François Pompon, 1855 Saulieu – 1933 ParisGORET, 1924-1930 („SCHWEINCHEN“)Höhe: 17,5 cm. Breite: 24 cm. Tiefe: 8,9 cm. An der Basis-Längsseite signiert „POMPON“.Anbei ein Zertifikat von Madame Liliane Colas vom 7. März 2011.In gelblichem, schwach geädertem Siena-Marmor vom Typus des Giallo Antico gearbeitet, mit glatt geschliffener Oberfläche, die Äuglein graviert.Pompon ist erst im vorgerückten Lebensalter öffentlich zu Ruhm gekommen, obschon er nach seinem Studium an der École des Beaux-Arts und an der École nationale supérieure des arts décoratifs mit Arbeiten am Hôtel de Ville beteiligt war und alsbald seinen eigenen Stil fand. Zunächst war er beeinflusst von dem Bildhauer Pierre-Louis Rouillard (1820-1881). Die Jury des Salon de Paris wurde auf seine meist kleineren Objekte aufmerksam.Bald wurde er Mitarbeiter bei keinem geringeren als Auguste Rodin. Er leitete dessen Werkstatt drei Jahre lang und prägte sie wesentlich. Ab 1896 wirkte er zusammen mit René de Saint-Marceaux (1845-1915).Seinen Durchbruch erlangte er erst 67-jährig mit der völligen Hinwendung und der stilistischen Mitformung des Art déco. Seine erste Arbeit war ein Polarbär, wiederholt ausgeführt in unterschiedlichen Materialien wie Gips und Marmor. Davon steht ein Exemplar im Metropolitan Museum of Art in New York, weitere im Museum von Luxemburg und im Musée d´Orsay in Paris.Die Stilistik seiner Werke zeichnet sich durch eine ebenso strenge, wie charakteristische Reduktion der Körperform aus. Dabei ist ein Verzicht auf Kantigkeit oder Schärfe in der Kontur wie im plastischen Körper das wesentliche Merkmal.Pompon wurde mit der Aufnahme in die Ehrenlegion ausgezeichnet. In seiner Geburtsstadt Saulieu befindet sich das François-Pompon-Museum. 2005 hat die Französische Republik anlässlich seines 150. Geburtsjahres eine Briefmarke zu seinen Ehren herausgegeben, mit Darstellung seines Polarbären – „Urs blanc“. Tadelloser Zustand.Literatur:Werkverzeichnis, Catherine Chevillot, Liliane Colas, Anne Pingeot, Laure de Margerie, Francois Pompon. 1855-1933, Paris 1994, N. 41, S. 190 (sowie weitere Vergleichsbeispiele).Eric Knowles, Art Deco, Oxford 2014, S. 135. (1320394) (11)François Pompon,1855 Saulieu – 1933 ParisGORET, 1924-1930 (“PIGLET”)Height: 17.5 cm. Width: 24 cm. Depth: 8.9 cm.Signed on long side of the base “POMPON”A certificate by Madame Liliane Colas is enclosed, dated 7th March 2011.In yellowish, faintly veined Giallo Antico type Siena marble, with a smooth polished surface; the little eyes engraved.Literature: Catalogue raisonné, Catherine Chevillot, Liliane Colas, Anne Pingeot, Laure de Margerie, François Pompon, 1855-1933, Paris 1994, no. 41 p. 190 (further comparative examples). Eric Knowles, Art Deco. Shire Collections, Oxford 2014, p. 135.
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Camille Bombois, 1883 – 1970GAYOLE-TOR Öl auf Leinwand. 60 x 82 cm. Rechts unten signiert.Verso durch Sicherheitsabdeckung verschlossen. In partiell vergoldetem, ornamental verziertem Holzrahmen.Provenienz:Süddeutsche Kunstsammlung.Literatur:Susanne Grimm, Authentische Naive. Das Erlebnis des Unmittelbaren, Stuttgart 1991, S. 63.Ausstellungen:Musée International d'Art Naif Anatole Jakovsky, Nizza, 1984.Galerie Berri-Raspail, Paris. (1280392) (13)Camille Bombois,1883 – 1970GAYOLE GATEOil on canvas.60 x 82 cm.Signed lower right.Provenance:Art collection, Southern Germany.Literature:Susanne Grimm, Authentische Naive. Das Erlebnis des Unmittelbaren, Stuttgart 1991, p. 63.Exhibitions:Musée International d'Art Naïf Anatole Jakovsky, Nice, 1984.Galerie Berri-Raspail, Paris.
Louis XVI-Transitions-Kommode88 x 127 x 57 cm. Mathieu-Guillaume Cramer, zug., Meister 1771. Paris, um 1780.In Bronzesabots stehend die vier geschweiften und gekanteten Beine, die den zweischübigen Korpus sans travers tragen. Dieser mit übergreifenden marketierten und von Ormolu gezierten Kartuschen, vertikal dreifach gegliedert. Mittiges Segment breiter und in einer Lambrequinzarge mündend. Dreischübige Gesimszone mit Laufendem Hund-Dekor in Ormolu. Den Zügen des Möbels folgende, rosafarbene, vielleicht spätere Marmordeckplatte. Rest. (†)Anmerkung: Möbel aus der Hand von Mathieu-Guillaume Cramer werden unter anderem im Metropolitan Museum of Art in New York (Inv. Nr. 58.75.50) verwahrt. Eine baugleiche Kommode des Meisters wird im Victoria & Albert Museum in London unter der Inventarnummer W.3:1 to 8-1940 verwahrt. (13013117) (13)Louis XVI Transition commode88 x 127 x 57 cm.Mathieu-Guillaume Cramer, attributed, master 1771.Paris, ca. 1780. (†)Notes:Furniture by Mathieu-Guillaume Cramer are held at the Metropolitan Museum of Art in New York (inv. no. 58.75.50), among other places. An identical chest of drawers by the master is held at the Victoria & Albert Museum in London under the inventory no. W.3:1 to 8-1940.
Jacob van Strij, 1756 Dordrecht – 1815 ebenda, zug.LANDSCHAFT MIT RUINE, KÜHEN UND REISENDEN Öl auf Holz. 38,4 x 49,3 cm. In vergoldetem Prunkrahmen.Unter hohem Himmel, teils gelblich verfärbt durch das Licht eines späten Sommernachmittags, auf einem Hang eine Ruine und im Bildvordergrund mehrere, teilweise im Gras liegende Kühe. Linksseitig auf einem Esel, in Rückansicht sitzend eine junge Frau, begleitet von einem Mann mit dunklem Hut. Harmonische stimmungsvolle Landschaft in der Art des bekannten Künstlers. Kleine Restaurierung, kleine Retuschen. (13206122) (1) (18))
Goldbonbonnière mit MiniaturHöhe: 2,4 cm. Durchmesser: 7,4 cm. Gewicht: 135,2 g. Steckkante mehrfach mit Goldpunzen versehen. Frankreich, 18. Jahrhundert.In Gelb- und Rotgold gearbeiteter Korpus in der Art von blauem Aventurin emailliert. Stülpdeckel mit verglaster von floralem Goldrelief gesäumter Miniatur das halbfigurige leicht nach links gewandte Bildnis einer jungen Frau zeigend. (13218853) (13)Gold bonbonnière with miniatureHeight: 2.4 cm. Diameter: 7.4 cm. Weight: 135.2 g.Rim with multiple gold hallmarks.France, 18th century.
Star Wars - Drew Struzan (Poster Artist) - set of x4 autographed Star Wars art cards by Struzan, each showing different scenes from the original trilogy. Each card signed in silver by Struzan, undedicated. All obtained personally by the vendor. 6x4". Drew Struzan is an American artist, illustrator, and cover designer known for his more than 150 movie posters, which include The Shawshank Redemption, Blade Runner, Mallrats, as well as films in the Indiana Jones, Back to the Future, and Star Wars film series.
Star Wars - The Empire Strikes Back - Art Dept / Special Effects Crew - a collection of x5 autographed 8x10" photographs from various crew members, including; Alan Tomkins (Art Director 1939-2020), Terrence Masson (Falcon Crew Member), Nick Maley (Yoda Crew), Michael Pangrazio (Matte Painter) and Dennis Lowe (SFX). All dedicated. Various images, all personally obtained by the vendor.
Peter O'Toole signed 10x8 black and white photo dedicated. Peter Seamus O'Toole (2 August 1932 - 14 December 2013) was a British stage and film actor. He attended the Royal Academy of Dramatic Art and began working in the theatre, gaining recognition as a Shakespearean actor at the Bristol Old Vic and with the English Stage Company. In 1959 he made his West End debut in The Long and the Short and the Tall, and played the title role in Hamlet in the National Theatre's first production in 1963. Excelling on the London stage, O'Toole was known for his hellraiser lifestyle off it. Good condition. All autographs come with a Certificate of Authenticity. We combine postage on multiple winning lots and can ship worldwide. UK postage from £4.99, EU from £6.99, Rest of World from £8.99
Rod Steiger signed 10x8 black and white photo. Rodney Stephen Steiger (April 14, 1925 - July 9, 2002) was an American actor, noted for his portrayal of offbeat, often volatile and crazed characters. Cited as one of Hollywood's most charismatic and dynamic stars, he is closely associated with the art of method acting, embodying the characters he played, which at times led to clashes with directors and co-stars. He starred as Marlon Brando's mobster brother Charley in On the Waterfront (1954), the title character Sol Nazerman in The Pawnbroker (1964) which won him the Silver Bear for Best Actor, and as police chief Bill Gillespie opposite Sidney Poitier in the film In the Heat of the Night (1967) which won him the Academy Award for Best Actor. Good condition. All autographs come with a Certificate of Authenticity. We combine postage on multiple winning lots and can ship worldwide. UK postage from £4.99, EU from £6.99, Rest of World from £8.99
A 9ct yellow gold Art Nouveau design necklace set with two oval cut amethysts measuring 9mm x 5.5mm & 5.5mm x 4mm and one round cut amethyst measuring 4.5mm, with tiny seed pearls set throughout the pendant, length of chain not including the pendant drop is 14", the pendant itself measures 6cm x 3cm, in box (not sure if original), 5.28gm (please note there is a small knot in the chain near to the clasp.
An Art Deco three strand coral & onyx bracelet with a decorative white gold diamond set clasp, the coral beads measure approx. 4.8mm (but sizes do vary slightly), the feature lined onyx ends measures approx. 1.5cm x 4mm and the diamond set clasp measures approx. 2cm x 1.7cm, total diamond weight approx. 0.45 carats (diamonds measured within the restrictions of the settings), push in clasp with a figure of eight safety catch, length 19cm, 23.7gm.
A fine Art Deco brooch set with approx. just over 3.00 carats total weight of old round cut diamonds in a mixture of rubover & milgrain settings, approx. diamond colour H-I and SI2 clarity, length 5.5cm, size of head setting 2.5cm x 1.7cm, with pin & safety catch & safety chain, 7.00gm, set in platinum? (not hallmarked or tested, the three central diamonds are approx. 0.50 carats each. (believed to have originally been a ring that has been re-fashioned).
A mixed lot with an 18ct yellow gold ring set with four old round cut diamonds, (one diamond is missing), 2.44gm, size M, a 9ct yellow gold Art Nouveau pendant set with a heart shaped & a pear shaped amethyst, 5cm x 3.5cm, 2.73gm, a 15ct yellow & white gold bar brooch set with a round cut peridot, 5cm, 2.91gm and a 9ct yellow gold cameo brooch, 4cm x 3cm, 7.04gm, (4).
ALPHONSE MUCHA (1860-1939)MONACO. MONTE-CARLOlithographic poster in colours, 1897, printed by F. Champenois, Paris, cond. B-, backed on linen, framed 42 ½ x 29ins (108 x 74 cm.)Footnotes:Ref: Rennert/Weill, 31DFP-II, 639Affiches Azur, 194Mucha/Art Nouveau, 24For further information on this lot please visit Bonhams.com
James Abbott McNeill Whistler (1834-1903)The Riva, No.1, from The First Venice Set (Kennedy 192; Glasgow 229) Etching and drypoint, 1879-1880, on laid paper, Glasgow's final fourth state, signed with the butterfly and inscribed 'imp' in pencil on the tab, published in 1880 by the Fine Art Society, London, with narrow to thread margins, in good condition, framedPlate 202 x 298mm. (8 x 11 3/4in.); Sheet 206 x 300mm. (8 1/4 x 11 3/4in.)Footnotes:ProvenanceHenry Harper Benedict (Lugt 1298, 2936).The Fine Art Society, London (with their label).Acquired directly from the above by the current owner, 11 May 2001.LiteratureThe Fine Art Society, Mr Whistler's Etchings of Venice, The First Venice Set, 1880.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Andy Warhol (1928-1987)Mick Jagger, from Mick Jagger Portfolio (Feldman & Schellmann II.144) Screenprint in colours, 1975, on Arches Aquarelle paper, signed in felt-tip pen by Andy Warhol and Mick Jagger, numbered AP 2/50 in pencil, one of 50 artist's proofs aside from the edition of 250, printed by Alexander Heinrici, New York, published by Seabird Editions, London, with their inkstamp verso, the full sheet, in very good condition, framedSheet 1109 x 733mm. (43 5/8 x 28 7/8in.)Footnotes:ProvenanceCoskun Fine Art, London.Acquired directly from the above by the current owner.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Andy Warhol (1928-1987)Queen Elizabeth II, from Reigning Queens (see Feldman & Schellmann IIB.334-337) Unique screenprint in colours, 1985, on Lenox Museum Board, signed and numbered TP 26/30 in pencil, one of 30 colour variant trial proofs aside from the edition of 40 (there were also 10 artist's proofs), printed by Rupert Jasen Smith, New York, with their blindstamp, published by George C.P. Mulder, Amsterdam, the full sheet, in overall very good condition, the colours strong and vibrant, framedSheet 1001 x 799mm. (39 3/8 x 31 1/2in.)Footnotes:ProvenanceBelgravia Gallery, London (with their label).Sotheby's, Old Master, Modern & Contemporary Prints, London, 19 March 2013, Lot 177.Acquired from the above sale by the current owner.In 1985 Warhol produced his largest portfolio Reigning Queens, containing screenprint portraits of the four ruling female monarchs of the day: Queen Elizabeth II, Queen Beatrix of the Netherlands, Queen Margrethe II of Denmark and Queen Ntombi Twala of Swaziland. The image of Queen Elizabeth II was based on a photograph taken by Peter Grugeon at Windsor Castle on 2 April 1975 and released to celebrate Her Majesty's Silver Jubilee in 1977. Warhol was fascinated by fame and celebrity. He was the first artist to really comprehend the appeal of celebrity culture and how to harness this appeal to his advantage by producing iconic images of the famous and the glamorous which had an immediate impact and charisma. Warhol's decision to produce an image of the monarch took this up a level. A royal likeness stood apart from other portraits as the ultimate image of fame, celebrity and glamour and was treated with a certain reverence. On the other hand, Warhol was also well aware that this image would be instantly recognizable and attractive to collectors, thereby increasing his own fame by association, notably quoting 'I want to be as famous as The Queen of England'.Having worked as a commercial illustrator, Warhol understood how to present an image to attract attention. He favoured the screenprint process, which produced a precise defined image with hard edges and flat areas of colour, to achieve maximum impact for his radical and glamorous Pop art portraits. The use of this method is pertinent for the Queen as the most depicted woman in the world and indeed the bust length format and vibrant colours call to mind another iconic item of mass production, the postage stamp.Warhol has pared down the original image, removing some of the finer detail which gives character to the face, to leave an inscrutable façade. He has highlighted outlines on areas such as the crown and sash with the Royal Family orders, thus focussing the viewer's attention on the image of Her Majesty as a symbol of royal power; the public face and figurehead of the Royal House of Windsor. In this year of the Platinum Jubilee, we are delighted to be offering a unique version of this screenprint outside the standard edition, which can be regarded as truly iconic, both in subject and within the Warhol repertoire.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
ANDY WARHOL (1928-1987)Mother and Child, from Cowboys and Indians (Feldman & Schellmann 383) Screenprint in colours, 1986, on Lenox Museum Board, signed and numbered 79/250 in pencil, printed by Rupert Jasen Smith, New York, with his blindstamp, published by Gaultney, Klineman Art Inc., New York, the full sheet, in very good condition, the colours fresh and vibrant, framedSheet 914 x 914mm. (36 x 36in.)For further information on this lot please visit Bonhams.com
Roy Lichtenstein (1923-1997)Cubist Cello (Corlett 311) Screenprint in colours, 1997, on Somerset textured paper, signed by Dorothy Lichtenstein and numbered XIII/XV in pencil, one of 15 proofs aside from the edition of 75, co-published by The Estate of Roy Lichtenstein and Noblet Serigraphie, Inc., New York, for the benefit of the American Friends of the Tel Aviv Museum of Art, with wide margins, in overall very good condition, the colours fresh and bright, framedImage 1037 x 774mm. (40 7/8 x 30 1/2in.); Sheet 1280 x 1002mm. (50 7/8 x 39 1/2in.)For further information on this lot please visit Bonhams.com
Lucian Freud (1922-2011)Girl Sitting (Hartley 33) Etching, 1987, on Somerset wove paper, signed and numbered 35/50 in pencil (there were also ten artist's proofs), published by James Kirkman, London, and Brooke Alexander, New York, the full sheet, in very good condition, framedPlate 520 x 695mm. (20 1/2 x 27 3/8in.); Sheet 605 x 771mm. (23 7/8 x 30 3/8in.)Footnotes:ProvenanceChristie's, Post-War and Contemporary Art, London, 17 October 2006, lot 485 (with their label.)Timothy Taylor Gallery, London (with their label.)Private Collection, UK.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
David Hockney (born 1937)Untitled No.346, from A Bigger Book: Art edition B iPad drawing in colours, 2010/2016, printed on archival paper, signed, dated and numbered 22/250 in pencil, co-published by the artist and Taschen, Berlin, with their blindstamp, the full sheet, in very good condition, within the original blue fabric-covered portfolio and paper wrappersImage 435 x 330mm. (17 x 13in.); Sheet 560 x 432mm. (22 x 17in.)This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
David Hockney (born 1937)Untitled No.329, from A Bigger Book: Art Edition A iPad drawing in colours, 2010/2016, printed on archival paper, signed, dated and numbered 30/250 in pencil, co-published by the artist and Taschen, Berlin, with their blindstamp, the full sheet, in very good condition, within the original blue fabric-covered portfolio and paper wrappersImage 439 x 330mm. (17 x 13in.); Sheet 559 x 432mm. (22 x 17in.)This lot is subject to the following lot symbols: * AR* VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.AR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Banksy (born 1974)Girl with Balloon Screenprint in colours, 2004, numbered 184/600 DN in pencil, published by Pictures on Walls, London, the full sheet, with pale time staining to the extreme sheet edges, in overall very good condition, framedSheet 700 x 500mm. (27 1/2 x 19 5/8in.)Footnotes:This work is accompanied by the new certificate of authenticity issued by Pest Control Office.Possibly one of the most iconic artworks of the 21st century, Banksy Girl with Balloon has acquired a notoriety to which few contemporary works can lay claim. A favourite with the public and collectors alike, its fame is based not only on the minimal design, universal message and straightforward approach, but also on the various events punctuating the life of the artwork. These include the original murals in London started in 2002, all removed one after the other while Banksy's reputation was growing, or the re-worked version made at the occasion of the third anniversary of the Syrian conflict, with the little girl wearing a headscarf, projected onto the Eiffel Tower and Nelson's Column to raise awareness about the devastating conflict. The most infamous event linked to this image however occurred in 2018, when one version on canvas, moments after selling over £1M at auction, started to automatically self-destruct through a hidden shredding mechanism that had been placed in the frame by the artist years before. Making headlines the world over, appropriately renamed Love is in the Bin by Banksy afterwards, and happily kept by the new owner, the image went from a universal symbol of hope, to achieving a cult status as one of the best art stunts ever orchestrated. Today Girl with Balloon is the artist's most sought-after print. The symbolism of the work should not be overlooked: hope remains the main message of this iconic work, which is also what gives it the timelessness that is essential to all great and iconic artworks.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Tracey Emin (born 1963)These Feelings Were True The complete set of eight lithographs, 2020, five printed in blue and black, three printed in black, on Somerset Velvet wove paper, each signed, titled, dated and numbered 21/50 in pencil, printed at Counter Studio, Margate, published by Counter Editions, London, the full sheets, in very good condition, within the Counter Editions cardboard portfolioSheets 655 x 555mm. (25 7/8 x 21 7/8in.)(and smaller)Footnotes:Tracey Emin came to the forefront of the British art scene in the 1980s and 1990s, graduating from the Royal College of Art and achieving success and acclaim as a prominent member of the Young British Artists, who pioneered a new era of art which was innovative, irreverent and provocative. Emin is well-known for the autobiographical nature of her work, with its confessional and often shocking elements. In 1997 she produced Everyone I have ever slept with, a tent appliqued with the names of people with whom she had shared a bed and in 1999 My Bed was exhibited at the Tate Gallery, causing a sensation with its uninhibited and searingly honest presentation of her unmade bed surrounded by discarded personal items. Such personal works expressed the emotions which surfaced during particularly difficult periods in her life and these were used to make a commentary on the wider world with regards to love, sex, abandonment and death. Emin works in a variety of media, including drawing, painting, photography and sculpture. However, it is printmaking in which she specialized, citing an appreciation for the variety of techniques which allow for experimentation throughout the printmaking process. These feelings were true continues the artist's self-exploration in a series of eight self-portraits. They are small-scale intimate portraits produced in 2020 when the artist was dealing with a serious illness and can be viewed almost as a visual diary. As ever, her emotions are candidly revealed, with each portrait facing and engaging the viewer, each with its own expression. Emin says that there is a definite division between the works produced before her diagnosis, which have a sense of calm and innocence, and afterwards, where there is more visible turmoil. In previous self-portraits she has often obscured her face, but now feels it is time for her 'to make an entrance into her work', because she is grateful to be here and celebrate who she is. Emin has said of the series 'when I saw that these portraits did not look like me, I then realized I was actually drawing how I felt inside my head. An expression of myself in different moments, and this idea doing a few of them would be very honest and will be really free... the idea is how I am feeling'.This sense of freedom is conveyed through the fluid brushstrokes resulting in direct, visceral images. Emin follows in the footsteps of many artists who have become their own subjects, and who have used the nude to convey powerful emotions, but she stands apart in the sheer intensity and self-revelation of her work. This series is a testament to her continued pursuit of artistic experimentation and determination to be absolutely true in her portrayal.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Damien Hirst (born 1965)The Elements (H6-6, H6-7, H6-8, H6-9) The complete set of four laminated giclée prints on aluminium panels, 2020, each signed in pencil on the publisher's label affixed verso, three stamp-numbered 10/60 (H6-6; H6-7; H6-9), one stamp-numbered 37/60 (H6-8), published by Heni Editions, London, in very good, original condition, within their original packagingEach 1000 x 1000mm. (39 3/8 x 39 3/8in.) (4)Footnotes:This series of four intricately designed kaleidoscopic works is Damien Hirst's second exploration on the theme of the elements, after his 1992 artwork Pharmacy. The series, composed of thousands of butterfly wings, reflects Hirst's fascination with the early scientific notion that the universe was made up of four core elements which needed to be balanced in order to support the flow of spiritual energy. For thousands of years in Eastern and Western philosophy, the elements were a cornerstone of both science and medicine, used to heal the sick before modern medicine was invented. This is the first time the complete set is offered at auction. I can't understand why most people believe in medicine and don't believe in art, without questioning either... I like the way art works, the way it brightens people's lives up... but I was having difficulty convincing the people around me that it was worth believing in. And then I noticed that they were believing in medicine in exactly the same way that I wanted them to believe in art.Damien HirstThis lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Victor Vasarely1908 Pécs/Ungarn - 1997 Annet-sûr-Marne bei ParisAus der Mappe "Octal". 1972Rechts unten mit Bleistift signiert. 2 Blatt Farbserigraphien auf Velin, aus einer Mappe mit 9 Farbseriegraphien. Jeweils Ex. 148/150, herausgegeben von Studio Bruckmann im Druck Fine Art München. 29 x 27 cm und 22 x 33 cm. Blattgröße: 40 x 48 cm. Ohne Buch. Rahmen (66 x 55 cm, nicht ausgerahmt). Provenienz: Galerie Boisserée, Köln.
Paolo Caliari, gen. Veronese, Werkstatt1528 Verona - 1588 VenedigDie Auffindung des Mosesknaben (Exodus 2, 3-10)Öl auf Lwd. 56,4 x 43,4 cm. Doubliert. Rest. Rahmen (81 x 67,5 cm). Moses wurde als Kleinkind von seiner Mutter am Ufer des Nils in einem Korb ausgesetzt. Seine Schwester blieb in der Nähe. Die Tochter des Pharao kam mit ihren Dienerinnen an den Fluss, um dort zu baden. Sie entdeckte den Korb und ließ ihn von einer Magd holen. Moses' Schwester, welche die Auffindung beobachtet hatte, bot sich an, eine Amme für das Kind zu holen, seine leibliche Mutter. Auf Befehl der Tochter des Pharaos nahm die Mutter ihr Kind wieder an sich, stillte es, später nahm die Tochter des Pharao den Knaben an Sohnes Statt an. Mehrmals befasste sich der große venezianische Künstler Veronese zusammen mit seiner Werkstatt mit der Darstellung des Themas. Die meist querformatigen Fassungen, von größerem Format, befinden sich heute in bedeutenden Museen, so in der Gemäldegalerie in Dresden, in den Musées des Beaux Arts in Lyon und Dijon und in der Galleria Sabauda in Turin. Im Prado zu Madrid wird dagegen eine hochformatige, kleinere Fassung (57 x 43 cm) des Themas aufbewahrt, die in engstem Zusammenhang mit einer Version in der National Gallery of Art in Washington steht (Andrew W. Mellon Collection 1937.1.38. 58 x 44,5). An letztgenannter Fassung (entstanden um 1582 und als Arbeit von Veronese unter Beteiligung seiner Werkstatt gesehen) orientiert sich das vorliegende Gemälde am stärksten. Die "Auffindung des Mosesknaben" scheint bei Veroneses Auftraggebern besonders nachgefragt gewesen zu sein. 11 verschiedene Fassungen im Hoch- und Querformat sind heute noch nachweisbar, zudem werden 14 (heute verschollene) Gemälde des Themas in historischen Quellen erwähnt. Eine weitere ist durch einen Holzschnitt von Johann Baptist Jackson bzw. eine Kopie von Sebastiano Ricci überliefert. Eine Erstellung einer Chronologie der Entstehung der verschiedenen Fassungen der "Auffindung des Mosesknaben" gestaltet sich schwierig. Auch die zeitliche Abfolge der beiden Versionen in Madrid und Washington wird diskutiert. Remigio Martini vermutete, dass die Washingtoner Fassung in der Werkstatt Veroneses verblieb, um als Vorbild für künftige Varianten zu dienen (vgl. Martini, Remigio, Tutta la pittura di Paolo Veronese. Mailand 1968, S. 119). Die Gemälde der Veronese-Werkstatt wurden von Anfang an auf "kollaborative Weise hergestellt" (Stellungnahme H. D. Huber, 2022). Für unterschiedliche Partien ein und desselben Gemäldes waren oft verschiedene Mitarbeiter zuständig. Bei Fertigstellung erfolgte dann eine Endkorrektur durch den Meister selbst. Hans Dieter Huber sieht im vorliegenden Gemälde somit auch stilistische Parallelen zum Schaffen des Francesco Montemazzaro (Gesicht der Prinzessin und Kopf der Dienerin rechts), die ältere Frau (wohl Moses' leibliche Mutter) und der neben ihr stehende Diener werden von Huber mit dem Stil von Veroneses Bruder Benedetto Caliari verglichen. Hans Dieter Huber formuliert die Hypothese, dass das vorliegende Gemälde ein "Übungsstück" in der Werkstatt Veroneses war, bei dessen Entstehung erfahrene Gesellen die Hauptfiguren malten und Veroneses Söhne Gabriele und Carletto kleinere Aufgaben übernommen haben. Diese lernten ab ca. 1580 in der Werkstatt des Vaters. Durch intensiven Detailvergleich kommt Huber zudem zu dem Schluss, dass bei der Entstehung des vorliegenden Gemäldes die im Prado und in Washington aufbewahrten Gemälde zur Anschauung und Inspiration wohl im Original bekannt gewesen sein sollten. Er datiert das vorliegende Gemälde in die Jahre zwischen 1582 und 1584. Wir danken Prof. Peter Humfrey, Emeritus der University of St. Andrews / School of Art History, für seine freundliche Unterstützung im Rahmen der Katalogisierung. Peter Humfrey sieht auf Basis von Fotografien im vorliegenden Gemälde ein Werk aus der engen Nachfolge Veroneses, schließt eine Entstehung in der Werkstatt des Meisters nicht aus. Als möglichen Urheber bringt Humfrey Alvise de Friso, den Neffen des Künstlers, in die Diskussion ein. Prof. Diana Gisolfi, The Pratt Institute, New York, der wir ebenfalls für ihre Unterstützung danken, schließt Alvise de Friso als ausführenden Künstler jedoch aus. Vgl. Peter Humfreys grundlegenden Text zur Washingtoner Fassung: "Veronese/The Finding of Moses/c. 1581/1582," Italian Paintings of the Sixteenth Century, NGA Online Editions, https://purl.org/nga/collection/artobject/45. - Huber, Hans Dieter, Paolo Veronese. Kunst als soziales System. München 2005, besonders S. 161-164: zum Arbeitsschema der Veronese-Werkstatt. Stellungnahme Prof. Dr. Hans Dieter Huber, Berlin, 10. Mai 2022 (auf Basis von Fotografien). Provenienz: In den 1980er Jahren im Londoner Kunsthandel erworben. - Privatbesitz Süddeutschland.
Unbekannt18. Jh. Stillleben mit Lauch und ZwiebelnÖl auf Holz. 27 x 20 cm. Parkettiert. Rest. Rahmen (39,5 x 33 cm). Auf der TEFAF, Maastricht, wurde das Gemälde 2003 bei Daphne Alazraki Fine Art als Christoph Paudiss (1625 Hamburg - 1666 Freising) angeboten. In der Datenbank des RKD, Den Haag, wird das Gemälde heute als unbekannte, möglicherweise französische, Arbeit des 18. Jahrhunderts gelistet (s. RKD Nr. 59708). Provenienz: Privatsammlung Schweden. - Daphne Alazraki Fine Art, New York. - Privatsammlung Deutschland.
Walter Pichler1936 Deutschnofen (Südtirol) - 2012 in WienOhne Titel, 1981Mit Bleistift unten rechts signiert und datiert. Lavierte Tuschzeichnung über Bleistift auf Zeichenpapier. 29 x 22 cm. Blattgröße: 35 x 50 cm. Atelierspuren. Rahmen ( 57 x 57 cm). Das vielschichtige Werk WALTER PICHLERS (1936 - 2012), einem der eigenwilligsten Künstler seiner Zeit, bewegt sich im Grenzbereich von Architektur, Design und Skulptur. Für Aufsehen sorgten vor allem seine radikalen wie utopischen Architekturentwürfe, darunter hängende und unterirdische Stadtwelten, für die er 1963 mit dem meistesverwandten Hans Hollein in der Galerie nächst St. Stephan in Wien Entwürfe und Modelle präsentierte. 1972 erwarb Pichler in St. Martin im Burgenland ein vier Hektar großes Grundstück mit einem alten Bauernhof. Das Anwesen wurde seine bevorzugte Arbeits- und Ausstellungsstätte. Weitab vom schnelllebigen Kunstbetrieb widmete der Österreicher sich ungestört seinen Skulpturen, für deren Fertigstellung er manchmal Jahrzehnte brauchte. Ab und an schickte er Werke zu Ausstellungen, verkaufte sie aber nicht, sondern baute für seine Skulpturen in St. Martin lieber komplexe Gebäude. Seinen finanziellen Unterhalt bestritt Walter Pichler unter anderem aus dem Verkauf von Skizzen, Plänen und Zeichnungen. Bereits in relativ jungen Jahren machte Walter Pichler eine rasante internationale Karriere. Früh war er in bedeutenden Ausstellungen zu sehen und weltweit in renommierten Museen: 1967 hatte er eine gefeierte Ausstellung im Museum of Modern Art in New York, 1967 nahm an der 5. Biennale des Paris teil, 1968 an der 4. documenta in Kassel und 1982 im österreichischen Pavillon auf der 40. Biennale di Venezia
Mauro Bergonzoli1965 Mailand - lebt in Kirchheim / SchwabenWater lilies with yellow duck. 2022Rechts unten signiert und datiert, links unten monogrammiert. Verso auf der Leinwand nochmals signiert und datiert. Acryl auf Leinwand. 60 x 80 cm. Rahmen (71 x 91 cm). Mauro Bergonzoli, als Sohn eines Graveurs in Mailand geboren, fand über den Vater früh zur Kunst. Seit der Jahrtausendwende arbeitet der ehemalige, preisgekrönte Werbegrafiker mit internationalem Erfolg als Künstler. Seine Malerei ist getragen von der handwerklich virtuosen Strichführung einer feinen, oft ins Ornamentale gesteigerten Zeichnung. In Verbindung mit leuchtenden Farben entfaltet der Maler seine phantasievolle Bildsprache, deren Motive von einem an Matisse geschulten Sommersee bis zum plakativen Ferrari im Stil der Pop-Art reichen und häufig auch den dekorativ stilisierten weiblichen Akt einbinden.
Plakette mit Anbetung des JesuskindesWohl Italien, um 1700 Gelbgold 750/-, getestet. Grünes, rotes, weißes, violettes, gelbes und blaues Transluzidemail und opakes Email. Schwarz gefüllte Gravuren. Email an einigen wenigen Stellen minimal best. Ca. 4,5 x 5,6. Ca. 17,1 g. Die plastische szenische Darstellung wurde auf die Goldplatte mit der gravierten, perspektivischen Darstellung eines Raumes mit Bogenstellung appliziert. Gezeigt ist die Geburt Christi mit einem adorierenden Engel. Das selten vorkommende Motiv entstand in Italien im Verlauf des 15. Jahrhunderts. Ein Beispiel dafür ist ein Gemälde von Fillipino Lippi, das sich in der Andrew W. Mellon Collection Gallery of Art, Washington, befindet. SvP
Giovanni Domenico Tiepolo1727 Venedig - 1804 ebendaNessos und De�aneiraR. u. signiert "Dom. Tiepolo f", l. o. nummeriert 61. Rücks. Nummerierung 409. Feder und Pinsel in Braun, laviert, auf Bütten. 19,5 x 27,5 cm. Mit Japanpapier angerändert. Min. fleckig. Rahmen (41 x 50 cm). Der Kentaur Nessos tat am Fluss Lykormas Fährdienste. Als Herakles mit seiner Gemahlin De�aneira den Fluss überqueren wollte, trug Nessos diese durch das Wasser. Als er sich an der jungen Schönheit vergriff, eilte Herakles zu Hilfe und tötete Nessos mit einem Giftpfeil. Giovanni Domenico Tiepolo interpretiert diese Szene aus der antiken Mythologie mit großer künstlerischer Freiheit. Das Hauptaugenmerk des Künstlers liegt auf der bewegten Darstellung des vor Kraft strotzenden Nessos, der die sich heftig wehrende De�aneira zu entführen versucht. Die Szene spielt sich in einer idyllischen norditalienischen Landschaft ab, im Mittelgrund ist die Silhouette einer kleinen Stadt erkennbar, Pinien und Zypressen flankieren eine breite Landstraße, auf der in gewisser Entfernung zwei Personen zu erkennen sind. Giovanni Domenico Tiepolo, einer der berühmtesten venezianischen Künstler des 18. Jahrhunderts, war ein unermüdlicher Zeichner. Seine Blätter waren bereits bei den zeitgenössischen Sammlern sehr begehrt. Adelheid M. Gealt bezeichnet in ihrer Stellungnahme das vorliegende Blatt als "a particularly fine example" aus einer umfangreichen Serie von Zeichnungen Tiepolos, in welcher er sich mit der Darstellung von Kentauren befasste. James Byam Shaw, der große Kenner der Zeichnungen unseres Künstlers, sah in diesen Darstellungen seine "most delightful and original mythological subjects" (Byam Shaw, s. u., S. 41). Tiepolo scheint das Thema der Kentauren sehr geschätzt zu haben, nach Cailleux' Zusammenstellung von 77 vergleichbaren Blättern im Jahre 1974 konnte Gealt 2016 weitere 29 Zeichnungen des Sujets dem Themenkomplex hinzufügen. Auf dem vorliegenden Blatt sehen wir eines der bevorzugten Bewegungsmotive Tiepolos: der muskulöse Nessos, von hinten gesehen, seine kräftigen Arme umklammern das unglückliche Opfer seiner Attacke. Eine Szene, der sich der Künstler - stets variierend - mehrmals gewidmet hat. Als Beispiel für die motivische Kontinuität aber auch Variation verweist Gealt auf eine Zeichnung, die erst jüngst versteigert wurde (Auktion Tajan, Paris, 16. Dezember 2021, Kat.-Nr. 7). Diese "Entführung der De�aneira" zeigt die Gruppe der Hauptfiguren spiegelbildlich, mit sehr vergleichbarer Darstellung des Nessos. Dennoch variiert Tiepolo auf spielerische Weise: Während Nessos auf unserem Blatt in energischer Bewegung gegeben wird, er in die Landschaft hineinsprengt, hält er bei der erwähnten Vergleichszeichnung in der Bewegung inne und ist bemüht, De�aneira (hier von vorne gezeigt) die sich mit beiden Armen gestikulierend wehrt, zu halten. Ein in unserem Kontext hochinteressantes Blatt des British Museum, London (Inv.-Nr. 1885,0509.7) zeigt einen Kentauren, der auf seinem Rücken eine Satyrfrau trägt. Der Kentaur entspricht wiederum spiegelbildlich dem Nessos unserer Zeichnung, aber im Gegensatz zu De�aneira, die schließlich Opfer einer Entführung ist, schmiegt sich das Satyrweibchen liebevoll an den Pferdemenschen, der ihr seinen Oberkörper zuneigt. Fast könnte man von einem Gegenstück sprechen: hier der dramatische Raub einer menschlichen Frauengestalt, dort liebevolles Miteinander mit einem halbtierischen Mischwesen. Von gewisser Bedeutung könnte in diesem Zusammenhang auch die Nummerierung des Londoner Blattes sein: Es trägt links oben die Nummer "62", unsere Zeichnung ist "61" nummeriert. Es ist verlockend, zu unterstellen, dass die Nummerierungen vom Künstler selbst aufgebracht worden sind und wir hier die künstlerische Absicht Tiepolos wiedergespiegelt finden, De�aneira und den weiblichen Satyr in ihrem Verhalten bewusst zu vergleichen bzw. zu kontrastieren. Als andere Möglichkeit sieht Gealt aber auch die Nummerierung der Zeichnungen nach dem Tod des Künstlers durch seine Erben (seine Witwe), die sie an Sammler verkauften. Oder aber, als dritte Erklärung: Erst ein Sammler hat den reizvollen thematischen Zusammenhang erkannt und die Blätter selbst mit aufeinander folgenden Nummern versehen. Den Beginn von Giovanni Domenicos extensiver Beschäftigung mit dem Thema "Kentauren - Satyrn - Faune" könnte man zeitlich - aufgrund thematischer Parallelen - mit der Arbeit an den Fresken in der Villa Zianigo (ab 1757) festlegen. Der selbständige Kunstwerkscharakter der Zeichnungen spricht aber gegen eine Zuordnung zu einem bestimmten Projekt und so hat sich die Wissenschaft darauf verständigt, den Beginn dieser an die hundert Blätter umfassenden Serie mit der Rückkehr von Vater und Söhnen Tiepolo vom großen Würzburger Auftrag gleichzusetzen (1753). Bis in die 1790er Jahre scheint sich Giovanni Domenico Tiepolo dann mit dem Thema Kentauren und Satyrn beschäftigt zu haben Vgl. Byam Shaw, James, The Drawings of Domenico Tiepolo. London 1962. - Cailleux, Jean, Domenico Tiepolo: Centaurs, Fauns, Female Fauns and Satyrs among the drawings of Domenico Tiepolo, in: L'Art du Dix-huitième siècle. Supplement des Burlington Magazine, Bd. CXVI, Juni 1974. - Gealt, Adelheid M. (Hg.), Giambattista and Domenico Tiepolo. Master Drawings from the Anthony J. Moravec Collection. Eskenazi Museum of Art, Indiana University, Bloomington 2016. Wir danken Prof. Adelheid M. Gealt, Indiana University, Bloomington, Indiana, für Ihre großzügige Unterstützung im Rahmen der Katalogisierung. Als Datei liegt eine Stellungnahme Gealts vom 12. Mai 2022 vor, die ergänzt wird von einer Zusammenstellung verschiedener Vergleichszeichnungen. Provenienz: Süddeutscher Privatbesitz.
Walter Pichler1936 Deutschnofen (Südtirol) - 2012 in WienOhne Titel. 1981Mit Bleistift unten rechts signiert und datiert. Lavierte Tuschzeichnung über Bleistift auf Japanpapier. 25 x 15 cm. Blattgröße: 30 x 21 cm. Atelierspuren. Rahmen (60 x 45 cm). Das vielschichtige Werk WALTER PICHLERS (1936 - 2012), einem der eigenwilligsten Künstler seiner Zeit, bewegt sich im Grenzbereich von Architektur, Design und Skulptur. Für Aufsehen sorgten vor allem seine radikalen wie utopischen Architekturentwürfe, darunter hängende und unterirdische Stadtwelten, für die er 1963 mit dem meistesverwandten Hans Hollein in der Galerie nächst St. Stephan in Wien Entwürfe und Modelle präsentierte. 1972 erwarb Pichler in St. Martin im Burgenland ein vier Hektar großes Grundstück mit einem alten Bauernhof. Das Anwesen wurde seine bevorzugte Arbeits- und Ausstellungsstätte. Weitab vom schnelllebigen Kunstbetrieb widmete der Österreicher sich ungestört seinen Skulpturen, für deren Fertigstellung er manchmal Jahrzehnte brauchte. Ab und an schickte er Werke zu Ausstellungen, verkaufte sie aber nicht, sondern baute für seine Skulpturen in St. Martin lieber komplexe Gebäude. Seinen finanziellen Unterhalt bestritt Walter Pichler unter anderem aus dem Verkauf von Skizzen, Plänen und Zeichnungen. Bereits in relativ jungen Jahren machte Walter Pichler eine rasante internationale Karriere. Früh war er in bedeutenden Ausstellungen zu sehen und weltweit in renommierten Museen: 1967 hatte er eine gefeierte Ausstellung im Museum of Modern Art in New York, 1967 nahm an der 5. Biennale des Paris teil, 1968 an der 4. documenta in Kassel und 1982 im österreichischen Pavillon auf der 40. Biennale di Venezia
Walter Pichler1936 Deutschnofen (Südtirol) - 2012 in WienOhne Titel, 1980Mit Bleistift unten rechts signiert und datiert. Mischtechnik, Bleistift mit lavierter Tusche auf Zeichenpapier. 42 x 12 cm. Blattgröße: 50 x 35 cm. Atelierspuren. Rahmen (62 x 45 cm). Das vielschichtige Werk WALTER PICHLERS (1936 - 2012), einem der eigenwilligsten Künstler seiner Zeit, bewegt sich im Grenzbereich von Architektur, Design und Skulptur. Für Aufsehen sorgten vor allem seine radikalen wie utopischen Architekturentwürfe, darunter hängende und unterirdische Stadtwelten, für die er 1963 mit dem meistesverwandten Hans Hollein in der Galerie nächst St. Stephan in Wien Entwürfe und Modelle präsentierte. 1972 erwarb Pichler in St. Martin im Burgenland ein vier Hektar großes Grundstück mit einem alten Bauernhof. Das Anwesen wurde seine bevorzugte Arbeits- und Ausstellungsstätte. Weitab vom schnelllebigen Kunstbetrieb widmete der Österreicher sich ungestört seinen Skulpturen, für deren Fertigstellung er manchmal Jahrzehnte brauchte. Ab und an schickte er Werke zu Ausstellungen, verkaufte sie aber nicht, sondern baute für seine Skulpturen in St. Martin lieber komplexe Gebäude. Seinen finanziellen Unterhalt bestritt Walter Pichler unter anderem aus dem Verkauf von Skizzen, Plänen und Zeichnungen. Bereits in relativ jungen Jahren machte Walter Pichler eine rasante internationale Karriere. Früh war er in bedeutenden Ausstellungen zu sehen und weltweit in renommierten Museen: 1967 hatte er eine gefeierte Ausstellung im Museum of Modern Art in New York, 1967 nahm an der 5. Biennale des Paris teil, 1968 an der 4. documenta in Kassel und 1982 im österreichischen Pavillon auf der 40. Biennale di Venezia
Art dèco Stabnadel verziert mit DiamantenEngland, Art dèco 1925 Platin 950/-, Nadelführung in Gelbgold 585/-, getestet. Ca. 43 gemischte Diamanten im Achtkant - und Diamantrosenschliff sowie 3 Diamanten im Übergangsschliff, zus. ca. 0,80 ct., W (H) weiß - leicht getöntes weiß TCR (I), VS - SI 1. L. ca. 6,7 cm. Ca. 3,95 g. Goldschmiedetechnische Ausführung: die Diamanten im Achtkant und Rosenschliff sind im Verschnitt eingefasst, die Diamanten im Übergangsschliff wurden in erhabene Zargenfassungen eingesetzt, die fasskanten sind mit Millegriff - Technik verschönt. Rückseitige gesicherte Nadelführung. Zeittypische Stabnadel aus der 2. Hälfte der Art dèco Epoche mit betonter Mitte und Enden. BK
Heinrich Bürkel1802 Pirmasens - 1869 MünchenCampagnalandschaft mit ziehenden LandleutenL. u. signiert. Öl auf Lwd. 36,8 x 50 cm. Doubliert. Rest. Min. besch. Rahmen (56 x 69 cm). In der hügeligen Campagnalandschaft durchqueren Landleute einen Fluss. Links - am Ufer - bereitet man sich noch auf die Durchquerung vor: Geduldig wartet eine Mutter auf einem Maulesel, bis sie an der Reihe ist. Eine Magd schlägt den Saum ihres Rockes hoch, bevor sie in das Nass steigt. Und auch zwei Geistliche, ins Gespräch vertieft, stehen bei den Wartenden. In der für ihn charakteristischen, heiter erzählerischen Art gibt Heinrich Bürkel auch auf diesem Gemälde das Leben der Bauern in der Campagna wieder. Mehrmals bereiste der Künstler das Sehnsuchtsland nicht nur der deutschen Maler: Bereits 1827 führt ihn der Weg lediglich bis in die Dolomiten, aber bereits 1829 findet man ihn in Oberitalien, 1830-32 folgt ein längerer Aufenthalt in Italien. Er lebt in Rom und reist von dort auch in die Umgebung und in den Süden. Seine Eindrücke spiegeln sich in einer Vielzahl von Werken wieder, er malt römische Motive, das Landleben in der Campagna, dreiste Raubüberfälle und vieles mehr. In den 1850er Jahren reist Bürkel noch einmal in den Süden. In Italien kann Heinrich Bürkel seine ersten großen Erfolge feiern, der berühmte Bildhauer Berthel Thorvaldsen kauft ihm anlässlich eines Atelierbesuches zwei Gemälde ab. Bürkel steht in regem freundschaftlichen und kollegialem Austausch mit anderen Künstlern, die sich in Rom aufhalten. Nach seiner Rückkehr aus Italien entfaltet Heinrich Bürkel dann eine intensive Ausstellungstätigkeit, seine Werke beginnen, sich großer Nachfrage zu erfreuen. Literatur: Bühler, Hans-Peter / Krückl, Albrecht, Heinrich Bürkel - mit Werkverzeichnis der Gemälde. München 1989, S. 281, WVZ-Nr. 480 (mit Abb., dort mit min. abweichender Maßangabe 36 x 50 cm). Provenienz: Auktion Hugo Helbing, München, 15. Juni 1903, Kat.-Nr. 59 "Flusslandschaft mit Italienern". - Süddeutsche Privatsammlung.
Anhänger mit der Darstellung des Heiligen Michaels im Kampf mit dem TeufelWohl Augsburg, um 1610, nach einer Vorlage von DANIEL MIGNOT Gold 750/-, getestet. 1 kleiner Rubin im dreieckigen Facettenschliff. 4 weiße kleine Perlen. Hell- und mittelblaues, rotes, hell- und dunkelgrünes, weißes und schwarzes Email en ronde bosse, Email champlevé und Email de basse taille. Email etwas best. Michaels Lanze fehlt. Ober- und unterhalb der Michaelsdarstellung fehlen zwei Edelsteine in Kastenfassungen. Ca. 5,2 x 5 cm. Ca. 29,2 g. Anhänger mit figürlichen Motiven in architekturähnlichen Schweifwerkrahmen kamen im letzten Viertel des 16. Jahrhunderts in Mode und blieben bis in die beiden ersten Dezennien des 17. Jahrhunderts präsent. Als Meister des Schweifwerks etablierte sich der Hugenotte Daniel Mignot, der zwischen 1593 und 1616 in Augsburg etwa 100 Vorlagen meist für Anhänger verlegte. Zahlreiche Augsburger Goldschmiede wie zum Beispiel David Altenstetter griffen auf seine Vorschläge zurück. Die Michaelsdarstellung folgt dem Typus, den Hubert Gerhard für die Münchner Michaelskirche 1588 schuf und den Hans Reichle für die 1607 geschaffene Gruppe am Augsburger Zeughaus leicht variierte. Vergleichbare Anhänger befinden sich im British Museum, London, Inv.-Nr. WB.150 und im Metropolitan Museum of Art, New York, Inv.-Nr. 1982.60.375. Literatur: Steingräber Erich, Alter Schmuck, München 1956, S. 122 SvP
‡ Ⓜ A JAPANESE NAGINATA BY MIZUTA KUNIMITSU, MID-17TH CENTURYin new shirasaya (resting scabbard); with a black lacquered handle and scabbard decorated with finely sprinkled aogai (mother of pearl); nakago (tang) signed 備中國水田住大月安左衛門尉國光作 Bitchû Kuni (Bitchû Province) Mizuta jû (resident of Mizuta) Ôtsuki Yasuzaemon (no) Jô Kunimitsu saku (made by Kunimitsu, Honorary Guardian of Ôtsuki); the blade deeply curved with shinogi (longitudinal ridge line) and a broad notare (undulating) hamon (tempering pattern); one broad and one narrow hi (groove) filled with red lacquer; fitted with a copper habaki (collar); ; Kunimitsu was the third son of the fourth generation Bitchu-Mizuta Kunishige. He worked in Osaka around 1645 but later moved to Edo where he was employed as a swordsmith by the Abe clan.; ; Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.;
‡ Ⓜ TWO CHINESE SHORTSWORDS (DUANJIAN), QING DYNASTY, LATE 19TH CENTURY, A CHINESE SHORTSWORD (HUDIEDAO), QING DYNASTY ANOTHER CHINESE SHORTSWORD; A CHINESE MILITARY KNIFE, EARLY 20TH CENTURY AND TWO CHINESE FLAILSthe first with broad blade, brass hilt engraved with traditional ornament, reeded hardwood grip, in its wooden scabbard with brass mounts decorated en suite including a central band decorated with a dragon; the second similar, with up-turned brass guard decorated with a dragon mask, in its scabbard (later covering), with brass mounts decorated with traditional ornament; the third of the type used in conjunction with a wicker shield, with heavy single-edged blade, brass hilt including short guard, and cap pommel, the latter pierced with a flowerhead, and fabric-bound fishskin-covered grip, in its brass mounted lacquered scabbard (chape missing); the fourth with tapering blade of flattened-triangular section (pitted), brass stirrup hilt, and chequered wooden grip (cracked); the fifth with single-edged blade, integral tang with ring pommel, and cord-bound grip, in its hide scabbard~; and the sixth and seventh each formed of two batons joined by a robust iron chainthe first: 39.5 cm; 15 5/8 in(7)Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.
Ⓜ A RARE CHINESE SWALLOW TAIL CANE SHIELD (YAN WEI PAI), QING DYNASTY, 19TH CENTURYof cane wrapped with slender bands of rattan, the inner face with characteristic robust wooden grip, the outer painted with a stylised tiger mask in black, white and red pigment and with the stylized character wang between the eyes (faded, small losses); 61.0 cm; 24 in high; ; A warrior carrying two similar shields is illustrated in a Chinese Qing dynasty drawing in the Miriam and Ira D. Wallach collection, preserved in the New York Public Library (ref. b13986156).Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.
Ⓜ A CHINESE BRONZE SPEARHEAD, ZHOU DYNASTY (1046-256 B.C.)with tapering head of diamond-section, formed with a central rib dividing a pair of recesses on each face, waisted at the base with a moulding beneath, and long tapering socket of oval-section27.2 cm; 10 5/8 inProvenance; Arthur M. Sackler (acquired prior to 1978), sold Christie~s South Kensington, 1st October 2009, lot 233.; ; Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.; ;
Ⓜ A MONGOLIAN QUIVER, LATE 19TH/EARLY 20TH CENTURY, PROBABLY FOR TARGET USEof tooled leather, the inner face black, the outer with a central red panel, with gilt copper alloy fittings including symbols of longevity, fastened at the top with two threaded bolts22.3 cm; 8 3/4 inProvenance; Stephen Selby, author of Chinese Archery, 2000; ; Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.
Ⓜ A RARE BOW CASE, 16TH/18TH CENTURY, TIBETAN OR MONGOLIANformed of two panels of leather joined by eight iron rivets on one side and a thick sewn seam on the other, the inner left natural, the outer decorated in shellac and gold and black pigments with a central rondel sown with minute flowerheads within octagonal frames, a further matching tear-shaped panel beneath, and the border with a thick band of matching diamonds (the base with a small tear, the outer surface missing a corresponding area of decoration, crazing)67.3 cm; 26 1/2 inA bow case of similar form and construction with related decoration is preserved in the Metropolitan Museum of Art, New York (acc. no. 2003.344). See Larocca, 2006, pp. 192-194, no. 95.Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.;
Ⓜ A RARE TIBETAN OR MONGOLIAN LEATHER QUIVER (BSE DONG), 15TH/17TH CENTURYwith flat back panel and convex front panel each widening at the base and fitted with an elliptical panel, a further small band on the outside at the top (the upper hood missing), the inner face plain, the remaining surface decorated in gold, black pigment and shellac with traditional ornament including Buddhist ~wheels of joy~, scale design and two large shaped central panels (the decoration with losses)52.0 cm; 20 1/2 in highAnother quiver of this type, decorated in the same style, is preserved in the The Metropolitan Museum of Art, New York (acc. No. 2001.37) and another, with its hood, is preserved in the Royal Armouries Leeds (object number XXVIB.141). See Bennett 2018, p. 47 and Larocca 2006, p. 190-191.Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.;
Ⓜ A RARE IRON-MOUNTED LACQUERED LEATHER FOREARM DEFENCE, PROBABLY TIBET 15TH-16TH CENTURYformed of an L-shaped leather panel curling around to enclose the left fore-arm, the borders reinforced with scalloped iron panels and the outer surface fitted with three slender vertical ribs carrying pierced panels25.7 cm; 10 1/8 inAnother example is preserved in the Metropolitan Museum of Art, New York, (acc. No. 2001.36) and another was sold Christie~s, London, 18th July 2002, lot 287.Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.;
Ⓜ A RARE TIBETAN NECK-DEFENCE FOR A HORSE (CRINET), 15TH/17TH CENTURYformed of layers of fin-shaped leather panels joined by copper-alloy stitches in a pattern of four concentric bands, pierced with six holes for laces (one broken through) and further small holes for a lining, the outer surface decorated in shellac with gold clouds on an alternating ground of red and black pigment (small losses, crazing)66.3 cm; 26 1/8 inA crinet of related type and a further horse armour decorated in the same manner are preserved in the Metropolitan Museum of Art, New York (acc. Nos. 1997.242 and 1999.36). See Larocca 2006 pp. 105-109.Part proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.
Ⓜ A RARE TIBETAN FLANCHARD FOR A HORSE (SGA~I AM COG), 15TH/17TH CENTURYof kidney-shaped form, the inner face with two iron washers each pierced with a pair of holes for attachment, and both faces finished with dark shellac (losses, crazing); 56.0 cm; 22 inPart proceeds to benefit the Acquisition Fund of the Arms and Armor department, The Metropolitan Museum of Art, New York.
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