also plays a special role. In 1991, Hermann Nitsch wrote: “[.] the shirt often adorns a painting as the highest kind of decoration and trophy to enrich its color structure; there are paintings that do not need a shirt, others demand it” (Hermann Nitsch, Das Malhemd, 1991, quoted from: Dietmar Haubenhofer, Hermann Nitsch. Das Konzept des Orgien Mysterien Theaters. Malaktionen, Prinzendorf 2013, p. 122). The shirt attached to the center of the present work shows clear traces of the very physical, sensual process of its creation, inevitably evoking associations with depictions of the crucifixion. References to religious and philosophical worldviews, as well as ancient mystical cults, are characteristic of Hermann Nitsch's Gesamtkunstwerk; they appear time and again in various actions, relics, and layers of associations. Nitsch's concept of art was not always met with public approval, especially in the early days. Until his death in 2022, however, the general view of his work has steadily changed. His early works, in particular, are now recognized as a pioneering contribution to 20th-century art and, in their entirety, continue to fascinate his audience. [AR] Called up: December 7, 2024 - ca. 17.07 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Karl Hartung 1908 Hamburg - 1967 Berlin Große Katze. 1950/1952. Bronze mit dunkelgrau-grüner Patina. Auf der Standfläche mit dem Nachlassstempel. Eines von 6+1 Exemplaren. Höhe: 48 cm (18,8 in). Autorisierter Guss aus dem Nachlass des Künstlers. [CH]. • In den Nachkriegsjahren erlebt Hartung eine besonders fruchtbare Schaffensphase sowie seinen künstlerischen Durchbruch. • Tierdarstellungen haben in seinem Œuvre dieser Jahre einen wichtigen Stellenwert: Durch sie findet der Künstler seinen ganz eigenen Weg zur abstrahierten Form. • Kunstvolle Reduktion auf die wesentlichen äußeren Merkmale und charakteristischen Wesenszüge des Tieres. • Ein Exemplar dieser Bronze wird erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). Wir danken dem Nachlass Karl Hartung für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Galerie Pels-Leusden, Berlin. Privatsammlung Süddeutschland (1998 vom Vorgenannten erworben). Seitdem in Familienbesitz. AUSSTELLUNG: Auf leisen Pfoten. Die Katze in der Kunst, Städtische Galerie, Karlsruhe, 9.12.2006-15.4.2007 (anderes Ex.). LITERATUR: Markus Krause, Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur (Monographie und Werkverzeichnis), München 1998, S. 237, WVZ-Nr. 453 (m. SW-Abb.). Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Hartung 1908 Hamburg - 1967 Berlin Große Katze. 1950/1952. Bronze with grayish-green patina. With the estate stamp on the base. From an edition of 6+1 copies. Height: 48 cm (18.8 in). Authorized cast from the estate. [CH]. • Hartung had a particularly prolific creative phase in the post-war years that led to his artistic breakthrough. • Depictions of animals played an essential role in his oeuvre from this period, helping him discover his path to abstraction. • Elaborate reduction to the essential external features and characteristic traits. • This is the first time a copy of this bronze is offered on the international auction market (source: artprice.com). We are grateful to the Karl Hartung Estate for the kind expert advice. PROVENANCE: Galerie Pels-Leusden, Berlin. Private collection, Southern Germany (acquired from the above in 1998). In family ownership. EXHIBITION: Auf leisen Pfoten. Die Katze in der Kunst, Städtische Galerie, Karlsruhe, December 9, 2006 - April 15, 2007 (different copy). LITERATURE: Markus Krause, Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur (monograph and catalogue raisonné), Munich 1998, p. 237, no. 453 (illustrated in b/w). Called up: December 7, 2024 - ca. 15.47 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Katharina Grosse 1961 Freiburg i. Br. - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel. 2020. Acryl und Aquarellfarbe auf schwerem Papier. Verso signiert und datiert. 120,5 x 89 cm (47,4 x 35 in). [AR]. • Fluide Farbflüsse auf Papier: Katharina Grosse erschafft eine Farbwelt von großer Sinnlichkeit. • Im Entstehungsjahr wählte der Kunstkompass die Berliner Künstlerin erstmals unter die Top 100 der wichtigsten zeitgenössischen Positionen weltweit. • Seit 2017 wird sie von der Gagosian Gallery, New York, vertreten und zählt zu den weltweit erfolgreichsten Künstlerinnen der Gegenwart. Die Arbeit ist unter der Archivnummer '2020/3034_NZ' im Studio Katharina Grosse, Berlin, verzeichnet. Wir bedanken uns für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: König Galerie, Berlin. Privatsammlung Österreich. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 18.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKatharina Grosse 1961 Freiburg i. Br. - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel. 2020. Acrylic and watercolor on sturdy paper. Signed and dated on the reverse. 120.5 x 89 cm (47.4 x 35 in). [AR]. • Fluid color streams on paper: Katharina Grosse creates a chromatic world characterized by great sensuality. - In the year the work was created, Art Compass ranked the Berlin-based artist among the top 100 most critical contemporary positions worldwide for the first time. - Since 2017, she has been represented by the Gagosian Gallery in New York and is one of the most successful contemporary artists in the world. The work is registered in the Studio Katharina Grosse, Berlin, under the archive number “20. We are grateful for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: König Galerie, Berlin. Private collection, Austria. Called up: December 7, 2024 - ca. 18.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Henri Matisse 1869 Le Cateau/Nordfrankreich - 1954 Cimiez bei Nizza Odalisque, Nice 1931. 1931. Tuschfederzeichnung. Rechts unten monogrammiert. Auf Velin von Arches (mit dem Wasserzeichen 'MBM'). 28 x 38,1 cm (11 x 15 in), Blattgröße. Bis zum 26. Januar 2025 zeigt die Fondation Beyeler in Riehen/Basel die erste Henri-Matisse-Retrospektive in der Schweiz und im deutschsprachigen Raum seit fast 20 Jahren, in der auch die sinnlichen Gemälden der Nizza-Periode und der 1930er Jahre enthalten sind. [CH]. • Der Akt gehört zu den bedeutendsten Motiven im Schaffen von Henri Matisse. • Seine feinen, filigranen Zeichnungen beweisen die große Macht der Linie: Mit wenigen konturierenden Strichen erschafft Matisse eine eindrucksvolle Körperlichkeit und emotionale Stimmungshaltung. • Vergleichbare Zeichnungen aus den späten 1920er und 1930er Jahren befinden sich u. a. in den Sammlungen des Centre Pompidou, Paris, des Art Institute of Chicago, des Museum of Modern Art und des Metropolitan Museum of Art in New York. Mit einer Fotoexpertise von Wanda de Guébriant, Paris, vom 8. März 1988. Das Werk ist in den Archives Matisse unter der Nummer U 134 verzeichnet. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers. Privatsammlung Paris. Privatsammlung Paris (mindestens seit 1988). Privatsammlung Mailand. Privatsammlung Deutschland Privatsammlung Hessen (2014 vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Guy Martinot, Yves Savignat, Denis Antoine, Pontoise, 15.12.2001, Los 220 A. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHenri Matisse 1869 Le Cateau/Nordfrankreich - 1954 Cimiez bei Nizza Odalisque, Nice 1931. 1931. Pen and India ink drawing. Monogrammed lower right. On Arches wove paper (with the watermark 'MBM'). 28 x 38.1 cm (11 x 15 in), size of sheet. Until January 26, 2025, the Fondation Beyeler in Riehen/Basel presents the first Henri Matisse retrospective in Switzerland and in the German-speaking area in almost 20 years, which also includes his sensual paintings from the Nice period and the 1930s. [CH]. • The nude is one of the most significant subjects in Henri Matisse's work. • His delicate and filigree drawings demonstrate the incredible power of the line: with just a few contouring strokes, Matisse creates a striking physicality and emotional atmosphere. • Comparable drawings from the late 1920s and 1930s can be found in the collections of the Centre Pompidou, Paris, the Art Institute of Chicago, the Museum of Modern Art, and the Metropolitan Museum of Art in New York, among others. Accompanied by a photo-certificate issued by Wanda de Guébriant, Paris, dated March 8, 1988. The work is registered in the Archives Matisse under the number U 134. PROVENANCE: Private collection, Paris. Private collection, Milan. Private collection, Germany. Private collection, Hesse (acquired from the above in 2014). LITERATURE: Guy Martinot, Yves Savignat, Denis Antoine, Pontoise, December 15, 2001, lot 220 A. Called up: December 7, 2024 - ca. 15.34 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Max Clarenbach 1880 Neuss - 1952 Wittlaer Meereslandschaft. 1902. Öl auf Holz. Rechts unten signiert und datiert. Verso handschriftlich nummeriert sowie mit verblasstem (Malerbedarf-)Stempel Düsseldorf. 21,5 x 33 cm (8,4 x 12,9 in). • Stimmungsvolle Meereslandschaft in fein nuancierter Farbigkeit. • Schon 1895 führen ihn erste Studienreisen an die niederländische Nordseeküste. • Max Clarenbach ist Teil der Düsseldorfer Schule und Mitbegründer des 'Sonderbundes' in Düsseldorf. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland. LITERATUR: Sotheby’s, München, Auktion 6.12.1994, Los 177 (m. Abb.). Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 13.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMax Clarenbach 1880 Neuss - 1952 Wittlaer Meereslandschaft. 1902. Oil on panel. Signed and dated lower right. Handwritten number and a faded Düsseldorf (painting supply) stamp on the reverse. 21.5 x 33 cm (8.4 x 12.9 in). • Atmospheric seascape in subtly nuanced colors. • His first study trips took him to the Dutch North Sea coast as early as 1895. • Max Clarenbach is part of the Düsseldorf School and co-founder of the “Sonderbund” in Düsseldorf. PROVENANCE: Private collection, Southern Germany. LITERATURE: Sotheby’s, Munich, auction on December 6, 1994, lot 177 (illu.). Called up: December 7, 2024 - ca. 13.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Max Clarenbach 1880 Neuss - 1952 Wittlaer Nordseestrand - Vlissingen. 1918. Öl auf Leinwand, kaschiert auf Malpappe. Rechts unten signiert und datiert. Verso mit dem Künstleretikett, dort nummeriert und betitelt. 35,2 x 42 cm (13,8 x 16,5 in). • Durch die fein nuancierte und lichte Farbigkeit bannt Clarenbach die weite Momenthaftigkeit des Meeres vorzüglich auf die Leinwand. • Schon 1895 führen ihn erste Studienreisen an die niederländische Nordseeküste. • Hier findet ein fruchtbarer Austausch der niederländischen Haager Schule mit den Künstlern der Düsseldorfer Akademie statt. • Die charakteristisch lichte und harmonische Tonalität der Küsten- und Dünenlandschaft kommt hier besonders schön zur Geltung. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 13.56 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMax Clarenbach 1880 Neuss - 1952 Wittlaer Nordseestrand - Vlissingen. 1918. Oil on canvas, laminated on cardboard. Signed and dated lower right. Numbered and titled on the revrse, with the artist's label. 35.2 x 42 cm (13.8 x 16.5 in). • Clarenbach captures the fleeting moment of the sea on the canvas in a superbly nuanced, light color scheme. • His first study trips took him to the Dutch North Sea coast as early as 1895. • This is where a fruitful exchange occurred between the Dutch Hague School and the Düsseldorf Academy's artists. • In the work, the characteristically light and harmonious tonality of the coastal dune landscape come into their own. PROVENANCE: Private collection, Southern Germany. Called up: December 7, 2024 - ca. 13.56 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Gabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Blumenstillleben. Um 1950. Öl auf Malpappe, von der Künstlerin auf Malpappe aufgelegt. Verso bezeichnet 'Liste 14 Nr. 21'. Verso mit einem Etikett mit teils handschriftlicher, teils gestempelter Nummer 'B 263'. 47,3 x 33,7 cm (18,6 x 13,2 in). [CH]. • Mit deutlich reduzierter Formensprache, charakteristisch-kräftiger und klarer Farbigkeit sowie starken Kontrasten schafft Gabriele Münter ein Stillleben von großer Ausdruckskraft. • Das Stillleben zählt zu den bedeutendsten Sujets ihres gesamten Œuvres – von der wegweisenden Zeit des 'Blauen Reiter' bis zum Spätwerk der 1950er Jahre. • 1955 ist Gabriele Münter u. a. mit einem Stillleben auf der ersten documenta in Kassel vertreten. • In diesem Jahr wird Gabriele Münter mit zahlreichen Museumsausstellungen international gefeiert (Wien, Madrid, London und Bern). PROVENIENZ: Privatsammlung Hamburg. Ivan Ristic, Leopold Museum Wien, in: Ausst.-Kat. Gabriele Münter. Retrospektive, Leopold Museum, Wien, S. 218. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGabriele Münter 1877 Berlin - 1962 Murnau Blumenstillleben. Around 1950. Oil on cardboard, laid on artist board by Münter. Inscribed “Liste 14 Nr. 21” on the reverse. With a label bearing the number “B 263” (partly by hand, partly stamped) on the reverse. 47.3 x 33.7 cm (18.6 x 13.2 in). [CH]. • Gabriele Münter's use of reduced formal language, bold and clear colors, and strong contrasts allows her to create a still life of great expressiveness. • The still life is one of the most relevant subjects in her entire oeuvre – from the pioneering days of the “Blauer Reiter” to the late work of the 1950s. • In 1955, Gabriele was represented at the first documenta in Kassel with, among other works, a still life. • This year, Gabriele Münter is honored internationally with numerous museum exhibitions (Vienna, Madrid, London and Bern). PROVENANCE: Private collection, Hamburg. Ivan Ristic, Leopold Museum Vienna, in: ex. cat. Gabriele Münter. Retrospektive, Leopold Museum, Vienna, p. 218. Called up: December 7, 2024 - ca. 15.02 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Jirí Kolár 1914 Protivín - 2002 Prag Musterbuch III. / Die Versuchung des Hl. Antonius. 1964. Collage und Rollage aus verschiedenen farbigen Offsetdrucken auf Karton. Unten rechts monogrammiert und datiert. 98,5 x 70 cm (38,7 x 27,5 in), blattgroß. [KA]. • Jirí Kolár ist einer der wichtigsten internationalen Vertreter der Collagetechnik und einer der berühmtesten tschechischen Künstler der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. • In seiner einzigartigen visuellen poetischen Sprache schafft Kolár Collagen aus Farbreproduktionen bekannter Gemälde und Zeitungsausschnitte und webt so einen Teppich aus Erinnerungen, Orten, Gefühlen und Zeiträumen. • Kolár erstellt hier einen Querschnitt durch die Geschichte. • 1963 hat Kolár seine erste Einzelausstellung in der Arthur Jeffress Gallery in London und 1975 erhält er eine Retrospektive im Solomon R. Guggenheim Museum in New York. PROVENIENZ: Sammlung Ursula Wentorf, Düsseldorf. Privatsammlung Köln. Sammlung Schweiz. LITERATUR: Sturies Kunst & Auktionen, 11. Auktion, 15.5.2004, Los 112 (m. Abb.). 'Kolárs Werk reflektiert den Bezug zur Geschichte im Zusammenhang mit der Gegenwart, im Verständnis der Entwicklung, der Unterschiede und Verwandtschaften zwischen einzelnen Kulturepochen, im Entdecken verborgener Eigenschaften, in unerwarteten Gegenüberstellungen von Elementen der Wirklichkeit und der Kunst, der Fantasie und der nüchternen Sachlichkeit. Es zeichnet sich darin sowohl die Ehrfurcht gegenüber der Tradition als auch die Sehnsucht nach neuen schöpferischen Verfahren ab.' Jirí Machalický, 2014, zit. nach: Jirí Kolár. 1914-2002 Collagen, Köln 2014, S. 33 Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.15 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONJirí Kolár 1914 Protivín - 2002 Prag Musterbuch III. / Die Versuchung des Hl. Antonius. 1964. Collage and rollage of offset prints on cardboard in different colors. Monogrammed and dated lower right. 98.5 x 70 cm (38.7 x 27.5 in), the full sheet. [KA]. • Jirí Kolár is one of the most acclaimed international representatives of the collage technique and one of the most famous Czech artists of the second half of the 20th century. • In his unique visual poetic language, Kolár creates collages from color reproductions of well-known paintings and newspaper clippings, weaving a tapestry of memories, places, feelings, and eras. • In the present work, Kolar creates a cross-section of history. • In 1963, Kolár had his first solo exhibition at the Arthur Jeffress Gallery in London, and in 1975, he was honored with a retrospective at the Solomon R. Guggenheim Museum in New York. PROVENANCE: Ursula Wentorf Collection, Düsseldorf. Private collection, Cologne. From a Swiss collection. LITERATURE: Sturies Kunst & Auktionen, 11th auction, May 15, 2004, lot 112 (illustrated). 'Kolár's work reflects on the relationship between history and the present, on the development, differences and similarities between individual cultural epochs, on the discovery of hidden properties, on the unexpected juxtaposition of elements of reality and art, of fantasy and sober objectivity. It is characterized by both reverence for tradition and a yearning for new creative methods.' Jirí Machalický, 2014, quoted from: Jirí Kolár. 1914-2002 Collagen, Cologne 2014, p. 33 Called up: December 7, 2024 - ca. 16.15 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Andy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Marilyn Monroe (Marilyn). 1967. Farbserigrafie. Verso links unten schlecht leserlich signiert und mit der gestempelten Nummerierung rechts unten. Aus einer Auflage von 250 Exemplaren. Auf dünnem Karton. 91 x 91,4 cm (35,8 x 35,9 in). Gedruckt von Aetna Silkscreen Products, Inc., New York, und herausgegeben von Factory Additions, New York. • Warhols 'Marilyn' ist die Ikone der modernen Druckgrafik schlechthin. • In seiner Marilyn bündelt Andy Warhol alle Sehnsüchte, die mit ihrer Person bis heute verbunden sind. • Ein Blatt aus dem ersten Mappenwerk, das von den von Warhol gegründeten Factory Additions, New York, herausgegeben wurde. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen (seit 2004, Lempertz). LITERATUR: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, WVZ-Nr. II.27. - - Lempertz, Auktion 868, Zeitgenössische Kunst, 3.12.2004, Los 691 (m. Abb.). 'Die Ausstrahlung der Warholschen Porträts ist so stark, daß wir uns heute an Marilyn Monroe in der Gestalt erinnern, die Warhol ihr verliehen hat. Das gilt auch für andere Porträts, am meisten aber für den Star der Stars, für Marilyn.' Carl Haenlein, in: Andy Warhol. Bilder 1961 bis 1981, Ausst.-Kat. Kestner-Gesellschaft Hannover, Hannover 1981, S. 8. Warhols Marilyn-Siebdrucke gehören zu den bekanntesten und auch programmatischsten Werken der Pop-Art. Die Serigrafie als künstlerisches Medium ist von der spontanen Mal-Geste ebenso weit entfernt wie die Serienproduktion vom originalen Einzelwerk. Bei Warhol aber liegt die Eindringlichkeit eines Motivs gerade und erst in der Summe der Bilder. Das zugrunde liegende Gestaltungsprinzip ist hier wie in vielen anderen Werken die Variation des immer gleichen ikonografischen Themas. Selbst schon zur Ware der amerikanischen Konsumgesellschaft geworden, werden auch die Stars, einem industriellen Massenprodukt vergleichbar, der Öffentlichkeit präsentiert. Seit ihrem Tod 1962 entstanden zahlreiche serielle Marilyn-Monroe-Bilder, deren farbige Oberflächen das glamouröse Image der Schauspielerin betonen. Wie in nahezu all seinen weiblichen Porträts sind sie durch Lippenstift, Lidschatten und ein fotogenes Lächeln gekennzeichnet, das ihnen einen maskenhaften Charakter verleiht. Den verschiedenen Leinwandfassungen folgt 1967 nach der Vorlage eines Pressefotos ein Portfolio mit zehn Serigrafien, die ein und denselben Bildgegenstand, das lächelnde Gesicht der Schauspielerin, in zehn Farbvarianten wiederholen. Im vorliegenden Blatt legt Warhol fünf Farbschablonen auf und betont besonders die Lippen in einem kräftigen Lila-Blau , das einen deutlichen Kontrast zum pinken Grund bildet. 'Für die Marilyn-Serie greift Warhol auf eine Werbestandaufnahme für den Film 'Niagara' aus dem Jahre 1953 zurück […] Warhols Bildnis zeigt das Entstehen eines Mythos. Es zeigt, wie der primäre Sinn der Portraitphotographie, nämlich das naturgetreue Abbild eines Menschen zu sein, durch einen sekundären Sinn überlagert und verformt wird, der in diesem Menschen etwas anderes, neues sieht: die perfekte Kreatur, die sexuelle Wunschfigur, die Verkörperung des Amerikanischen Traums usw. Und es zeigt – und hier beginnt der Mythos –, wie dieser sekundäre Sinn, so sehr er eine Projektion sein mag, durch den Realismus, den die Photographie als 'wahres Abbild' verbürgt, dennoch in der 'Wirklichkeit' eines tatsächlich existierenden Menschen verankert wird. Die Marilyns sind fiktiv und realistisch zugleich, sie zeigen ein Wesen, das über den Menschen steht und dennoch einer von ihnen ist.“ (Michael Lüthy, in: Andy Warhol. Thirty are better than none, Frankfurt a. Main 1995, S. 51ff.) [EH] Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 17.25 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAndy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Marilyn Monroe (Marilyn). 1967. Silkscreen in colors. Signed (barely legible) on the reverse in the lower left and stamped with the number in the lower right. From an edition of 250 copies. On thin cardboard. 91 x 91.4 cm (35.8 x 35.9 in). Printed by Aetna Silkscreen Products, Inc., New York, and published by Factory Additions, New York. • Warhol's “Marilyn” is the ultimate icon of modern art prints. • In his Marilyn seres, Andy Warhol expressed all the longings associated with her to this day. • A sheet from the first portfolio published by Warhol's Factory Additions, New York. PROVENANCE: Private collection, Hesse (since 2004, Lempertz). LITERATURE: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, entry no. II.27. - - Lempertz, auction 868, Zeitgenössische Kunst, December 3, 2004, lot 691 (illustrated). 'The aura of Warhol's portraits is so strong that we remember Marilyn Monroe in the likeness Warhol gave her. This is also true for other portraits, but above all for Marylin, the star of all stars.' Carl Haenlein, in: Andy Warhol. Bilder 1961 bis 1981, ex. cat. Kestner-Gesellschaft Hanover, 1981, p. 8. Warhol's Marilyn silkscreens are among Pop Art's most famous programmatic works. Silkscreen printing as an artistic medium is just as far removed from the spontaneous gesture of painting as serial production is from an original work that carries the artist's signature. In Warhol's work, however, a motif's poignancy lies precisely in the totality of the images. As in many of his other works, the underlying design principle here is the variation on the same iconographic theme. Having become a commodity of American consumerism, the stars are presented in a way comparable to an industrial mass product. Since she died in 1962, numerous series of Marilyn Monroe pictures have been created, their colorful surfaces emphasizing the actress's glamorous image. As in almost all of his female portraits, they are characterized by lipstick, eye shadow, and a photo-friendly smile that lends them a mask-like character. Following various canvas versions, Warhol created a portfolio of ten silkscreens based on a press photo in 1967, which repeated the same subject, the smiling face of the actress, in ten color variations. In the present sheet, Warhol used five color stencils and emphasized the lips in a bold purple-blue contrasting sharply with the pink background. “For the Marilyn series, Warhol drew on an advertising image from the 1953 film ‘Niagara’ [..] Warhol's image shows the creation of a myth. It shows how the primary purpose of portrait photography, namely to be a true-to-life likeness of a person, is overlaid and distorted by a secondary purpose, which sees something else in this person: the perfect creature, the object of sexual desire, the embodiment of the American dream. Moreover, it shows –and this is where the myth begins – how this secondary sense, however much it may just be a projection, is anchored in the 'reality' of an existing human being by the realism that photography guarantees as a 'true image.' The Marilyns are fictitious and realistic; they show a being that stands above the people and is one of them.” (Michael Lüthy, in: Andy Warhol. Thirty are better than none, Frankfurt a. Main 1995, pp. 51ff.) [EH] Called up: December 7, 2024 - ca. 17.25 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Renée Sintenis 1888 Glatz/Schlesien - 1965 Berlin Polospieler II. 1929. Bronze mit brauner Patina. Auf der Plinthe mit der Signatur. Verso seitlich an der Plinthe mit dem Gießerstempel 'NOACK BERLIN FRIEDENAU'. Höhe: 40 cm (15,7 in). [EH]. • Renée Sintenis gestaltet unter den deutschen Künstler:innen wohl als erste die Figur eines Polospielers. • Muskelspiel von Reiter und Pferd sind in höchster Konzentration gezeigt. • Ein weiteres Exemplar befindet sich in der Nationalgalerie Berlin. PROVENIENZ: Galerie Vömel, Düsseldorf. Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (seit 1998). AUSSTELLUNG: Berliner Neue Gruppe, Ausstellung im Schloss Charlottenburg, Kat.-Nr. 179 (m. Abb.) (anderes Exemplar). Renée Sintenis. Das plastische Werk, Zeichnungen, Graphik, Haus am Waldsee, Berlin, 19.3.-27.4.1958, Kat.-Nr. 41 (m. Abb.). (anderes Exemplar) Renée Sintenis. Plastiken, Zeichnungen, Druckgraphik, Kolbe-Museum Berlin; Kulturgeschichtliches Museum, Osnabrück; Ostdeutsche Galerie, Regensburg; Museen der Stadt, Hanau; Leopold-Hoesch-Museum, Düren, 1983/84, Kat.-Nr. 37 m. Abb. 81, 82 (anderes Exemplar). Zwischen Freiheit und Moderne. Die Bildhauerin Renée Sintenis, Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg, 12.10.2019-12.1.2020, Kat.-Nr. 28 (m. Farbabb.) (anderes Exemplar). LITERATUR: Ursel Berger, Günter Ladwig, Renée Sintenis. Das plastische Werk, Berlin 2013, WVZ-Nr. 109 (m. Abb.) (anderes Exemplar). Britta E. Buhlmann, Renée Sintenis. Werkmonographie der Skulpturen, Darmstadt 1987, WVZ-Nr. (m. Abb.) (anderes Exemplar). - - Hanna Kiel (Hrsg.), Renée Sintenis, Berlin 1935, Abb. S. 58/59 (anderes Exemplar). Rudolf Hagelstange, Carl Georg Heise u. Paul Appel, Renée Sintenis, Berlin 1947, Abb. S. 73 (anderes Exemplar). Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 14.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRenée Sintenis 1888 Glatz/Schlesien - 1965 Berlin Polospieler II. 1929. Bronze with brown patina. With signature on the plinth. With the foundry mark “NOACK BERLIN FRIEDENAU” on the reverse of the plinth. Height: 40 cm (15.7 in). [EH]. • Renée Sintenis was presumably the first German artist to create a sculpture of a polo player. • The rider and horse flex their muscles at a moment of intense concentration. • Another copy is found in the Nationalgalerie Berlin. PROVENANCE: Private collection, North Rhine-Westphalia. EXHIBITION: Berliner Neue Gruppe, exhibition at Charlottenburg Palace, cat. no. 179 (illustrated, different copy). Renée Sintenis. Das plastische Werk, Zeichnungen, Graphik, Haus am Waldsee, Berlin, March 19 - April 27, 1958, cat. no. 41 (illustrated, different copy). Renée Sintenis. Plastiken, Zeichnungen, Druckgraphik, Kolbe-Museum Berlin; Kulturgeschichtliches Museum, Osnabrück; Ostdeutsche Galerie, Regensburg; Museen der Stadt, Hanau; Leopold-Hoesch-Museum, Düren, 1983/84, cat. no. 37, illustrations 81, 82 (different copy). Zwischen Freiheit und Moderne. Die Bildhauerin Renée Sintenis, Kunstforum Ostdeutsche Galerie, Regensburg, October 12, 2019 - January 12, 2020, cat. no. 28 (illustrated in color, different copy). LITERATURE: Ursel Berger, Günter Ladwig, Renée Sintenis. Das plastische Werk, Berlin 2013, catalogue raisonné no. 109 (illustrated, different copy). Britta E. Buhlmann, Renée Sintenis. Werkmonographie der Skulpturen, Darmstadt 1987, catalogue raisonné no. (illustrated, different copy). - - Hanna Kiel (ed.), Renée Sintenis, Berlin 1935, illustrated on pp. 58/59 (different copy). Rudolf Hagelstange, Carl Georg Heise and Paul Appel, Renée Sintenis, Berlin 1947, illustrated on p. 73 (different copy). Called up: December 7, 2024 - ca. 14.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Horst Janssen 1929 Hamburg - 1995 Hamburg Die rote Nase, 13. Februar 1983. 1983. Aquarell und Gouache über Bleistift. Rechts mit dem Künstlersignet und der Datierung '13 2 83'. Unten signiert und bezeichnet 'Horst Janssen Sønderjyllands Kunstmuseum Tønder'. Auf Pergamin. 54,9 x 38,6 cm (21,6 x 15,1 in), Blattgröße. Das Werk dient als Vorlage für ein Plakat, erschienen im Verlag St. Gertrude, Galerie St. Gertrude, Hamburg. [CH]. • Horst Janssen zählt zu den großen deutschen Zeichnern und Grafikern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. • Seine treffenden, oft ironischen Porträts gehören zu den wichtigsten Motiven seines gesamten Schaffens. • Internationaler Durchbruch: 1980 zeigen das Art Institute of Chicago und das Busch-Reisinger-Museum (Harvard Art Museums), Cambridge, Einzelausstellungen seines zeichnerischen und grafischen Schaffens (gefolgt von einer Wanderausstellung in mehreren amerikanischen Museen). • 1982 nimmt Janssen zum zweiten Mal an der Biennale von Venedig teil. PROVENIENZ: Sammlung Pia Zadora, Los Angeles. Sammlung Schweiz. LITERATUR: Dierk Lemcke (Hrsg.), Horst Janssen: Selbstbildnis 1945-1993. Neugier, Variation, Balance, Verwandlung, Angeber X, Paranoia, Manipulation, Groteske, Hamburg 1994, Kat.-Nr. 168 (m. ganzs. Farbabb.). 'Janssen [ist] ja nicht nur ein aufdringlich chargierender Geniedarsteller, sondern auch wirklich ein Zeichner und Radierer von unbestreitbarer Originalität.' Aus einem Artikel in 'Der Spiegel', anlässlich des Erscheinens der ersten Horst-Janssen-Biografie, 7.10.1984, Der Spiegel 41/1984. 'Er hinterlässt ein so gewaltiges und bizarres, auch wortgewaltiges Œuvre, dass zwei Leben zu je 65 Jahren dazu kaum ausgereicht hätten.' Rudolf Augstein, Journalist, Verleger und Gründer von 'Der Spiegel', nach Horst Janssens Tod 1995. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 16.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHorst Janssen 1929 Hamburg - 1995 Hamburg Die rote Nase, 13. Februar 1983. 1983. Watercolor and gouache over pencil. With the artist's signature and the date “13 2 83” on the right. Signed and inscribed “Horst Janssen Sønderjyllands Kunstmuseum Tønder” at the bottom. On glassine. 54.9 x 38.6 cm (21.6 x 15.1 in), size of sheet. The work serves as a template for a poster, published by St. Gertrude, Galerie St. Gertrude, Hamburg. [CH]. • Horst Janssen is one of the great German graphic artists of the second half of the 20th century. • His apt, often ironic portraits are among the most important motifs of his entire oeuvre. • International breakthrough: In 1980, the Art Institute of Chicago and the Busch-Reisinger Museum (Harvard Art Museums), Cambridge, held solo exhibitions of his drawings and graphic works (followed by a traveling exhibition through several American museums). • In 1982 Janssen participated in the Venice Biennale for the second time . PROVENANCE: Pia Zadora Collection, Los Angeles. From a Swiss collection. LITERATURE: Dierk Lemcke (ed.), Horst Janssen: Selbstbildnis 1945-1993. Neugier, Variation, Balance, Verwandlung, Angeber X, Paranoia, Manipulation, Groteske, Hamburg 1994, cat. no. 168 (with a full-page illu. in color). 'Janssen [is] not only an overbearingly charismatic genius actor, but also a draughtsman and etcher of undeniable originality.' From an article in “Der Spiegel”, on the occasion of the publication of the first Horst Janssen biography, October 7, 1984, Der Spiegel 41/1984. 'He left behind such an enormous and bizarre, but also eloquent oeuvre that two lives of 65 years each would hardly have been enough.' Rudolf Augstein, journalist, publisher and founder of 'Der Spiegel' after Horst Janssen's death in 1995. Called up: December 7, 2024 - ca. 16.54 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Alexander Kanoldt 1881 Karlsruhe - 1939 Berlin Häuser. 1910. Öl auf Malpappe. Verso handschriftlich schwer lesbar von fremder Hand bezeichnet '732 mattweiß / bestimmt (?) Dienstag Abend's / Franz Josef Str. 36/4 / Canold'. 36,7 x 50 cm (14,4 x 19,6 in). [AR]. • Wiederentdeckte, frühe Münchner Architekturansicht Alexander Kanoldts. • Entstanden in der Nähe des Nikolaiplatzes, wo der Künstler 1910/11 lebt. • Reduzierter Farb- und Formengestus mit lebendig-expressivem Kolorit. • Ehemals im Besitz des damaligen Leiters des Baseler Kunstmuseums Otto Fischer. • Seit mehreren Generationen in privatem Familienbesitz. Wir danken Herrn Dr. Michael Koch für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Otto Fischer, Basel. Katharina Fischer (durch Erbgang vom Vorgenannten). Privatsammlung Süddeutschland (durch Erbgang von Vorgenannter). Seitdem in Familienbesitz. AUSSTELLUNG: Kunsthaus Schaller, Stuttgart (verso m. Etikett, hier mit dem Titel 'Häuser'). 'Kanoldts letzte Sachen, die ich neulich hier sah, haben auch bereits diese großen Mittel, – reiner Kubismus. Ich erschrak anfangs ordentlich, und dann freute ich mich über den Mut und die fabelhafte Konsequenz dieser Leute“. Franz Marc an August Macke, 28. Dezember 1910, zit. nach: Andreas Hühnecke (Hrsg.): Der Blaue Reiter. Dokumente einer geistigen Bewegung, Leipzig 1986, S. 39. Aufrufzeit: 07.12.2024 - ca. 15.37 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAlexander Kanoldt 1881 Karlsruhe - 1939 Berlin Häuser. 1910. Oil on cardboard. Barely legibly inscribed “732 mattweiß / bestimmt (?) Dienstag Abend's / Franz Josef Str. 36/4 / Canold” on the reverse by a hand other than the artist's. 36.7 x 50 cm (14.4 x 19.6 in). [AR]. • Rediscovered early architectural view of Munich by Alexander Kanoldt. • Painted near Nikolaiplatz, where the artist lived from 1910-1911. • Reduced color and form with a lively, expressive coloring. • Formerly owned by Otto Fischer, then director of the Kunstmuseum Basel. • In family ownership for several generations. We are grateful to Dr. Michael Koch for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Otto Fischer Collection, Basel. Katharina Fischer (by inheritance from the above). Private collection, Southern Germany (by inheritance from the above). Family-owned ever since. EXHIBITION: Kunsthaus Schaller, Stuttgart (with the label on the reverse, here titled 'Häuser'). 'Kanoldt's last things, which I saw here the other day, already have these large means – pure cubism. I was frightened at first, and then I was delighted by the courage and the fabulous consistency of these people.' Franz Marc to August Macke, December 28, 1910, quoted from: Andreas Hühnecke (ed.): Der Blaue Reiter. Documents of an intellectual movement, Leipzig 1986. Called up: December 7, 2024 - ca. 15.37 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Registration: OCK441K VIN: 24141839H Mileage Showing: 79,000 Transmission: Manual MOT: 31/10/2025Galvanised chassisrecent water pump & timing chain First registered August 1971 this late model series 2A with its 2.25 litre petrol engine has been fitted with a W.R Wood galvanised chassis and front bumper. Showing 79,000 miles and although tax and MOT exempt still carrying a current MOT till October next year.Sold with a good sized history file detailing servicing and maintenance including recent timing chain, water pump and crank oil seal in July last year.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £10,000 - £14,000
Registration: L9PGH VIN: ZFF1CC33C00009772 Milage Showing: 1,600 Transmission: Vario MOT: NOTraceable historyLow mileageSought after 'T' modelLaunched in 1989 the last iteration of the Mondial the T featured the first in the new generation of V8 Ferraris which would continue all the way through to the 360 in 1999. Named the T due to its new 3.4 litre V8 engine moving to a Longitudinal position with the gearbox remaining transverse creating a T shape and allowing the engine to be mounted lower in the chassis. Other upgrades include electronically controlled suspension allowing switching between comfort and handling, updated bodywork as well as the engine going up to 3.4 litres, new management system and intruduction of a dry sump system.Supplied new by Halian Motors of Hong Kong in November 1994 before being brought to the UK by the original owner, a British national and imported by Maranello Concessionaires of Egham. By the millenium the car has passed to its 2nd owner (27/01/2000) and had covered just 625 miles. The 3rd owner purchased the car in July 2005 by which point it had covered only 978 miles and was used sparingly and only covering 1,256 miles by the time it passed to its current owner who has covered less than 400 miles in his ownership.Currently showing 1,614 miles, recently removed from storage and given a large service. Showing 3 previous keepers and sold with original book pack including service book detailing ownership. Also sold with a history folder including previous ownership documents, old MOT certificates and invoices.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £22,000 - £28,000
Registration: M266YCA VIN: VF34ED9B271329585 Mileage Showing: 20,000 Transmission: Manual MOT: NoLow mileageFantastic conditionFirst registered January 1995 by Dickens Peugeot of Chester. Showing just 20,000 miles from new and 3 previous keepers. Presented in very original condition, 1 of only 25 GLX models left on UK roads. Sold with 2 keys, original book pack and all previous MOT certificates from its first test in 1998 at 3 years old. Also included is the original owners vehicle diary detailing his servicing from its first service in June 1995 at 600 miles to 2008 at 17,545 miles when he sold the car.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £6,000 - £7,000
Registration: LS08WKZ VIN: SCBCE63W08C057541 Mileage Showing: 27,000 Transmission: Automatic MOT: 10/04/2025Low mileageMulliner trimRare colour combination First registered August 2008 and finished in St. James' Red with contrasting parchment Connolly leather along with red interior accents. Also fitted with the sought after Mulliner package which includes larger split rim alloy wheels, upgraded front grilles and diamond stitched interior.Showing 2 previous keepers, MOT till April next year and only 27,000 miles. Sold with original book pack including stamped service book containing 7 service stamps all carried out by Bentley Manchester as well as a 2nd service book with 4 serivce stamps (11 stamps total) all carried out by local Bentley specialist Fearons. The most recent service 26,504 miles earlier this year.Also sold with records of additoinal maintenance including new brake discs and pads all round earlier this year.A fantastic example of Bentley's super coupe.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £18,000 - £22,000
Registration: SJ11GLK VIN: WMWZH720X0TZ99423 Mileage Showing: 163,000 Transmission: Manual MOT: 20/03/2025Supplied new and First registered July 2011 by Lloyd BMW of Newcastle upon-Tyne. Finished in sought after British racing green metallic this Cooper S diesel model with its 2 litre Turbo diesel engine and manual gearbox is fitted with optional extras including rain sensing wipers, xenon headlights, fog lights, air conditioning , sports leather steering wheel, heated mirrors and door locks, and chilli pack.Showing 163,000 miles and MOT till March next year. Sold with 2 keys, original book pack including service book with 7 service stamps. Also sold with a folder of receipts covering additional more recent servicing and maintenance.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £1,000 - £2,000
Registration: FM54HYY VIN: WDB2032762F573021 Mileage Showing: 157,000 Transmission: Automatic MOT: 24/09/2025Rare 5.5 litre V8 AMG engineSought after estate modelRarely seen on the roads or for sale the C55 AMG was launched in 2005 to replace the earlier C36 model. Ditching the V6 in favour of Mercedes' M113 V8 engine. The same engine found in the SL55 AMG, the CL55AMG and most notably the AMG Formula 1 safety car!Producing 362BHP from its 5.5 litre V8 allowing the C55 AMG to get to 60 in 4.7 seconds and on to an electronically limited top speed of 155mph. This even lesser seen estate (C203) variant was first registered in January 2005 and shows 157,000 miles and MOT till September next year. Fitted with optional extras including electronic sunroof, electric and heated seats with memory, dual zone climate control and cruise control ontop of the usual AMG extras.PLEASE NOTE - This vehicle has been subject to a insurance write off category C in 2012 and a VIC check by VOSA in 2013Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £3,000 - £4,000
Registration: W429UAB VIN: WVWZZZ6NZYY570042 Mileage Showing: 86,000 Transmission: Manual MOT: 21/03/20251 Family ownerVery original conditionLarge history fileThe first generation of Polo available as a GTI the 6n2 featured a 1.6 litre, 16 valve engine that revved to 6,500RPM and produced 125bhp in a car weighing just over a ton. This example was first registered March 2000, owned by husband and then wife (1 former keeper) and showing 86,000 miles and MOT till March next year.Presented in very original condition and sold with a large history file including original book pack with service book containing 17 service stamps as well as old MOT certificates and many invoices for servicing and maintenance. Also sold with 2 main keys as well as original skeleton emergency key.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £3,000 - £4,000
Registration: WJR914T VIN: 828CB3025558 Mileage Showing: Transmission: Manual MOT: 14/03/2025Low mileageOriginal owner for 44 yearsAmazing original exampleOne of just 9 Beta 1300s left on UK roads, this example was supplied new in March 1979 Irvine Motors Lancia of Newcastle upon-Tyne in March 1979. Sold to a "Mr A" of Birtley County Durham who drove the car sparingly until 1994 where the car was parked in his garage when he gave up driving at 3,800 miles. Bought by the car's 2nd and current owner in November last year where the car was removed from storage and recomissioned for use this summer racking up 500 miles taking the current mileage up to 4,400.Sold with a large folder of history including original order form, service book with PDI and first free service stamp then followed by a letter explaining Irvine motors were giving up the Lancia franchise and could no longer look after the car. Other documents include almost every MOT certificates from the cars first test through to its last test before coming off the road in 1994 where the mileage showed 3,866. Although now MOT exempt still carrying a test until March next year.Also sold with 2 sets of keys, showroom brochure and receipts for servicing and MOTs from the car's first owner.Please see our walk around video for more information and engine start upGUIDE PRICE £6,000 - £8,000
Heinz Kreutz. (1923 Frankfurt - 2016 Prenzberg). Das Licht entsendet seine Farben. 1960. Pastellkreide teils laviert auf Zanders-Velin (mit WZ "JW Zanders 1954"). 70,5 x 100 cm. Signiert, datiert und bezeichnet. In Punkten freistehend unter Passepartout montiert, unter Glas gerahmt. Rückwand verso mit Etikett sowie gestempelt. - Verso vereinzelt schwach atelierspurig. Insgesamt sehr gut. Großformatige Zeichnung in prächtigen und leuchtenden Farben. Wir danken der Stiftung Informelle Kunst für die freundliche Bestätigung der Authentizität. - Provenienz: Kunsthandlung Karl Vonderbank, Frankfurt am Main (Etikett Rückwand). - In der Zeit ab 1951 entdeckt Kreutz "(...) zunächst in Paris vor den Impressionisten (...) und dann während einer zweiten Reise 1952 in die Provence - die Farbe und das Licht für sich (...)" (Christa Lichtenstern. In: Heinz Kreutz Sonnengesänge, 1997, S. 10). Er beschäftigte sich intensiv mit den Farbenlehren Goethes, Runges und Schopenhauers und entwickelte schließlich seine eigene, auf elf Farben beruhende Farbentheorie. Insbesondere in seinen Pastellarbeiten zeigt Kreutz einen virtuosen Umgang mit Farbe mit dem Bestreben, die Farben in fließenden Atmosphäre lebendig werden zu lassen, sie in einen Zustand des Schwebens zu versetzen und ihnen hierdurch eine unvergleichliche emotionale und zugleich visuelle Tiefe zu verleihen. Pastel chalk partly washed on Zanders wove paper (with watermark "JW Zanders 1954"). Signed, dated and inscribed. Mounted freestanding in dots on mat, framed under glass. Label and stamp on verso of back panel. - Faint studio marks on verso. Very good overall. Large-format drawing in magnificent and luminous colours. - Provenance: Kunsthandlung Karl Vonderbank, Frankfurt am Main (label on the back). - From 1951 onwards, Kreutz 'discovered colour and light for himself, first in Paris in front of the Impressionists (...) and then during a second trip to Provence in 1952 (...)' (Christa Lichtenstern. In: Heinz Kreutz Sonnengesänge, 1997, p. 10). He intensely studied the colour theories of Goethe, Runge and Schopenhauer and finally elaborated his own colour theory based on eleven colours. In his pastel works in particular, Kreutz demonstrates a virtuoso handling of colour, striving to create a flowing atmosphere in which the colours appear to come alive, putting them in a state of suspension and thereby lending them an incomparable emotional and visual depth.
Rudolf Bauer. (1889 Lindenwald, Posen - 1953 Deal, New Jersey). o.T. (Frau am Spiegel). Um 1910. Kohle und farbige Kreide auf Ingres J.C.A Bütten (mit Wz.). 43,5 x 56 cm. Signiert. In Punkten freistehend auf Passepartout montiert sowie unter Glas gerahmt. - Im Blattrand leicht knickspurig, vereinzelt technikbedingt leicht fleckig. Insgesamt sehr gut. Ausgewogene, fein ausgearbeitete Komposition mit raffinierter Lichtführung. Frühe Arbeit Bauers, entstanden vermutlich vor 1912, als sich sein Stil hin zur Abstraktion wandelte. Vor seiner Emigration in die USA 1939 arbeitete er eng mit der Galerie "Der Sturm" in Berlin zusammen. Bereits zuvor knüpfte Bauer u.a. über Hilla von Rebay erste Kontakte in die USA. - Die Beziehung zwischen Rudolf Bauer und Hilla von Rebay war komplex und von tiefer persönlicher sowie beruflicher Verbundenheit geprägt. Rebay, selbst Künstlerin und eine bedeutende Förderin der abstrakten Kunst, entdeckte Bauers Werk in den 1920er Jahren und wurde zu seiner engen Vertrauten und Unterstützerin. Sie spielte eine zentrale Rolle in seiner Karriere, indem sie seine Werke förderte und ihm half, in der Kunstwelt Anerkennung sowie unter anderem den Weg in solch wichtige Sammlungen wie zum Beispiel der Sammlung Solomon R. Guggenheims zu finden. Charcoal and colored chalk on Ingres J.C.A laid paper (with watermark). Signed. Mounted freestanding in dots on mat and framed under glass. - Slight creased in sheet margins, occasional light staining due to technique. Overall very good. Balanced, finely worked composition with elaborate lighting. - Early work by Bauer, probably created before 1912, when his style changed towards abstraction. Before emigrating to the USA in 1939, he worked closely with the "Der Sturm" gallery in Berlin. Previously, Bauer had already made his first contacts in the USA through Hilla von Rebay, among others. - The relationship between Rudolf Bauer and Hilla von Rebay was complex and characterized by deep personal and professional ties. Rebay, herself an artist and an important promoter of abstract art, discovered Bauer's work in the 1920s and became his close confidante and supporter. She played a central role in his career, promoting his work and helping him to gain recognition in the art world, including finding his way into such important collections as the Solomon R. Guggenheim Collection.
Direkte Auktion - - Anna Vonnemann. Ohne Titel. 2023. Öl auf Leinwand. 200 x 140 cm. Versosigniert und datiert. - In altmeisterlicher Manier gemalte, überbordende Blütenpracht, die sich in Öl auf Leinwand farbsatt und glänzend über das gesamte, großformatige Bild ziehen. \plain\f2\fs16\cf0\b Anna Vonnemann\plain\f2\fs16\cf0 studierte von 1976 bis 1981 freie Kunst bei Franz Erhard Walther an der HfBK in Hamburg. Seit 1981 ist sie als freischaffende Künstlerin tätig und arbeitet seit 1989 zusätzlich als Agentin im Bereich Klassische Musik, wo sie das Stradivari Sextett organisiert. Als Malerin findet sie immer neue Ausdrucksformen, wie aktuell eine Ausstellung im Richard-Haizmann Museum in Niebüll zeigt. Privat bewährte sie sich als Erfinderin, um ihrer gelähmten Tochter zu helfen. Vonnemanns überbordende Blumen in altmeisterlicher Technik lassen auf den ersten Blick an Barock denken, sind jedoch streng durchkonzipiert. Darauf deuten die Symmetrien und Wiederholungen, die den malerischen Duktus analysieren und die Fähigkeit der menschlichen Hand unter Beweis stellen, ein maschinengleiches Abbild zu erzeugen. Dabei steht die Sinnlichkeit der Blumenpracht im scharfen Gegensatz zu dieser konzeptuellen, analytischen Strenge. Untitled. 2023. oil on canvas. Signed and dated verso. - Painted in the manner of the old masters, the exuberant floral splendour in oil on canvas is richly coloured and shiny across the entire large-format picture. - \plain\f2\fs16\cf0\b Anna Vonnemann\plain\f2\fs16\cf0 studied fine art with Franz Erhard Walther at the HfBK in Hamburg from 1976 to 1981. She has been a freelance artist since 1981 and has also worked as a classical music agent since 1989, organising the Stradivari Sextett. As a painter, she is constantly finding new forms of expression, as a current exhibition at the Richard Haizmann Museum in Niebüll shows. In her private life, she proved herself as an inventor to help her paralysed daughter. At first glance, Vonnemann's exuberant flowers in old-masterly technique are reminiscent of the Baroque, but they are strictly conceptualised. This is indicated by the symmetries and repetitions that analyse the painterly style and demonstrate the ability of the human hand to create a machine-like image. The sensuality of the floral splendour stands in sharp contrast to this conceptual, analytical rigour.
Thomas Bayrle. (1937 Berlin - lebt in Frankfurt/M.). Lindwurm. 1970. Farbserigraphie auf Velin. 48 x 68 cm. Signiert und nummeriert. - Ecken teilweise leicht bestoßen, minimaler Einriss am linken Bildrand. Dort mit leichtem Farbverlust. Prachtvoller, nuancierter Druck. Die Farbe frisch. Eines von 100 Exemplaren. - Besonders im graphischen Werk von Thomas Bayrle zeigt sich seine Auseinandersetzung mit der Pop-Art und der Minimal-Art, aber auch mit der Maschinenästhetik und der Theorie der "Seriellen Kunst". Bayrle nutzt häufig das Prinzip der Wiederholung und Variation, um aus simplen grafischen Elementen komplexe, fast hypnotische Muster zu schaffen. Unser Blatt zeigt eine auf den ersten Blick abstrakt wirkende Struktur, die aus der Aneinanderreihung von Läufern in Sporttrikots besteht - eine Metapher auf Kapitalismus, Massenkultur und Standardisierung. Colour serigraph on wove paper. Signed and numbered. - Small crease to the lower left corner, minimal tear to the left edge of the image, with slight loss of colour there. Splendid, colour-intensive print with a fresh effect and in very good condition. - One of 100 copies. - Thomas Bayrle's graphic work, in particular, demonstrates his engagement with Pop Art and Minimal Art, but also with machine aesthetics and the theory of "serial art". Bayrle often uses the principle of repetition and variation to create complex, almost hypnotic patterns from simple graphic elements. Our sheet shows what at first glance appears to be an abstract structure consisting of a series of runners in sports shirts - a metaphor for capitalism, mass culture and standardisation.
Zao Wou-Ki. (1921 Peking - 2013 Nyon, Schweiz). o.T. 1967. Farblithographie auf BFK Rives-Velin (m. Wz.). 54,5 x 44,5 cm (65 x 50 cm). Signiert, datiert und nummeriert. - Leicht gedunkelt im eh. Passepartoutausschnit, vereinzelt leichte Griffspur, verso an allen vier Ecken mit Montierungsspuren und wenige Oberflächenbereibungen von ebendiesen, insgesamt gut. Äußerst prachtvoller, in den Farben intensiver und leuchtender Druck mit Rand, oben und unten mit dem Schöpfrand. Aegerup 169. - Eins von 95 Exemplaren, hier der erste Abzug. - Gedruckt bei Desjobert, herausgegeben von Gérald Cramer in Genf. - Eindrucksvolle informelle Komposition, in welcher Zao Wou-Ki eindrucksvoll Farbe und Malkomposition in tachistischer Manier übereinander schichtet. So entsteht ein kinetischer Bildraum, der den Betrachter in seinen Bann zieht. Color lithograph on BFK Rives wove paper (with watermark). Signed, dated and numbered. - Slightly darkened in former mat section, verso traces of mounting in all four corners and few surface abrasions from these, all in all good. Exceptionally splendid, colour-intense and luminous print with margin, deckle edge at top and bottom. - One of 95 copies, here the first print. - Printed by Desjobert, published by Gérald Cramer in Geneva. - Impressive informal composition in which Zao Wou-Ki impressively layers color and painting composition in a tachist manner. The result is a kinetic pictorial space that captivates the viewer.
Minimalismus - - Gene Davis. (1920 Washington - 1985 ebenda). Hommage a Barnett Newman. 1979. Farbserigraphie auf Velin. 80 x 62,5 cm (85, 7 x 70, 5 cm). Signiert, datiert und römisch nummeriert. - Kanten wenig merklich angestoßen, insgesamt gut. Ausgezeichneter, nuancierter und satter Druck mit schmalem Rand. Eines von 100 römisch nummerierten Exemplaren. - "Hommage to Barnett Newman" basiert auf einer Serie von Ölgemälden, die Gene Davis nach dem Tod des Künstlers Barnett Newman (1905-1970) vollendete. Laut der Marsha Mateyka Gallery, Washington, D.C., die den Nachlass Davis' seit 1997 vertritt, ist diese Serie "durch geteilte Kompositionen aus zwei subtil kontrastierenden flachen grauen Tafeln gekennzeichnet, die durch einen weißen Streifen geteilt werden und an den Rändern auf beiden Seiten durch scharf kontrastierende dünne Streifen abgeschlossen werden. Gene Davis sah die Arbeiten von Barnett Newman erstmals 1951 in der Betty Parsons Gallery in New York. Über den Einfluss von Newman bemerkte Gene Davis die 'Qualität der Klarheit, die im abstrakten Expressionismus zu fehlen schien' und 'seine Newmans Verwendung des frei stehenden Streifens'." Colour silkscreen on wove paper. Signed, dated and roman numbered. - Edges slightly bumped, good overall. Superb, nuanced and rich impression with narrow margins. - One of 100 roman numbered copies. - "Homage to Barnett Newman" is based on a series of oil paintings that Gene Davis completed after the death of the artist Barnett Newman (1905-1970). According to the Marsha Mateyka Gallery, Washington, D.C., which has represented the Davis estate since 1997, this series is "characterised by split compositions of two subtly contrasting flat grey panels divided by a white stripe and terminated at the edges on either side by sharply contrasting thin stripes. Gene Davis first saw Barnett Newman's works in 1951 at the Betty Parsons Gallery in New York. On the influence of Newman, Gene Davis noted the 'quality of clarity that seemed to be lacking in abstract expressionism' and 'his Newman's use of the free-standing stripe'."
Minimalismus - - Lee Ufan. 5 monochromatische Aquarelle sowie eine Umrisszeichnung in Bleistift, in: Un Poléoscope. Poème en proses et en poèmes. 1990. Je auf Richard de Bas-Bütten (m. Wz.). 33 x 25 cm (Blattgröße). Die Aquarelle signiert bzw. monogrammiert, datiert und nummeriert, die Umrisszeichnung betitelt, im Impressum abermals signiert und nummeriert. Auf gefalteten Doppelblatt lose in Orig.-Umschlag, in Leinenchemise. - Mit einem Text von Michel Deguy. - Doppelblatt sowie Umschlag in äußersten Rändern ganz leicht gebräunt, Papier ganz leicht gewellt, vereinzelter, blassdunkler winziger Fleck, Umschlagrückseite und -rücken mit sehr wenigen blassbraunen kleinen Flecken, insgesamt gut. KW Koopm K 338. - FRBNF47420363. - Provenienz: Privatbesitz Paris. - Eines von lediglich 17 seriell-unikatären Exemplaren. - Eine magische Poesie spricht aus Lee Ufans Arbeiten, die rhythmisierte Monochromie mit Bewegung verbinden. Der zwischen Paris, New York und Japan lebende koreanische Künstler konzentriert sich in seinem minimalistischen Werk seit den 1970er Jahren auf die Ausführung des einen einzigen Pinselstrichs, zieht ihn enorm kraftvoll über Leinwand und Papier. Nach tiefer Meditation, so wirkt es, taucht er den breiten Pinsel in Ozeanblau und setzt zum Malen in einem Akt höchsten künstlerischen Ausdrucks an, bis dieser keine Farbe mehr abgibt. In meisterlicher Reduktion wird die dahinfließende Farbe zum bildlichen Mediator, zeigt Aktion und Prozessualität. Die Bewegung von des Künstlers Hand zeigt eine Verbindung zwischen Körper und Zeitlichkeit auf und setzt Pinselstrich und Bildgrund in eine dialektische Beziehung zueinander. Es ist der malerischen Abdruck Ufans, dessen Spur unmittelbar in aller Materialität erfahrbar wird. In "Un Poléoscope" zeigt sich Ufan für die fernöstliche Ausgabe in Zusammenarbeit mit dem französischen Dichter Michel Deguy entstandenen Künstlerbuchs verantwortlich, zwei weitere Ausgaben sind mit Illustrationen von Lucio Pozzi und David Jones bekannt. Vorliegendes Portfolio aus dem Frühwerk des Künstlers wird erstmalig dem deutschen Auktionsmarkt zugeführt. Lediglich ein weiteres Exemplar in der Koopman Collection, Amsterdam, ist für uns nachweisbar. 5 monochromatic watercolours as well as an outline drawing in pencil, in: Un Poléoscope. Poème en proses et en poèmes. 1990. On Richard de Bas laid paper (with watermark). Watercolours signed or rather monogrammed, dated and numbered, pencil drawing titled, signed and numbered again in imprint. On folded double sheet lose in original cover, in linen chemise. - With text by Michel Deguy. - Double sheet as well as cover in outermost margins very slightly browned, paper very slightly buckled, isolated, pale-dark tiny stain, cover's back and spine with very few faint-brown small stains, all in all good. - Provenance: Private collection, Paris. - One of only 17 serial-unique copies. - A magical poetry speaks from Lee Ufan's works, which combine rhythmised monochrome with movement. Since the 1970s, the Korean artist, who lives between Paris, New York and Japan, has focussed on the execution of a single brushstroke in his minimalist work, drawing it across canvas and paper with enormous power. After deep meditation, it seems, he dips the broad brush in ocean blue and begins to paint in an act of supreme artistic expression until it no longer gives off any colour. In a masterly reduction, the flowing colour becomes a pictorial mediator, showing action and processuality. The movement of the artist's hand reveals a connection between body and temporality and places brushstroke and picture ground in a dialectical relationship to one another. It is the painterly imprint of Ufan, whose trace can be directly experienced in all its materiality. In 'Un Poléoscope', Ufan is responsible for the Far Eastern edition of the artist's book created in collaboration with the French poet Michel Deguy; two further editions are known with illustrations by Lucio Pozzi and David Jones. This portfolio from the artist's early work is being presented to the German auction market for the first time. Only one other copy in the Koopman Collection, Amsterdam, is known to us.
Direkte Auktion - - Marta Djourina. (1991 Bulgarien). Ohne Titel (aus der Werkreihe"Folds"). 2024. Direktbelichtung auf analogem Fotopapier. 40 x 30 cm. Punktuell auf Unterlage montiert und unter UV70 Museumsglas gerahmt. - Einnehmende abstrakte Komposition in faszinierendem Farb- und Lichtspiel. \plain\f2\fs16\cf0\b Marta Djourina\plain\f2\fs16\cf0 studierte an der UDK Berlin. Ihre Arbeiten wurden in zahlreichen internationalen Ausstellungen gezeigt, zuletzt in der Berlinischen Galerie, im Sofia Arsenal - Museum für zeitgenössische Kunst und im Eskenazi Museum of Art in den USA. Sie erhielt u.a. den BAZA Award für zeitgenössische Kunst (2021), das Eberhard-Roters-Stipendium (Stiftung Preußische Seehandlung, Berlinische Galerie, 2020), das AArtist in Residence des Auswärtigen Amts (2022) und den Marianne Brandt Preis für Fotografie (2022). 2024 veröffentlichte Djourina ihre erste umfassende Monografie bei DISTANZ Berlin. Ihre künstlerische Praxis untersucht Lichtphänomene als Thema, Werkzeug und Forschungsgegenstand. Einige Arbeiten enthalten biografische Elemente, etwa den Einsatz selbstgebauter Lochkameras, die per Post verschickt, an Tauben befestigt oder aus einem Koffer gefertigt wurden. Andere Werke erforschen das Licht lebender Organismen wie Pilze und Algen. Häufig verwendet Djourina historische fotografische Techniken, um das Konzept der Berührung im Bild festzuhalten. Sie zeichnet und malt im Dunklen des Fotolabors mit unterschiedlichen Lichtquellen und kreiert somit farbige dynamische Kompositionen, die alle Unikate sind. direct exposure on analogue photographic paper. Spot-mounted on underliying mat and framed under UV70 museum glass. - \plain\f2\fs16\cf0\b Marta Djourina\plain\f2\fs16\cf0 studied at the UDK Berlin. Her work has been shown in numerous international exhibitions, most recently at the Berlinische Galerie, the Sofia Arsenal - Museum of Contemporary Art and the Eskenazi Museum of Art in the USA. She has received the BAZA Award for Contemporary Art (2021), the Eberhard Roters Scholarship (Stiftung Preußische Seehandlung, Berlinische Galerie, 2020), the AArtist in Residence of the Federal Foreign Office (2022) and the Marianne Brandt Prize for Photography (2022), among others. In 2024 Djourina published her first comprehensive monograph with DISTANZ Berlin. Her artistic practice explores light phenomena as a subject, tool and object of research. Some works contain biographical elements, such as the use of self-made pinhole cameras sent by post, attached to pigeons or made from a suitcase. Other works explore the light of living organisms such as fungi and algae. Djourina often uses historical photographic techniques to capture the concept of touch in the image. She draws and paints in the dark of the photo lab with different light sources, creating colourful dynamic compositions that are all unique.
Christo (d. i. Chr. Javacheff). (1935 Gabrovo/Bulgarien - 2020 New York). Store Front (Mandarin yellow from "Red Devil" enamel). 1965. Zeichnung in Mischtechnik mit Collage, Bleistift, Ölkreide und Emailfarbe auf Zeichenpergament. 71 x 56,5 cm. Signiert, datiert, bezeichnet sowie mit weiteren Annotationen in Bleistift. Mit Heftklammern auf Karton sowie mit Nägeln auf Holzplatte montiert. In Plexiglasbox präsentiert. - Papierbedingt zart angebräunt, im Blattrand leicht lichtrandig, hier auch die Montierung durchscheinend, etwas gebrauchsspurig sowie technikbedingt leicht fleckig, die untere linke Ecke mit kleinem Abriss sowie Unterlegkarton mit schwachen Wasserrand. Insgesamt gut. Die Farben in frischer Erhaltung. Detailliert ausgearbeitete Entwurfszeichnug sowie für die Erschließung des Gesamtwerkes Christos ausgesprochen bedeutende Arbeit. Unsere Arbeit dem Christo & Jeanne Claude Archiv in New York bekannt, wir danken für die freundliche Bestätigung der Authentizität. - In den frühen sechziger Jahren begannen Christo und Jeanne-Claude die Arbeit an den Store Front Projects, zu jener Zeit noch in Paris. Aus kleinen Vitrinen und Schränkchen, welche Christo überwiegend auf Flohmärkten erstand, entstanden die ersten Show Cases, indem beispielsweise die Scheiben mit Packpapier verklebt, oder Metallschränkchen mit einer Glühbirne versehen wurden. Nach ihrer Emigration nach New York im Jahr 1964 führten sie die Arbeiten an dem Projekt weiter, wobei die beiden Künstler die Dimensionen der entstehenden Objekte veränderten. Aus metallenen Gerüsten und architektonischen Elementen entsteht nun das Store Front Project, für welches die bereits genutzten Elemente des Verhüllens durch Stoffe und Packpapier weiter eingesetzt werden. Wie für alle seiner Projekte fertigte Christo sehr exakte Vorzeichnungen uns Skizzen an, wie auch die uns vorliegende Arbeit beispielhaft belegt. Die detaillierte, in warmtoniger Emaillefarbe kolorierte Konstruktionszeichnung führt dem Betrachter vor Augen, dass die Künstler neben der Abschottung durch Verklebungen bei den Store Fronts zudem Wert darauf legen, die äußeren architektonischen Strukturen zu betonen. Der hier entstehende, für den Betrachter deutlich wahrnehmbare spannungsvolle Dialog zwischen Innen und Außen wurde in ausgeführter Form hierdurch verstärkt, dass die Store Fronts stets in einem geschlossenen Raum ausgestellt waren und sich hierdurch der gesamte Ausdruck des Raumes sowie die Wahrnehmung dessen veränderte. Die Store Fronts, so präsent sie in einem Raum platziert waren, blieben doch von ihrer Umgebung abgeschottet und schufen eine klare Distanz zum Betrachter. Ein nun vergleichender Blick auf die späteren, monumentalen Landart-Projekte des Künstlerduos zeigt, dass diese bereits in den Store Front Projects mit der Erschaffung neuer sowie der Veränderung bereits bestehender Räume und deren Umgebungen ihren Anfang fanden. - Weiterführend bzw. vgl. hierzu: Matthias Koddenberg, "Beyond Sculpture: Christo's Store Fronts and Indoor Installation". In: Cahiers d'Art, Paris, September 2020. Drawing in mixed media with collage, pencil, oil pastel and enamel colour on parchment paper. 71 x 56.5 cm. Signed, dated, inscribed and with further annotations in pencil. Mounted with staples on cardboard and with nails on wooden board. Presented in a plexiglas box. - Delicately browned due to paper, slightly light-stained in the margin, the mounting lightly showing through, with slight traces of use and minimally stained due to the technique, the lower left corner with a small loss and the backing card with faint waterstain. Good overall. The colours in fresh condition. Detailed design drawing and an exceptionally important work for the understanding of Christo's oeuvre. - Our work is registered with the Christo & Jeanne Claude Archive in New York, we thank them for kindly confirming its authenticity. - Christo and Jeanne-Claude began working on the Store Front Projects in the early 1960s, while still living in Paris back then. They created their first Show Cases from small display cabinets and cupboards, which Christo mainly found at flea markets, for example by gluing packing paper to the panes or fitting metal cabinets with a light bulb. After emigrating to New York in 1964, the two artists continued to work on the project, changing the dimensions of the objects they created. The Store Front Project was now realised from metal scaffolding and architectural elements, for which the already established elements of wrapping with fabric and packing paper were used further. As with all of his projects, Christo made very precise preparatory drawings and sketches, as exemplified by our work. The detailed construction drawing, coloured in warm-toned enamel paint, clearly indicates that, in addition to sealing off the store fronts with adhesive bonding, the artists also attach great importance to emphasising the external architectural structures. The resulting tense dialogue between interior and exterior, which is clearly perceptible to the viewer, was reinforced by the fact that the Store Fronts were always exhibited in a closed room, thereby changing the entire expression of the room and the perception of it. The Store Fronts, as central as they were placed in a room, remained isolated from their surroundings and created a clear distance to the observer. A comparative look at the artist duo's later, monumental land art projects shows that they already originated in the Store Front Projects with the creation of new spaces and the alteration of existing structures and their surroundings. - Cf: Matthias Koddenberg, 'Beyond Sculpture: Christo's Store Fronts and Indoor Installation'. In: Cahiers d'Art, Paris, September 2020.
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