David Salle 1952 Oklahoma - lebt und arbeitet in New York Spill. 2002. Öl und Acryl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert, zweifach betitelt und bezeichnet. 198,8 x 213,6 cm (78,2 x 84 in). [AW]. • Durch Farb- und Motivkontraste spannungsreiches sowie geheimnisvolles Großformat. • Synthese aus zweidimensionaler Pop-Art, Surrealismus, zeitgenössischer Computerästhetik und altmeisterlicher Perfektion verleiht Salles Werk einen einzigartigen Charakter. • Studium am California Institute of Arts unter John Baldessari. • Einzelausstellungen David Salles fanden u. a. statt im Stedelijk Museum, Amsterdam, im Whitney Museum of American Art, New York, im Guggenheim Museum, Bilbao, und im Museum of Contemporary Art, Los Angeles. PROVENIENZ: Waddington Custot Galleries, London. Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). Olbricht Collection, Essen/Berlin (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: David Salle, Waddington Galleries, London, Sept./Okt. 2003, Kat.-Nr. 2 (m. Abb.). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONDavid Salle 1952 Oklahoma - lebt und arbeitet in New York Spill. 2002. Oil and acrylic on canvas. Signed, dated, twice titled and inscribed on the reverse. 198.8 x 213.6 cm (78.2 x 84 in). [AW]. • The contrasting colors and motifs make for an exciting and mysterious large-scale work. • A synthesis of two-dimensional pop art, surrealism, contemporary computer aesthetics and old-masterly perfection gives Salle's work a unique character. • The artist studied at the California Institute of Arts under John Baldessari. • David Salle has had solo exhibitions at, among others, the Stedelijk Museum, Amsterdam, the Whitney Museum of American Art, New York, the Guggenheim Museum, Bilbao, and the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. PROVENANCE: Waddington Custot Galleries, London. Private collection (acquired from the above). Olbricht Collection, Essen/Berlin (acquired from the above). EXHIBITION: David Salle, Waddington Galleries, London, September to October 2003, cat. no. 2 (illu.). Called up: June 7, 2024 - ca. 15.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
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Andy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Goethe. 1982. Farbserigrafie. Signiert und nummeriert. Eines von 100 Exemplaren. Auf Lenox Museumskarton. 96,5 x 96,5 cm (37,9 x 37,9 in), blattgroß. Blatt 4 des insgesamt 4 Farbserigrafien umfassenden Portfolios. Gedruckt von Rupert Jasen Smith, New York (mit dem Trockenstempel). Herausgegeben von den Editionen Schellmann & Klüser, München/New York, in Zusammenarbeit mit Denise René/Hans Mayer, Düsseldorf (verso mit dem Copyright-Stempel). [EH]. • Eine Ikone der Weltliteratur von Warhol porträtiert. • Tischbein wird zum Kultmotiv der Pop-Art. • Andy Warhol gehört zu den berühmtesten und einflussreichsten Künstlern des 20. Jahrhunderts. PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. LITERATUR: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, WVZ-Nr. II.273 - - Forty are better than one. Edition Schellmann 1969-2009, herausgegeben von Jörg Schellmann, Ostfildern 2009, S. 342-343. In einer plakativen Inszenierung präsentiert uns Andy Warhol einen der berühmtesten deutschen Dichter aller Zeiten – Goethe, mit dem unverwechselbaren Hut, wie ihn Johann Heinrich Wilhelm Tischbein um 1786/87 in seinem Gemälde 'Goethe in der Campagna' darstellt. Warhol entnimmt ihn der landschaftlichen Umgebung dieses Gemäldes und überführt den großen Dichterfürsten in die quadratische Form seiner Serigrafie. Wiedergegeben in knalligen Farben und unter Verwendung auffälliger Konturlinien, reiht sich Goethe in die zahlreichen Berühmtheiten ein, die Warhol porträtiert. Im speziellen Fall gelingt dem gefeierten US-amerikanischen Künstler somit eine Neuinterpretation dieses bis dahin wohl bekanntesten, von Tischbein stammenden Goethe-Porträts und übersetzt das Motiv in ein unverwechselbares Pop-Statement. Die enge Verflechtung mit der deutschen Kunst- und Kulturlandschaft wird in diesem Zusammenhang nicht allein durch die Motivik, sondern auch durch die Entstehungsgeschichte deutlich: Als ein Porträtauftrag des Verlegers Siegfried Unseld Andy Warhol 1980 nach Frankfurt führt, besuchen sie gemeinsam das dortige Städel Museum. Vor dem Gemälde Tischbeins soll Unseld den Pop-Art-Künstler angeregt haben, sich das Motiv für seine eigene Arbeit anzueignen. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.55 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAndy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Goethe. 1982. Silkscreen in colors. Signed and numbered. From an edition of 100 copies. On Lenox museum cardboard. 96.5 x 96.5 cm (37.9 x 37.9 in), the full sheet. Sheet 4 from the portfolio comprising a total of 4 color silkscreens. Printed by Rupert Jasen Smith, New York (with the blindstamp). Published by the editions Schellmann & Klüser, Munich/New York, in cooperation with Denise René/Hans Mayer, Düsseldorf (with the copyright stamp on the reverse). [EH]. • An icon of world literature portrayed by Warhol. • Tischbein as a cult motif of pop art. • Andy Warhol is one of the most famous and influential artists of the 20th century. PROVENANCE: Private collection North Rhine-Westphalia. LITERATURE: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, no. II.273 Forty are better than one. Edition Schellmann 1969-2009, published by Jörg Schellmann, Ostfildern 2009, pp. 342-343. In a striking presentation, Andy Warhol depicted one of the most famous German poets of all time - Goethe, with the distinctive hat as depicted by Johann Heinrich Wilhelm Tischbein around 1786/87 in the painting 'Goethe in der Campagna'. Warhol took him out of the scenic setting in the painting and transplanted the great poet into the squared form of his silkscreen print. Rendered in bright colors and using striking contour lines, Goethe joins the ranks of the numerous celebrities portrayed by Warhol. In this particular case, the celebrated American artist succeeds in reinterpreting what until then had probably been the most popular Goethe portrait. Warhol turned the Tischbein work into an inimitable statement of pop art . The close connection with German art and cultural becomes particularly obvious in this context, not only because of the choice of motif, but also because of its genesis: When Andy Warhol visited the Städel Museum in Frankfurt in 1980 together with the publisher Siegfried Unseld, they were asked to stand in front of the Tischbein. Upon this occasion, Unseld is said to have encouraged the pop artist to adapt the motif for his own work. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.55 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Friedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Kubus. 1970. Öl auf Leinwand. Verso signiert und datiert. 90 x 115 cm (35,4 x 45,2 in). [EH]. Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. PROVENIENZ: Galerie Iris Eckert, Kampen a. Sylt. Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (seitdem in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Galerie Brockstedt, Hamburg 1970. Galerie Iris Sprotte, Kampen a. Sylt 1971. Friedrich Meckseper. Gemälde 1958 - 1972, Ausgewählte Druckgraphik, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, 8.7.-6.8.1972, Kat.-Nr. 77 (m. Abb.). LITERATUR: Friedrich Meckseper: Gemälde 1958-1972, bearb. von Karl-Heinz Hering, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf 1972. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFriedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Kubus. 1970. Oil on canvas. Signed and dated on the reverse. 90 x 115 cm (35.4 x 45.2 in). [EH]. Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. PROVENANCE: Galerie Iris Eckert, Kampen a. Sylt. Dr. Theo Maier-Mohr Collection (ever since family-owned). EXHIBITION: Brockstedt Gallery, Hamburg 1970. Gallery Iris Sprotte, Kampen a. Sylt 1971. Friedrich Meckseper. Gemälde 1958 - 1972, Ausgewählte Druckgraphik, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, July 8 - August 6, 1972, cat. no. 77 (ill.). LITERATURE: Friedrich Meckseper: Gemälde 1958-1972, ed. by Karl-Heinz Hering, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf 1972. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.12 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Wolfgang Mattheuer 1927 Reichenbach - 2004 Leipzig Reichenbacher Märzlandschaft. 1971. Öl auf Holz, fest in Rahmen montiert. Rechts unten in die nasse Farbe geritzt signiert und datiert. Verso nochmals signiert, datiert, betitelt und bezeichnet. Sichtmaß: 52,5 x 76,5 cm (20,6 x 30,1 in). Mit Rahmen: 66 x 88,5 cm (25,9 x 34,8 in). [SM]. • Wolfgang Mattheuer gilt als einer der großen deutschen Landschaftsmaler des 20. Jahrhunderts. • Seine Arbeiten bewegen sich zwischen kritischem Realismus und der klassischen romantischen Landschaftsmalerei der deutschen Romantik. • In den 1970er Jahren malt er zunehmend sinnbildhafte Landschaften mit mehrdeutiger Symbolik. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen. Seitdem in Familienbesitz. LITERATUR: Stefanie Michels (Hrsg.), Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft. Werkverzeichnis der Gemälde 1950-2003, Leipzig/Frankfurt a. Main/Berlin 2017, WVZ-Nr. G 71/5. Wolfgang Mattheuer, zit. nach: Stefanie Michels (Hrsg.), Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft. Werkverzeichnis der Gemälde 1950–2003, Leipzig u. a. 2017, S. 183. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.18 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONWolfgang Mattheuer 1927 Reichenbach - 2004 Leipzig Reichenbacher Märzlandschaft. 1971. Oil on panel, firmly mounted in the frame. Signature and date scratched into the moist paint in lower right. Once more signed and dated, as well as titled and inscribed on the reverse. Visible area: 52.5 x 76.5 cm (20.6 x 30.1 in). Incl. frame: 66 x 88,5 cm (25,9 x 34,8 in). [SM]. • Wolfgang Mattheuer is considered one of the leading German landscape painters of the 20th century. • His works range between Critical Realism and classic landscape painting of German Romanticism. • In the 1970s, he increasingly painted allegorical landscapes infused with an ambiguous symbolism. PROVENANCE: Private collection Hesse. Ever since family owned. LITERATURE: Stefanie Michels (ed.), Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft, catalogue raisonné of paintings 1950-2003, 2017, no. G 71/5. 'art of our lives. I don't like romantic tourist landscapes, I prefer modern idylls, if you ask me. Many pictorial ideas come to me from the clash, at times brutal, between nature and technology and the human response to it. This tension seems to be essential for our time; it reveals the complexity of our present.' Wolfgang Matheuer, quoted from: Stefanie Michels (ed.), Wolfgang Mattheuer. Bilder als Botschaft, catalogue raisonné of paintings 1950-2003, 2017, p. 183 Called up: June 7, 2024 - ca. 14.18 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Andy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Beethoven. 1987. Farbserigrafie. Verso mit dem Zertifikatsstempel des Andy Warhol Estate, dort von fremder Hand nummeriert und von Herausgeber, Drucker und Nachlassverwalter signiert. Einer von 15 Künstlerdrucken außerhalb der Auflage. Auf festem Karton. 101,6 x 101,6 cm (40 x 40 in), fast blattgroß. Gedruckt von Rupert Jasen Smith, New York (mit dem Trockenstempel). Herausgegeben von Hermann Wünsche, Bonn. [EH]. • Kurz vor dem Tod Andy Warhols entstanden. • Mit Beethoven porträtiert Andy Warhol einmalig eine Ikone der klassischen Musik. • Warhols auffällige und plakative Schöpfungen sind der Inbegriff der amerikanischen Pop-Art. • Seit über 30 Jahren in Privatbesitz. PROVENIENZ: Galerie Wünsche, Köln Privatsammlung Brandenburg (1992 vom Vorgenannten). LITERATUR: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, WVZ Nr. II 392. Für das Bildnis Beethovens bezieht sich Andy Warhol, kurz vor seinem Tod, auf das 1819 entstandene Gemälde 'Beethoven mit dem Manuskript der Missa solemnis' (Beethoven-Haus, Bonn) von Joseph Karl Stieler. Dieses Porträt prägt weltweit die Vorstellung der Persönlichkeit des Meisters der klassischen Musik. Noch heute ist es hierzulande, aber auch in Brasilien oder Guatemala, nicht zuletzt durch Briefmarken zum 250. Geburtstag des Komponisten präsent. Es zeigt den berühmten deutschen Musiker beim Komponieren. Andy Warhol legt über das Konterfei die Notenfolge der ersten berühmten Takte der 1801 komponierten sogenannten Mondscheinsonate, Opus 27, No. 2. Es ist eines der bekanntesten klassischen Musikstücke und über den ganzen Globus hinweg bekannt. Damit folgt das Beethoven-Blatt Andy Warhols geradezu exemplarisch den Grundsätzen der Pop-Art: Warhol bedient sich eines allgemeinbekannten Motivs und überträgt es in den für sein Werk so typischen Gestaltungskanon. In dieser Farbserigrafie porträtiert Warhol sogar nicht nur den Menschen, sondern auch sein musikalisches Werk. Herausgeber des Blattes ist Helmut Wünsche, der auch rückseitig auf dem Zertifikatstempel neben Rupert Jason Smith (Drucker) und Fred Huges (Estate) unterschrieben hat. Der Galerist aus Königswinter südlich von Bonn war einer der deutschen Galeristen und Verleger Andy Warhols in Westdeutschland und hat mit dem Buch 'Andy Warhol. Das Graphische Werk 1962-1980' einen ersten Werkkatalog der Druckgrafik Andy Warhols erstellt. Durch ihn hat Andy Warhol den Kölner Dom, Helmut Schmidt und das Gemälde Stielers von Ludwig van Beethoven kennengelernt. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.56 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAndy Warhol 1928 Pittsburgh - 1987 New York Beethoven. 1987. Silkscreen in colors. With the stamped certificate of the Andy Warhol Estate on the reverse, there numbered by a hand other than that of the artist and signed by printer, publisher and estate administrator. One of 15 artist proofs aside from the edition. On firm cardboard. 101.6 x 101.6 cm (40 x 40 in), nearly the full sheet. Printed by Rupert Jasen Smith, New York (with the blindstamp). Published by Hermann Wünsche, Bonn. [EH]. • Made shortly before Andy Warhol's death. • Beethoven - Andy Warhol's unique portrait of an icon of classical music. • Warhol's eye-catching and striking creations are the acme of American Pop Art. • Privately-owned for over 30 years. PROVENANCE: Galerie Wünsche, Cologne Private collection Brandenburg (acquired from the above in 1992). LITERATURE: Frayda Feldman, Jörg Schellmann, Claudia Defendi. Andy Warhol Prints. A catalogue raisonné 1962-1987, New York 2003, WVZ Nr. II 392. For the portrait of Beethoven that Andy Warhol made shortly before his death, he drew on the 1819 painting 'Beethoven with the Manuscript of the Missa Solemnis' (Beethoven-Haus, Bonn) by Joseph Karl Stieler. This portrait defined the image of the master of classical music world-wide world. It is still present in Germany today, but also in Brazil and Guatemala, not least through stamps commemorating the composer's 250th birthday. It shows the famous German musician composing. Andy Warhol superimposed the sequence of notes of the first famous bars of the so-called Moonlight Sonata, Opus 27, No. 2, composed in 1801, which is one of the most famous pieces of classical music and is known all over the world. Andy Warhol's Beethoven sheet thus follows the principles of Pop Art in an almost exemplary manner: Warhol uses a well-known motif and transfers it into the design canon so typical of his work. In this color silkscreen, Warhol not only portrays the person but also his musical work. The work was published by Helmut Wünsche, who also signed the certificate stamp on the reverse, alongside Rupert Jason Smith (printer) and Fred Huges (estate). The gallery owner from Königswinter, a town south of Bonn, was one of Andy Warhol's German representatives and published the book 'Andy Warhol. Das Graphische Werk 1962-1980', the first catalogue raisonné of Andy Warhol's prints. Through him, Andy Warhol became acquainted with the Cologne Cathedral, Chancellor Helmut Schmidt, and Stieler's painting of Ludwig van Beethoven. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.56 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Norbert Bisky 1970 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Bloom. 2015. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. 100 x 80 cm (39,3 x 31,4 in). [AW]. • Body Close-up à la Bisky. • Energiegeladene Bildsprache trifft leuchtende Farbkraft. • Bisky gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler der figurativen Malerei. • Die Werke des Künstlers befinden sich in den Sammlungen bedeutender internationaler Museen, darunter das Museum of Modern Art, New York, und das Museum Ludwig, Köln. PROVENIENZ: Privatsammlung Berlin (direkt vom Künstler erhalten). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONNorbert Bisky 1970 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Bloom. 2015. Oil on canvas. Signed, dated and titled on the reverse of the canvas. 100 x 80 cm (39.3 x 31.4 in). [AW]. • Bisky-style body close-up. • An energized imagery meets vibrant colors. • Bisky is acknowledged as a leading figure in contemporary painting. • The artist's works can be found in the collections of major international museums, including the Museum of Modern Art, New York, and the Museum Ludwig, Cologne. PROVENANCE: Private collection Berlin (obtained directly from the artist). Called up: June 7, 2024 - ca. 15.28 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Donald Judd 1928 Excelsior Springs - 1994 New York Untitled. 1991/1994. Set von 4 Blatt Holzschnitten in Ivory Black. Verso mit dem Nachlassstempel und der Nummerierung. Eines von 15 Exemplaren. Japanbütten (Mitsumata). 63 x 95,5 cm (24,8 x 37,5 in). Papier: 67 x 99,5 cm (26,3 x 39,1 in). Gedruckt bei J. Miller, M. Sanches im Derrière l'Etoile Studio, New York, und herausgegeben von Brook Alexander Editions, New York. [EH]. • Holzschnittfolge des Hauptvertreters der amerikanischen Minimal Art. • Das differenziert strukturierte Druckbild belebt die strenge Komposition. • Donald Judd findet ohne jegliche gegenständliche Assoziation zu konzentrierter Ausdrucksform. • Judds Holzschnitte gelten neben seinem dreidimensionalen Schaffen als gänzlich eigenständige, faszinierende Formulierungen seiner ganz eigenen Auffassung von Form, Symmetrie und Farbe. PROVENIENZ: Galerie Sabine Knust, München. Privatsammlung Rheinland-Pfalz (1996 vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Mariette Josephus Jitta, Jörg Schellmann, Donald Judd. Prints and works in editions. A catalogue raisonné, München/New York 1996 (arspublicata.com), WVZ-Nr. 243-246. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONDonald Judd 1928 Excelsior Springs - 1994 New York Untitled. 1991/1994. Set of 4 Woodcuts in Ivory Black. With the estate stamp and the number on the reverse. From an edition of 15 copies. On Japan paper (Mitsumata). 63 x 95.5 cm (24.8 x 37.5 in). Sheet: 67 x 99,5 cm (26,3 x 39,1 in). Printed by J. Miller, M. Sanches at Derrière l'Etoile Studio, New York, and published by Brook Alexander Editions, New York. [EH]. • Woodcut series by the main representative of American Minimal Art. • The nuanced structure of the print image shakes up the rigid composition. • Donald Judd finds a concentrated form of expression without any representational associations. • Alongside his three-dimensional works, Judd's woodcuts are regarded completely independent and fascinating expressions of his very own conception of form, symmetry and color. PROVENANCE: Galerie Sabine Knust, Munich. Private collection Rhineland-Palatinate (acquired from the above in 1996). LITERATURE: Mariette Josephus Jitta, Jörg Schellmann, Donald Judd. Prints and works in editions. A catalogue raisonné, Munich/New York 1996 (arspublicata.com), no. 243-246. Called up: June 7, 2024 - ca. 15.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Norbert Bisky 1970 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Mood board. 2022. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. Auf dem Keilrahmen mit Richtungspfeil. 200 x 150 cm (78,7 x 59 in). [EH]. • Energiegeladene Hommage an seinen Lehrer Georg Baselitz, bei dem er 1999 Meisterschüler war. • Bisky gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler der figurativen Malerei. • In faszinierende Körper von entmaterialisierter Präsenz platziert Norbert Bisky seine kunsthistorischen und persönlichen Erfahrungen. PROVENIENZ: König Galerie, Berlin. 'Georg Baselitz meinte damals zu mir, dass es nicht funktionieren würde, wenn ich mich sozusagen per Knopfdruck in die Gegenwart beamen würde. Vielmehr sollte ich mich mit meiner Herkunft und meinen Träumen beschäftigen.' Norbert Bisky im Interview mit Collectors Agenda, www.collectorsagenda.com/de/in-the-studio/norbert-bisky. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.46 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONNorbert Bisky 1970 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Mood board. 2022. Oil on canvas. Signed, dated and titled on the reverse. With a direction arrow on the stretcher. 200 x 150 cm (78.7 x 59 in). [EH]. • An energetic homage to his teacher Georg Baselitz, whose master class he attended in 1999. • Bisky is considered one of the most important contemporary artists of figurative painting. • Norbert Bisky expresses his knowledge of art history and his personal experience in fascinating bodies with a dematerialized presence. PROVENANCE: König Galerie, Berlin . ' At the time, Georg Baselitz told me that beaming myself into the present, so to speak, at the touch of a button wouldn't work. Instead, I should deal with my origins and my dreams.' Norbert Bisky in an interview with Collectorsagenda.com/In the Studio Norbert Bisky, Berlin Called up: June 7, 2024 - ca. 15.46 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Lee Ufan 1936 Haman-gun (heute Südkorea) - lebt und arbeitet in Japan und Paris Correspondance (Grün). 2006. Aquarell. Rechts unten signiert und datiert. Auf festem Velin von Arches (mit dem Trockenstempel 'AQUARELLE ARCHES' und dem Wasserzeichen). 77 x 57,5 cm (30,3 x 22,6 in), Blattgröße. [EH]. • In seiner minimalistischen Ästhetik verbindet Lee Ufan asiatische und europäische Bezüge. • Zu den wichtigsten Elementen seines Kunstschaffens gehört es, während des Malens nicht zu atmen, das Werk im Raum und in der Zeit wirken zu lassen und nicht die gesamte Oberfläche zu 'kolonisieren'. • Lee Ufan zählt zu den wichtigsten Vertretern der Mono-ha-Schule in Japan, einer der bedeutendsten Strömungen innerhalb der japanischen Nachkriegskunst. • Ab den 1970er Jahren steht sein Schaffen in enger Beziehung zur Dansaekhwa-Bewegung in Korea, in der sich die Künstler:innen insbesondere in monochromer Malerei mit Abstraktion und Materialität auseinandersetzen. • 1977 stellt Lee Ufan auf der documenta 6 in Kassel aus, 2011 und 2015 auf der Biennale von Venedig. • Bis zum 28. April 2024 zeigt der Hamburger Bahnhof, Nationalgalerie der Gegenwart, Berlin, die erste Retrospektive des Malers und Bildhauers in Deutschland. PROVENIENZ: Galerie nächst St. Stephan, Wien. Privatsammlung Österreich (2007 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Lee Ufan, Galerie nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Wien, 21.2.-21.4.2007. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.48 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONLee Ufan 1936 Haman-gun (heute Südkorea) - lebt und arbeitet in Japan und Paris Correspondance (Grün). 2006. Watercolor. Signed and dated in lower right. On firm Arches wove paper (with the blindstamp 'AQUARELLE ARCHES' and the watermark). 77 x 57.5 cm (30.3 x 22.6 in), size of sheet. [EH]. • Lee's minimalist aesthetic combines Asian and European influences. • One of the most important elements of his artistic work is not to breathe while painting, to allow the work to take effect in space and time and not to 'colonize' the entire surface. • Lee is one of the most important representatives of the Mono-ha school in Japan, a key movement in Japanese post-war art. • From the 1970s onward, his work was closely related to the Dansaekhwa movement in Korea, in which artists explored abstraction and materiality, particularly in monochrome painting. • Lee Ufan exhibited at documenta 6 in Kassel in 1977 and at the Venice Biennale in 2011 and 2015. • Until April 28, 2024, the Hamburger Bahnhof, Nationalgalerie der Gegenwart, shows the artists first retrospective in Germany. PROVENANCE: Galerie Nächst St. Stephan Private collection Austria (acquired from the above in 2007). EXHIBITION: Lee Ufan, Galerie Nächst St. Stephan Rosemarie Schwarzwälder, Vienna, February 21 - April 21, 2007. Called up: June 7, 2024 - ca. 15.48 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Frank Gerritz 1964 Bad Oldesloe - lebt und arbeitet in Hamburg Place of Pleasure. 2002. Paintstick auf eloxiertem Aluminium. Verso signiert, datiert und betitelt. 60 x 180 cm (23,6 x 70,8 in). [AR]. • Der berühmte Kunstkritiker Donald Kuspit bezeichnete Frank Gerritz einst als den letzten 'abstract hardliner'. • Streng konzeptionelle, auf geometrische Formen reduzierte Wandskulptur. • Gekonntes Spiel von Dunkel und Hell: Die Oberfläche erscheint geschlossen schwarz, doch die Striche des Paintstick bleiben erkennbar und die sichtbaren Aluminiumelemente reflektieren gedämpft das Licht. • 2008 ausgestellt in der umfassenden Museumssausstellung des Künstlers in der Weserburg, Museum für Moderne Kunst, Bremen. PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen. AUSSTELLUNG: Frank Gerritz - further down the line, Weserburg, Museum für Moderne Kunst, Bremen, 29.1.-4.5.2008, Kat.-Nr. 3 (m. Farbabb. S. 21, dort unter Nr. 4). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFrank Gerritz 1964 Bad Oldesloe - lebt und arbeitet in Hamburg Place of Pleasure. 2002. Paintstick on anodized aluminum. Signed, dated and titled on the reverse. 60 x 180 cm (23.6 x 70.8 in). [AR]. • The renowned art critic Donald Kuspit once described Frank Gerritz as the last “abstract hardliner”. • Strictly conceptual wall sculpture reduced to geometric forms. • Skilful interplay of dark and light: the surface appears completely black, but the strokes of the paintstick remain visible while the aluminum elements reflect the light in a muted way. • Exhibited in the artist's comprehensive museum exhibition at the Weserburg, Museum of Modern Art, Bremen in 2008. PROVENANCE: Private collection North Rhine-Westphalia. EXHIBITION: Frank Gerritz - further down the line, Weserburg, Museum für Moderne Kunst, Bremen, January 29 - May 4, 2008, cat. no. 3 (illu. in color on p. 21, there under no. 4). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.34 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Rainer Fetting 1949 Wilhelmshaven - lebt und arbeitet in Berlin Reclining Nude on green Sofa. 1986. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert, betitelt, bezeichnet 'A 284' und mit den Größenangaben versehen. Auf dem Keilrahmen bezeichnet 'Die Stunde der Rose'. 204 x 254 cm (80,3 x 100 in). [EH]. • Desmond liegt weniger auf, vielmehr in einem an Claude Monet erinnernden Bassin aux Nymphéas, einem Seerosenteich. • Damals 1986 wie heute besteht kein Zweifel: In diesen Bildern geht es um ein gewaltiges Lebensgefühl, glühend, voller Unruhe und Wucht. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde vom Künstler bestätigt. Wir danken für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Berlin. LITERATUR: Christie's, London, Post-War and Contemporary Art, 1.7.2009, Los 247. 'Ich war immer dort, wo es aufregend war.' Rainer Fetting Wild gepinselte, erotisch aufgeladene Szenen ziehen die Anwesenden in ihren Bann. Rollenmodelle werden von Rainer Fetting direkt und unvermittelt im Bild durchgespielt. Immer wieder sind es neben den 'Großstadteingeborenen' die Künstlermythen, die im Selbst- oder Figurenbild durchgespielt werden. Die Befragung des Standorts in der Gesellschaft und die Frage nach der eigenen Identität stehen immer wieder im Mittelpunkt seiner Malerei. Und so hat Fetting auch seine nackten, durchtrainierten Modelle gemalt wie etwa Desmond: provozierend, monströs und den Betrachter anspringend. 'Desmond hatte ein Stipendium als Balletttänzer. Mit seinem durchtrainierten und definierten Körper war er natürlich ein ideales Model, fast selbst wie eine Skulptur. Sein eigenes Verständnis von Körper hat einen wichtigen Einfluss auf meine Arbeit gehabt. Unsere Beziehung, die bis heute anhält, ist nicht ohne Spannungen abgelaufen, wohl wegen unserer gegensätzlichen Charaktere und des Altersunterschieds, der schwierigen Rolle von Maler und Model und unserer unterschiedlichen kulturellen Herkunft. […] Da die Unterdrückung der Schwarzen und der Rassismus bis heute unsere Gesellschaft tangieren, ist es besonders für mich als Deutschen und 'weißen Mann' nicht unbedingt leicht, unbefangen und naiv ein Bild mit Desmond zu malen oder eine Skulptur von ihm zu machen. Aber das gilt ja eigentlich für meine ganze Arbeit. Porträts von anderen, auch wenn man die Personen darin wiedererkennt, haben auch immer mit dem zu tun, was den Künstler selbst umtreibt und sind auch immer eine Art Selbstausdruck. […] Desmond kannte viele Künstler und wurde von einigen porträtiert, unter anderem von Basquiat, Haring, Fischl, Mapplethorpe, Salomé und Andy Warhol. […] Auch die Beziehung mit Desmond, der dann irgendwo da war, aber dann auch wieder überhaupt gar nicht, plötzlich weg wie der Wind', so Rainer Fetting in einem Interview mit Heinz Stahlhut (zit. nach: Fetting, Köln 2009, S. 204). Damals wie heute besteht kein Zweifel: In diesen Bildern geht es um ein gewaltiges Lebensgefühl, glühend, voller Unruhe und Wucht. Und es geht um das Bekenntnis eines Malers, der an malerische Traditionen anknüpft, um seine eigene Gegenwart in jedem Bild radikal neu zu erfinden. Rainer Fetting erzählt in diesen Bildern zumeist keine kunsthistorischen Anekdoten, auch wenn hier Desmond weniger auf, vielmehr in einem an Claude Monet erinnernden Bassin aux Nymphéas, einem Seerosenteich liegt, und Fetting hier vielmehr das Malen selbst thematisiert: die ungeheure Sinnlichkeit der Farbe in einem lichtdurchfluteten Energiefeld aus gestischen Pinselstrichen, schnell, heftig und dennoch präzise und sicher. [MvL] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRainer Fetting 1949 Wilhelmshaven - lebt und arbeitet in Berlin Reclining Nude on green Sofa. 1986. Oil on canvas. Signed, dated, titled, inscribed 'A 284' and with the dimensions on the reverse. Stretcher inscribed 'Die Stunde der Rose'. 204 x 254 cm (80.3 x 100 in). [EH]. • Desmond lies not so much on, but rather in a Bassin aux Nymphéas, a water lily pond reminiscent of Claude Monet. • Then, in 1986, as now, there is no doubt: these paintings are about a powerful feeling of life, glowing, full of restlessness and energy. This work's authenticity was kindly confirmed by the artist. We are grateful for his kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Berlin. LITERATURE: Christie's, London, Post-War and Contemporary Art, July 1, 2009, lot 247. 'I have always been where it was exciting.' Rainer Fetting Wild brushstrokes and erotically charged scenes cast a spell over the audience. Rainer Fetting plays out role models in his pictures with great immediacy. Alongside the 'big city natives', it is repeatedly the artist's myths that he addresses in self- or figure portraits. Questioning his position in society and his identity are always at the center of his art. And this is also how Fetting painted his naked, muscular models, such as Desmond: provocative, monstrous and jumping out at the viewer. 'Desmond had a scholarship as a ballet dancer. With his toned and athletic body, he was, of course, the perfect model, almost like a sculpture himself. His own understanding of the body exerted an important influence on my work. Our relationship, which continues to this day, has not been without tension, probably because of our contrasting characters and age difference, the difficult role of painter and model and our different cultural backgrounds. [..] Since the oppression of black people and racism still affect our society today, it is not necessarily easy, especially for me as a German and 'white man', to paint a picture with Desmond or make a sculpture of him in an unbiased and naive way. But that actually applies to all my works. Portraits of others, even if you recognize the people in them, always have to do with the artist's own concerns, they are always a kind of self-expression. [..] Desmond knew many artists and was portrayed by some of them, including Basquiat, Haring, Fischl, Mapplethorpe, Salomé and Andy Warhol. [..] Also the relationship with Desmond, who was there somewhere, but then again not at all, suddenly gone like the wind,' Rainer Fetting told Heinz Stahlhut in an interview. (in: Fetting, Cologne, 2009, p. 204) Then as now, there is no doubt: these paintings are about a powerful attitude towards life, glowing, full of restlessness and energy. And it is about the confession of a painter who draws on painterly traditions in order to reinvent his own present in every picture. For the most part, Rainer Fetting does not recount art historical anecdotes in his paintings, even if Desmond lies not so much on, but rather in a Bassin aux Nymphéas, a water lily pond reminiscent of Claude Monet, and Fetting's theme in this case is painting itself: the immense sensuality of color in a light-flooded energy field of gestural brushstrokes: fast, fierce and yet precise. (MvL) Called up: June 7, 2024 - ca. 15.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Sean Scully 1945 Dublin - lebt und arbeitet in Königsdorf und Berlin, Barcelona und New York 5.6.97. 1997. Aquarell über Bleistift. Unten mittig signiert und rechts unten datiert bzw. betitelt. Auf festem Aquarellpapier. 44,9 x 38,1 cm (17,6 x 15 in), Blattgröße. [CH]. • Scullys ausdrucksstarke Aquarelle entstehen als eigenständige Werkgruppe parallel zu seinen großformatigen Gemälden. • Seine sog. 'Inset'-Gemälde, Werke mit in die Leinwand eingesetzten kleineren bemalten Leinwänden, übersetzt Scully in diesem Werk motivisch in die Aquarelltechnik. • 1996/97 zeigen u. a. die Staatliche Graphische Sammlung der Neuen Pinakothek in München, das Museum Folkwang in Essen und die Galerie Nationale du Jeu de Paume in Paris eine umfassende Wanderausstellung zu den Papierarbeiten des Künstlers. • Aquarelle aus den 1990er Jahren befinden sich u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, der National Gallery of Art in Washington, des Los Angeles County Museum of Art und des Philadelphia Museum of Art. PROVENIENZ: Galerie Lelong, New York. Privatsammlung (1998 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.46 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONSean Scully 1945 Dublin - lebt und arbeitet in Königsdorf und Berlin, Barcelona und New York 5.6.97. 1997. Watercolor over pencil. Bottom center signed, dated and titled in bottom right. On firm watercolor paper. 44.9 x 38.1 cm (17.6 x 15 in), size of sheet. [CH]. • Scully's expressive watercolors represent an independent group on a par with his large-format paintings. • In this work, Scully transfers his 'inset' paintings - works with small painted pieces inserted into the canvas - into the watercolor technique. • In 1996/1997, the Staatliche Graphische Sammlung of the Neue Pinakothek in Munich, the Museum Folkwang in Essen and the Galerie Nationale du Jeu de Paume in Paris showed a comprehensive traveling exhibition of the artist's works on paper. • Watercolors from the 1990s can be found at, among others, the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Los Angeles County Museum of Art and the Philadelphia Museum of Art. PROVENANCE: Galerie Lelong, New York. Private collection (acquired from the above in 1998). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.46 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R), artist´s resale right compensation is due.
Henry Moore 1898 Castleford/Yorkshire - 1986 Much Hadham/Hertfordshire Maquette for Reclining Figure: Angles. 1975. Bronze mit brauner Patina. Hinten auf dem Sockel mit der Signatur und der eingeschlagenen Nummerierung. Eines von neun Exemplaren (zzgl. eines Künstlerexemplars). Höhe: 11,2 cm (4,4 in). Mit dem Sockel: 13,5 x 23,3 x 15,2 cm (5,3 x 9,2 x 6 in). Gegossen 1975 von The Morris Singer Foundry Ltd., Basingstoke. [CH] Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. • Maquette für die 1979 in großem Format ausgeführte Arbeit 'Reclining Figure: Angles' (u. a. im Hakone Open Air Museum, Japan, und in der Art Gallery of New South Wales, Sydney). • Die liegende Figur zählt ab den 1920er Jahren bis zu seinem Tod 1984 zu den bedeutendsten Themen im Schaffen Henry Moores. • Innerhalb ihrer anatomisch verzerrten Gliedmaßen und Proportionen vereint 'Reclining Figure: Angles' eine Vielzahl asymmetrischer Formen und verschiedener spitzer Winkel ('angles'). • Inspiration findet Moore u. a. in den Chac Mo'ol, einer Gruppe von Steinplastiken in Mesoamerika (dat. ca. 900–1200). • Seit nahezu 50 Jahren Teil derselben deutschen Privatsammlung. • Ein weiterer Guss dieser Maquette befindet sich in der Art Gallery of Ontario in Toronto. Das Werk ist bei der Henry Moore Foundation, Hertfordshire, unter der Nummer LH 673 verzeichnet. PROVENIENZ: Fischer Fine Art Ltd., London. Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (1976 vom Vorgenannten erworben). Seitdem in Familienbesitz. LITERATUR: Alan Bowness, Henry Moore. Sculpture and Drawings, Bd. 5 (1974-1980), London 1983, WVZ-Nr. 673 (m. SW-Abb., anderes Exemplar). 'The reclining figure gives most freedom compositionally and spatially. The seated figure has to have something to sit on. You can't free it from its pedestal. A reclining figure can recline on any surface. It is free and stable at the same time [..] also, it has repose, it suits me.' Henry Moore, zit. nach: Henry Moore Foundation, Reclining Figure: Angles (Sculpture Summary), https://catalogue.henry-moore.org/objects/25963/reclining-figure-angles?ctx=1eb28ed4f a6fcdd4d6bb964a374c5203f246443b&idx=6 Die menschliche Figur bildet in ganz verschiedenen Haltungen, Posen und Formgebungen das zentrale Thema im Schaffen Henry Moores. Schon in den 1920er Jahren beschäftigt sich der Künstler in seinen in Holz oder Stein geschnittenen Skulpturen, den sog. 'Carvings', mit der Darstellung der liegenden menschlichen Figur, bspw. in 'Reclining Figure' von 1929 (Stein, Leeds Museums and Galleries). Bis zu seinem Tod 1986 lässt sich das Motiv in einer Vielzahl seiner erstaunlich variantenreichen plastischen Arbeiten und Zeichnungen wiederfinden, gehört damit zu den wichtigsten Themen seines gesamten künstlerischen Schaffens: 'In meinem Werk gibt es drei immer wiederkehrende Themen: 'Mutter-und-Kind', die 'Liegende Figur' und die 'inneren und äußeren Formen'. In manchen Figuren verbinden sich zwei oder auch alle drei Themen' (Henry Moore, zit. nach: Ausst.-Kat. Henry Moore. Ursprung und Vollendung, München 1996, S. 12) So verbindet der Künstler die 'Reclining Figure' (die Liegende) in einigen Arbeiten mit dem Mutter-und-Kind-Thema, so zum Beispiel in 'Draped Reclining Mother and Baby' (1983, Bronze, J. Paul Getty Museum, Los Angeles). Die vielseitigen Variationen beweisen die außerordentlichen räumlichen und kompositionellen Freiheiten, die Moore in den 'Reclining Figures' auslotet und die es ihm erlauben, innerhalb desselben Sujets immer neue Formen zu entwickeln. 'Es gibt drei grundlegende Posen für die menschliche Gestalt: Stehen, Sitzen und Liegen. [..] zwischen [der sitzenden oder liegenden Figur] gibt es genügend Varianten, um einen Bildhauer sein Leben lang zu beschäftigen. […] Von den drei Stellungen bietet jedoch die liegende kompositorisch wie räumlich gesehen die größte Freiheit. […] Sie ist frei und stabil zugleich. Sie fügt sich in meine Überzeugung, dass Plastik etwas Dauerndes sein sollte, etwas, das für die Ewigkeit gemacht ist.' (Henry Moore, zit. nach: Ausst.-Kat. Henry Moore. Ursprung und Vollendung, München 1996, S. 71) Henry Moores Werke kommunizieren in ihren Formen, aber auch in ihrer Vitalität und Intensität mit Elementen der Landschaft und Natur. Zum einen spricht der Künstler selbst von seiner Fähigkeit, die Natur zu vermenschlichen, d. h. in der Landschaft, aber auch in organischen Dingen, in Steinen, Muscheln und Treibholz stets die menschliche Figur zu entdecken. Zum anderen haucht Moore seinen Figuren wiederum ein gewisses Gefühl von Natur und Landschaft ein: Ihre zum Teil recht wuchtigen Torsi ähneln Baumstämmen oder Felsbrocken und die monumentalen Außenskulpturen erinnern mit ihren gerundeten Gliedmaßen oftmals an die sanft geschwungenen Hügel der sie umgebenden englischen Landschaft (vgl. Ausst. 'Vitality: The Human Landscapes of Henry Moore', 2023, Henry Moore Foundation, Perry Green). Die den Skulpturen immanente Vitalität ist wie in der hier angebotenen Arbeit u. a. auf die dynamische Pose der Liegenden zurückzuführen. Auf ihren linken Arm gestützt, das Gewicht nach links verlagert, beide Beine angewinkelt und den Blick in die Ferne gerichtet, wirkt die Liegende nicht wie eine passive Beobachterin, sondern evoziert mit ihrer so modernen Formensprache und in ihrer aufrechten Haltung Aufmerksamkeit, Selbstbewusstsein und Aktivität. [CH] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Miriam Cahn 1949 Basel - lebt und arbeitet in Basel liebenmüssen, 2008 + 20.8.19. 2008/2019. Öl auf Leinwand. Verso auf dem Keilrahmen betitelt sowie bezeichnet mit 'meine kriegerin'. 130 x 100 cm (51,1 x 39,3 in). [AW]. • Mit exquisiter Sensibilität setzt Cahn Farben ein, um ihren Modellen ein Gefühl von Zerbrechlichkeit und innerem Leben zu verleihen. • 2023 widmet das Palais de Tokyo in Paris der Künstlerin eine große Retrospektive und ab Oktober 2024 findet die Ausstellung 'Reading Dust' im Stedelijk Museum, Amsterdam, statt. • Cahn setzt sich künstlerisch mit Friedens- und Frauenbewegungen auseinander, für die sie sich auch selbst aktiv einsetzt. • Arbeiten Cahns befinden sich in internationalen Sammlungen, wie u. a. im Museum of Modern Art, New York, in der Tate Modern, London, im Museo Reina Sofía, Madrid, und in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, München. PROVENIENZ: Galerie Meyer Riegger, Berlin. Privatsammlung Österreich (vom Vorgenannten erworben). Drei Gestalten stehen im Zentrum der Leinwand und auch im Mittelpunkt des künstlerischen Schaffens Miriam Cahns steht der Mensch. Die Zerbrechlichkeit des menschlichen Körpers, aber auch die Beziehung zur Natur. Gegenwärtige Beobachtungen, familiäre Erinnerungen und persönliche Erfahrungen verbinden sich bei ihr mit gesellschaftspolitischen Ereignissen. Liebe, Gewalt, Frausein, Geschlecht, Sexualität, Krieg, Antisemitismus und Flucht sind wiederkehrende Themen in der Arbeit der 1949 in Basel geborenen Künstlerin. Als Tochter eines jüdischen Numismatikers und Kunsthändlers besucht Cahn schon ab 1968 die Grafikklasse an der Kunstgewerbeschule in Basel, erhält 1978/79 ein Atelierstudium in Paris und wird bereits 1982 zur documenta 7 sowie 1984 zur Biennale nach Venedig eingeladen. Mit einer illegalen nächtlichen Kunstaktion im Winter 1979/80, bei der sie mit Kohle Wandzeichnungen an eine Baseler Autobahnbrücke anbringt, erhält sie auch mediale Betrachtung. Miriam Cahns facettenreiches Œuvre beschränkt sich demnach nicht nur auf figurative Malerei, sondern umfasst auch Schreiben, Fotografieren, Filmen, skulpturales Arbeiten, Rauminstallationen und Performances. Einende Elemente dieser künstlerischen Ausdrücke sind jedoch die kompromisslose Konfrontation sowie die Einforderung eines genauen Hinschauens von den Betrachtenden und damit eine tiefgreifende Beschäftigungen mit den Widersprüchen unserer Welt. In 'liebenmüssen, 2008 + 20.8.19.' greift Cahn das Thema des Frau- und Mutterseins auf. Sind die drei Körper mit klaren Linien umrissen, scheinen sie doch mit der Umgebung zu zerfließen. Insbesondere der Mutterkörper scheint in seiner Farbigkeit im Hintergrund zu verschwinden, wie auch viele Mütter im realen Leben in ihrer Rolle als Mutter ihr eigenes Ich verblassen sehen. Ebenso vielschichtig ist auch der Titel, der die Rolle der Frau als Mutter und auch die Mutterliebe als ambivalent erscheinen lässt. Die Farbwahl zwischen leichten Pastelltönen und dunkleren Grautönen unterstreicht diese Aspekte der heillosen Zärtlichkeit wie Hilflosigkeit, die sie ihren Figuren entgegenbringt. Cahn malt ihre Ölbilder schnell, mit dünnflüssiger Farbe, so lange sie die Körperspannung aufrecht erhalten kann und vermeidet so eine traditionelle Meisterschaft sowie jegliche Korrekturmöglichkeit. So spielt das direkte Gefühl auch im Entstehungsprozess eine große Rolle. Die Künstlerin dekonstruiert hier das gesellschaftliche Rollenbild der Frau, stellt es infrage und wirft zugleich den Spiegel zurück auf die Betrachtenden, die so letztlich auch die eigene Identität, den (weiblichen) Körper und die eigene Sexualität durch eine ästhetische Reflexion beginnen zu durchdringen. [AW] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMiriam Cahn 1949 Basel - lebt und arbeitet in Basel liebenmüssen, 2008 + 20.8.19. 2008/2019. Oil on canvas. Titled on the reverse of the stretcher and inscribed 'meine kriegerin'. 130 x 100 cm (51.1 x 39.3 in). [AW]. • With exquisite sensitivity, Cahn uses color to give her models a sense of fragility and an inner life. • In 2023, the Palais de Tokyo in Paris dedicated a major retrospective to the artist, from October 2024, the Stedelijk Museum in Amsterdam hosts the exhibition 'Reading Dust'. • In her art, Cahn addresses the peace and women's movements, of which she is also an active advocate. • Cahn's works are in international collections like the Museum of Modern Art, New York, the Tate Modern, London, the Museo Reina Sofía, Madrid, and the Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich. PROVENANCE: Galerie Meyer Riegger, Berlin. Private collection Austria (acquired from the above). Three figures are at the center of this work, while the human being in general is at the center of Miriam Cahn's artistic work. The fragility of the human body, but also the relationship with nature. She combines observations of the present, family memories and her own experiences with socio-political events. Love, violence, womanhood, gender, sexuality, war, anti-Semitism and migration are recurring themes in her work. Born the daughter of a Jewish numismatist and art dealer in Basel in 1949, Cahn attended the Arts and Crafts School in Basel from 1968, received a scholarship to study in Paris in 1978/79 and was invited to documenta 7 in 1982 and to the Venice Biennale in 1984. An illegal nocturnal art action in the winter of 1979/80, in which she applied charcoal drawings to a Basel highway bridge, also earned her widespread media attention. Miriam Cahn's multifaceted oeuvre is not limited to figurative painting, but also includes writing, photography, film, sculpture, installations and performances. What these expressions have in common is the uncompromising confrontation of the viewer with the contradictions of our world. In 'liebenmüssen, 2008 + 20.8.19.', Cahn addresses being a woman and a mother. Although the three bodies are clearly outlined, they seem to merge with their surroundings. The colors of the mother's body seem to fade into the background, just as many women see their own self fade in their role as mothers. The title is just as complex, making the role of the woman as mother and motherly love appear ambivalent. The choice of colors between light pastels and darker grays emphasizes her figures' utter tenderness and helplessness. Cahn executes her oil paintings quickly, with thin paint, while she can maintain body tension, thus avoiding traditional mastery and any possibility of correction. Immediacy also plays a major role in the creation process. The artist deconstructs the social role model of the woman, and challenges the observer, who ultimately also begin to reflect on their own identity, their (female) body and their own sexuality. [AW] Called up: June 7, 2024 - ca. 15.38 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R), artist´s resale right compensation is due.
Rémy Zaugg 1943 Basel - 2005 Basel Neue Bilder 12a. 1996/1998. Mischtechnik. Lack und Serigrafie auf Aluminium. Verso signiert, datiert, betitelt und bezeichnet. 178 x 158 cm (70 x 62,2 in). [SM]. • Rémy Zaugg gehört zu den wichtigsten schweizerischen Künstlern des 20. Jahrhunderts. • Seine Werke sind bei der Biennale de Paris und der documenta 7 zu sehen. • Zauggs Werk handelt von tiefgründigen Reflexionen über unsere Wahrnehmung der Welt. • Die typografischen Gemälde, in denen der Text zum Bild wird, gehören zu den Kernwerken seines Œuvres. PROVENIENZ: Privatsammlung Schweiz (seit 2013, direkt aus dem Nachlass). 'Ich kann im 20. Jahrhundert den Menschen nicht mehr erklären, wie man ein Bild macht. Ich kann jedoch erklären, wie man ein Bild wahrnimmt.' Rémy Zaugg, zit. nach: www.mgksiegen.de. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRémy Zaugg 1943 Basel - 2005 Basel Neue Bilder 12a. 1996/1998. Mixed media. Lacquer and silkscreen on aluminum. Signed, dated, titled and inscribed on the reverse. 178 x 158 cm (70 x 62.2 in). [SM]. • Rémy Zaugg is one of the most important Swiss artists of the 20th century. • His works featured in the Biennale de Paris and documenta 7. • Zaugg's art addresses profound reflections on our perception of the world. • The typographic paintings, in which words become images, are among the key works in his oeuvre. PROVENANCE: Private collection Switzerland (since 2013, directly from the estate). 'In the 20th century, I can no longer explain to people how to make a picture. I can, however, explain how to perceive a picture.“ Rémy Zaugg, quoted from: www.mgksiegen.de Called up: June 7, 2024 - ca. 15.50 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Hans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Figur (Napoleon). 1960. Bronze mit dunkelgrauer Patina. Auf der Plinthe mit dem eingeschlagenen Künstlersignet und der Nummerierung. Eines von sechs Exemplaren. Ca. 212 x 58 cm (83,4 x 22,8 in). Durchmesser der Plinthe ca. 70 cm (27,6 in). Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. • Frühe, kubisch-abstrakte Bronze aus einer kleinen Auflage. • Zunächst aus einem Holzstamm geschlagen und dann in Bronze gegossen. • Arbeiten dieser Größe werden äußerst selten auf dem Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). Wir danken Herrn Jakob Steinbrenner, München, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (direkt vom Künstler erworben). Seitdem in Familienbesitz. AUSSTELLUNG: Zur ursprünglichen Holzfigur vgl. die Ausstellung: Hans Steinbrenner. Skulpturen 1948-1960, Sinclair-Haus, Bad Homburg v. d. Höhe, 23.10.-16.12.1990, Kat. Nr. 87 (m. Abb.). LITERATUR: Zur ursprünglichen Holzfigur vgl.: Claire Hellweg, Hans Steinbrenner. Die Entwicklung der Formensprache im plastischen Werk, Diss. Frankfurt a. Main, 1990/91, WVZ-Nr. 141 (m. Abb.). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Figur (Napoleon). 1960. Bronze with dark gray patina. Plinth with the hammered artist's signet and the number. From an edition of 6 copies. Ca. 212 x 58 cm (83.4 x 22.8 in). Diameter of the plinth ca. 70 cm (27,6 in. ). [AR]. Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. • Early, cubic-abstract bronze from a small edition. • First carved from a wooden trunk and then cast in bronze. • Works of this size are extremely rare on the auction market (source: artprice.com). We are grateful to Mr Jakob Steinbrenner, Munich, for his kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Dr. Theo Maier-Mohr Collection, Hesse (acquired from the artist). Ever since family-owned. EXHIBITION: For the original wooden figure, see the exhibition: Hans Steinbrenner. Skulpturen 1948-1960, Sinclair-Haus, Bad Homburg v. d. Höhe, October 23 - December 16, 1990, cat. no. 87 (illu.). LITERATURE: For the original wooden figure, see: Claire Hellweg, Hans Steinbrenner. Die Entwicklung der Formensprache im plastischen Werk, PhD thesis Frankfurt a. Main, 1990/91, no. 141 (illu.). Called up: June 7, 2024 - ca. 13.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Tom Wesselmann 1931 Cincinnati - 2004 New York Study for Metal Compote and Fruit. 1985. Liquitex-Acrylfarbe über Bleistift auf Karton. Verso von Claire Wesselmann signiert sowie handschriftlich datiert, betitelt und bezeichnet sowie mit der Werknummer 'D 85117'. 34,5 x 39,8 cm (13,5 x 15,6 in), Blattgröße. [SM]. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). • Klassisches Sujet im berühmten grafisch-linearen Stil der amerikanischen Pop-Art. • Wesselmann gehört neben Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns und Robert Rauschenberg zu den wichtigsten Protagonisten der amerikanischen Pop-Art. Die Arbeit ist im Wesselmann Studio Archiv, New York, verzeichnet. PROVENIENZ: Estate Tom Wesselmann, New York. Galerie Thomas, München (direkt vom Vorgenannten, auf der Rahmenabdeckung mit dem Etikett). Privatsammlung (direkt beim Vorgenannten erworben). Privatsammlung Rheinland-Pfalz (durch Erbschaft vom Vorgenannten). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONTom Wesselmann 1931 Cincinnati - 2004 New York Study for Metal Compote and Fruit. 1985. Liquitex-Acrylic and pencil on Bristol board. Signed, dated, titled and inscribed by Claire Wesselmann on the reverse, as well as with the work number “D 85117”. 34.5 x 39.8 cm (13.5 x 15.6 in), size of sheet. [SM]. • Offered on the international auction market for the first time (source: artprice.com). • Classic subject in the famous graphic-linear style of American Pop Art. • Alongside Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Jasper Johns and Robert Rauschenberg, Wesselmann is one of the key protagonists of American Pop Art. The work is listed in the Wesselmann Studio Archive, New York. PROVENANCE: Estate Tom Wesselmann, New York Galerie Thomas, Munich (from the above, with the label on the frame cover). Private collection (acquired directly from the above). Private collection Rhineland-Palatinate (inherited from the above). Called up: June 7, 2024 - ca. 15.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Fritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Mit roter Linie. 1966. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. 70,5 x 60,5 cm (27,7 x 23,8 in). [AW]. • Leuchtende Komposition, die ihre besondere Spannung durch die gezielt gesetzten roten Kontraste erhält. • Bereits in den 1950er Jahren stellt Winter in den USA aus und ist auf zwei Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. • Mit seiner Beteiligung an der documenta I (1955) gilt er als einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Von Oktober 2023 bis Januar 2024 findet die große Ausstellung 'Fritz Winter – documenta-Künstler der ersten Stunde' in der Neuen Galerie in Kassel statt. PROVENIENZ: Privatsammlung Spanien. AUSSTELLUNG: Fritz Winter, Staatsgalerie Moderner Kunst und Galerie-Verein München, 18.12.1976-6.2.1977; Staatliche Kunstsammlungen, Kassel, 1.4.-29.5.1977; Overbeck-Gesellschaft und Museum Behnhaus, Lübeck, 21.8.-2.10.1977; Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster, 14.11.-31.12.1977, Kat.-Nr. 97 (m. SW-Abb.). LITERATUR: Gabriele Lohberg, Fritz Winter. Leben und Werk mit Werkverzeichnis der Gemälde und einem Anhang der sonstigen Techniken, München 1986, WVZ-Nr. 2575 (m. SW-Abb.). - - Horst Keller, Fritz Winter, München 1976, S. 97 (m. SW-Abb.). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.51 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Mit roter Linie. 1966. Oil on canvas. Signed and dated in lower right. Signed, dated and titled on the reverse of the canvas . 70.5 x 60.5 cm (27.7 x 23.8 in). [AW]. • Radiant composition that derives particular tension from the bold use of red contrasts. • Winter had his first US shows in two exhibitions at the Museum of Modern Art, New York, in the 1950s. • He became a leading representative of German Informalism and abstract post-war art with his participation in documenta I (1955). • The Neue Galerie in Kassel shows the major exhibition “Fritz Winter - documenta Künstler der ersten Stunde' from October 2023 to January 2024. PROVENANCE: Private collection Spain. EXHIBITION: Fritz Winter, Staatsgalerie Moderner Kunst and Galerie-Verein Munich, December 18, 1976 - February 6, 1977; Staatliche Kunstsammlungen, Kassel, April 1 - May 29, 1977; Overbeck-Gesellschaft and Museum Behnhaus, Lübeck, August 21 - October 2, 1977; Westfälisches Landesmuseum für Kunst und Kulturgeschichte, Münster, November 14 - December 31, 1977, cat. no. 97 (illu. in b/w). LITERATURE: Gabriele Lohberg, Fritz Winter. Leben und Werk mit Werkverzeichnis der Gemälde und einem Anhang der sonstigen Techniken, Munich 1986, no. 2575 (illu. in b/w). - - Horst Keller, Fritz Winter, Munich 1976, p. 97 (iillu. in b/w). Called up: June 7, 2024 - ca. 13.51 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Karl Hartung 1908 Hamburg - 1967 Berlin Liegender. 1935/1938. Bronze mit schwarzbrauner Patina. Auf der Standfläche mit dem Gießerstempel 'Guss W. Füssel Berlin' sowie mit der Bezeichnung '10'. Aus einer Auflage von 6 und 1 AP-Exemplar. Ca. 24,5 x 42,5 x 24,5 cm (9,6 x 16,7 x 9,6 in). Gegossen von der Kunstgiesserei Füssel, Berlin (mit dem Gießerstempel). [JS]. • Lebzeitguss. • Progressive Formensprache und radikal moderne Ästhetik. • Konzentration, Reduktion, Sinnlichkeit und Makellosigkeit in perfekter Symbiose. • Essenz des Menschlichen – Hartungs meisterliche Neuinterpretation der klassischen Motivik des 'Liegenden Aktes'. • Mit seinem sanften organischen Formenschwung ist Hartungs 'Liegender' der fulminante Auftakt einer von Hartung als 'vegetative Formen' bezeichneten Folge von anthropomorphen Plastiken. • Weitere Güsse dieser Bronze befinden sich in der Sammlung des Sprengel Museums, Hannover, sowie im Nachlass des Künstlers. • Hartungs 'Liegender' war sowohl auf der documenta I 1955 als auch 1956 auf der Biennale in Venedig vertreten. Wir danken dem Nachlass Karl Hartung für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Österreich (in den 1970er Jahren aus dem Nachlass des Künstlers erworben). AUSSTELLUNG: (wohl jeweils ein anderes Exemplar) Karl Hartung. Plastik und Grafik, Galerie Gerd Rosen, Berlin, 1946. Karl Hartung, Haus am Waldsee, Berlin, 1952, Kat.-Nr. 10 (m. Abb.). Karl Hartung, Kestnergesellschaft, Hannover, 1953, Kat.-Nr. 6. Deutsche Bildhauer, Städtisches Museum, Wuppertal, 1955, Kat.-Nr. 37. documenta I. Kunst des XX. Jahrhunderts, Museum Fridericianum, Kassel, 1955, Kat.-Nr. 205. Deutsche Kunstpreisträger seit 1945, Städtische Kunsthalle, Recklinghausen, 1956, Kat.-Nr. 39 (m. Abb.). XXVIII. Biennale di Venezia, Venedig, 1956, Kat.-Nr. 106. Deutscher Künstlerbund. Zehnte Ausstellung, Haus der Kunst, München, 1960, Kat.-Nr. 378. Kunstdiktatur gestern und heute, Galerie S Ben Wargin, Berlin, 1963 (m. Abb.). Für Karl Hartung, Badischer Kunstverein (Gedächtnisausstellung innerhalb der 15. Deutschen Künstlerbund-Ausstellung), Karlsruhe, 1967, Kat.-Nr. 2. Karl Hartung 1908-1967. Eine Werkübersicht zum 80. Geburtstag, Galerie Pels-Leusden, Berlin, 1988. Karl Hartung, Werke und Dokumente, Archiv für Bildende Kunst im Germanischen Nationalmuseum, Nürnberg, 1998, Kat. m. Abb., S. 101. Henry Moore: A European Impulse / Impuls für Europa, LWL Museum für Kunst und Kultur, Münster, 2016/17, Kat. m. Abb., S. 107. LITERATUR: (wohl jeweils ein anderes Exemplar) Markus Krause, Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur. Monographie und Werkverzeichnis, München 1998, WVZ-Nr. 158. - Ulrich Gertz, Plastik der Gegenwart (Die Kunst unserer Zeit, Bd. 8), Berlin 1953, S. 65 (m. Abb.). Hanns Theodor Flemming, Der Bildhauer Karl Hartung, in: Die Kunst und das schöne Heim, 53. Jg., 1955, H. 6, S. 207-209 (m. Abb.). Heinz R. Fuchs, Plastik der Gegenwart (Kunst der Welt. Ihre geschichtlichen, soziologischen und religiösen Grundlagen), Baden-Baden 1970, S. 93 (m. Abb.). Walter Hess, Karl Hartung, in: Das Kunstwerk, 14. Jg., 1961, H. 9, o.S. (m. Abb.). Katharina Schneider, Reichtum figürlicher Phantasie. Der Bildhauer Karl Hartung (1908-1967), in: Weltkunst. Aktuelle Zeitschrift für Kunst und Antiquitäten, 58. Jg., 1988, H. 21, S. 3287-3289 (m. Abb.). Markus Krause, zit. nach: Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur, München 1991, S. 71. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Hartung 1908 Hamburg - 1967 Berlin Liegender. 1935/1938. Bronze with black-brown patina. Stand with the foundry mark 'Guss W. Füssel Berlin' and the inscription '10'. From an edition of 6 lifetime casts and 1 artist proof. Ca. 24.5 x 42.5 x 24.5 cm (9.6 x 16.7 x 9.6 in). Cast by art foundry Füssel, Berlin (with the foundry mark). [JS]. • Lifetime cast. • Progressive style and radically modern aesthetics. • Concentration, reduction, sensuality and flawlessness in perfect symbiosis. • The essence of humanity - Hartung's masterful reinterpretation of the classic motif of the 'reclining nude'. • With its gentle organic form, Hartung's 'Liegender' provides a brilliant prelude to a series of anthropomorphic sculptures that Hartung described as 'vegetative forms'. • Further casts of this bronze can be found in the collection of the Sprengel Museum, Hanover, as well as in the artist's estate. • Hartung's 'Liegender' was on display at documenta I in 1955 and the Venice Biennale in 1956. We are grateful to the Karl Hartung Estate for its expert advice. PROVENANCE: Private collection Austria (acquired from the artist's estate in the 1970s). EXHIBITION: (each presumably different copy) Karl Hartung. Plastik und Grafik, Galerie Gerd Rosen, Berlin 1946. Karl Hartung, Haus am Waldsee, Berlin 1952, cat. no. 10 (illu.). Karl Hartung, Kestnergesellschaft, Hanover 1953, cat.no. 6. Deutsche Bildhauer, Städtisches Museum, Wuppertal 1955, cat.no. 37. documenta I. Kunst des XX. Jahrhunderts, Museum Fridericianum, Kassel 1955, cat.no. 205. Deutsche Kunstpreisträger seit 1945, Städtische Kunsthalle, Recklinghausen 1956, cat.no. 39 (illu.). XXVIII. Biennale di Venezia, Venice 1956, cat.no. 106. Deutscher Künstlerbund. Zehnte Ausstellung, Haus der Kunst, Munich 1960, cat.no. 378. Kunstdiktatur gestern und heute, Galerie S Ben Wargin, Berlin 1963 (cat.no.). Für Karl Hartung, Badischer Kunstverein (commemorative exhibition as part of the 15th exhibition of the Deutscher Künstlerbund), Karlsruhe 1967, cat.no. 2. Karl Hartung 1908-1967. Eine Werkübersicht zum 80. Geburtstag, Galerie Pels-Leusden, Berlin 1988. Karl Hartung, Werke und Dokumente, Archiv für Bildende Kunst im Germanischen Nationalmuseum Nürnberg, 1998, illu. in cat. on p. 101. Henry Moore: A European Impulse / Impuls für Europa, LWL Museum für Kunst und Kultur Münster, 2016/2017, illu. in cat. on p. 107. LITERATURE: (each presumably different copy) Markus Krause, Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur. Monographie und Werkverzeichnis, Munich 1998, no. 158. - Ulrich Gertz, Plastik der Gegenwart (Die Kunst unserer Zeit, vol. 8), Berlin 1953, p. 65 (illu.). Hanns Theodor Flemming, Der Bildhauer Karl Hartung, in: Die Kunst und das schöne Heim, 53rd year., 1955, issue 6, pp. 207-209 (illu.). Heinz R. Fuchs, Plastik der Gegenwart (Kunst der Welt. Ihre geschichtlichen, soziologischen und religiösen Grundlagen), Baden-Baden 1970, p. 93 (illu.). Walter Hess, Karl Hartung, in: Das Kunstwerk, 14th year, 1961, issue 9, no p. (illu.). Katharina Schneider, Reichtum figürlicher Phantasie. Der Bildhauer Karl Hartung (1908-1967), in: Weltkunst. Aktuelle Zeitschrift für Kunst und Antiquitäten, 58th year, 1988, issue 21, pp. 3287-3289 (illu.). Markus Krause, quoted from Karl Hartung 1908-1967. Metamorphosen von Mensch und Natur, p. 71. Called up: June 7, 2024 - ca. 13.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Sigmar Polke 1941 Oels/Niederschlesien - 2010 Köln Goldhaar. 1999. Mischtechnik. Acryl, Gouache und Sprühtechnik. Unten signiert, datiert, betitelt und mit einer persönlichen Widmung versehen. 99,8 x 70,3 cm (39,2 x 27,6 in), blattgroß. [EH]. • Polke löst sich von der Figuration, experimentiert mit Farben und Techniken und findet zu einer ganz neuen Ausdrucksform. • Bemerkenswerte Verbindung von leuchtender Farbkraft und spannungsvoller Komposition. • Sigmar Polke zählt zu den wichtigsten Künstlern der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts. Seine Werke sind in international bedeutenden Sammlungen vertreten. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (direkt vom Künstler). Galerie Michael Werner, Köln. Privatsammlung Portugal. Privatsammlung. Vom jetzigen Eigentümer vom Vorgenannten erworben (Sotheby's 2014). AUSSTELLUNG: Sigmar Polke. Bilder und Zeichnungen 2011, Galerie Michael Werner, Köln, 9.9.-7.12.2011. LITERATUR: Sotheby's, New York, Contemporary Art, 14.4.2014, Los 241. Das Œuvre von Sigmar Polke ist durchzogen von Zitaten, Verknüpfungen, Experimenten und hintergründigen Rätselhaftigkeiten. Er verknüpft in seinen Werken oftmals Abstraktes mit Figürlichem, setzt beide Elemente in Beziehung zueinander und entwickelt so neue, völlig offene Assoziationsebenen. Polke bedient sich dabei immer wieder historischer grafischer Vorlagen. An eine solche erinnert hier der hinter einem Gitter weißer Farbe verschwindende Kopf. Dieser erscheint so diffus, weil er aus der rauhen, dicken Farbe, die sich schon fast wie eine Kruste über den Malgrund legt, mit kühnen Pinselstrichen und Schabwerkzeugen herausgearbeitet, ja schon fast herausmodelliert ist. Hier hat das Blatt die Haptik einer grob verputzten Wand. Dagegen steht die glänzende, glatte und fließende Form des titelgebenden Goldes. Im scheinbar zufälligen Verlauf der flüssigen Farbe gibt es den Umriss eines fiktiven Kopfes vor und setzt sich in einem breiten Schopf nach rechts fort. Diese Kombination verschiedenster Materialien und Farbstrukturen macht Sigmar Polkes Werke so charakteristisch. Der Künstler erklärt nicht, worauf er sich bei Titel und Darstellung bezieht. Das goldene Haar ist jedoch in der Darstellung von Engeln bis zum güldenen Haar der Loreley als Assoziation vorhanden. [EH] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.51 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONSigmar Polke 1941 Oels/Niederschlesien - 2010 Köln Goldhaar. 1999. Mixed media. Acrylic, gouache and spray technique. Signed, dated, titled and inscribed with a personal dedication at the bottom. 99.8 x 70.3 cm (39.2 x 27.6 in), the full sheet. [EH]. • Polke broke with figuration, experimented with colors and techniques and found a completely new form of expression. • A remarkable combination of luminous colors and an exciting composition. • Sigmar Polke is one of the most important artists of the second half of the 20th century. His works are included in major international collections. PROVENANCE: Private collection Germany (directly from the artist). Galerie Michael Werner, Cologne. Private collection Portugal. Private collection. Acquired by the current owner from the above (Sotheby's 2014). EXHIBITION: Sigmar Polke. Bilder und Zeichnungen 2011, Galerie Michael Werner, Cologne, September 9 - December 7, 2011. LITERATURE: Sotheby's, New York, Contemporary Art, April 14, 2014, lot 241. Sigmar Polke's oeuvre is permeated by quotations, links, experiments, and enigmatic subtleties. In his works, he often combines abstraction with figuration, putting both elements in relation to one another and thus developing new, completely open levels of association. In doing so, Polke repeatedly makes use of historical graphic models. The head disappearing behind a grid of white paint is reminiscent of one of these. It appears to be so diffuse because it has been carved out of the rough, thick paint, which covers the ground almost like a crust, with bold brushstrokes and scraping tools, almost like sculpted, giving the sheet the feel of a coarsely plastered wall. This contrasts with the shiny, smooth, and flowing form of the gold. The seemingly random flow of the liquid color provides the outline of a fictitious head and continues to the right in a broad head of hair. This combination of different materials and color structures makes Sigmar Polke's works so characteristic. The artist does not bother to explain the title and depiction. However, the golden hair can be found as an association with the depiction of angels or the golden hair of Loreley. [EH] Called up: June 7, 2024 - ca. 14.51 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Arnulf Rainer 1929 Baden bei Wien - lebt und arbeitet in Wien Blau graviert (Frauensprache). 1977/1986. Öl auf Photo, auf Holz montiert im Originalrahmen. Unten links monogrammiert, signiert und datiert. Verso handschriftlich datiert und betitelt. 48,5 x 59,5 cm (19 x 23,4 in). • Aus dem Zyklus 'Frauensprache', in dem er Aktfotografien überarbeitet. • Fotoüberarbeitungen sind elementarer Bestandteil seines Œuvres. • Arbeiten aus diesem Zyklus waren 2010 in der Ausstellung 'Arnulf Rainer. Female' im Museum der Moderne in Salzburg zu sehen. • 1978 und 1980 vertritt Arnulf Rainer Österreich auf der Biennale in Venedig. • Arnulf Rainer gilt als Begründer der österreichischen Nachkriegskunst, seine Übermalungen sind heute Teil zahlreicher bedeutender Sammlungen, wie u. a. der Tate Collection, London. Wir danken dem Studio Rainer für die wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung USA. AUSSTELLUNG: Arnulf Rainer. Bilder aus fünf Jahrzehnten, Galerie Ulysses, Wien, 18.10.-22.11.2006 (verso auf dem Keilrahmen mit einem Etikett). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONArnulf Rainer 1929 Baden bei Wien - lebt und arbeitet in Wien Blau graviert (Frauensprache). 1977/1986. Oil on a photo, mounted on wood in the original frame. Lower left monogrammed, signed and dated. Dated and titled on the reverse. 48.5 x 59.5 cm (19 x 23.4 in). • From the cycle: Frauenssprache (Female Language), in which he works over nude photographs. • Reworking photographs is a key element of his oeuvre. • Works from this cycle were shown in the exhibition 'Arnulf Rainer. Female' at the Museum der Moderne Salzburg in 2010. • Arnulf Rainer represented Austria at the Venice Biennale in 1978 and 1980. • Arnulf Rainer is recognized as the founder of Austrian post-war art, his over-paintings are in many renowned collections, among them the Tate Collection, London. We are grateful to the Studio Rainer for the kind expert advice. PROVENANCE: Private collection USA. EXHIBITION: Arnulf Rainder. Bilder aus fünf Jahrzehnten, Galerie Ulysses, Vienna, October 18 - November 22, 2006 (with a label on the reverse). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.47 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Fritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Kleines Epitaph für Ikarus II. 1982. Eisen, montiert, mit rotbrauner Patina. An der Vorderseite unten links mit dem eingeritzten Monogramm. Eines von 3 Exemplaren. 40 x 18 x 12 cm (15,7 x 7 x 4,7 in). [KT]. • Selten: eines von nur drei Exemplaren. • Seit den 1980er Jahren nimmt die Vergänglichkeit in Koenigs Schaffen einen besonderen Raum ein, es entstehen seine berühmten Epitaphe sowie die Werkgruppe 'Ikarus'. • Huldigung an den genialen Ingenieur und tragischen Visionär der antiken Mythologie. • Koenigs Skulpturen befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art, New York, die Guggenheim Collection, Venedig, und die Pinakothek der Moderne, München. PROVENIENZ: Privatsammlung Bayern. LITERATUR: Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig. Werkverzeichnis, Bd. 2: Skulpturen, München 2003, WVZ-Nr. 786 (m. Abb. Taf. S. 190). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Kleines Epitaph für Ikarus II. 1982. Iron, muonted, with red-brown patina. Scratched monogram in lower left on front side. One of 3 copies. 40 x 18 x 12 cm (15.7 x 7 x 4.7 in). [KT]. • Rare: One of only 3 copies. • Beginning in the 1980s, Koening dedicated his work to transience, creating his famous epitaphs and the 'Icarus' group. • Homage to the ingenious engineer and tragic visionary of ancient mythology. • Koenig's sculptures are in many important collections, among them the Museum of Modern Art, New York, the Guggenheim Collection, Venice, and the Pinakothek der Moderne, Munich. PROVENANCE: Private collection Bavaria. LITERATURE: Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig. Catalogue raisonné, vol. 2: Skulpturen, Munich 2003, no. 786 (illu. on p. 190). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Bernard Buffet 1928 Paris - 1999 Tourtour Nature morte avec crane. 1953. Öl auf Leinwand. Links oben signiert und datiert. Verso auf der Leinwand bezeichnet mit 'J 16'. 49,8 x 64,8 cm (19,6 x 25,5 in). [AW]. • Buffet ist Star der französischen Kunstszene der 1950er Jahre und gilt als 'Maler des Existenzialismus'. • Unverwechselbarer und realistischer Stil nach Vorbildern wie Rembrandt, Géricault, Courbet und van Gogh. • Tod, Hunger und Ekel sind Grundthemen seiner düsteren Stillleben. • Werke des Künstlers befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, darunter das Kunstmuseum Basel, die Tate Gallery, London, das Musée Nacional d'Art Moderne, Paris, und das Museum of Modern Art, New York. PROVENIENZ: Galerie Drouant-David, Paris. Olbricht Collection, Essen/Berlin (2007 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Go for it! Olbricht Collection (a sequel), Weserburg, Museum für moderne Kunst, Bremen, 10.5.2008-1.11.2009. Lebenslust & Totentanz. Olbricht Collection, Kunsthalle Krems, 18.7.-7.11.2010. LITERATUR: Christie's, New York, 1901. Auktion, 7.11.2007, Los 437. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.55 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONBernard Buffet 1928 Paris - 1999 Tourtour Nature morte avec crane. 1953. Oil on canvas. Signed and dated in upper left. Inscribed “J 16” on the reverse of the canvas. 49.8 x 64.8 cm (19.6 x 25.5 in). [AW]. • Buffet was the star of the French art scene in the 1950s and has a reputation as 'painter of existentialism'. • His unmistakable realistic style is based on Rembrandt, Géricault, Courbet and van Gogh. • Death, hunger and disgust are the basic themes of his gloomy still lifes. • His works are in renowned international collections like the Kunstmuseum Basel, Tate Gallery, London, the Musée Nacional d'Art Moderne, Paris, and the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Galerie Drouant-David, Paris. Olbricht Collection, Essen/Berlin (acquired from the above in 2007). EXHIBITION: Go for it! Olbricht Collection (a sequel), Weserburg, Museum für moderne Kunst, Berlin, May 10, 2008 - November 1, 2009. Lebenslust & Totentanz. Olbricht Collection, Kunsthalle Krems, July 18 - November 7, 2010. LITERATURE: Christie's, New York, auction 1901, November 7, 2007, lot 437. Called up: June 7, 2024 - ca. 13.55 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Friedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Meteorologisches Stillleben. 1975. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. 110 x 140 cm (43,3 x 55,1 in). [EH]. Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. PROVENIENZ: Fischer Fine Art Ltd., London. Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (1975 beim Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Friedrich Meckseper. Paintings and Etchings, Fischer Fine Art Ltd., London, Okt./Nov. 1975, Kat.-Nr. 5. Friedrich Meckseper. Gemälde und Radierungen, Kunsthalle Bremen, 17.10.-5.12.1976, Kat.-Nr. 18 (m. Abb. S. 36). Friedrich Meckseper konstruiert aus hintergründig erdachten Gegenständen wagemutige, stilllebenartige Kompositionen. Es sind technisch perfekte Wiedergaben, die Konstellation jedoch ist mehr als freigeistig. Es ist, als ob Friedrich Meckseper die Welt anhand von stillen Dingen erklärt. Detailverliebt und mit feinstem Pinselstrich werden die Einzelheiten der Dinge geschildert und damit die Gegenstände selbst zum Leben erweckt. Seine Gemälde laden ein, Zusammenhänge zu hinterfragen und manche Darstellungen mit etwas Schalk zu betrachten. Friedrich Meckseper absolvierte zunächst eine Mechaniker-Lehre bei der Robert Bosch GmbH und entscheidet sich 1955 für eine Ausbildung an der Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart und später in Berlin. Auch dieser Hintergrund macht ihn in Fragen der Darstellung der Dinge so sicher. Er kann den Maschinen Leben einhauchen. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.19 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFriedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Meteorologisches Stillleben. 1975. Oil on canvas. Signed, dated and titled on the reverse. 110 x 140 cm (43.3 x 55.1 in). [EH]. Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. PROVENANCE: Fischer Fine Art Ltd., London Dr.Theo Maier-Moor Collection (acquired from the above in 1975). EXHIBITION: Friedrich Meckseper. Paintings and Etchings, Fischer Fine Art Ltd., London, October - November 1975, cat. no. 5. Friedrich Meckseper. Gemälde und Radierungen, Kunsthalle Bremen October 17 - December 5, 1976, cat. no. 18 (illu. on p. 36). Friedrich Meckseper constructs bold compositions from enigmatic objects that are reminiscent of still lifes. They are technically perfect reproductions, but their constellation follows a free-spirited approach. It is as if Friedrich Meckseper explained the world by means of quiet things. Their details are depicted with meticulousness and extremely fine brushstrokes, thus bringing the objects to life. His paintings invite us to question contexts and to view certain images with a little mischief. Friedrich Meckseper first completed an apprenticeship as a mechanic at Robert Bosch GmbH before he decided to attend the art academies in Stuttgart and Berlin. It is this background that makes him so confident when it comes to depicting things. He can breathe life into machines. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.19 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
William N. Copley 1919 New York - 1996 Key West/Florida Maltese Falcon. 1973. Acryl auf Leinwand. Rechts unten signiert 'cply' und datiert. Auf dem Keilrahmen betitelt. 114,5 x 147,5 cm (45 x 58 in). • Aus der berühmten Werkserie 'X-rated' (1972–1975), in der Copley seine obszön-erotischen Motive mit Titeln klassischer Hollywood-Filme und Theaterstücke verknüpft. • 1974 Teil der bahnbrechenden und für Copleys Erfolg grundlegenden Ausstellung 'X-Rated' im New York Cultural Center. • Gemälde aus derselben Werkreihe befinden sich u. a. im Whitney Museum of American Art, New York, im Stedelijk Museum, Amsterdam, und in der Collezione Prada, Mailand. • Zwei Jahre vor Entstehung ist Copley 1972 erstmals auf der documenta in Kassel vertreten. Die vorliegende Arbeit ist im Archiv des William N. Copley Estate, New York, registriert. Wir danken Herrn Anthony Atlas für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Paul Kasmin Gallery, New York (auf dem Keilrahmen mit dem Galerieetikett). Olbricht Collection, Essen/Berlin (2010 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: CPLY/X-Rated. An Exhibition of New Paintings and Drawings, New York Cultural Center in Zusammenarbeit mit der Fairleigh Dickinson University, New York, 22.3.-19.5.1974 (verso auf dem Keilrahmen mit dem typografisch bezeichneten Ausstellungsetikett). X-RATED mit William N. Copley und Andreas Slominski, me Collectors Room, Berlin, 30.1.-8.5.2011. William N. Copley, The Menil Collection, Houston, 19.2.-24.7.2016; Fondazione Prada, Mailand, 20.10.2016-8.1.2017. Mit seinen lustvoll-erotischen, gänzlich schamlosen Darstellungen rebelliert William N. Copley gegen die Konventionen der Nachkriegszeit und verfasst eine singuläre Position der figürlichen Malerei, in der er Elemente der amerikanischen Pop-Art mit Eigenschaften des europäischen Surrealismus kombiniert. Seit seiner Jugend ist der Adoptivsohn eines wohlhabenden Zeitungsmagnaten das schwarze Schaf in seiner politisch konservativen Familie. Seine künstlerische Karriere beginnt der exzentrische Autodidakt erst Mitte der 1940 Jahre und zieht zu Beginn der 1950er Jahre nach Paris, wo er zum einen der anständig-puritanischen amerikanischen Gesellschaft entflieht und zum anderen seine noch junge Malerei weiterentwickelt. Mitte der 1960er Jahre findet Copley zu seinem unverwechselbaren Stil: einer erzählerischen Bildsprache mit runden, geschwungenen Formen, kräftigen Konturlinien, leuchtender Farbigkeit, einer auf der Fläche angelegten Räumlichkeit und oftmals obszön-frivolen Motiven aus jeglicher Facette der menschlichen Sexualität. Der Künstler entwickelt ein Vokabular wiederkehrender Motive, darunter die männliche Figur mit Hut (Melone), die nackte oder halbnackte Frau, das sich umarmende Paar und zahlreiche weitere Elemente, die sich u. a. in den Arbeiten der 'X-Rated'-Werkreihe wiederfinden, zu der 'Maltese Falcon' gehört. Die verarbeiteten Motive entstammen pornografischen Magazinen und werden von Copley mit seiner eigenen stilisierten Bildsprache in malerische Erkundungen des menschlichen Körpers und Geschlechtsakts vor an Matisse erinnernden opulenten Hintergründen verwandelt. Der Künstler erklärt: 'For me, it’s a very simple thing, pornography has to do with repression, and eroticism with fantasy [..]. I am trying to break through the barrier of pornography into the area of joy.' (William N. Copley im Gespräch mit Sam Hunter, in: Ausst.-Kat. CPLY. X-Rated, New York Cultural Center, New York 1974) Stil und Ikonografie dieser Arbeiten entstammen in Teilen der amerikanischen Alltagskultur und enthalten Einflüsse aus der grafischen Bildsprache von Comics, zeitgenössischen Werbeanzeigen und u. a. durch die Betitelungen auch zu Hollywood-Filmen, wie bei 'Monsieur Verdou' (Whitney Museum of American Art, New York, Film von 1947), 'Come Back Little Sheba' (Collezione Prada, Mailand, Film von 1952) oder der hier angebotenen Arbeit 'Maltese Falcon', die Copley nach dem gleichnamigen Film von 1941 benennt (dt. 'Die Spur des Falken; Regie: John Huston, mit Humphrey Bogart in der Hauptrolle). 1974 ist das Gemälde Teil der viel besprochenen Einzelausstellung 'X-Rated' im New York Cultural Centre. [CH] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.59 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Henry Moore 1898 Castleford/Yorkshire - 1986 Much Hadham/Hertfordshire Maquette for Sheep Piece. 1969. Bronze mit brauner Patina. Hinten auf dem Sockel mit der Signatur und der gestempelten Nummerierung. Eines von sieben Exemplaren (zzgl. eines Künstlerexemplars). Höhe: 9 cm (3,5 in). Mit dem Sockel: 11,3 x 14 x 11,5 cm (4,4 x 5,5 x 4,5 in). Gegossen 1974 von Fiorini Ltd., London. [CH] In unserem Evening Sale am 7. Juni 2024 kommt zudem das 'Working Model for Sheep Piece' (1971), ebenfalls aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr, zum Aufruf. Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. • 1969 entstehen erste Entwürfe sowie die Maquette für das 1971/72 in großem Format realisierte Werk 'Sheep Piece'. • Moore entwirft eine aus zwei unterschiedlichen, sich berührenden Teilen bestehende Skulptur, die in ihrer Verbindung aus passiver kleinerer und aktiv-aufbäumender größerer Form die in Moores Schaffen so allgegenwärtige Mutter-Kind-Thematik aufgreift. • Aus seinem sog. 'Maquette Studio', seinem Atelier für Modelle und Entwürfe, schaut Moore auf eine Schafweide, auf der das monumentale 'Sheep Piece' später platziert wird, und beginnt um 1971/72 eine umfassende Reihe an Zeichnungen von Schafen. • Ein weiteres Exemplar dieser Maquette befindet sich im Spencer Museum of Art der University of Kansas. Das Werk ist bei der Henry Moore Foundation, Hertfordshire, unter der Nummer LH 625 verzeichnet. PROVENIENZ: Sammlung Jane Wade Lombard und Lee Lombard, New York. Privatsammlung Deutschland. Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (2004 vom Vorgenannten erworben). Seitdem in Familienbesitz. LITERATUR: Alan Bowness, Henry Moore. Sculpture and Drawings, Bd. 4 (1964-1973), London 1977, WVZ-Nr. 625 (m. SW-Abb., anderes Exemplar). - - Ketterer Kunst, München, 290. Auktion, Kunst des XX. Jahrhunderts, 14.5.2004, Los 274 (m. Abb.). 'I'll produce several maquettes, not much bigger than one's hand, certainly small enough to hold in one's hand [..] and you have a complete grasp of their shape from all around the whole time.' Henry Moore, in: Philip James, Henry Moore on Sculpture, London 1966. 'Wenn das Stadium der Maquette erreicht ist und ich die Skulptur in die Hand nehmen kann, entscheide ich häufig, ob ich die Plastik lebensgroß, überlebensgroß oder unterlebensgroß machen werde, das heißt, ich bestimme ihre wirkliche 'körperliche‘ Größe.“ Henry Moore, zit. nach: Ausst.-Kat. Henry Moore. Ursprung und Vollendung, München 1996, S. 31. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.35 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHenry Moore 1898 Castleford/Yorkshire - 1986 Much Hadham/Hertfordshire Maquette for Sheep Piece. 1969. Bronze with brown patina. With the signature and the stamped number on the rear of the base. From an edition of seven copies (plus one artist copy). Height: 9 cm (3.5 in). Including base: 11,3 x 14 x 11,5 cm (4,4 x 5,5 x 4,5 in). Cast by Fiorini Ltd., London, in 1974. [CH] The 'Working Model for Sheep Piece' (1971), likewise from the Dr. Theo Maier-Mohr Collection, will be called up in our Evening Sale on June 7, 2024. Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. • In 1969, he made first sketches and the maquette for the large 'Sheep Piece' from 1971/72. • Moore created a sculpture of two different parts that touch each other; with the combination of a smaller, passive form and a larger, more active one, he drew on the mother-child theme that is so prevalent in his oeuvre. • From the window of his studio, Moore looked onto a sheep pasture, which inspired him to drawings of sheep that eventually let to the monumental 'Sheep Piece'. • Another copy of this maquette is at the Spencer Museum of Art at the University of Kansas. The work is documented at the Henry Moore Foundation, Hertfordshire, with the number LH 625. PROVENANCE: Jane Wade Lombard and Lee Lombard Collection, New York. Private collection Germany. Dr. Theo Maier-Mohr Collection (acquired from the above in 2004). Ever since family-owned. LITERATURE: Alan Bowness, Henry Moore. Sculpture and Drawings, vol. 4 (1964-1973), London 1977, no. 625 (illu. in black and white, different copy). - - Ketterer Kunst, Munich, auction 290, Kunst des XX. Jahrhunderts, May 14, 2004, lot 274 (illu.). 'I'll produce several maquettes, not much bigger than one's hand, certainly small enough to hold in one's hand [..] and you have a complete grasp of their shape from all around the whole time.' Henry Moore, in: Philip James, Henry Moore on Sculpture, London 1966. 'Once I have reached the maquette stage, and I hold the sculpture in my hand, I often decide whether I will make it life-size, even bigger than life-size or smaller, meaning that I determine its actual 'physical' size. “ Henry Moore, from: ex. cat. Henry Moore. Ursprung und Vollendung, Munich 1996, p. 31. Called up: June 7, 2024 - ca. 13.35 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Konrad Klapheck 1935 Düsseldorf - 2023 Düsseldorf Die Fragen der Sphinx. 1984. Kohle und Blaustift auf Transparentpapier. Links unten signiert und datiert. 121 x 114 cm (47,6 x 44,8 in), blattgroß. Formatgleiche Vorzeichnung zum Gemälde 'Die Fragen der Sphinx' (1984), das sich heute als Leihgabe aus einer bedeutenden Corporate Collection im Musée de Grenoble befindet. [JS]. • Klapheck gilt als Erfinder und Meister des 'Maschinenbildes', das er als Spiegel menschlicher Existenz begreift. • Gemeinsam mit dem titelgleichen Gemälde 2008 auf der Ausstellung 'Konrad Klapheck/Gustave Moreau' im Musée d'Orsay in Paris ausgestellt. • Während Klaphecks 'supergegenständliche' Gemälde durch ihre maximale Perfektion faszinieren, sind Klaphecks 'Vorzeichnungen' einzigartige Zeugnisse des zugrunde liegenden, akribisch-komplexen Schaffensprozesses. • Klaphecks Zeichnungen sind die 'Zeugen [seines] Ringens mit ihrem Schweißgeruch des verzweifelten Suchens und Tastens' (K. Klapheck, 1982). PROVENIENZ: Kunsthandel Wolfgang Wittrock, Düsseldorf (auf der Rahmenabdeckung mit dem Etikett). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (1991 beim Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Konrad Klapheck/Gustave Moreau, Musée d'Orsay, Paris, 3.6.-14.9.2008. Konrad Klapheck, 2007, zit. nach: Bilder und Texte, Düsseldorf 2013, S. 138. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.39 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKonrad Klapheck 1935 Düsseldorf - 2023 Düsseldorf Die Fragen der Sphinx. 1984. Charcoal and blue pen on transparent paper. Signed and dated in lower left. 121 x 114 cm (47.6 x 44.8 in), the full sheet. Preliminary drawing in same size for the painting 'Die Fragen der Sphinx' (1984), today on loan at the Musée de Grenoble from an important corporate collection. [JS]. • Klapheck is renowned as the inventor and master of the 'machine picture', which he sees as a mirror of human existence. • Exhibited together with the painting of the same title in the 'Konrad Klapheck/Gustave Moreau' exhibition at the Musée d'Orsay in Paris in 2008. • While Klapheck's 'super-representational' paintings fascinate with their maximum perfection, Klapheck's 'preliminary drawings' are unique testimonies to the underlying, meticulous complex creative process. • Klapheck's drawings are the 'witnesses of [his] struggle with their sweaty smell of desperate searching and groping' (K. Klapheck, 1982). PROVENANCE: Art dealership Wolfgang Wittrock, Düsseldorf (with the label on the frame). Private collecton North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 1991). EXHIBITION: Konrad Klapheck/Gustave Moreau, Musée d`Orsay, Paris, June 3 - September 14, 2008. Konrad Klapheck 2007, in: Bilder und Texte, Düsseldorf 2013, p. 138. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.39 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Raimund Girke 1930 Heinzendorf/Schlesien - 2002 Köln Ohne Titel. 1977/78. Eiöltempera auf Leinwand. Auf der umgeschlagenen Leinwand signiert und datiert. 110 x 110 cm (43,3 x 43,3 in). [SM]. • Die Radikalität von Girkes künstlerischem Schaffen beruht auf dem Verzicht jeglicher Motivik und der konsequenten Fortentwicklung seiner Malerei als visuelles Erlebnis. • Sanft modulierte Komposition. • Exemplarisches Werk der 1970er Jahre, in denen sich Girke sowohl in Sujet als auch Technik dem Malerischen zuwendet. PROVENIENZ: Galerie Walter Storms, München. Privatsammlung Süddeutschland (seit 2011, direkt vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRaimund Girke 1930 Heinzendorf/Schlesien - 2002 Köln Ohne Titel. 1977/78. Egg and oil tempera on canvas. Signed and dated on the folded canvas. 110 x 110 cm (43.3 x 43.3 in). [SM]. • The radical nature of Girke's artistic work stems from his rejection of motifs and the consistent evolution of his painting as a visual experience. • Gently modulated composition. • Prime example of his art in the 1970s, when Girke turned to the painterly both in terms of subject and technique. PROVENANCE: Galerie Walter Storms, Munich. Private collection Southern Germany (since 2011, acquired from the above). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Markus Prachensky 1932 Innsbruck - 2011 Wien Maremma - II. - 1985. 1985. Acryl auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. Auf der umgeschlagenen Leinwand signiert, datiert und betitelt. 90 x 130 cm (35,4 x 51,1 in). [AW]. • Nach Aufenthalten in der Maremma malt er 1985 die gleichnamige Serie. • Ausgesprochen farbstarke und prägnante Arbeit aus dieser Werkgruppe. • Neben Arnulf Rainer ist Prachensky 1956 eines der Gründungsmitglieder der Wiener Künstlergruppe 'Galerie nächst St. Stephan'. • Von 1983 bis zu seiner Emeritierung 2000 Professor an der Akademie der Bildenen Künste in Wien und Leiter der Meisterschule für Malerei. • Prachensky gilt als einer der wichtigsten Vertreter der Avantgarde und des Informel in Österreich. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.11 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMarkus Prachensky 1932 Innsbruck - 2011 Wien Maremma - II. - 1985. 1985. Acrylic on canvas. Signed and dated in the lower rigght. Signed, dated and titled on the folded canvas. 90 x 130 cm (35.4 x 51.1 in). [AW]. • After spending time in the Maremma/Italy, he painted the series of the same name in 1985. • Extremely colorful and striking example from this work group. • Alongside Arnulf Rainer, Prachensky was a founding member of the Vienna artist group 'Galerie nächst St. Stephan' in 1956. • He taught at the Academy of Fine Arts in Vienna, where he also headed painting master classes, from 1983 until his retirement in 2000. • Prachensky is known as one of the most important Austrian avant-garde and Art Informel artists. PROVENANCE: Private collection Southern Germany. Called up: June 7, 2024 - ca. 15.11 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
A. R. Penck (d.i. Ralf Winkler) 1939 Dresden - 2017 Zürich Ende im Osten (Ostende). 1979. Dispersion auf Leinwand. Rechts unten signiert und bezeichnet. 132 x 178,5 cm (51,9 x 70,2 in). • 'Ende im Osten' entsteht ein Jahr vor A. R. Pencks erzwungener Übersiedelung in den Westen • Außergewöhnlich feingliedrig bespielen die symbolhaften Zeichen die Bildfläche. • Das von A. R. Penck entwickelte Zeichensystem basiert auf seiner umfassenden Beschäftigung mit wissenschaftlichen Themen. • 1972, 1982 und 1992 stellt Penck auf der documenta in Kassel aus, 1984 auf der Biennale von Venedig. Das Werk ist im Archiv der Galerie Michael Werner, Berlin, verzeichnet. PROVENIENZ: Galerie Michael Werner, Köln (verso auf dem Keilrahmen zweifach mit Etikett). Sabine Knust, München. Privatsammlung Süddeutschland (seit 1981 in Familienbesitz). 'Jedes Bild ist eine Art Reise, und dem Bild folgen heißt mehr als Droge' A. R. Penck, zit. nach: Katalog documenta 6, Bd. 1, S. 118. A. R. Penck entwickelt ab der Mitte der 1960er Jahren einen Piktogrammstil, mit dem er die komplexen Verhältnisse und Themen seines Daseins zu klären sucht. Das macht seine Bildinhalte nicht nur für die argwöhnischen Machthaber seines Landes schwer zu lesen. Doch ist diese Formensprache nicht ausschließlich in der schutzsuchenden Verschlüsselung zu erklären. Der Künstler entwickelt dieses System über mehrere Jahre auch in dem Gedanken, eine neue Bildsprache zu entwickeln, die ihrer eigenen Logik folgt. Seine Bilder lassen sich lesen, doch niemals nur auf die eine oder andere Weise. A. R. Penck thematisiert darin immer wieder das Unheilvolle des Kalten Krieges zwischen Ost und West in dauerhafter Bildform. Nicht ohne Anspielung auf diese national verordnete Eiszeit wählt der Künstler 1969 sein Pseudonym nach dem Geologen und Eiszeitforscher Albrecht Penck (1858–1945). Doch zudem benutzt er noch verschiedene Pseudonyme, wie z. B. hier das 'Y', um unter dem Radar der Staatssicherheit Ausstellungen im Westen zu bestücken. Schon 1965 hat er über Georg Baselitz seinen späteren Galeristen Michael Werner kennengelernt. In dessen Galerie finden mehrfach Ausstellung statt, schon 1971 ist im Haus Lange in Krefeld eine erste Soloschau in einem westdeutschen Museum zu sehen. Sein Erfolg ist weitreichend: Seine Beteiligung an der documenta V 1972 bringt ihm zwar die künstlerische Anerkennung im Westen, der Erfolg beschränkt aber gleichzeitig den Handlungsraum im Osten: Penck erhält Ausstellungsverbot. 1980 schließlich, von den Repressalien in eine Krise gestürzt, beantragt Penck mehr unfreiwillig als freiwillig die Ausreise und siedelt in die Bundesrepublik Deutschland über. 'Ende im Osten (Ostende)' aus dem Jahr 1979 ist also durchaus als Thematisierung dieser schmerzhaften Verabschiedung aus der Heimat in Dresden zu lesen. Die Figuren und Zeichen schweben in leichten Farben über die Bildfläche, in manchen Bereichen dichter als in anderen. Unser Bild ist rechts unten mit Kugelschreiber mit 'Y' signiert und damit auch ein Zeugnis der höchst schwierigen Lebensumstände dieses zwischen Ost und West zerrissenen Künstlers. Das Ende im Osten scheint wie eine ferne Vision, die auch Elemente der Bedrängung in sich trägt. Der Künstler selbst will seine Bilder nicht entschlüsseln, da er sie so ihres Zaubers berauben würde. Jeder von uns muss das auf seine Weise selbst tun und damit die Stimmung und Bedeutung für sich selbst finden. Das macht auch die Faszination seiner Werke aus. [EH] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONA. R. Penck (d.i. Ralf Winkler) 1939 Dresden - 2017 Zürich Ende im Osten (Ostende). 1979. Dispersion on canvas. Lower right signed and inscribed. 132 x 178.5 cm (51.9 x 70.2 in). • “Ende im Osten” was created one year before A. R. Penck was expatriated and forced to move to the West • The symbolic signs spread across the painting's surface with extraordinary delicacy. • The pictorial system that A. R. Penck devised is based on his extensive preoccupation with scientific themes. • Penck exhibited at the documenta in Kassel in 1972, 1982 and 1992, and at the Venice Biennale in 1984. The work is registered in the archive of Galerie Werner, Berlin. PROVENANCE: Galerie Michael Werner, Cologne (with two labels on the reverse) Sabine Knust, Munich Private collection Southern Germany (family-owned since 1981). 'Every picture is a kind of journey, and following the picture is more than just a drug' A.R.Penck, documenta 6 catalog, vol. 1, p. 118 To clarify the complex circumstances and themes of his existence, A. R. Penck developed his signature pictogram style in the mid-1960s. It was not only the suspicious authorities of his country that found his pictorial content difficult to decipher. However, his inimitable formal language cannot be explained solely in terms of encryption, as the artist also developed this system with the idea of finding a new visual language with inherent logic. There is a way of reading his pictures, however, there is always more than one way. In his art, A. R. Penck repeatedly addresses the ominous nature of the Cold War. It was not without alluding to this nationally decreed ice age that the artist chose his pseudonym in 1969 after the geologist and ice age researcher Albrecht Penck (1858-1945). But he also used various other pseudonyms, such as the 'Y' here, to mount exhibitions in the West under the radar of state security. As early as 1965, he met his future gallery owner Michael Werner through Georg Baselitz and he mounted several exhibitions in his gallery. His first solo show in a West German museum was on display at Haus Lange in Krefeld as early as 1971 and his success would be far-reaching: although his participation in documenta V in 1972 brought him artistic recognition in the West, his success also restricted his scope of action in the East, as Penck was banned from exhibiting there. In a deep crisis caused by the reprisals, Penck finally filed for emigration in 1980, more involuntarily than voluntarily, and moved to West Germany. 'Ende im Osten (Ostende)' from 1979 can therefore be understood as a take on this painful parting with his Dresden home. The figures and signs float across the picture in light colors, denser in some areas than in others. Our picture is signed 'Y' in ballpoint pen at the bottom right and thus also bears witness to the extremely difficult circumstances of an artist torn between East and West. The end (of his life) in the East seemed like a distant vision that also contained elements of oppression. The artist himself did not want to decipher his pictures, as this would rob them of their magic. Each of us has to discover the mood and meaning himself and that is what makes his works so fascinating. [EH] Called up: June 7, 2024 - ca. 14.50 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Markus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Vision der Veronika. 1985. Öl auf Leinwand. Rechts unten monogrammiert. Verso datiert und betitelt sowie auf dem Keilrahmen mit dem Richtungspfeil. 100 x 81 cm (39,3 x 31,8 in), im Original-Künstlerrahmen. [JS]. • Lüpertz zählt zu den bedeutendsten deutschen Künstlern der Neuen Figuration. • Mitte der 1980er Jahre lotet Lüpertz in seinem Werk die Grenze zwischen Figuration und Abstraktion malerisch aus. • Lüpertz' 'Vision der Veronika' verschmilzt souverän die Motivik der mittelalterlichen Heiligenlegende mit einer sich ins Abstrakte auflösenden kubistischen Formensprache. • Meisterliches Spiel mit der kunsthistorischen Tradition und der gegenständlichen Assoziationsfreude des Betrachters. • Gemälde von Markus Lüpertz befinden sich heute in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, u. a. im Louisiana Museum of Modern Art, Humlebæk, in der Pinakothek der Moderne, München, sowie im Stedelijk Museum, Amsterdam. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde vom Atelier Markus Lüpertz mündlich bestätigt. Wir danken für die freundliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Rheinland-Pfalz. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMarkus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Vision der Veronika. 1985. Oil on canvas. Monogrammed in lower right. Dated, titled and with a direction arrow on the reverse. 100 x 81 cm (39.3 x 31.8 in), in the artist's original frame. [JS]. • Lüpertz is one of the most important German artists of the New Figuration. • In the mid-1980s, Lüpertz explored the boundary between figuration and abstraction in his work. • Lüpertz's ' Die Vision der Veronika' masterfully merges motifs from the legend with a cubist formal language that dissolves into abstraction. • A brilliant play with art-historical tradition and the joy of association. • Markus Lüpertz' paintings are in numerous important collections, among them the Lousiana Museum of Modern Art, Humlebæk, the Pinakothek der Moderne, Munich, and the Stedelijk Museum, Amsterdam. This work's authenticity has kindly been confirmed orally by the studio of Markus Lüpertz. We are grateful for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Rhineland-Palatinate. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.52 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Paul Thek 1933 Brooklyn, New York - 1988 New York Untitled (Blue Seascape). 1970. Gouache auf Zeitungspapier, New York Times vom 29. Mai 1970. 37 x 57 cm (14,5 x 22,4 in). [AR]. • 'Newspaper Painting' des legendären Artist's Artist Paul Thek. • 1969 beginnt seine Beschäftigung mit der Malerei auf Zeitungspapier und dauert bis in die 1980er Jahre an. • Meist entstehen diese Arbeiten als Serien oder sind Bestandteil größerer Installationen. • Hellblauer Himmel über dunkelblauem Meer, auch oft mit Schwimmern oder Inseln versehen, ist ein typisch idyllisches Motiv dieser Werkgruppe; den Sommer 1970 verbringt er mit Franz Deckwitz auf der Insel Ponza. • Schon in der Entstehungszeit findet das Schaffen des amerikanischen Künstlers vor allem in Europa große Anerkennung: 1968 Teilnahme an der documenta 4 und 1972 an der documenta 5 sowie 1976 und 1980 an der Biennale di Venezia. • Große Retrospektiven im ZKM Karlsruhe (2008), in der Reina Sofia, Madrid (2009) und im Whitney Museum, New York (2011) bestätigten in den letzten Jahren seine herausragende Rolle für die Kunst der Gegenwart. PROVENIENZ: Privatsammlung. Sammlung Schweiz. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONPaul Thek 1933 Brooklyn, New York - 1988 New York Untitled (Blue Seascape). 1970. Gouache on newsprint, New York Times of May 29, 1970. 37 x 57 cm (14.5 x 22.4 in). [AR]. • “Newspaper Painting” by the legendary Artist's Artist Paul Thek. • He began painting on newsprint in 1969 and continued until the 1980s. • Most of these works were created in series or were part of larger installations. • A light blue sky over a dark blue sea, often with swimmers or islands, is a typically idyllic motif from this group. • The American artist's work was met with great acclaim, particularly in Europe, even at the time of its creation: he took part in the 4th documenta in 1968, in documenta 5 in 1972 and in the Biennale di Venezia in 1976. • His works on newsprint are among the artist's most sought-after works on paper on the international art market (source: artprice.com). PROVENANCE: Private collection. Collection Switzerland. Called up: June 7, 2024 - ca. 13.50 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Peter Halley 1953 New York City - lebt und arbeitet in New York City Dada Ji. 2005. Acryl und Roll-a-Tex auf Leinwand. Verso auf der Leinwand zweifach signiert und datiert. 173 x 162 cm (68,1 x 63,7 in). [AW]. • Unverkennbare, expressive Arbeit Halleys in Komplementärkontrasten. • Koloristisch wie auch haptisch abgestimmte Farbflächen bilden eine besonders schöne Komposition. • 'Leitungen' als Kommunikationsmittel zwischen den Bildelementen und dem Betrachter sind eine wichtige Komponente in Halleys Kunst. • Werke des Künstlers befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art, New York, die Tate Gallery, London, das Städel Museum, Frankfurt a. Main, und das Whitney Museum of American Art, New York. PROVENIENZ: Beyaz Art, Istanbul. Olbricht Collection, Essen/Berlin (vom Vorgenannten erworben). 'Believe it or not, my work is a kind of diary. As you know, I employ a very small vocabulary of symbols in my work – diagrammatic cells and prisons that are connected by conduits, all set on a flat colored field. Each painting evolves from those that came before, but as I draw, I never know what will happen next as I compose and rearrange these elements.' Peter Halley in einem Interview mit Peter Doroshenko, Dallas Contemporary, Mai 2020. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONPeter Halley 1953 New York City - lebt und arbeitet in New York City Dada Ji. 2005. Acrylic and Roll-a-Tex on canvas. Twice signed and dated on the reverse. 173 x 162 cm (68.1 x 63.7 in). [AW]. • Halley's unmistakably expressive work in complementary contrasts. • The haptic quality, as well as the harmonious colors make for a particularly beautiful composition. • “Wires” as a means of communication between the pictorial elements and the viewer are an important component of Halley's art. • Works by the artist can be found in renowned international collections like the Museum of Modern Art, New York, the Tate Gallery, London, the Städel Museu, Frankfurt am Main, and the Whitney Museum of American Art, New York. PROVENANCE: Beyaz Art, Istanbul. Olbricht Collection, Essen/Berlin (acquired from the above). 'Believe it or not, my work is a kind of diary. As you know, I employ a very small vocabulary of symbols in my work - diagrammatic cells and prisons that are connected by conduits, all set on a flat colored field. Each painting evolves from those that came before, but as I draw, I never know what will happen next as I compose and rearrange these elements.' Peter Halley in an interview with Peter Doroshenko, Dallas Contemporary, May 2020 Called up: June 7, 2024 - ca. 15.14 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Günther Förg 1952 Füssen - 2013 Freiburg Ohne Titel. 1976. Objekt. Kupfer über Holzkern. Verso mit dem Editionsetikett, dort signiert 'Förg 87' und nummeriert sowie typografisch datiert '76', betitelt und bezeichnet. Aus einer Auflage von 12 Exemplaren. 70 x 50 x 4 cm (27,5 x 19,6 x 1,5 in). Herausgegeben von der Galerie Ralph Wernicke, Stuttgart 1987. [JS]. • Frühe Edition in sehr kleiner Auflage. • Unikatcharakter, da sich jedes der 12 Exemplare durch seine ganz eigene Oberflächenpatina auszeichnet. • Zeitlos-moderne Ästhetik: faszinierende Synthese aus Schwere und Leichtigkeit, Kühle und Sinnlichkeit. • 2014 präsentierte das Museum Brandhorst, München, eine erste postume Werkübersicht des Künstlers, 2018 folgte die Retrospektive im Stedelijk Museum, Amsterdam, und im Dallas Museum of Art sowie 2023 die große Übersichtsausstellung im Long-Museum, Schanghai. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen. LITERATUR: Günther Förg, Gesamte Editionen / The complete Editions. 1974-1988, Stuttgart 1989, S. 171, WVZ-Nr. III.4 (m. Abb. S. 162, anderes Exemplar). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.14 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONGünther Förg 1952 Füssen - 2013 Freiburg Ohne Titel. 1976. Object. Copper over wooden core. With the label of the edition on the reverse, there signed 'Förg 87' and numbered as well as dated '76', titled and inscribed in typography. From an edition of 12 copies. 70 x 50 x 4 cm (27.5 x 19.6 x 1.5 in). Published by Galerie Ralph Wernicke, Stuttgart 1987. [JS]. • Early edition published in a very small print run. • Of a unique character, as each of the 12 copies has a distinctive surface patina. • Timeless modern aesthetics: fascinating synthesis of heaviness and lightness, coolness and sensuality. • In 2014, the Museum Brandhorst, Munich, presented a first posthumous retrospective exhibition of the artist's work, followed by a show at the Stedelijk Museum, Amsterdam, and the Dallas Museum of Art in 2018, as well as a major exhibition at the Long Museum, Shanghai, in 2023. PROVENANCE: Private collection Hesse. LITERATURE: Günther Förg, Gesamte Editionen / The complete Editions. 1974-1988, Stuttgart 1989, p. 171, no. III.4 (illu. on p. 162, different copy). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.14 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
André Butzer 1973 Stuttgart - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel (monochromes Bild). 2007. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert und datiert. 200 x 150 cm (78,7 x 59 in). [EH]. • Aus der begehrtesten Schaffensphase zwischen 2006 und 2008. • Typische Arbeit Butzers in bester Alla-prima-Malerei mit faszinierend gesetzem pastosen Farbauftrag. • Extrem ausdrucksstarke Komposition; ein Feuerwerk von Symbolen und Andeutungen. Dieses Werk ist im André Butzer Archiv registriert und wird vorgemerkt für die Aufnahme in das entstehende Werkverzeichnis. Wir danken Herrn Christian Malycha für die freundliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (seit 2008, Galerie Max Hetzler). AUSSTELLUNG: Galerie Max Hetzler, Art Basel 4.-8.Juni 2008, (verso auf dem Keilrahmen mit einem Etikett). 'Ich vermeide den Ausdruck grau für die Bilder. Die Menschen meinen dann immer, sie seien nicht farbig. Für mich ist grau sehr wohl eine Farbe. Und die Bilder empfinde ich nicht als melancholisch, sondern als euphorisch, auch wenn ich melancholisch auf die Geschichte blicke.' André Butzer, im Gespräch mit Michael Stoeber, Kunstforum Bd. 218. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONAndré Butzer 1973 Stuttgart - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel (monochromes Bild). 2007. Oil on canvas. Signed and dated on the reverse. 200 x 150 cm (78.7 x 59 in). [EH]. • From the most sought-after creative phase between 2006 and 2008. • Typical Butzer work in best alla prima painting with a fascinating impasto application of the paint. • Extremely expressive composition; a blaze of symbols and allusions. This work is registered in the André Butzer Archive and is earmarked for inclusion in the forthcoming catalogue raisonné. We are grateful to Mr. Christian Malycha for his kind advice. PROVENANCE: Private collection Southern Germany (since 2008, Galerie Max Hetzler). EXHIBITION: Galerie Max Hetzler Art Basel June 4-8, 2008 (with a label on the reverse). 'I avoid the term gray for the pictures, as people always tend to think they are not in color. For me, gray is very much a color. And I don't see the pictures as works of melancholy, but of euphoria, even if I look at history with melancholy.' André Butzer, in a talk with Michael Stoeber, Kunstforum vol. 218 Called up: June 7, 2024 - ca. 15.08 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Friedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Drei Flaschen. 1968. Öl auf Leinwand. 88,5 x 115 cm (34,8 x 45,2 in). Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. PROVENIENZ: Dr. Hülsberg, Hagen. Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (vom Vorgenannten 1975 erworben). AUSSTELLUNG: Friedrich Meckseper. Gemälde 1958 - 1972, Ausgewählte Druckgraphik, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, 8.7.-6.8.1972, Kat.-Nr. 63 (m. Abb.) Friedrich Meckseper. Gemälde und Radierungen, Kunsthalle Bremen, 17.10.-5.12.1976, Kat.-Nr 9 (m. Abb. S. 41). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 13.56 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFriedrich Meckseper 1936 Bremen - 2019 Berlin Drei Flaschen. 1968. Oil on canvas. 88.5 x 115 cm (34.8 x 45.2 in). Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. PROVENANCE: Dr. Hülsberg, Hagen Dr. Theo Maier-Moor Collection (acquired from the above in 1975). EXHIBITION: Friedrich Meckseper. Gemälde 1958 - 1972, Ausgewählte Druckgraphik, Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf, July 8 - August 6, 1972, cat. no. 63 (illu.) Friedrich Meckseper. Gemälde und Radierungen, Kunsthalle Bremen October 17 - December 5, 1976, cat.no. 9 (illu. on p. 41). Called up: June 7, 2024 - ca. 13.56 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Julian Opie 1958 London - lebt und arbeitet in London Woman taking off jeans. 2. 2003. Mischtechnik. Vinyl auf Keilrahmen gespannt. Auf der umgeschlagenen Leinwand zweifach signiert. Auf dem Keilrahmen handschriftlich bezeichnet. 239 x 143 cm (94 x 56,2 in). [SM]. • Großformatige Arbeit im unverkennbar lässig-grafischen Stil Opies. • Opie wird u. a. von der Lisson Gallery, London/New York, und der Opera Gallery, London, vertreten. • Arbeiten Opies befinden sich u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, dem Victoria and Albert Museum, London, und dem Stedelijk Museum, Amsterdam. PROVENIENZ: Galerie Bob van Orsouw, Zürich (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (seit 2003, direkt vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONJulian Opie 1958 London - lebt und arbeitet in London Woman taking off jeans. 2. 2003. Mixed media. Vinyl on stretcher. Twice signed on the folded canvas. Inscribed on the stretcher. 239 x 143 cm (94 x 56.2 in). [SM]. • Large work in Opie's unmistakably casual graphic style. • Opie is represented by, among others, Lisson Gallery, London/New York, and the Opera Gallery, London. • Opie's works can be found at, among others, the Museum of Modern Art, New York, the Victoria and Albert Museum, London, and the Stedelijk Museum, Amsterdam. PROVENANCE: Galerie Bob van Orsouw, Zürich (with the label on the stretcher). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired directly from the above). Called up: June 7, 2024 - ca. 14.58 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Rainer Fetting 1949 Wilhelmshaven - lebt und arbeitet in Berlin The New York Painter. 1983. Öl auf Leinwand. Unten mittig betitelt. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und bezeichnet 'N. Y. Painter'. 254 x 198 cm (100 x 77,9 in). [AR]. • Selbstbewusst und äußerst expressiv inszeniert sich Rainer Fetting als 'The New York Painter'. • Hut und Palette, aber auch der Duktus und die nervösen Farben erinnern an van Gogh, ein vielfach zitiertes Vorbild im Schaffen des Künstlers. • Das Vincent van GoghHuis in Zundert widmete dem deutschen Maler 2022 eine eigene Ausstellung mit dem Titel 'Rainer Fetting ziet van Gogh'. • Seit mehr als 35 Jahren Teil derselben Privatsammlung, erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde vom Künstler bestätigt. Wir danken für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Galleri Dobloug, Oslo. Privatsammlung Schweiz (1987 vom Vorgenannten erworben). 'Der Künstler, der als 'Junger Wilder' aus Berlin innerhalb nur weniger Jahre große Erfolge auf dem internationalen Auktionsmarkt gefeiert hatte, war in das Epizentrum dieses Marktes gezogen und präsentierte sich voller Selbstvertrauen, halb nackt in breitbeiniger Pose mit Cowboyhut, Palette und Pinsel.' Arie Hartog über ein vergleichbares Selbstporträt, zit. nach: Hier ist der Maler. Beobachtungen zu Rainer Fetting, in: Fetting, Köln 2009, S. 17–19. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.04 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRainer Fetting 1949 Wilhelmshaven - lebt und arbeitet in Berlin The New York Painter. 1983. Oil on canvas. Titled in bottom center. Signed, dated and inscribed “N. Y. Painter” on the reverse of the canvas. 254 x 198 cm (100 x 77.9 in). [AR]. • Rainer Fetting staged himself with great confidence and expressiveness as “The New York Painter”. • Hat and palette, but also the flow and the jittery colors are reminiscent of Van Gogh, a much-cited role model in the artist's work. • In 2022, the Vincent van GoghHuis in Zundert dedicated a special exhibition to the German painter entitled “Rainer Fetting ziet van Gogh”. • Part of the same private collection for more than 35 years and offered on the international auction market for the first time. The authenticity of the present work has been confirmed by the artist. We are grateful for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Galleri Dobloug, Oslo. Private collection Switzerland (acquired from the above in 1987). “The artist, who had celebrated great success on the international auction market as a ‘Young Wild One’ from Berlin within just a few years, had moved to the epicenter of the art market and presented himself with great self-confidence, half-naked wearing a cowboy hat and with palette and brush.” Arie Hartog about a similar self-portrait, quoted from: Hier ist der Maler. Beobachtungen zu Rainer Fetting, in: Fetting, Cologne 2009, pp. 17-19. Called up: June 7, 2024 - ca. 15.04 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Hans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Figur (Große Vegetative). 1959. Holz (Ulme) auf Metallplatte. Unikat. Höhe: 200 cm (78,7 in). Durchmesser der Standfläche: 50 cm (19,7 in). Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. • Unikat aus Ulmenholz, später auch in Bronze ausgeführt. • Überlebensgroße, wunderbar biomorphe Skulptur. • Auf der documenta III in Kassel wird 1964 eine 5 Meter hohe Holzskulptur des Künstlers gezeigt. Wir danken Herrn Jakob Steinbrenner, München, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (direkt vom Künstler erworben). Seitdem in Familienbesitz. AUSSTELLUNG: Hans Steinbrenner, Skulptur und Plastik IV, Galerie Appel und Fertsch, Karmeliterkloster, Frankfurt a. Main, 1965, Nr. 36 (m. Abb. 14). Hans Steinbrenner, Arbeiten von 1955-60, Galerie Ostertag, Frankfurt a. Main, 1978, o. S. (Abb. 13). Hans Steinbrenner. Skulpturen 1948-1960, Sinclair-Haus, Bad Homburg v. d. Höhe, 23.10.-16.12.1990, Kat.-Nr. 86 (m. Abb. S. 97). LITERATUR: Claire Hellweg, Hans Steinbrenner. Die Entwicklung der Formensprache im plastischen Werk, Diss. Frankfurt a. Main, 1990/91, WVZ-Nr. 135 (m. Abb.). - - Auswahl: K. Gabler, Hans Steinbrenner und sein Bruder, in: Adam Seide (Hrsg.), was da ist, Frankfurt a. Main, o. J. (m. Abb. S. 155). G. Nicol, Das Fabelwesen im Wohnzimmer, Frankfurter Neue Presse, Nr. 211, Frankfurt a. Main, 25.11.1978, S. 18. Von biomorpher Form zu kubischen Elementen Hans Steinbrenner (1928–2008) verdingt sich in den Nachkriegsjahren bei den US-Streitkräften als Plakatmaler und Grafiker. Von 1946 bis 1949 studiert er an der damaligen Werkkunstschule Offenbach am Main (heute Hochschule für Gestaltung). 1949 bis 1952 besucht er die Städelschule in Frankfurt am Main und wird dort Meisterschüler von Hans Mettel (1903–1966), im Anschluss wechselt er von 1952 bis 1954 ebenfalls als Meisterschüler bei Toni Stadler (1888–1982) an die Akademie der Bildenden Künste in München. Während Hans Steinbrenner sich in seinem Frühwerk noch an seinen Lehrern in Frankfurt und München orientiert, wird ihn die Begegnung mit den Bildhauern Constantin Brâncusi (1876–1957) und Henri Laurens (1885–1954) nachhaltig prägen. Auch der Einfluss von Hans Arp (1886–1966) ist sowohl in seinen kubisch-abstrakten Quaderskulpturen als auch in seinen charakteristischen, überlebensgroßen biomorphen Figuren vor allem aus Holz nachfühlbar, wie beispielsweise bei unserer überlebensgroßen Arbeit mit dem Titel 'Große Vegetative'. Ab den späteren 1960er Jahre schließlich findet Steinbrenner zu einer plastischen Sprache, die, wie hier an zwei Beispielen anschaulich, auf kubische Elemente zurückgreift und menschliche Proportionen aufnimmt. Von da an nennt der Künstler seine Skulpturen ohne weitere namentliche Unterscheidung 'Figur'. Und so verfährt der Bildhauer auch mit dieser zunächst aus einem Holzstamm geschlagenen und dann in Bronze gegossenen Stele. Mit zeichnerischer Präzision reduziert er die Anschauung des menschlichen Körpers zu streng geometrischen, aufeinander gestapelten Formen, deren einzelne Elemente nicht symmetrisch angeordnet, sondern geringfügig gegeneinander verschoben sind. Die rhythmisierte Vertikale verleiht der Skulptur jeweils eine lebendig wirkende Silhouette und auch die Bewegtheit der Oberflächen steht in einem spannungsreichen Kontrast zur strengen Materialität, wie bei der rund 200 Zentimeter hohen 'Stele' aus Stein aus dem Jahr 1985. [MvL] Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Figur (Große Vegetative). 1959. Wood (elm) on a metal plate. Unique object. Height: 200 cm (78.7 in). Diameter of the base plate: 50 cm (19,7 in). Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. • Unique object. • A huge wooden sculpture with a wonderful biomorphic appearance. • A 5-meter-high wooden sculpture by the artist was shown at documenta III in Kassel in 1964. We are grateful to Mr Jakob Steinbrenner, Munich, for hius kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Dr. Theo Maier-Mohr Collection, Hesse (acquired from the artist). Ever since family-owned. EXHIBITION: Hans Steinbrenner, Skulptur und Plastik IV, Galerie Appel und Fertsch, Karmeliterkloster, Frankfurt a. Main, 1965, no. 36 (illu. 14). Hans Steinbrenner, Arbeiten von 1955-60, Galerie Ostertag, Frankfurt a. Main, 1978, no p. (illu. 13). Hans Steinbrenner. Skulpturen 1948-1960, Sinclair-Haus, Bad Homburg v. d. Höhe, October 23 - December 16, 1990, cat. no. 86 (illu. on p. 97). LITERATURE: Claire Hellweg, Hans Steinbrenner. Die Entwicklung der Formensprache im plastischen Werk, PhD thesis Frankfurt a. Main, 1990/91, no. 135 (illu.). - - Auswahl: K. Gabler, Hans Steinbrenner und sein Bruder, in: Adam Seide (ed.), was da ist, Frankfurt a. Main, no year (illu. on p. 155). G. Nicol, Das Fabelwesen im Wohnzimmer, Frankfurter Neue Presse, no. 211, Frankfurt a. Main, November 25, 1978, p. 18. From biomorphic forms to cubic elements In the post-war years, Hans Steinbrenner (1928-2008) worked as a poster painter and graphic designer for the US army. From 1946 to 1949, he studied at the former Werkkunstschule Offenbach am Main. From 1949 to 1952, he attended the Städelschule in Frankfurt am Main, where he joined the master class of Hans Mettel (1903-1966), before he studied at the Academy of Fine Arts in Munich in the class of Toni Stadler (1888-1982) from 1952 to 1954. While Hans Steinbrenner's early work still shóws the influence of his teachers in Frankfurt and Munich, his encounters with the sculptors Constantin Brâncusi (1876-1957) and Henri Laurens (1885-1954) would have a lasting impact on him. The influence of Hans Arp (1886-1966) can also be observed in his cubic-abstract sculptures, as well as in his characteristic, oversized biomorphic figures, mainly made of wood, such as our huge work entitled 'Große Vegetative'. From the late 1960s, Steinbrenner finally attained a visual language that, as our two works demonstrate, draws on cubic elements and incorporates human proportions. Henceforth, the artist called his sculptures 'figures' without further distinguishing them by names. And this is also how the sculptor proceeded with this stele, which he first hewed from a wooden trunk and then cast in bronze. With graphic precision, he reduced the human body to strictly geometric, stacked forms, the individual elements of which are not arranged symmetrically, but slightly offset from one another. The rhythmic vertical lines lend the sculpture a lively silhouette and the dynamic surfaces also provide a fascinating contrast to the rigid materiality, as in the approximately 200 centimeter high stone 'Stele' from 1985. [MvL] Called up: June 7, 2024 - ca. 14.00 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Isa Genzken 1948 Bad Oldesloe - lebt und arbeitet in Köln Weltempfänger 'Aachenerstraße'. 1992. Teleskopantenne und Eisendraht in Gussbeton. Auf der Unterseite signiert, datiert und bezeichnet 'Aachenerstraße'. Beton: 34,5 x 30,5 x 10 cm (13,5 x 12 x 3,9 in). Die Gesamtmaße sind variabel, je nachdem, wie weit die Antenne ausgefahren und geneigt wird. [AR] Bitte beachten Sie den Zustandsbericht. • Erstarrte Kommunikation in Beton: Isa Genzken beraubt den historischen Weltempfänger seiner Funktion und erhebt ihn gleichzeitig zum Kunstobjekt. • Skulptur-Unikat aus einer der gesuchtesten Werkgruppen der deutschen Künstlerin. • Vergangenes Jahr kürte das Kunstmagazin 'Monopol' Isa Genzken zur einflussreichsten Persönlichkeit der Kunstwelt 2023. Die Arbeit wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. Wir danken der Galerie Buchholz, Köln, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (aus Familienbesitz erhalten). Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONIsa Genzken 1948 Bad Oldesloe - lebt und arbeitet in Köln Weltempfänger 'Aachenerstraße'. 1992. Telescopic antenna and iron wire in cast concrete. Signed, dated and inscribed 'Aachenerstraße' on the underside. Concrete: 34.5 x 30.5 x 10 cm (13.5 x 12 x 3.9 in). Total dimensions vary with the extension of the antena. [AR]. • Communication frozen in concrete: Isa Genzken robs the historical world receiver of its function and simultaneously elevates it to an art object. • A unique sculpture from one of the German artist's most sought-after groups of works. • Last year, the art magazine Monopol crowned Isa Genzken the most influential personality in the art world in 2023. The work will be included into the forthcoming catalogue raisonné. We are grateful to Galerie Buchholz, Cologne, for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection North Rhine-Westphalia (obtained from family possession). Called up: June 7, 2024 - ca. 15.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Hans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Stele. 1985. Stein (Muschelkalk). Unikat. 210 x 49 x 43 cm (82,6 x 19,2 x 16,9 in). Höhe mit Sockel ca. 215 cm (84,6 in). Weitere Werke aus der Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr werden in unserem Evening Sale am Freitag, 7. Juni 2024 und in unserem Modern Art Day Sale am Samstag, 8. Juni 2024 angeboten – siehe Sonderkatalog „Eine private Sammlung – Dr. Theo Maier-Mohr”. • Unikat mit lebendig wirkender, menschlicher Silhouette. • Rhythmisierte Vertikale, die den Mensch effektvoll auf streng geometrische, aufeinandergestapelte Formen reduziert. • Eine vergleichbare Arbeit befindet sich in der Sammlung des Städel Museums, Frankfurt a. Main. Wir danken Herrn Jakob Steinbrenner, München, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Theo Maier-Mohr (direkt vom Künstler erworben). Seitdem in Familienbesitz. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 14.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHans Steinbrenner 1928 Frankfurt a. Main - 2008 Frankfurt a. Main Stele. 1985. Stone (shell limestone). Unique object. 210 x 49 x 43 cm (82.6 x 19.2 x 16.9 in). Height incl. base ca. 215 cm (84,6 in). Further works from the Dr. Maier-Mohr Collection will be offered in our Evening Sale on Friday, June 7, 2024 and in our Modern Art Day Sale on Saturday, June 8, 2024 – see collection catalog 'A Private Collection - Dr. Theo Maier-Mohr'. • Unique object with a lively, human silhouette. • Rhythmic vertical lines that effectively reduce the human figure to strictly geometric, stacked forms. • A comparable work is in the collection of the Städel Museum, Frankfurt am Main. We are grateful to Mr Jakob Steinbrenner, Munich, for his kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Dr. Theo Maier-Mohr Collection (acquired directly from the artist). Ever since family-owned. Called up: June 7, 2024 - ca. 14.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Maria Lassnig 1919 Kappel am Krappfeld/Kärnten - 2014 Wien Paar im Hausgarten. 1980. Aquarell. Rechts unten signiert, datiert und betitelt. Auf Velin. 43 x 61 cm (16,9 x 24 in), blattgroß. • Maria Lassnig hat als eine der ersten Künstlerinnen das weibliche Körperempfinden ins Zentrum ihrer Kunst gerückt. • 1980 bespielt die Künstlerin gemeinsam mit Valie Export den österreichischen Pavillon auf der 39. Biennale Venedig. • 1982 und 1997 auf der documenta vertreten. • 2003 vertritt Maria Lassnig Österreich auf der 1. Biennale Peking. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland. 'Was als Deformierung der Realität erscheint, ist keine, weil die Realität auf einer anderen Ebene, der Gefühlsebene, stattfindet. Wenn diese mit der optisch gesehenen oft kongruent ist, dann deshalb, weil mein Distanzgefühl, auf äußeren Dingen geschult, sich eine 'blinde Sicherheit' angeeignet hat, so daß sich die äußere Realität, das, was jeder am Körper sieht, mit der gefühlten Realität (also der so schwer definierbaren) deckt.' Maria Lassnig. Zwiegespräche, Wien 2017, S. 98. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMaria Lassnig 1919 Kappel am Krappfeld/Kärnten - 2014 Wien Paar im Hausgarten. 1980. Watercolor on wove paper. Lower right signed, dated and titled. On wove paper. 43 x 61 cm (16.9 x 24 in), the full sheet. • Lassnig was one of the first artists to focus her art on the female body • In 1980, the artist was in charge of the Austrian pavilion at the 39th Venice Biennale together with VALIE EXPORT. • In 1982 and 1997 she participated in the documenta. • In 2003, Maria Lassnig represented Austria at the 1st Beijing Biennial. PROVENANCE: Private collection Southern Germany. Reality may look deformed but isn't because it takes place on another level, the level of feelings. If this often coincides with the level that's seen visually, then it's because my feeling of distance, trained by dealing with external things, has acquired a blind confidence so that external reality – the body everyone sees – ist congruent with felt reality, the reality that's so difficult to define Maria Lassnig. Zwiegespräche, Vienna 2017, p. 98 Called up: June 7, 2024 - ca. 15.47 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Jiri Georg Dokoupil 1954 Krnov (Tschechien) - lebt und arbeitet in Berlin, Prag, Madrid und Rio de Janeiro Nero singt vor brennendem Rom. 2016-2020. Mischtechnik. Seifenlauge und Pigmente auf Leinwand. Auf der umgeschlagenen Leinwand signiert, datiert und bezeichnet. 117 x 62 cm (46 x 24,4 in). [AW]. • Außergewöhnliches Format in strahlender Farbkraft aus der Reihe der Seifenblasen-Bilder, die er teils über mehrere Jahre hinweg bearbeitet. • Als ein Meister des Experiments nutzt Dokoupil vielseitige Materialien und Techniken. • Dokoupil ist in den 1980er Jahren Mitbegründer der die Malerei revolutionierenden 'Jungen Wilden'. • Seine Werke befinden sich in internationalen Sammlungen, u. a. im Centre Pompidou, Paris, im Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, sowie im National Museum of Contemporary Art, Seoul. PROVENIENZ: Privatsammlung Spanien (direkt vom Künstler erworben). Privatsammlung Österreich. Aufrufzeit: 07.06.2024 - ca. 15.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONJiri Georg Dokoupil 1954 Krnov (Tschechien) - lebt und arbeitet in Berlin, Prag, Madrid und Rio de Janeiro Nero singt vor brennendem Rom. 2016-2020. Mixed media. Soap suds and pigments on canvas. Signed, dated and inscribed on the folded canvas. 117 x 62 cm (46 x 24.4 in). [AW]. • Radiant colors in an unusual format, from the series of soap bubble paintings, some of which are created over the course of several years. • As a master of experimentation, Dokoupil uses a wide range of materials and techniques. • In the 1980s, Dokoupil co-founded the 'Junge Wilde' (Young Wild Ones), who revolutionized painting. • His works are in international collections like the Centre Pompidou, Paris, the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, and the National Museum of Contemporary Art, Seoul. PROVENANCE: Private collection Spain (acquired directly from the artist). Private collection Austria. Called up: June 7, 2024 - ca. 15.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
James Bond: Memorabilia - Limited Edition Black Friday No Time to Die, Billy Eilish, 7- inch single, unreleased version; Four Bond by Design Books, The Art of James Bond, Excerpted Edition, Dorling Kindersley. (5)Provenance: Part of the Steve Oxenrider James Bond Collection Condition Report: Very good condition
James Bond: Bond 20 Interior Hothouse Stage Set Layout by Peter Lamont dated 2/11/2001, Drawing number 125, folded, 52.5 by 33 Inches.Peter Curtis Lamont (1929-2020 was a British set decorator, art director, and production designer. Lamont worked on eighteen James Bond films from Goldfinger (1964) to Casino Royale (2006) with the exception of Tomorrow Never Dies (1997) as he was working on James Camerons Titanic (1997) at that time. Peter Lamont also worked extensively as a set dresser on the Carry-On series in the 1960s. Condition Report: Top right hand corner missing, edge damage, tape repaired tear bottom right, pencil calculations on front and rear.
James Bond - Tomorrow Never Dies (1997), Russian fighter jet reference manual hired to Ron Quelch, EON film production art department. In the film, Chinese MIG 23s fly over a British warship. Carver's stealth ship sinks the British warship and shoots down one of the planes triggering an international incident; with accompanying Eon Productions COA.
Art Déco Lavallière-Collier mit Diamanten und Saphiren, Anhänger wohl aus 18K Gelbgold/ Platin (säuregeprüft), an Silberkette, Kastenschließe mit Sicherheitsacht. Schauseitig besetzt mit 25 Diamanten im Achtkant- bzw. Altschliff, zus. ca. 0,85 ct, sowie zwei Saphiren, D. pro Stein: ca. 4,6 mm, L.: Anhänger: ca. 3,5 cm. L. gesamt: ca. 43 cm, Gesamtgewicht: ca. 5,46 g, kaum Alters- und Gebrauchsspuren.
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