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No-Maske vom Typ Ko-omote. Holz, bemalt. 20. Jh. Sign. in versenktem Relief in rundem Siegel: Jinkei (= Kabe Jinkei)Maske einer jungen Frau mit langgezogenen schmalen Augen, der wenig geöffnete Mund zeigt eine obere Reihe geschwärzter Zähne. Die Rückseite braun.H 21,3 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Ko-omote type. 20th century Mask of a young woman with a long slender eyes and narrow mouth with a visible upper row of blackened teeth. The reverse coloured brown with seal carved in sunken relief reading Jinkei (= Kabe Jinkei).Height 21.3 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Eisen. 17./18. Jh. Rund. In negativem Schattenriss sechs Blüten-mon, darunter kiri, sakura, und kiku.D 7,8 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg An iron tsuba. 17th/18th century Of round shape with six flower mon in sukashi, including kiri, sakura and kiku.Diameter 7.8 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske vom Typ Uba. Holz, bemalt. Edo-Zeit Sign. mit einem Siegel: Tenkaichi Zekan Maske einer greisen Frau mit nach oben gerichteten Augenschlitzen und ineinander übergehenden Brauen, geöffnetem Mund mit sichtbarer oberer Reihe geschwärzter Zähne, Falten in den Augenwinkeln, an den Wangen und der Stirn. Gesichtsfarbe hellbeige, Lippen rot. Die Rückseite braun.H 20 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Uba type. Edo period Mask of an ancient woman with narrow eyes and raised brows the mouth open showing the upper row of blackened teeth, wrinkles to the corners of the eyes, cheeks and forehead. The face of light beige colour, the lip red, the hair white. The reverse painted brown and bearing a seal in sunken relief reading Tenkaichi Zekan.Height 20 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tanto koshirae. 19. Jh. Aikuchi-koshirae mit kompletter Montierung aus Silber dekoriert mit Regenpfeifer über Wellen in shakudo und Bronze. Saya aus schön gemasertem Holz, tsuka mit schwarzer Wicklung, kozuka und koiguchi signiert Kazumitsu, Ko-gatana signiert dai ichi kanehisa saku.L 34 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Tanto koshirae. 19th century Aikuchi-koshirae with complete silver mounting decorated with plover above waves in shakudo and bronze. Saya of nicely grained wood, tsuka with black binding, kozuka and koiguchi signed: Kazumitsu, Ko-gatana signed: dai ichi kanehisa saku.Length: 34 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Zwei tsuba. Eisen. Edo-Zeit a) Fast rund. In durchbrochenem Relief Pflaumenblütenzweige. Sign.: Heianjo Mototake horu. b) Oval. In positivem Schattenriss fliegende Wildgans und Schilf. Details am Rand goldtauschiert. (2)H a) 8 cm; b) 7,2 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Two iron tsuba. Edo period a) Of almost round shape. in openwork relief plum blossom branches. Signed Heianjo Mototake horu, and b) of oval shape, in sukashi a wild goose and reeds, small details on the rim in gold nunome. (2)Height a) 8 cm; b) 7.2 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske von Typ Zo-onna. Holz, bemalt. Edo-Zeit Maske einer jungen Frau mit feinen Augenschlitzen, der wenig geöffnete Mund zeigt eine obere Reihe geschwärzter Zähne. Die Rückseite braun. Hier ein aufgeklebtes Papieretikett mit den Schriftzeichen „Zo-onna“ und vier weiteren Zeichen sowie einer Inv.-Nr. (wohl eines Museums) „A 9058“ in Tusche.H 21,2 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Zo-onna type, Edo period Mask of a young woman with narrow eyes und narrow mouth with a visible upper row of blackened teeth. The reverse coloured brown, with a Japanese paper label reading “Zo-onna” and four other characters, and bearing the acc. no. (probably of a museum) reading “A 9058” in both white as well as in black ink. Height 21.2 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske vom Typ Kojo. Holz, bemalt. Frühes 20. Jh. Sign. mit dem Siegel: Tachibana Haku YoshitakaMaske eines Greises mit zusammengezogenen Brauen und ansteigenden Nasenfalten, geöffnetem Mund mit sichtbarer oberer Zahnreihe, zahlreiche Falten an den Wangen und der Stirn, am Kinn eingesetzt lange Barthaare, Kopfhaar ebenfalls eingesetzt und die zusammengebundenen Haare über der Stirne zusammengelegt. Gesichtsfarbe hellbeige, Lippen rot. Die Rückseite rotbraun mit alter Auktions(?)nummer in RotH ohne Haare 20,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Kojo type. Early 20th century Mask of an ancient man with raised brows and wrinkles above the nose, the mouth open showing the upper row of teeth, numerous wrinkles to the cheeks and forehead, a long beard implanted at the chin, the strands of hair implanted at the temples bound together. The reverse painted brown and bearing a seal in sunken relief reading Tachibana Haku Yoshitaka and a number in red in Arabic numerals.Height without the hair 20.5 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Kozuka. Shibuichi. Spätes 18. Jh. In farbigem Relief die Sechs Unsterblichen Dichter (rokkasen). Datiert Tenmei 3 (1783) mizunoto-u nen gogatsu und sign.: Noriyuki und goldenes Siegel: Hamano.ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A shibuichi kozuka. Late 18th century In iroe-takazogan the Six Immortal Poets (rokkasen). Dated Tenmei 3 (1783) mizunoto-u nen gogatsu and signed Noriyuki and golden seal Hamano.ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Katana-zutsu. 19. Jh. Allseitig Schwarzlack. In Goldlack maki-e und nashiji maki-e unterschiedliche Kriegsfächer (gunsen).L 119 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Katana-zutsu. 19th century Black lacquer, decorated with various war fans (gunsen) in gold lacquer maki-e and nashiji maki-e.Length 119 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Zwei fuchi-kashira. Shibuichi. 18./frühes 19. Jh. Beide dekoriert in farbigem Relief. a) Jeweils zwei sekizoro-Tänzer mit Flöte und Trommel zu Neujahr. Sign.: Tsunenao. b) Kan'u auf dem fuchi und Chohi auf dem kashira. (2)ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg, erworben bei Lempertz, Köln, 26./27.11.1982, a) Lot 371 und b) Lot 369 Two shibuichi fuchi kashira. 18th/early 19th century Both decorated in iroe-takazogan. a) With two sekizoro dancers playing a flute and beating a drum at New Year's, signed Tsunanao, and b) Kan'u on the fuchi and Chohi on the kashira. (2)ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany, acquired at Lempertz, Cologne, 26./27.11.1982, a) lot 371 and b) lot 369

Huang Leisheng (Lui-Sang Wong) Lotos und Elstern. Tusche und Farben auf Papier. Aufschrift, sign. und Siegel: Huang Leisheng und ein Bildsiegel mit einem sitzenden Buddha. Mit Seidenstoffumrandung und unter Glas gerahmt.71 x 134 cmProvenienzSammlung Dr. Klaus und Murielle Zeidler, Baden-Baden, am 19.3.1986 direkt beim Künstler in Taiwan erworben Huang Leisheng (Lui-Sang Wong) Lotus and magpies. Ink and colour on paper. Inscription, signed and sealed: Huang Leisheng and a graphic seal depicting a seated Buddha. With silk mounting, framed and glazed.71 x 134 cmProvenanceCollection Dr. Klaus and Murielle Zeidler, Baden-Baden, acquired 19.9.1986 directly from the artist in Taiwan

Wang Ying (Wong Ying) Herbstblätter und Vogel. Tusche und Farben auf Papier. Aufschrift, sign.: Wang Ying, in pinyin sign. und datiert: Wong Ying 1981 und Siegel: Wang Ying. Mit Seidenstoffumrandung und unter Glas gerahmt.66 x 35 cmProvenienzSammlung Dr. Klaus und Murielle Zeidler, Baden-Baden, 1981 in Jakarta erworben Wang Ying (Wong Ying) Autumn leaves and a bird. Ink and colour on paper. Inscription, signed Wang Ying, signed in pinyin and dated Wong Ying 1981 and sealed Wang Ying. With silk mounting, framed and glazed.66 x 35 cmProvenanceCollection Dr. Klaus and Murielle Zeidler, Baden-Baden, acquired in Jakarte in 1981

Zwei kozuka. 18./19. Jh. a) Shibuichi. In Gravur und flacher Einlage aus Gold und Kupfer Brücke in Arashiyama und Flößer. Bez.: Hosono Sozaemon (= Masamori). Alte Sammlungsnr. A 1786 in weißer Tusche. b) Kupfer. In reliefierter Auflage aus shibuichi Kostbarkeiten (Kakuregasa, kakuremino und Glückshammer) auf nanako. (2)ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg, b) erworben bei Lempertz, Köln, 26./27.11.1982, Lot 366 Two kozuka. 18th/19th century a) Of shibuichi, in engraving and flat inlays of gold and copper the bridge in Arashiyama and rafters, inscribed Hosono Sozaemon (= Masamori). Old collection no. A 1786 in white ink, and b) of copper with takaramono (kakuregasa, kakuremino and tsuchi) in shibuichi inlay on nanako. (2)ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany, b) acquired at Lempertz, Cologne 26./27.11.1982, lot 366

No-Maske vom Typ Namanari. Holz, bemalt. Edo-Zeit Maske eines weiblichen Dämons mit zwei kurzen goldenen Hörnern, sich nach oben stark verjüngender heller Stirn, mit breiter Nase und geöffnetem Mund mit einer oberen und unteren Reihe goldener Zähne darunter vier scharfe Reißzähne und sichtbaren Zunge, dünne Haare fallen in die Stirn und die Wangen Die Gesichtsfarbe unterhalb der Brauen rot. Metallaugen. Die Rückseite braun und dunkelrot. In beigefarbenem Lack Aufschrift: „Namanari Deme Juman saku“H 21,6 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Namanari type. Edo period Mask of a female demon with a longish face with a two-toned complexion and two short golden horns, the open mouth with two rows of golden teeth including four fangs and a visible tongue. The reverse painted brown and dark red. The eye pupils lined with metal. To the reverse an inscription reading “Namanari Deme Juman saku“. Some flaking of the pigments.Height 21.6 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske vom Typ Namanari. Holz, bemalt. Edo-Zeit Maske eines weiblichen Dämons mit zwei sehr kurzen Hörner, sich nach oben stark verjüngender Stirn, mit breiter Nase und sehr großem sechseckig geöffnetem Mund mit einer oberen und unteren Reihe goldener Zähne darunter vier scharfe Reißzähne und großer sichtbaren Zunge, dünne Haare fallen auf die Schläfen, einzelne Haare reichen bis zur Oberlippe. Die Gesichtsfarbe wechselt von der weißen Stirn bis zu einem roten Kinn. Metallaugen. Die Rückseite braun. Hier ein aufgeklebtes Papieretikett mit den Schriftzeichen Namanari und zwei weiteren Zeichen sowie der Inv.-Nr. (wohl eines Museums) „A 9077“ sowohl in weißer als auch in schwarzer Tusche.H 21,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Namanari type. Edo period Mask of a female demon with an almost hexagonal face with a two-toned complexion and two very short horns, the wide-open mouth with two rows of golden teeth including four fangs and a wide tongue. The reverse painted brown. The eye pupils lined with metal. Japanese paper label reading Namanari and two other characters, and bearing the acc. no. (probably of a museum) reading “A 9077” in both white as well as in black ink. Some flaking of the pigments.Height 21.5 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Maske in der Art einer bugaku-Maske. Holz, mit negoro-artiger Lackfassung. Meiji-Zeit Mit riesigen goldenen Augen, einer nach oben gebogenen Nase mit großen Nasenlöchern und einer nach oben geschobenen Unterlippe, das Gesicht von Falten zerfurcht. Fehlstellen.H 21,2 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A wood and negoro type lacquer mask in the manner of a bugaku mask. Meiji period With large bulging golden eyes, upturned nose with large holes, and a lower lip pushed upward, the hole face marked by wrinkles. Damage to the upper and lower rims.Height 21.2 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Vier tsuba. Eisen. 18./19. Jh. Drei oval und eines in mokko-Form. a) In Relief blühender Pflaumenbaum, Details aus Silber. b) und c) In farbigem Relief Pflaumenblütenzweige. d) In farbigem Relief Feldchrysanthemen und Zaum. (4)H 5,9 bis 8,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Four iron tsuba. 18th/9th century Three of oval shape and one of mokko form. a) In relief with details in silver blossoming plum tree, b) and c) in iroe-takazogan blossoming plum trees, and d) in iroe-takazogan chrysanthemums and fence. (4)Height 5.9 to 8.5 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Drei kozuka. 19. Jh. a) Shibuichi. In Relief mit Details aus Gold Brustbild des Jurojin. b) Shibuichi. In Form eines Brückenpfeilers und zweier Tausendfüßler (mukade) in farbigem Relief, in Anspielung auf Tawara Toda und die Brücke von Seta. c) Silber. In Gravur tänzelndes Pferd und hagi-Zweige, das Erdreich in Gold. Mit alter Sammlungsnummer A 1799. (3)ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg, erworben bei Lempertz, Köln, 26./27.11.1982, a) Lot 363, b) Lot 364 Three kozuka. 19th century a) Of shibuichi with Jurojin in relief with details in gold, b) of shibuichi in shape of a bridge post with two mukade in allusion to Tawara Toda and the Seta bridge, and c) of silver with a horse and hagi in engraving and a golden ground. With old collection no. A 1799 in white ink. (3)ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany, acquired at Lempertz, Cologne, 26./27.11.1982, a) lot 363, b) lot 364

Zwei kyogen-Masken. Holz, Lack und Farben. 18./19. Jh. a) Okame, freundlich lachend, pausbäckig und mit vorgewölbter Stirn. Die Haare schwarz lackiert, die Lippen und die Zunge rot. Übermalungen. b) Hannya mit langen Hörner und an den Schläfen in jeweils drei Bögen gelegten Haaren. Dünne, braune Lackierung, die Zähne schwarz, die Zunge rot. Alte Inv.-Nr. in weißer Tusche "5746". Alte Rest. (2)H a) 18,3 cm; b) 17,3 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A kyogen mask and another mask. Wood, lacquer and pigments. 18th/19th century a) Okame, laughing merrily, with full cheeks and a portruding forehead, the hair lacquered black, the lips and tongue red. Overpaintings. b) Hannya with long horns and the hair laid in three loops along the temples. Thin brown lacquer coating, the teeth black, the tongue dark red. Old accession number in white ink reading 5746. Old restorations. (2)Height a) 18.3 cm; b) 17.3 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Kozuka. Silber. Um 1800 Sign.: Gankosai Hongo Koro und kaoIn Relief Wellen.ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg, erworben bei Lempertz, Köln, 12./11.1976, Lot 800 A silver kozuka. Around 1800 With waves in relief. Signed Gankosai Hongo Koro with kao.ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany, acquired at Lempertz, Cologne, 12./11.1976, lot 800

Zwei sukashi-tsuba. Eisen. Edo-Zeit Beide von mokko-Form. a) Blüte. b) Raute und kleine Wildgänse. (2)H a) 8,1 cm; b) 8 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Two iron sukashi tsuba. Edo period Both of mokko shape. a) With a blossom, and b) with karigane within a lozenge. (2)Height a) 8.1 cm; b) 8 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Shibuichi. 18./19. Jh. Mokko-Form. In glattem Rand in positivem Schattenriss Zirkelschlagmuster (shippo tsunagi).H 7,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A shibuichi tsuba. 18th/19th century Of mokko shape with a shippo tsunagi pattern in sukashi.Height 7.5 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tanto. 16. Jh. Klinge: L 20,7 cm, hira-zukuri, mu-sori, hada und hamon unkenntlich. Nakago: ubu endend in ha-agari-kurijiri mit zwei mekugi-ana (eines mit Blei verschlosseni), sign: Munemitsu.Koshirae: Saya mit lackiertem Stoff und mon von zwei Paulownia in shakudo und vergoldeter Bronze, fuchi-kashira mit vergoldetem Shishi auf shakudo-nanako-Grund, menuki von drei mon mit Pauwlonia aus vergoldeter Bronze, schwarze Wicklung über same. 19. Jh. Tsuba fehlt.ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Tanto. 16th century Blade length: 20.7 cm, hira-zukuri, mu-sori, hada and hamon unrecognisable. Nakago: ubu ending in ha-agari-kurijiri with two mekugi-ana (one sealed with lead), signed: Munemitsu. Koshirae: saya with lacquered fabric and mon with two paulownias in shakudo and gilt bronze, fuchi-kashira with gilt shishi on a shakudo-nanako ground, gilt bronze menuki of three mon with paulownia, black binding over same. 19th century. Tsuba missing. ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske vom Typ Hannya. Holz, bemalt. 19. Jh. Weibliche Teufelsmaske mit langen Hörnern, gescheitelten Haaren und einzelnen Haaren, die wirr in die Stirn und an die Schläfen fallen, im fratzenhaft geöffneten Mund schwarze Zahnreihen mit spitzen Eckzähnen, die Augäpfel aus Metall. Gesichtsfarbe mittelbraun. Rückseite mit einem alten Papieretikett mit japanisch geschrieben Zahlen. Rest.L 21,4 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Hannya type. 19th century The female demon with long horns, hair parted in the middle and single hairs falling onto the forehead and the temples, the wide-open mouth with upper and lower row of blackened teeth and the eyeballs of metal. To the reverse an old Japanese paper label with number. Small restoration.Length 21.4 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Eisen. Edo-Zeit Oval. In abgerundetem Rand in positivem Schattenriss sechs radial angeordnete kiri mon.H 8,4 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg An iron sukashi tsuba. Edo period Of oval shape with six kiri mon arranged radially in a rounded rim.Height 8.4 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Eisen. 17./18. Jh. Rund. 48-fach gebogt in der Art einer stilisierten doppelten Chrysanthemenblüte in durchbrochenem Relief.H 7,7 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg An iron sukashi tsuba. 17th/18th century Of round shape with and 48-petal chrysanthemum.Height 7.7 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Schale. Oribe-Ware. Mino-Gebiet. 19. Jh. Gestempelt am Boden: Tôzan (?)Auf rundem Fuß mit vertikaler, geriefelter Wandung, die am Rand viereckig ist. Innen und außen unter einer beigefarbenen, fein craquelierten Glasur insgesamt vier Chrysanthemenblüten, ausgespart innen und außen aus einer flaschengrünen Überlaufglasur.H 8,1 cm; max. B 16,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg, erworben bei Offermann & Schmitz, Wuppertal An Oribe bowl. Mino area. 19th century The body rising from a round foot to form a rounded square shape at the rim, painted in iron brown inside and outside with four chrysanthemum blossoms reserved from the bottle green overglaze. Stamped Tôzan(?) at the base. Height 8.1 cm; max. width 16.5 cmCertificatePrivate collection, Baden-Württemberg, GermanyProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany, acquired at Offermann & Schmitz, Wuppertal, Germany

Fuchi-kashira. Shakudô. Edo. 2. Hälfte 18. Jh. Sign.: Nomura Masahide und kaoIn kräftigem Relief aus Kupfer auf beiden Teilen eine Languste auf sehr feinem nanako-Grund. Augen aus shakudo.ProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A shakudô fuchi-kashira. Second half 18th century Decorated with a lobster in copper relief on nanako. Eyes of shakudo. Signed : Nomura Masahide with kao.ProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Eisen. 17./18. Jh. Oval. 48-fach gebogt in der Art einer stilisierten Chrysanthemenblüte in durchbrochenem Relief.H 9,6 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg An iron sukashi tsuba. 17th/18th century Of oval shape with a 48-petal chrysanthemum.Height 9.6 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

No-Maske vom Typ Waka-otoko. Holz, bemalt. Edo-Zeit Maske eines jungen Mannes mit zusammengezogenen Brauen und ansteigenden Nasenfalten, geöffnetem Mund mit sichtbarer oberer und unterer Reihe geschwärzter Zähne und weichem Flaum über der Oberlippe. Das Haupthaar in die Schläfen gestrichen. Gesichtsfarbe gräulich. Rückseite naturbelassen, in Tusche die geschrieben Schriftzeichen „Waka-otoko“ und Reste japanischer Papieretiketten.H 20 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg A painted wood no mask of Waka-otoko type. Edo period Mask of a young man with raised brows and wrinkles above the nose, the mouth open and showing both rows of blackened teeth, above the lips a whisp of a moustache, the hair combed into the temples, the face of a greyish colour, lips painted red. The reverse left unpainted. In black ink the name of the mask “waka-otoko” in Japanese and remains of Japanese paper labels.Height 20 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Tsuba. Eisen. 18./19. Jh. Mokko-Form. In verdicktem Rand und auf unregelmäßig gehämmertem Grund Kiefer, von Efeu umwachsen, und Zwergbambus. Details aus zweifarbigem Gold.H 8,9 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg An iron tsuba. 18th/19th century Of mokko shape with a pine tree and sasa in relief with details in gold, on a hammered ground and with a slightly thickened and irregular rim.Height 8.9 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Kris. Indonesien, Bali. 1. Hälfte 20. Jh. Wrongka aus Elfenbein vom Typ bebancha, reich beschnitzt mit Prinzen, Dämonen und Ungeheuern. Scheide aus Holz, verkleidet mit sehr fein getriebenem Goldblech und besetzt mit Halbedelsteinen im Cabochon-Schliff und zwei Elfenbeinplatten, beschnitzt mit denselben Motiven wie auf dem wrongka. Griff vom Typ bayu, selut und mendak alle belegt mit Goldblech und mit mugeligen Steinen. Klinge aus Stahl mit pamor und 14 luk. Acryl-Kasten.L 65,3 cmProvenienzSammlung Dr. Klaus und Murielle Zeidler, Baden-BadenLiteraturVgl. ähnlichen, aber einfacheren Prunkkris, vormals Geschenk von Präsidenten Sukarno an Bundespräsidenten Dr. Heinrich Lübke 1963, versteigert bei Lempertz, Köln, 13./14.6.2014, Lot 78Dieses Objekt wurde unter Verwendung von Materialien hergestellt, für die beim Export in Ländern außerhalb der EU eine Genehmigung nach CITES erforderlich ist. Wir machen darauf aufmerksam, dass eine Genehmigung im Regelfall nicht erteilt wird. A Bali keris. First half 20th century With a steel blade with pamor and 14 luk, the hilt of bayu type covered by gold foil set with rubies and other stones, selut and medak with coloured stones, the scabbard of wood lined with gold foil elaborately chiseled and set with stones, and with two ivory panels carved with mythological figures, the bebanchhan type wrongka of ivory carved with princes, demons and mythological animals. Perspex case.Length 65.3 cmProvenanceCollection Dr. Klaus and Murielle Zeidler, Baden-BadenLiteratureCompare a similar but simpler presentation keris given by President Sukarno to the German President Dr. Heinrich Lübke in 1963, sold at Lempertz, Cologne, 13./14.6.2014, lot 78This lot contains materials which require a CITES licence for export outside of the EU contract countries. We would like to inform you that such licenses are usually not granted.

Qi Baishi Zwei Schuber mit je zwei Bänden mit dem Titel "Beijing Rongbaozhai xin jishi jianpu. Jiushiyi sui Baishi" (Bildersammlung des 91-jährigen Qi Baishi mit den neuen Gedichten von Rongbaozhai) mit 80 Farbholzschnitten einer Sammlung von Briefpapieren von Qi Baishi, Zhang Daqian u. a. Rongbaozhai, Beijing, 1955, 5. Monat. Zwei Alben mit losen Blättern. Brokatbespannte Kassetten. (2)31,5 x 22,5 cmProvenienzPrivatsammlung, Baden-Württemberg Qi Baishi Two album cases with two volumes each titled "Beijing Rongbaozhai xin jishi jianpu" with 80 colour woodblock prints of letter papers by Qi Baishi, Zhang Daqian and others. Rongbaozhai, Beijing, 1955, 5th month. Two album with loose leaves. Wraparound cases covered with brocade. (2)31.5 x 22.5 cmProvenancePrivate collection, Baden-Württemberg, Germany

Militaria Deutschland - Herrscherhaus Hohenzollern : Petschaft mit Allianzwappen des Prin Militaria Deutschland - Herrscherhaus Hohenzollern : Petschaft mit Allianzwappen des Prinzen Friedrich Karl von Preußen (1828-1885) und seiner gemahlin Prinzessin Maria Anna (geb. Prinzessin von Anhalt - Dessau). Das Petschaft Onyx mit fein graviertem Allianzwappen in Gold gefaßt. Die Fassung mitr fein ziselierten Blüten und Akantusblättern. Der Schaft aus Rubinglas. Friedrich Karl Nikolaus von Preußen (* 20. März 1828 in Berlin; † 15. Juni 1885 in Klein Glienicke), preußischer Prinz und Generalfeldmarschall. Friedrich Karl war der einzige Sohn des Prinzen Carl von Preußen, eines jüngeren Bruders Kaiser Wilhelms I., und der Prinzessin Marie von Sachsen-Weimar-Eisenach, der älteren Schwester der Kaiserin Augusta. 1842 bis 1846 erhielt Friedrich Karl in den militärischen Disziplinen Unterricht vom damaligen Major und späteren Kriegsminister Albrecht von Roon. Dieser war auch sein militärischer Begleiter, als der Prinz 1846 die Universität Bonn bezog. Dort wurde er 1847 Mitglied des Corps Borussia Bonn. Im selben Jahr wurde ihm die Rettungsmedaille am Band verliehen, weil er bei Bonn ein Kind aus dem Rhein gerettet hatte. Nach Vollendung seiner Studien nahm der Prinz 1848 im Gefolge des Generals Friedrich Graf von Wrangel als Hauptmann am Schleswig-Holsteinischen Krieg teil und zeichnete sich in den Gefechten bei Schleswig und Düppel durch persönlichen Mut aus. 1849 nahm er als Major im Generalstab an dem Feldzug in Baden teil und wurde in dem Gefecht bei Wiesenthal an der Spitze einer Husarenschwadron schwer verwundet. In den nun folgenden Friedenszeiten, während der er 1852 Oberst, 1854 Generalmajor und 1856 Generalleutnant wurde, widmete er den militärischen Wissenschaften eifriges Studium. Dessen Resultate teilte er einem engeren Kreis von Offizieren in Vorträgen und lithographierten Abhandlungen mit. Von letzteren wurde ohne Wissen des Prinzen 1860 „Eine militärische Denkschrift von P. F. K.“ veröffentlicht, die durch ihre Reformvorschläge großes Aufsehen erregte. Als Kommandierender General des III. Armee-Korps (seit 1860) führte er diese Reformen praktisch durch, machte dieses Korps zur Pflanzschule seiner militärischen Ideen und erwarb sich hierdurch um die Entwicklung der preußischen Armee hervorragende Verdienste. 1864 erhielt der Prinz, inzwischen zum General der Kavallerie befördert, den Oberbefehl über die preußischen Truppen in Schleswig-Holstein. Er ging nach dem verunglückten Angriff auf Missunde Anfang Februar bei Arnis über die Schlei und zwang den Feind, das Danewerk aufzugeben und sich zu den Düppeler Schanzen zurückzuziehen. Am 18. April erstürmte er sie und errang damit im Deutsch-Dänischen Krieg den entscheidenden Sieg für Preußen und Österreich. Nachdem Wrangel im Mai sein Kommando niedergelegt hatte, wurde der Prinz Oberbefehlshaber der alliierten Armee, eroberte Jütland sowie am 29. Juni Alsen. Als Dank für seinen Sieg verlieh Wilhelm I. dem Gutsbesitz des Prinzen den Status eines Rittergutes. In Erinnerung an die entscheidende Schlacht bei den Düppeler Schanzen trug das Anwesen ab dem 13. Januar 1865 den Namen Düppel. 1866 wurde Friedrich Karl zum Oberbefehlshaber der ersten Armee (II., III. und IV. Korps) ernannt, rückte von der Oberlausitz in Böhmen ein, schlug am 26. und 27. Juni bei Liebenau und Podol, am 28. bei Münchengrätz, am 29. bei Gitschin die österreichisch-sächsischen Truppen unter Eduard Clam-Gallas und griff am 3. Juli die österreichische Stellung bei Königgrätz an. In hartnäckigem Kampf hielt er den numerisch überlegenen Gegner an der Front so lange auf, bis der Kronprinz Friedrich Wilhelm auf dem Schlachtfeld eintraf und in der rechten, General Eberhard Herwarth von Bittenfeld in der linken Flanke des Feindes eingriff. Von da marschierte der Prinz bis in die Nähe von Wien. Im konstituierenden Norddeutschen Reichstag von 1867 vertrat er den ostpreußischen Wahlkreis Labiau-Wehlau. Enthüllung des Denkmals des Generalfeldmarschalls Prinz Friedrich Karl von Preußen 1899 in Friesack Im Deutsch-Französischen Krieg mit dem Oberkommando über die zweite deutsche Armee betraut, hielt er am 16. August 1870 in der Schlacht von Mars-la-Tour die französische Rheinarmee unter Marschall François-Achille Bazaine bei Metz zurück und brachte am 18. August bei Gravelotte durch den Sieg über den feindlichen rechten Flügel bei St.-Privat die Entscheidung. Darauf erhielt er den Oberbefehl über die erste und zweite Armee, um die Einschließung von Metz zu übernehmen. Er schlug alle Ausfälle Bazaines zurück und zwang ihn zur Kapitulation vom 27. Oktober. Am 28. Oktober zum Generalfeldmarschall ernannt, zog Friedrich Karl von Metz am 2. November mit drei Armeekorps in Eilmärschen gegen die Loire, um die französische Loirearmee vom Vordringen gegen Versailles und Paris abzuhalten. Nachdem er die Angriffe der Franzosen zurückgeschlagen hatte, ging er am 3. Dezember seinerseits zur Offensive über, besetzte am 4. Dezember Orléans und trieb die feindliche Armee bis Bourges und Le Mans zurück. Im Januar 1871 schlug er Antoine Chanzy bei Le Mans in mehreren Gefechten (6.–12. Januar) und zersprengte Chanzys Heer so vollständig, dass jeder weitere Versuch, Paris von Westen her zu entsetzen, unmöglich gemacht wurde. Für seine Verdienste in diesem Krieg erhielt er eine Dotation in Höhe von 300.000 Talern. Nach dem Krieg wurde Friedrich Karl zum Generalinspekteur der III. Armeeinspektion und zum Inspektor der Kavallerie der Preußischen Armee ernannt. Zar Alexander II. ernannte ihn zum russischen Feldmarschall. Er war außerdem Chef mehrerer preußischer, russischer und österreichischer Regimenter. Friedrich Karl unternahm mehrere Reisen in den Orient; über die letzte, 1883 nach Ägypten und Syrien unternommene Reise erschien ein Prachtwerk (Berlin 1884). Seine letzte Ruhe fand er im Marmorgewölbe in St. Peter und Paul (Berlin-Wannsee). Normal 0 21 MicrosoftInternetExplorer4 /* Style Definitions */ table.MsoNormalTable {mso-style-name:"Normale Tabelle"; mso-tstyle-rowband-size:0; mso-tstyle-colband-size:0; mso-style-noshow:yes; mso-style-parent:"; mso-padding-alt:0cm 5.4pt 0cm 5.4pt; mso-para-margin:0cm; mso-para-margin-bottom:.0001pt; mso-pagination:widow-orphan; font-size:10.0pt; font-family:"Times New Roman";} Wunderschön gearbeitetes Petschaft von feinster Qualität- Durchmesser: 33 mm. Höhe: 57 mm. 1-2 Militaria Deutschland - Herrscherhaus Hohenzollern : Petschaft mit Allianzwappen des Prin Militaria Deutschland - Herrscherhaus Hohenzollern : 1-2

Militaria Ausland - Rumänien : Rumänien: Helm für Dragoneroffiziere aus dem Besitz des Herz Militaria Ausland - Rumänien : Rumänien: Helm für Dragoneroffiziere aus dem Besitz des Herz Militaria Ausland - Rumänien : Rumänien: Helm für Dragoneroffiziere aus dem Besitz des Herzogs Carl von Baden. Der Helm aus Vulkanfiber. Das vorderseitige Emblem mit der gekrönten gespiegelten Chiffre "C" König Carol I. und der Devise: "NIHIL SINE DEO".  Gewölbte vergoldete Schuppenketten an Kokarde in den rumänischen Farben . Kreuzblattbeschlag mit vergoldeten Sternenund glatter Trichterspitze mit originalem weißen Büffelhaar - Paradebusch. Originales Innenfutter aus braunem Seidenripps und feines, an der Stirnseite perforiertes hellbraunes Lederschweißband mit unleserlichem Herstellerzeichen . Sehr schöner und seltener Helm in hervorragender Qualität und Erhaltung. 1-2 Militaria Ausland - Rumänien : Rumänien: Helm für Dragoneroffiziere aus dem Besitz des Herz Militaria Ausland - Rumänien : Rumänien: Helm für Dragoneroffiziere aus dem Besitz des Herz Militaria Ausland - Rumänien : 1-2

Mixed lot to include white metal bracelet with mother of pearl panels, turquoise brooch, bracelet, costume jewellery necklaces, yellow metal brooches, Queen Victoria and Baden Powell pin badges, white metal cord necklace, mother of pearl button hook, bookmark, etc (a lot)

Daniel Richter 1962 Eutin - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel. 2004. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert und datiert sowie mit der handschriftlichen Bezeichnung '10/04'. Verso auf dem Keilrahmen und auf dem Rahmen jeweils mit der handschriftlichen Bezeichnung 'DR/K337'. 30 x 40 cm (11,8 x 15,7 in). • Energetisch aufgeladene Bildwelten machen Daniel Richters Kompositionen so magisch. • Figürliche Malerei voll persönlicher Reflexion. • Daniel Richter: Superstar der zeitgenössischen Kunstszene. • Im Entstehungsjahr 2004 übernimmt Daniel Richter die Professur für Malerei an der Universität der Künste in Berlin. • Richters Arbeiten befinden sich in zahlreichen bedeutenden öffentlichen Sammlungen, bspw. in der Hamburger Kunsthalle, im Städel Museum in Frankfurt, im Centre Pompidou in Paris oder im Museum of Modern Art in New York. PROVENIENZ: Contemporary Fine Arts, Berlin (verso auf dem Keilrahmen und auf dem Rahmen mit Etiketten und Stempel). Privatsammlung Rheinland-Pfalz. Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 2017). AUSSTELLUNG: Regina Gallery, London & Moskau (verso auf dem Rahmen mit einem Etikett). Daniel Richter - Imitators be there, Galerie Haas, Zürich, 11.12.2009-29.1.2010, Kat. S. 27, m. Abb. Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.00 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONDaniel Richter 1962 Eutin - lebt und arbeitet in Berlin Ohne Titel. 2004. Oil on canvas. Verso of the canvas signed and dated, as well as with the hand-written inscription '10/04'. Verso of stretcher and frame with hand-written inscription 'DR/K337'. 30 x 40 cm (11.8 x 15.7 in). • Energetically charged visual worlds make Daniel Richter's compositions so magical. • Figurative painting full of personal reflection. • Daniel Richter: Superstar of the contemporary art scene. • In 2004, Daniel Richter took over the professorship for painting at the University of Fine Arts in Berlin. • Richter's works can be found in numerous important public collections, e. g. in the Hamburg Kunsthalle, the Städel Museum in Frankfurt, the Center Pompidou in Paris or the Museum of Modern Art in New York. PROVENANCE: Contemporary Fine Arts, Berlin (verso of stretcher and frame with labels and stamp). Private collection Rhineland-Palatinate. Private collection Baden-Württemberg (since 2017). EXHIBITION: Regina Gallery, London & Moscow (with a label on verso of the frame). Daniel Richter - Imitators be there, Galerie Haas, Zürich, December 11, 2009 - January 29, 2010, cat. p. 27, with illu. Called up: December 11, 2020 - ca. 14.00 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Karl Philipp Fohr 1795 Heidelberg - 1818 Rom Ruine Frankenstein. Winter 1813/14. Aquarell, über Bleistift und Feder. Märker Z 285. Beschriftet in der Mitte unterhalb der Darstellung mit Feder in Braun „Ruine Frankenstein“; rechts oben außerhalb der Darstellung mit alter Nummerierung in Bleistift sowie Tusche „30“. Verso mit einem Etikett, das die Authentizität des Blattes bescheinigt, unterzeichnet von Dr. Otto Weigmann, Direktor der Königlichen Graphischen Sammlung München (1918-1937). Auf Velin von Franz Heinrich Fauth/Schnabelsmühle (mit dem Wasserzeichen). 19,3 x 27,3 cm (7,5 x 10,7 in), Blattgröße. Blatt 30 aus dem 'Skizzenbuch der Neckargegend'. • Einzigartiges Blatt aus dem bedeutenden Frühwerk 'Skizzenbuch der Neckargegend' • Als Geschenk im Werben um die Gönnerschaft der Erbprinzessin Wilhelmine von Baden entstanden • Faszinierender Ausdrucksreichtum und virtuose Beherrschung der Aquarell-Technik • Lückenlose Provenienz. PROVENIENZ: Erbprinzessin Wilhelmine von Hessen-Darmstadt (1814 vom Künstler als Geschenk erhalten). Baronin von Bassus, München (durch Erbgang von Vorgenannter erhalten). Ludwigsgalerie Otto H. Nathan, München (1927 von Vorgenannter erworben) Privatsammlung Norddeutschland (1928 vom Vorgenannten erworben). Privatbesitz Dänemark (durch Erbgang aus vorgenannter Sammlung erhalten). LITERATUR: Carl Fohr und die Maler um ihn, Ausst.-Kat. Kurpfälzisches Museum Heidelberg, bearb. von Karl Lohmeyer, Heidelberg 1925, S. 36, Kat.-Nr. 30. Carl Philipp Fohr (1795-1818) nebst einigen Arbeiten von anderen Künstlern seiner Zeit, Ludwigsgalerie Otto H. Nathan, München 1927, Kat.-Nr. 30. Jens Christian Jensen, Carl Philipp Fohr, 1795-1818. Skizzenbuch der Neckargegend. Badisches Skizzenbuch. Ergänzt durch die Werke des Künstlers im Besitz des Kurpfälzischen Museums, Heidelberg 1986, Kat.-Nr. 30 (Abb. 26). „Er erschien im drauffolgenden Frühjahre (1814) zu Darmstadt mit einem ziemlich dicken Hefte voll der herrlichen illuminirten Zeichnungen, womit er der Frau Erbprinzessin ein Geschenk machte, welches dieselbe auch, wie dasselbe es verdiente, sehr gnädig aufnahm und nicht unerwidert ließ, was die Folgezeit offenbaren wird! [..] Fohr hatte durch dieses fleißig gearbeitete Heft mehr erlangt, als er ahnden konnte.“ Zit. nach: Johann Philipp Dieffenbach, Das Leben des Malers Karl Fohr, zunächst für dessen Freunde und Bekannte geschrieben, Darmstadt 1823, S. 31-33. Mit dem kleinen, technisch meisterhaft ausgeführten Aquarell begegnet uns ein Werk Karl Philipp Fohrs aus seinem frühen Schaffen als junger Künstler, der am Anfang seiner kurzen Karriere dabei ist, sich als Landschaftsmaler einen Namen zu machen. Nach anfänglichem kurzem Unterricht bei dem Universitätszeichenlehrer Friedrich Rottmann (dem Vater des berühmten Landschaftsmalers Carl Rottmann) in seiner Geburtsstadt Heidelberg, bei dem er dessen Veduten kopiert und nach der Natur zeichnet, lernt er den Darmstädter Hofrat Georg Wilhelm Issel beim Zeichnen im Stift Neuburg kennen. Dieser lädt den gerade 15-jährigen, vielversprechenden Künstler 1811 nach Darmstadt ein und fördert ihn mit Unterricht in Literatur und Geschichte. Am Hof der Erbprinzessin Wilhelmine Luise von Baden, Großherzogin von Hessen und bei Rhein, fertigt er anschließend Zeichnungen und Landschaftsansichten der näheren Umgebung für die Großherzogliche Sammlung an. Über Issel lernt er ebenfalls den Prinzenerzieher Johann Philipp Dieffenbach kennen, der ihn für altdeutsche Sagen, Architektur und Kunst begeistert und ihn der Erbprinzessin persönlich empfiehlt. Am Beginn seiner Künstlerkarriere sehr um eine Gönnerin bemüht, entstehen so zwei Hauptwerke seines Frühwerks, zunächst das „Skizzenbuch der Neckargegend“, aus dem das vorliegende Blatt stammt und das er der Erbprinzessin Wilhelmine im Frühjahr 1814 zum Geschenk macht. In den Wintermonaten 1813/14 hatte Fohr die zahlreichen Skizzen und Zeichnungen seiner sommerlichen Wanderungen in Aquarellen ausgearbeitet. Die Betitelung als „Skizzenbuch“ dient dabei lediglich der Betonung des intimen persönlichen Charakters, handelt es sich doch bei den 30 Blättern, darunter 24 Landschaften und sechs lose eingestreute historische oder sagenhafte Begebenheiten, um eine gebundene Folge von bildmäßig ausgeführten Aquarellen. Die darin vorgestellten Orte tragen meist auch einen persönlichen Bezug zum Leben der Erbprinzessin, wie beispielsweise das erste Blatt mit einer Ansicht von Schloss Rohrbach bei Heidelberg, auf dem Fohr die Mutter Wilhelmines, die Markgräfin Amalie, mit ihren Enkeln in die Szene einfügt. Fohr entwickelt die vedutistische Präzision seiner Anfänge weiter zu einer romantischen Verbindung der Landschaft mit der ihr inhärenten Poesie und Geschichte, in der Natur und Kultur sich durchdringen und sich Detailrealismus mit idealisierender Interpretation abwechselt. Nachvollziehbar wird dies auch in der Entstehung unseres Blattes, dem eine akribische Naturstudie von 1813 vorausgeht, die in weiteren Ausführungen mit unterschiedlicher Staffage versehen wird. In unserer Bildanlage erhält die Szenerie im Vordergrund schließlich größeres Gewicht, die ursprüngliche kleine Birke als Repoussoirbaum wird zur knorrigen Eiche und die Landschaft bekommt durch große Felsbrocken mehr Dramatik verliehen. Die Wanderer, Jäger und reisigsammelnden Bauern werden durch die Gruppe historischer Figuren, vermutlich des 18. Jahrhunderts, ersetzt, wobei der junge Mann, die alte Frau, unter deren Mantel sich ängstlich ein kleiner Junge versteckt, sowie die junge Frau in ihrer Bedeutung vermutlich über reine Staffage hinausgehen. Ein Bezug zur in Vergessenheit geratenen Sagenwelt um die Ruine Frankenstein im Hintergrund scheint möglich, gewiss aber ist ein erzählerischer und emotionaler Gehalt durch das bedrohliche Gewitter, den dunklen Vogel auf dem Ast sowie die ängstlich zum Betgestus gefalteten Hände der schutzsuchenden Figuren intendiert. Die virtuose Beherrschung der Technik in der Kombination von Federzeichnung und Aquarell, die minutiöse Durcharbeitung der Details sowie der fein modellierten Kompositionen bringen Fohr eine Einladung Wilhelmines nach Baden-Baden ein, wo in der Folge das „Badische Skizzenbuch“ entsteht. Vollends von seinem Talent überzeugt, wird ihm ein Jahresgehalt von 400 Gulden zugesprochen, was ihm den Besuch der Münchner Akademie ermöglicht. Die Bedenken Issels, Fohr würde mit seiner „ganz eigenen leichten und genialen Zeichenart sich nur schwer unter den taktmässigen Schulgang eines strengen Direktors fügen mögen“, oder schlimmer noch seine Originalität, die sich vor allem in den kleinformatigen intimen Ansichten der Skizzenbücher Bahn bricht, verlieren, bewahrheiten sich. So bricht Fohr aufgrund von Schwierigkeiten an der Akademie mit der Erlaubnis Wilhelmines Ende Oktober 1816 zu Fuß nach Rom auf, wo sich kurz zuvor die Nazarener niedergelassen hatten. Dort sorgt sein früher Tod bei einem Bad im Tiber kurze Zeit später am 19. Juni 1818 für große Trauer in der Künstlergemeinde, die den Verlust des begabten jungen Kollegen kaum fassen mag. [KT] Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 15.45 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Otto Modersohn 1865 Soest - 1943 Fischerhude Sommerliche Wümmewiesen. 1911. Öl auf Malpappe, kaschiert auf Holz. Links unten signiert, rechts unten datiert 'V II.' (Mai 1911). Verso mit dem Etikett des Otto-Modersohn-Nachlass-Museums, Fischerhude, dort betitelt 'Wümmewiesen mit Bach', mit der Bestätigung des Sohnes Christian Modersohn sowie dem Nachlassstempel. 40,4 x 57,3 cm (15,9 x 22,5 in). • Besonders locker und frei gemalte Landschaft als Ausdruck sommerlicher Frische • Ungewöhnlich helle und sonnige Farbstimmung • Entstanden bei Fischerhude, wo Modersohn nach der Heirat mit Louise Breling 1909 neuen Lebensmut fasst • Das Jahr der Entstehung markiert mit dem Bremer Künstlerstreit 1911 ein wichtiges kunsthistorisches Datum. Wir danken Herrn Rainer Noeres, Otto-Modersohn-Museum, Fischerhude, für die wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Hamburg (bis 1986). Bolland & Marotz, Bremen, Auktion 46, 1986, Los-Nr. 709. Privatsammlung Baden-Württemberg (2010 durch Erbschaft aus Familienbesitz erhalten). Als Mitbegründer der Künstlerkolonie Worpswede wendet sich Otto Modersohn zusammen mit Fritz Mackensen, Heinrich Vogeler und Fritz Overbeck um 1890 einer neuen, stimmungsvollen Auffassung der Landschaft zu, deren malerische Ausdrucksweise vom Naturerlebnis in der Region des Teufelsmoors bedingt ist. Die Befreiung von akademischen Konventionen macht den Weg frei für einen direkteren Zugang zum Motiv, das in Anlehnung an die französischen Vorbilder der Freilichtmalerei wie der Schule von Barbizon und des Impressionismus die vor Ort empfundene Stimmung widerspiegelt. Die Ausstellung im Münchner Glaspalast 1895 verhilft Modersohn mit seiner herbstlichen dramatischen Szenerie „Sturm im Teufelsmoor“ zu erster Anerkennung dieser künstlerischen Position. Daneben entstehen in den Sommermonaten aber auch Ansichten, die die heitere Atmosphäre sommerlicher Unbeschwertheit und des Überflusses einer friedvollen Natur transportieren. Nach dem tragischen Tod seiner Frau Paula Modersohn-Becker im Zuge der Geburt ihrer Tochter zieht Modersohn 1908 in das Nachbardorf Fischerhude, das er bereits 1896 mit Fritz Overbeck besucht hatte. Damals schon scheint ihm der Ort malerisch noch interessanter als Worpswede und er kehrt auf Motivsuche oft dorthin zurück. In sanften lichten Farben zeigt Modersohn die sommerliche Landschaft, in der der Blick bis zum Horizont reicht, wo Himmel und Erde zusammentreffen. Die über das weiche Gras dahinziehenden Wolken, die Modersohn oftmals in solch einer für ihn typischen kompakten Form darstellt, verleihen dem Bild eine räumliche Tiefe, die zugleich durch die deutlichen breiten Pinselstriche gebrochen wird. Sowohl in den Wolken als auch in der Wiesenlandschaft, in der einzelne Blumen nur durch pastose Farbtupfer angedeutet werden, geben die Pinselstriche eine bewegte Richtung der Handschrift des Künstlers wieder. Modersohn begreift diese bereits früher schon als wesentlichen Teil des malerischen Ausdrucks: „Wie ich malen muss? Mit zagender Hand, frei, leicht, lose, webend, zitternd.“ (Tagebuch, Worpswede, 28. Februar 1895, zit. nach Otto Modersohn, Ausst.-Kat. Kunstverein Hannover, Hamburg 1987, S. 139). Besonders im Jahr der Entstehung unseres Werkes sind solche Reflexionen bedeutsam, entzündete sich doch am Ankauf des „Mohnfeldes“ (1889) von Vincent van Gogh durch die Bremer Kunsthalle eine Debatte innerhalb der Künstlerschaft, inwieweit eine Beeinflussung durch den französischen Impressionismus zu akzeptieren sei. [KT] Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 16.27 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOtto Modersohn 1865 Soest - 1943 Fischerhude Sommerliche Wümmewiesen. 1911. Oil on cardboard, laminated on panel. Signed in lower left, lower right dated 'V II.' (May 1911). Verso with a label of the Otto-Modersohn-Nachlass-Museums, Fischerhude, there titled 'Wümmewiesen mit Bach', with the confirmation of the son Christian Modersohn and with the estate stamp. 40.4 x 57.3 cm (15.9 x 22.5 in). • Airy landscape expressing a summery freshness • Unusually bright and sunny color atmosphere • Made near Fischerhude, where Modersohn gained new vitality after marrying Louise Breling in 1909. We are grateful to Mr Rainer Noeres, Otto-Modersohn-Museum, Fischerhude, for his kind expert advice. PROVENANCE: Private collection Hamburg (until 1986). Bolland & Marotz, Bremen, auction 46, 1986, lot no. 709. Private collection Baden-Württemberg (inherited in 2010). Called up: December 12, 2020 - ca. 16.27 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Emil Schumacher 1912 Hagen - 1999 San José/Ibiza Räumliche Trennung. 1955. Öl und Sand auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. Verso signiert und datiert. Auf dem Keilrahmen betitelt sowie handschriftlich bezeichnet. 90 x 74 cm (35,4 x 29,1 in). • Herausragende, frühe Arbeit, die für Schumachers gesamtes malerisches Schaffen grundlegend ist. • 'Räumliche Trennung' gilt als ein 'Schlüsselbild' im Werk Emil Schumachers. • Schumacher gelingt es hier erstmals, Farbe als Materie auf der Leinwand zu inszenieren, eine Entdeckung, die für sein gesamtes malerisches Œuvre entscheidend ist. • Eindrucksvolle Ausstellungshistorie: 'Räumliche Trennung' ist seit seiner Entstehung regelmäßig auf Schumacher-Ausstellungen zu sehen und war u. a. auch 1998 auf der großen Retrospektive in Paris, Hamburg und München vertreten. Wir danken Herrn Dr. Ulrich Schumacher, Emil Schumacher Stiftung Hagen, für die wissenschaftliche Beratung. Die Arbeit ist im Archiv registriert. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Herbert Rosendahl, Hagen (um 1958 beim Künstler erworben - bis ca. 1989). Galerie Rieder, München (um 2000). Privatsammlung Berlin (2002 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: (in Auswahl) Gruppe 53, Kunsthalle Düsseldorf, 20.1.1957-24.2.1959. Das frühe Bild - Malerei und Plastik, Deutscher Künstlerbund, Haus der Kunst, München, 1960 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Emil Schumacher, Kestner-Gesellschaft, Hannover, 1961, Kat.-Nr. 24 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Emil Schumacher, Westfälischer Kunstverein, Münster, 1962, Kat.-Nr. 15 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Informel Teil l, Museum Leverkusen / Haus am Waldsee, Berlin, 1973, Kat.-Nr. 35, mit Abb. Emil Schumacher, Kunstverein Braunschweig, 1978, S. 11, mit Abb. Grauzonen - Kunst- und Zeitbilder - Farbwelten 1945-1955, Akademie der Künste, Berlin, 1983, mit Abb. S. 203. Emil Schumacher: Werke 1936-1984, Kunsthalle Bremen / Badischer Kunstverein, Karlsruhe, 1984/85, Kat.-Nr. 6, mit Abb. S. 63. ZEN 49. Die ersten zehn Jahre - Orientierungen, Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, 1986/87, Kat.-Nr. 194, S. 320/321, mit Abb. (auf dem Keilrahmen mit dem Transportetikett). Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Karl Ernst Osthaus Museum, Hagen, 29.8.-4.10.1987. Zeitzeichen - Stationen Bildender Kunst in Nordrhein-Westfalen, Bonn, Leipzig, Duisburg, 1989/90, Kat.-Nr. 156, S. 31 (auf dem Keilrahmen mit dem Transportetikett). Emil Schumacher. Retrospektive, Galerie nationale du Jeu de Paume, Paris / Hamburger Kunsthalle, Hamburg / Haus der Kunst, München, 1998. Emil Schumacher. Werke aus sieben Jahrzehnten, Kunsthalle Emden, Bielefeld, 2001. Emil Schumacher. Der Erde näher als den Sternen. Malerei 1936-1999, Sprengel Museum, Hannover, 18.2.-13.5.2007. Norbert Kricke und Emil Schumacher. Positionen in Plastik und Malerei nach 1945, Emil Schumacher Museum, Hagen, 2014. Emil Schumacher. Inspiration und Widerstand, MMK Museum Kuppersmühle für Moderne Kunst, Duisburg, 2018/19, S. 18, mit Abb. LITERATUR: (in Auswahl) Kunstnachrichten Luzern, 9.J9., H.11/12 vom Juli 1973, mit Abb. Werner Schmalenbach, Emil Schumacher, Köln 1981, S. 47, mit Farbtafel S. 29. Ulrich Schumacher, Emil Schumacher: 'Räumliche Trennung' 1955, in: Kunst im 20. Jahrhundert, Kalender der Deutschen Bank 1989, Juli 1989, mit Farbtafel. Ulrich Krempel, der Bogen führt vom Boden zum Boden. Zum Werk von Emil Schumacher, Ausst.-Kat. Emil Schumacher, Sprengel Museum Hannover, München 2007, Kat.-Nr. 16, mit Abb. Ernst-Gerhard Güse, Emil Schumacher. Das Erlebnis des Unbekannten, Ostfildern 2012, mit Abb. S. 248. 'Das 'Schlüsselbild', bei dem er [Schumacher] diese ihn außerordentlich erregende und stimulierende Entdeckung machte, trug den Titel Räumliche Trennung [..].Kunstgeschichtlich ist bei dem Vorgang von Interesse, daß am Anfang der eigentlichen Kunst Emil Schumachers eine Erfahrung stand, die sich mit den gleichzeitigen Farberkundungen Yves Kleins vergleichen lässt, obgleich die beiden, überdies durch eine Generation getrennten Maler diametral entgegengesetzte Wege gingen: Yves Klein zu einer Malerei der Immaterialität und Spiritualität, Schumacher zu einer Malerei der Materialität und Expressivität.' Werner Schmalenbach, Emil Schumacher, Köln 1981, S. 47-49. 'Räumliche Trennung' gilt in Emil Schumachers Gesamtwerk als ein 'Schlüsselbild', das auf fast allen bedeutenden Schumacher-Ausstellungen zu sehen war. Beeindruckend ist die Ausstellungsliste und einzigartig das Werk, das von einem leuchtenden, fast schillernden Blau dominiert ist und für Schumachers künstlerisches Schaffen in entscheidender Weise wegweisend wird. Bereits 1981 wird es von Werner Schmalenbach in seiner grundlegenden Schumacher-Monografie als 'Schlüsselwerk' bezeichnet. Schumacher findet hier erstmals einen technischen Weg, dem Medium der Farbe ein höchstmaß an Ausdruck zu sichern, der im Medium selbst, in dessen Objektivität ruht. Als Schumacher 1955 von einem Farbhändler einen Karton mit blauer Trockenfarbe, d.h. ungebundenes, pudriges Farbpigment geschickt bekommt, kommt es für Schumacher zu einem künstlerischen Schlüsselerlebnis: Das Blau dieser Farbe besaß im unvermalten Trockenzustand einen wunderbaren Schimmer, der Schumacher nach eigener Aussage mit seinem samtigen Glanz an die Flügel von Schmetterlingen erinnerte. Schumacher hatte den drängenden Wunsch, diese Optik und Haptik auch auf der Leinwand zu erhalten, aber sobald die Farbe in Berührung mit einem Haftmittel kam, sackte sie ein und der besondere Reiz ihrer Oberfläche verflüchtigte sich. Erst nach längeren Versuchen gelang Schumacher in 'Räumliche Trennung' das, was er sich zum Ziel gesetzt hatte, die Farbe so wie sie im trockenen Zustand erschien in seiner Malerei zu erhalten. 'Räumliche Trennung' mit ihrem sanft schimmernden Blau ist also das Werk, in dem es Schumacher erstmals gelingt, seine Gedanken zur Materialität der Farbe künstlerisch in einer herausragenden Komposition aus leuchtenden Farbflächen und einem kraftvollen, teils geritzten Liniengefüge zu bannen, die für sein gesamtes späteres Schaffen in entscheidender Weise prägend sein wird. [JS] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 17.57 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Nächtliche Berliner Straßenszene. 1926. Kreide. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1570b) und der handschriftlichen Nummerierung 'K Be/Bb 2'. Auf chamoisfarbenem Velin. 50 x 36 cm (19,6 x 14,1 in), blattgroß. • Diese Zeichnung entsteht in Berlin 1926, wo Kirchner sich während der Deutschlandreise 1925/26 aufhält. • Bisher wurde diese Zeichnung in die Berliner Zeit der großen Straßenszenen um 1914 datiert. • Kirchner dient die Impression als Vorzeichnung zum Gemälde „Straße mit Passanten bei Nachtbeleuchtung“ von 1926/27 (Museum Frieder Burda, Baden Baden). PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers (verso mit dem Nachlassstempel). Sammlung Olbricht, Essen. 1926 in Berlin am Abend. Passanten gehen wie hier des Weges, treffen im Vordergrund aufeinander, trennen sich wieder, bewegen sich auseinander. Lampen wie Kugeln reihen sich im Hintergrund, die angedeutete Architektur beschreibt den Ort, den Eingangsbogen in die Metro: die zielstrebige Dynamik der nächtlichen Begegnung von Menschen auf den Trottoiren, die Kirchner mit Kreide auf diesem großen Bogen Papier festhält, so nah, als würde er sich unmittelbar gegen den Strom der Passanten stemmen, die rechts wie links an ihm vorbeieilen. Kirchner dient die Impression als Vorzeichnung zum Gemälde „Straße mit Passanten bei Nachtbeleuchtung“ von 1926/27 (Gordon 853). Bisher wurde diese Zeichnung immer in die Berliner Zeit der großen Straßenszenen um 1914 datiert, selbst noch, als die Beziehung zu dem Gemälde von 1926/27 bereits bekannt ist. Dass zwischen einer Zeichnung und einem Bild mehrere Jahre liegen, ist in Kirchners Werk nicht belegbar. Diese Zeichnung entsteht in Berlin 1926, wo er sich während der Deutschlandreise 1925/26 aufhält. Das Gemälde malt Kirchner erst nach seiner Rückkehr nach Davos im Laufe der Jahre 1926 und 1927. Bei einem Vergleich zwischen Skizze und Gemälde zeigt sich, wie Kirchner in Berlin die gleiche Unmittelbarkeit und Dynamik wie in Zeichnungen der Jahre 1913 oder 1914 einnimmt, die Umsetzung von Skizze zu Bild jedoch sich in hohem Maße verfestigt: Die bildnerische Konstruktion und die dekorative Organisation der Fläche haben das Spontane und die Bewegung der Berliner Zeit verdrängt. [MvL] Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 18.37 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Nächtliche Berliner Straßenszene. 1926. Chalks. Verso with the estate stamp (Lugt 1570b) and the hand-written number 'K Be/Bb 2'. On creme wove paper. 50 x 36 cm (19.6 x 14.1 in), the full sheet. • This drawing was made in Berlin in 1926, where Kirchner was staying during a trip to Germany in 1925/26. • So far, this drawing has been dated to the Berlin time of the great street scenes around 1914. • Kirchner uses the impression as a preliminary drawing for the painting “Straße mit Passanten bei Nachtbeleuchtung“ from 1926/27 (Museum Frieder Burda, Baden Baden). PROVENANCE: From the artist's estate (verso with the estate stamp). Collection Olbricht. Called up: December 12, 2020 - ca. 18.37 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Ernst Hermanns 1914 Münster - 2000 München Kugel und Säule auf Grundfläche. 1981. Eisen. Herzer 200 (1981/I). Unikat. 45 x 80 x 50 cm (17,7 x 31,4 x 19,6 in). [JS]. • Charakteristische minimalistische Plastik des bedeutenden deutschen Nachkriegskünstlers. • Zentrale Arbeit aus der späteren Werkgruppe der mehrteiligen Arbeiten, die spannungsvolle Bezüge aufbauen. • Unikat. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Würtemberg. LITERATUR: Neue Kunst in München, Nr. 8, Galerie am Promenadenplatz, September/Oktober 1981, Abb. S. 192. 'Bei den früheren Arbeiten von Ernst Hermanns war die Grundplatte die Standfläche der Elemente, der Gruppe; jetzt tritt sie aus dieser dienenden Funktion heraus - sie dehnt sich aus und gewinnt dabei den Charakter eines weiten Platzes. Die sparsame und weitläufige Anordnung der Elemente, das Verhältnis von vertikaler und horizontaler Ausdehnung der Arbeiten unterstreicht diesen Platzcharakter; und gibt es einmal das Spannungsverhältnis zwischen den Elementen - bei Stab und Kugel beispielsweise das von Stabilität und Labilität, von Anziehung, gegen die die Kugel ihre Lage zu behaupten sucht -, so gibt es zugleich auch das Spannungsverhältnis der sozusagen abweichenden Geometrie von Grundplatte und Anordnung der Elemente: Stab und Kugel befinden sich auf einer Diagonalen, die aber nicht identisch ist mit der diagonalen der Grundplatte. Damit bleibt in der Einheit der Arbeit zugleich eine Unterschiedlichkeit spürbar [..]' Kunstreport 3/4 1981, S. 27f. Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Hermanns 1914 Münster - 2000 München Kugel und Säule auf Grundfläche. 1981. Iron. Herzer 200 (1981/I). Unique object. 45 x 80 x 50 cm (17.7 x 31.4 x 19.6 in). [JS]. • Characteristic minimalistic sculpture by the important German post-war artist. • Key object from the later group of multi-part works characterized by fascinating cross references. • Unique object. PROVENANCE: Private collection Baden-Würtemberg. LITERATURE: Neue Kunst in München, no. 8, Galerie am Promenadenplatz, September/October 1981, illu. on p. 192. Called up: December 11, 2020 - ca. 14.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Otto Dill 1884 Neustadt/Weinstraße - 1957 Bad Dürkheim Aus Baden-Baden. 1946. Öl auf Hartfaserplatte. Rechts unten signiert und datiert. Verso handschriftlich auf einem Etikett betitelt und mit dem Künstlernamen. Auf einem weiteren Etikett typografisch und handschriftlich mit Künstleranschrift, Titel und Maßen bezeichnet. 60 x 80 cm (23,6 x 31,4 in). PROVENIENZ: Gemäldekabinett Unger, München. Unternehmenssammlung Nordwest-Medien GmbH & Co. KG, Oldenburg (1989 beim Vorgenannten erworben). Otto Dill studiert nach einer Lehre als Verlagskaufmann von 1908-1914 Malerei an der Münchner Akademie und wird Meisterschüler Heinrich von Zügels, mit dem er die Sommermonate in Wörth am Rhein verbringt. Dill schildert seine Motive, zu denen bevorzugt Pferdedarstellungen gehören, in spätimpressionistischer Manier, kombiniert mit einer typischen pastosen Malweise und kräftig leuchtenden Farben. In der Inszenierung der Beleuchtung, der Wahl der Farben und dem lockeren Pinselduktus zeigt das Gemälde einen beschaulichen Sommertag in Baden-Baden. Dills Kutschenbilder und Gemälde mit Reitern im Park 'sind durchflutet vom Licht, das durch die Zweige der Bäume auf Pferde und Reiter fällt, auf die Spaziergänger am Wegesrand. Das flirrende Licht, das im Schatten verdämmert, bindet Natur und Gestalten in eine idyllische, atmosphärische Welt ein' (Wilhelm Weber, Otto Dill. Leben und Werk, Neustadt an der Weinstraße 1992, S. 56). [EL] Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 16.42 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONOtto Dill 1884 Neustadt/Weinstraße - 1957 Bad Dürkheim Aus Baden-Baden. 1946. Oil on fibreboard. Signed, dated and titled in lower right. With handwritten title and the artist's name on a label on verso of the strecther. With artist's address, title and dimensions in typography and by hand on another label. 60 x 80 cm (23.6 x 31.4 in). PROVENANCE: Gemäldekabinett Unger, Munich. Company collection Nordwest-Medien GmbH & Co. KG, Oldenburg (acquired from aforementioned in 1989). Called up: December 12, 2020 - ca. 16.42 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Marc Chagall 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence Paris de la fenêtre. 1969/70. Farblithografie. Mourlot 599. Signiert und nummeriert. Eines von 50 Exemplaren. Auf Velin von Arches (mit dem Wasserzeichen). 83 x 60 cm (32,6 x 23,6 in). Papier: 99,5 x 70 cm (39,1 x 27,5 in). [EH]. • Marc Chagall nennt Paris den Wiederschein seines Herzens. • Paris, diese zweite Heimat Chagalls, taucht immer wieder in seinen Werken auf. • Die Bildikonografie ist bei Marc Chagall immer von seinen persönlichen Gefühlen geprägt. • Marc Chagalls lithografisches Werk besticht durch seine außerordentliche Güte. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 1971 in Familienbesitz). Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 19.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMarc Chagall 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence Paris de la fenêtre. 1969/70. Lithograph in colors. Mourlot 599. Signed and numbered. From an edition of 50 copies. On wove paper by Arches (with the watermark). 83 x 60 cm (32.6 x 23.6 in). Sheet: 99,5 x 70 cm (39,1 x 27,5 in). [EH]. • Marc Chagall calls Paris the reverberation of his heart. • Paris, Chagall's second home, appears again and again in his works. • Marc Chagall's pictorial iconography is always shaped by his personal feelings. • Marc Chagall's lithographic work impresses with its extraordinary quality. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Called up: December 12, 2020 - ca. 19.02 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Arnulf Rainer 1929 Baden bei Wien - lebt und arbeitet in Wien Schwarze Übermalung auf Braun. 1955/56. Öl auf Leinwand. Verso signiert und datiert. 180 x 97 cm (70,8 x 38,1 in). [SM]. • Arnulf Rainer zählt zu den wichtigsten Künstlern der österreichischen Avantgarde nach 1945. • 'Schwarze Übermalung auf Braun' ist eine der ersten für den Künstler so typischen wie großartigen Übermalungen der 1950er Jahre, in der die schwarze Monochromie nahezu die gesamte Bildfläche bedeckt. • Durch die Materialität der Farbe, die Schicht für Schicht mit gestischen Pinselstrichen auf die Leinwand gesetzt ist, erschafft Arnulf Rainer eine geheimnisvolle Binnenstruktur. • Der Betrachter begreift das Bedecken, das Zudecken der Leinwand mit Farbe als zeitlichen Prozess. Die Arbeit wurde von Atelier Arnulf Rainer, Wien, mündlich bestätigt. Wir danken für die freundliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Stuttgart. Privatsammlung Hildegard Freifrau von Münchhausen, München. Sammlung Haniel, Duisburg. (seit 1984). AUSSTELLUNG: Arnulf Rainer, Nationalgalerie Berlin, Staatliche Museen Preußischer Kulturbesitz, Berlin, 20.11.1980-1.2.1981; Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden, 13.2.-26.4.1981; Städtisches Kunstmuseum, Bonn, 5.5.-21.6.1981; Museum moderner Kunst/ Museum des XX. Jahrhunderts, Wien, 11.9.-2.11.1981, S. 76, Abb. 130. Arnulf Rainer ist für den Aufbruch der österreichischen Avantgarde nach 1945 sicherlich der wichtigste Künstler. 1929 in Baden bei Wien geboren, besucht er als 18-Jähriger eine Kunstgewerbeschule in Kärnten und geht anschließend nach Wien. Selbstbewusst verzichtet er auf seinen Platz an der Akademie der bildenden Künste und zieht der konservativen Hochschule ein autodidaktisches Studium vor. Auf der Suche nach einer Antwort auf die allgemeine Frage, welchen Weg die Malerei in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts überhaupt noch gehen könne, hält Rainer für sich fest, dass es zunächst notwendig ist, im Sinne der Surrealisten ins Unbewusste einzutauchen. Dann müsse, um dem Neuanfang eine Chance zu geben, ein Auflösungszustand eingeleitet werden, der – wie Rainer es formuliert – in einer 'Tabula rasa' endet, den sogenannten 'Auflösungen'. Diese aufgelösten, atomisierten Formen geben ihm sodann die Möglichkeit, wieder neu zu beginnen, wieder zugedeckt und ausgelöscht zu werden. Ab Mitte der 1950er Jahre entstehen neben 'Proportionen' und 'Blindzeichnungen' Rainers erste schwarze Bilder wie unser Werk 'Schwarze Übermalung auf Braun', das er zwei Jahre lang immer wieder überarbeitet: Das Schwarz-in-Schwarz erhält so diese faszinierende, haptische Struktur. Jahre später, 1978, erinnert sich Arnulf Rainer seiner Methode und Herangehensweise: 'Meine Übermalungen vollziehen sich, wie schon betont, langsam, stetig, bedächtig. Der große Aufwand einer Zumalung ist in lauter kleine, allmähliche Schritte zerlegt, die jahrelang andauern. Als ich 1954 damit anfing, fremde und eigene Bilder zuzustreichen, wußte ich selbst nicht, daß sich ein 99prozentiges Schwarzfeld als Bildform ergeben kann, daß so eine Reduzierung überhaupt noch als qualifizierbare Gestalt möglich ist, daß sie für andere kommunizierbar wird. Es war kein Konzept, sondern Schritt für Schritt machend ergab sich die Richtung. Antrieb war das dauernde Ungenügen mit der jeweiligen Schwarzform, mit der Unvollkommenheit des bis dahin erarbeiteten Flächenkomplexes. Manchmal packte mich Verzweiflung, ich fürchtete die Bildaussage völlig zu verlieren. Auch heute weiß ich oft nicht, wann ich aufhören soll, ob der neue Pinselstrich das Bild noch besser macht. Ich kann oft die Gestalt nicht mehr qualifizieren, ich bin nur mit ihr unzufrieden. Aber ein neuer wichtiger Pinselstrich zwingt sich nicht auf. Stehe ich an einem solchen Punkt, lege ich die ganze Serie für einige Wochen beiseite. Danach durchschaue ich die Schwächen leichter, korrigiere ich dezidierter, sehe sogar sehr klar.' 'Schwarze Übermalung auf Braun' ist eine so typische wie großartige Übermalung der 1950er Jahre, in der die schwarze Monochromie nahezu die gesamte Bildfläche bedeckt; lediglich in der unteren rechten Ecke lässt der Künstler das Braun des Untergrundes hervorscheinen. Durch die Materialität der Farbe, die hier Schicht für Schicht mit gestischen Pinselstrichen auf die Leinwand gesetzt ist, erschafft Rainer nicht zuletzt mit den wenigen Verlaufsspuren eine geheimnisvolle Binnenstruktur, einen einheitlichen Bildraum. Der Betrachter begreift das Bedecken, das Zudecken der Leinwand mit Farbe als zeitlichen Prozess. Rainer rückt den Faktor Zeit durch seine Übermalungen ins Bewusstsein. Zum einen löscht er das vorher Gewesene in überwiegender Fläche aus, zum anderen steigert er die Vorstellung der hinter der Farbe liegenden möglichen Fülle ins Unermessliche. [MvL] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 18.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Willi Baumeister 1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Weißes Zeichen auf Hellgrün. 1940. Öl auf Leinwand. Beye/Baumeister 799. Rechts unten signiert und datiert. 43 x 33 cm (16,9 x 12,9 in). Im oberen Teil der Darstellung wird durch die darunterliegende Kamm-Struktur sichtbar, dass Baumeister für das vorliegende Gemälde eine zumindest in Teilen bereits auf der Leinwand angelegte, frühere Komposition übermalt hat. [JS]. • Außergewöhnliche Komposition aus der frühen Werkgruppe der 'Ideogramme und Zeichen'. • Seit den 1940er Jahren in Familienbesitz. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: www.artnet.de). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg/Hessen (in den 1940er Jahren direkt vom Künstler erhalten). Privatsammlung Hessen (vom Vorgenannten durch Erbschaft erhalten). Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.33 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONWilli Baumeister 1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Weißes Zeichen auf Hellgrün. 1940. Oil on canvas. Beye/Baumeister 799. Signed and dated in lower right. 43 x 33 cm (16.9 x 12.9 in). The subjacent comb structure is visible in the upper part of the painting, which shows that Baumeister painted over, at least partly, an earlier composition. [JS]. • Exceptional composition from the early work group 'Ideogramme und Zeichen' (Ideograms and Signs). • Family-owned since the 1940s. • For the first time on the international auction market (source: www.artnet.de). PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg/Hessen (obtained from the artist in the 1940s). Private collection Hesse (inherited from aforementioned). Called up: December 11, 2020 - ca. 14.33 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Alexej von Jawlensky 1864 Torschok - 1941 Wiesbaden 119001494. Um 1917. Öl auf leinwandstrukturiertem Papier. 36 x 27,2 cm (14,1 x 10,7 in), blattgroß. Für Jawlensky ungewöhnliche abstrakte Komposition von gesteigerter, lichter und starkfarbiger Expressivität. Dieses stark abstrahierte Stillleben mit im Pinselduktus angedeuteten Blüten ist zweifelsfrei singulär im Werk des Künstlers. Eine Art von Ikone mit anziehendem Zentrum, die Jawlensky hilft, seinen lebenslangen Weg der geistigen Klärung weiterzugehen. Seit Jahrzehnten in Familienbesitz. Mit einer Echtheitsbestätigung des Alexej von Jawlensky-Archivs S.A., Locarno vom 9.11.2020, dem das Werk im Original zur Begutachtung vorgelegen wurde. Die Arbeit wird in das Werkverzeichnis Alexej von Jawlenskys aufgenommen. PROVENIENZ: Galka Scheyer (in Kommission). Sammlung Baden-Württemberg. Privatsammlung Bayern (geerbt vom Vorgenannten). 'In harter Arbeit und mit größter Spannung fand ich nach und nach die richtigen Farben und Formen, um auszudrücken, was mein geistiges Ich verlangte.“ Alexej von Jawlensky um 1916. Dieses stark abstrahierte Stillleben mit im Pinselduktus angedeuteten Blüten ist zweifelsfrei singulär im Werk des Künstlers. Wunderbar ist die leuchtende, warme Farbpalette: Gelbtöne und klares Rot im Wettstreit der Dominanz, feines Türkis im Kontrast zu nüchternem Grün, schwarze, grüne und rote Bögen ordnen die Farbflächen, geben ihnen dynamischen Halt im Kräftespiel der Farbformen. Versucht man dieses Stillleben im Werk von Jawlensky einzuordnen, so drängen sich Assoziationen mit Landschaften und Ansichten auf, die Jawlensky in einer kurzen Phase im Frühjahr 1914 in Bordighera malt. Schon dort deutet sich ein Malstil von gesteigerter, lichter und starkfarbiger Expressivität in spielerisch ausgelassen inszenierten Motiven an, wie es auch in unserem Stillleben zu finden ist. Vielleicht mag sich Jawlensky an die 'Improvisation 10' aus dem Jahr 1910 seines Freundes Wassily Kandinsky erinnert haben. In dieser kreisen bewegte Farbfelder und Landschaftsverläufe perspektivisch geordnet mit schwarzen Konturen und Bögen um eine fiktive Architektur. Durchaus vergleichbar geht Jawlensky in unserem Gemälde vor, wenn er zunächst Farben wie Inseln mit expressiven Pinselhieben über den Malkarton verteilt und die ungewöhnliche abstrakte Komposition mit den strukturierenden Bögen über ein Zentrum ordnet. In Bordighera, darüber gibt es keinen Zweifel, beschreitet Jawlensky neue Pfade, die er ein paar Monate später in seinem durch den Ausbruch des Ersten Weltkrieges erzwungenen Exil in St. Prex am Genfer See mit der Serie der 'Variationen' vorerst nicht weiter verfolgt: Hier malt er den immer gleichen Blick aus seinem Atelierfenster in den Garten und auf den in der Ferne liegenden Genfer See. Immer abstrakter werdend, lösen sich diese sogenannten Variationen von der Naturgegebenheit. Farbe und Form dominieren und gewinnen an Intensität, wirken wie die Verklärung eines Motivs, werden zu einer bildhaften Idee. Eine solche 'Variation' beginnt Jawlensky auf der Rückseite unseres 'Stilllebens' und offenbart damit sein Vorgehen im Bildaufbau: anhand dieser unvollendeten Komposition lässt sich nachvollziehen, dass von Beginn ein Gleichgewicht nicht nur in dem inzwischen stark abstrahierten Naturereignis des Gesehenen, sondern auch in den ausgewählten Farben gesetzt ist. Die Bildfläche wird von Anfang an ausgewogen gestaltet. Umzug von St. Prex nach Zürich Mit dem Umzug Jawlenskys mit der Familie und Marianne von Werefkin im Oktober 1917 weg von dem kleinen, einsamen Ort St. Prex am Genfer See nach Zürich ändert sich Jawlenskys Stimmung, und damit seine Motive und seine Palette. In den kommenden sechs Monaten über den Jahreswechsel beschäftigt sich Jawlensky mit der Werkserie der 'Mystischen Köpfe' und entwickelt, ausgehend von einem Porträt, das er von Emmy 'Galka' Scheyer 1917 in Zürich anfertigt, eine neue Variante seines Kopf-Motivs. Trotz vieler individueller Details ihres charakteristischen, eher jugendlichen Aussehens stilisiert Jawlensky das Gesicht doch deutlich mit pointierten Farbfeldern und markanten Linien. Für ihn scheint es wichtig, die Ausstrahlung des Gesichts und den inneren Klang der Persönlichkeit herauszustellen. Wahlverwandtschaften Die Entwicklung zu dem hier vorzustellenden 'Stillleben' ist rasant und verblüffend zugleich. Das Werk 'Mystischer Kopf, Licht – Erleuchtung des Heiligen, 1917 N.15' fungiert wie eine stabilisierende Säule für den Übergang von dem Porträt 'Galka' zu der nahezu abstrakten Komposition mit zirkulierenden Blüten in unserem Gemälde. Kräftige Pinselhiebe zur Unterstützung der Physiognomie Galkas finden sich wieder als Zentrum in unserer Komposition, werden zusammengehalten mit Konturstrichen, wie wir sie auch im zeitnah entstehenden Gemälde 'Mystischer Kopf, Licht' nachempfinden können. Dieser 'Mystische Kopf, Licht' ist das einzige bekannte Gemälde, das sich schon auf den ersten Blick als unserem 'Stillleben' verwandt zeigt. Einen mystischen Kopf, ein Heilandgesicht können wir in dem Stillleben nicht ausmachen, wohl aber eine Art von Ikone mit einem anziehenden Zentrum, die Jawlensky im Inneren bewegt und die zugleich hilft, seinen lebenslangen Weg der geistigen Klärung weiterzugehen. Und dies gibt diesem 'Stillleben' die Seele und die Idee, sich aus dem für den Künstler bisher künstlerisch Tagtäglichen zu emanzipieren. Ob das so ist? Wir können es nicht mit Sicherheit sagen; in diesem Fall können wir weder auf einen vom Künstler gegebenen Titel zurückgreifen, noch liegt eine verbindliche Datierung vor. Die Signatur allerdings ist ein klares Zeichen für die untrügliche Wertschätzung des Künstlers für den starken Ausdruck dieser Komposition. Provenienz Die Provenienz dieses 'Stilllebens' mit Blüten ist soweit geklärt, als dass Galka Scheyer nach 1918 die Arbeit an sich nimmt, um sich um einen Käufer zu bemühen. Sie lernt Alexej von Jawlensky bereits 1916 in Lausanne anlässlich einer Ausstellung kennen und gibt ihre eigenen künstlerischen Ambitionen auf, um sich intensiv der Vermarktung der Werke Jawlenskys anzunehmen. Der Klebezettel 'Stilleben / Gr I_6' auf der Rückseite ist ein Hinweis auf ihr Ordnungssystem der ihr anvertrauten Arbeiten des Künstlers. Zudem wissen wir, dass das 'Stillleben' im Eigentum von 'Fräulein Irene' war und durch Erbschaft bis heute im Familienbesitz ist. 'Fräulein Irene' ist Anfang der 1920er Jahre an der Akademie in Dresden eingeschrieben und gehört zum Freundeskreis von Franz Kafka. Ihr Vater ist Lungenfacharzt und betreibt ein Sanatorium in Matliary in der Hohen Tatra; Kafka ist dort Patient. In Dresden schließt 'Fräulein Irene', wie Kafka sie in Briefen benennt, unter anderem Bekanntschaft mit der Rezitatorin Midia Pines. Jawlensky wiederum kennt Midia Pines; deren Schwester Lisa Pines ist eine Mitarbeiterin der Galerie Neue Kunst Fides in Dresden. Jawlensky wird dort gehandelt. Bis heute bleibt Jawlenskys 'Stillleben' mit Blüten im Eigentum der Familie. Allerdings entzieht sich unserer Kenntnis der präzise Zeitpunkt der Erwerbung. [MvL] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 17.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Max Ackermann 1887 Berlin - 1975 Unterlengenhardt/Bad Liebenzell Ohne Titel. 1972. Öl auf Leinwand. Verso auf dem Keilrahmen signiert, datiert '29.IV.72-10.V.72' und zweifach bezeichnet '73'. 120 x 100,5 cm (47,2 x 39,5 in). [CH]. • Max Ackermann ist einer der großen Verfechter und Pioniere der abstrakten deutschen Malerei, der er sich ab den 1950er Jahren voll und ganz verpflichtet. • In den 1930er Jahren gehört er zu dem Kreis der 'entarteten Künstler', nach dem Krieg steigt er auf in die 'Meisterriege der deutschen Nachkriegsabstraktion'. • 'Vom kritischen Realismus malte sich Max Ackermann in die lyrische Abstraktion.' (beide Zitate: Welt online). • Weitere Werke des Künstlers befinden sich u. a. im Folkwang Museum, Essen, im Städel Museum, Frankfurt a. M., und in der Pinakothek der Moderne, Bayerische Staatsgemäldesammlungen, München. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.49 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMax Ackermann 1887 Berlin - 1975 Unterlengenhardt/Bad Liebenzell Ohne Titel. 1972. Oil on canvas. Verso of the stretcher signed, dated '29.IV.72-10.V.72' and twice inscribed '73'. 120 x 100.5 cm (47.2 x 39.5 in). [CH]. • Max Ackermann is one of the German pioneers of abstraction to which he committed fully as of the 1950s. • In the 1930s he was among the 'defamed artists', while he rose to fame in post-war abstraction. • 'Max Ackermann's painting went from Critical Realism to Lyrical Abstraction.' (beide Zitate: Welt online). • Other works by the artist are at, among others, the Folkwang Museum, Essen, the Städel Museum, Frankfurt/Main, and the Munich Pinakothek der Moderne. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Called up: December 11, 2020 - ca. 14.49 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Uwe Kowski 1963 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Reserve. 2005. Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert, betitelt und mit den Maßangaben bezeichnet. 240 x 360 cm (94,4 x 141,7 in). [CH]. • Die bisher größte auf dem Auktionsmarkt angebotene Arbeit des Künstlers. • 2008 Teil der Überblicksschau in der Kunsthalle Emden. • Kowski verwendet in seinen Bildern typischerweise Wortfetzen oder Begriffe, die wie greifbare Gegenstände im Raum stehen und das Bild wie hier mithilfe der Perspektive strukturieren. • Gerade in den letzten Jahren sind Kowskis Werke in zahlreichen Ausstellungen vertreten, u. a. in den Kunstsammlungen Chemnitz, im Museum der bildenden Künste in Leipzig und im Museum Frieder Burda, Baden-Baden. PROVENIENZ: Galerie EIGEN + ART, Leipzig (auf dem Keilrahmen mit mehreren Galeriestempeln und einem typografisch bezeichneten Galerieetikett). Privatsammlung Hessen (2006 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Uwe Kowski, Beben, Galerie EIGEN + ART, Leipzig, 14.1.-15.4.2006 (mit ganzs. Abb. auf der Einladungskarte, jedoch noch vor Ausstellungsbeginn erworben). Full House. Gesichter einer Sammlung, Kunsthalle Mannheim, 2.4.-22.10.2006. Uwe Kowski, Gemälde und Aquarelle 2001-2008, Kunsthalle Emden, 28.6.-14.9.2008, S. 24 (mit ganzseitiger Abb., S. 114f.). Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 16.05 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONUwe Kowski 1963 Leipzig - lebt und arbeitet in Berlin Reserve. 2005. Oil on canvas. Verso of the canvas signed, dated, titled and inscribed with the dimensions. 240 x 360 cm (94.4 x 141.7 in). [CH]. • This is the artist's largest work to date offered on the auction market. • In 2008 part of the exhibition at the Kunsthalle Emden. • In his pictures, Kowski uses fragments of words or terms that stand in the room like tangible objects and structure the picture with the help of perspective, like it is the case here. • In recent years in particular, Kowski's works have been part of numerous exhibitions, e.g. at the Kunstsammlungen Chemnitz, the Museum of Fine Arts in Leipzig and the Museum Frieder Burda, Baden-Baden. PROVENANCE: Galerie EIGEN + ART, Leipzig (with several gallery stamps and a typographically inscribed gallery label on the stretcher). Private collection Hesse (acquired from aforementioned in 2006). EXHIBITION: Uwe Kowski, Beben, Galerie EIGEN + ART, Leipzig, January 14 - April 15, 2006 (with full-page illu. on the invitation card, however, the work was acquired before the exhibition). Full House. Gesichter einer Sammlung, Kunsthalle Mannheim, April 2 - October 22, 2006. Uwe Kowski, Gemälde und Aquarelle 2001-2008, Kunsthalle Emden, June 28 - September 14, 2008, p. 24 (with full-page illu., pp. 114f.). Called up: December 11, 2020 - ca. 16.05 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Fritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Altdorf bei Landshut Kleines Votiv W. 1964. Bronze mit goldbrauner Patina. Clarenbach 327. Auf der Plinthe mit Monogramm und Nummerierung. Eines von 5 Exemplaren. 44 x 48 x 11 cm (17,3 x 18,8 x 4,3 in). Von der gleichen Skulptur gibt es auch 3 Güsse in Eisen. [SM]. • Eines von nur 5 Exemplaren. • Eine Bronze dieser Skulptur wird erst zum zweiten Mal auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Koenigs Formensprache zeichnet sich aus durch eine freie Übersetzung tektonischer Prinzipien, von stützenden und lastenden Formen. • Anstelle von Henry Moore wird Fritz Koenig beauftragt, eine Brunnenanlage für das World Trade Center zu gestalten. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 15.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Altdorf bei Landshut Kleines Votiv W. 1964. Bronze with golden brown patina. Clarenbach 327. Plinth with monogram and number. From an edition of 5 copies. 44 x 48 x 11 cm (17.3 x 18.8 x 4.3 in). Three iron casts of this sculpture are also in existence. [SM]. • One of only 5 copies. • This is only the second time that a copy of this sculpture is offered for on the international auction market. • Koenig's formal language is characterized by a free translation of tectonic principles. • Instead of Henry Moore, Fritz Koenig was commissioned to design a fountain system for the World Trade Center. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Called up: December 11, 2020 - ca. 15.07 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Karl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Weißes Haus. 1928. Öl auf Schichtholz. Wohlert 843. Links unten monogrammiert (in Ligatur). 50 x 68,5 cm (19,6 x 26,9 in). Zweite Fassung des Gemäldes 'Weißes Haus', das Hofer 1926 geschaffen hat und das 1937 als 'entartet' aus dem Besitz der Kunsthalle Mannheim beschlagnahmt wurde, bei Wohlert mit 'Verbleib unbekannt' gelistet ist. [JS]. • Eine der berühmten Tessiner Landschaftsdarstellungen Hofers, die im Umkreis seines Hauses am Luganer See ab den 1920er Jahren entstehen. • Seltene träumerisch-entrückte nächtliche Szenerie, die das Weiß des Tessiner Hauses in nächtlichem Mondschein erstrahlen lässt. • Die von Hofer 'Sommerbilder' genannten Tessin-Bilder sind in kraftvollen Farben gehalten und Ausdruck seiner Suche nach Ruhe und Harmonie. • Weitere Landschaften aus dieser Zeit befinden sich u. a. im Museum Kunstpalast in Düsseldorf, im Sprengel Museum in Hannover, in der Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea in Rom, in der Staatsgalerie Stuttgart und im Kunstmuseum Winterthur. • Seltene Nachtdarstellung in besonders kraftvoller Farbpalette. PROVENIENZ: Privatbesitz Pirmasens (wohl seit 1975). Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 1988, Grisebach, 23.11.1988). AUSSTELLUNG: Karl Hofer, Galerie am Funkhaus, Berlin 1955, Nr. 7 (unter dem Titel 'Haus im Tessin'). LITERATUR: Galerie Wolfgang Ketterer, München, Auktion 15, 1975, Kat.-Nr. 721, S. 122, mit Abb (unter dem Titel 'Tessiner Haus'). H. König, Villa Grisebach, Berlin, Nov. 1988, in: Weltkunst, 58, 1988, H.22, S. 3526. Villa Grisebach, Berlin, Auktion 7, 23.11.1988, Kat.-Nr. 83, mit Abb. 'Die Schönheit unserer besten Bildwerke ist eine metaphysische.' Karl Hofer, Aus den nachgelassenen Schriften, zit. nach: Hartwig Garnerus, Karl Hofer, Köln 1998, S. 8. Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 17.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONKarl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Weißes Haus. 1928. Oil on laminated wood. Wohlert 843. Monogrammed in lower left. 50 x 68.5 cm (19.6 x 26.9 in). Second version of the painting 'Weißes Haus', made in 1926 and confiscated from the Kunsthalle Mannheim as 'degenerate' in 1937. Listed in Wohlert as 'Verbleib unbekannt' (whereabouts unkown). [JS]. • One of Hofer's famous Ticino landscapes that he created in the vicinity of his house on Lake Lugano as of the 1920s. • Rare, dreamy, nocturnal scenery, in which the white of the Ticino house shines in moonlight. • The Ticino pictures, which Hofer called 'Summer Pictures' are kept in strong colors and express his quest for calm and harmony. • Further landscapes from this period can be found at, among others, the Museum Kunstpalast in Düsseldorf, the Sprengel Museum in Hanover, the Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea in Rome, the Staatsgalerie Stuttgart and the Kunstmuseum Winterthur. • Rare nocturnal scene in a particularly powerful color palette. PROVENANCE: Private collection Pirmasens (presumably since 1975). Private collection Baden-Württemberg (since 1988, Grisebach, November 23, 1988). EXHIBITION: Karl Hofer, Galerie am Funkhaus, Berlin 1955, no. 7 (titled 'Haus im Tessin'). LITERATURE: Galerie Wolfgang Ketterer, Munich, auction 15, 1975, cat. no. 721, p. 122, with illu. (titled 'Tessiner Haus'). H. König, Villa Grisebach, Berlin, Nov. 1988,in: Weltkunst, 58,1988, issue 22, p. 3526. Villa Grisebach, Berlin, auction 7, November 23, 1988, cat. no. 83, with illu. 'The beauty of our best pictorial works is a metaphysical one.' Karl Hofer, Aus den nachgelassenen Schriften, quote after: Hartwig Garnerus, Karl Hofer, Cologne 1998, p. 8. Called up: December 12, 2020 - ca. 17.49 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Gotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Kissenbild. 1970/71. Mischtechnik. Acryl auf Perlon, über synthetische Watte gespannt. Verso signiert und datiert. 130 x 130 x 12 cm (51,1 x 51,1 x 4,7 in). • Großformatiges, frühes Kissenbild. • In den berühmten Kissenbildern Graubners wird Farbe zur Poesie. • Differenzierte Ausgestalltung des Raumes von bewegten Bildrändern zur ruhigen Bildmitte. PROVENIENZ: Privatsammlung Rheinland. „Der Entwicklung meiner künstlerischen Arbeit kann man stufenweise folgen. Die Farbe entfaltet sich als Farborganismus; ich beobachte ihr Eigenleben, ich respektiere ihre Eigengesetzlichkeit. So konnte sich die zweidimensionale Ausbreitung zum Leib verdichten.“ Gotthard Graubner, in: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Ausgabe 16, München 1991, S. 15. Nach einjähriger Tätigkeit als Kunsterzieher erhält Graubner 1965 einen Lehrauftrag an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg, wo er ab 1969 eine Professur für Malerei innehat. 1969/70 entstehen die ersten gesackten Kissenbilder. Gotthard Graubner gibt dem Sacken der Farbe in die Materialflächen eine zusätzliche räumliche Qualität. In unserer Arbeit geht der Künstler mit der feinteiligen Ausgestaltung des umlaufenden Randwulstes einen Schritt weiter. Feine Wellen gruppieren sich in Reihungen entlang der Ränder. Damit dominiert die Ausgestaltung des Bildrandes vor der vergleichsweise ruhigen Bildmitte. Er entwickelt in diesen Arbeiten den Weg zu den Farbraumkörpern. 1968 ist Graubner zum ersten Mal auf der documenta in Kassel zu sehen. Zwischen 1968 und 1972 entstehen die 'Nebelräume'. 1970 ersetzt Graubner die älteren Werkbezeichnungen 'Farbleib' bzw. 'Kissenbild' durch 'Farbraumkörper'. Als er 1971 die BRD auf der Biennale in São Paulo vertritt, nutzt er die Gelegenheit zur Weiterreise nach Kolumbien, Peru und Mexiko. Weitere Studienreisen nach Indien und Nepal folgen. 1973 wird Graubner Mitglied der Akademie der Bildenden Künste in Berlin, 1976 erhält er eine Professur für freie Malerei an der Kunstakademie in Düsseldorf. Eine unvergessliche Werkschau findet 1980 in der Staatlichen Kunsthalle in Baden-Baden statt. Im bundesrepublikanischen Pavillon der Kunstbiennale von Venedig ist Gotthard Graubner 1982 mit einem fünfteiligen 'Farbraumkörper'-Ensemble zu sehen. 1987 erhält der Künstler den August-Macke-Preis der Stadt Meschede, 1988 den Norddeutschen Kunstpreis. Im selben Jahr schafft Graubner für den Amtssitz des Bundespräsidenten in Berlin, Schloss Bellevue, zwei große Bilder. 2001/02 sind die Arbeiten des Otto-Ritschl-Preisträgers im Museum Wiesbaden ausgestellt. Graubner scheint in seinem Œuvre unbeeinflusst zu sein von den Entwicklungen der Gegenwartskunst. Vielmehr hat er den einmal eingeschlagenen Weg konsequent beschritten: Das Eigenleben der Farbe zu entwickeln - befreit von dem Anspruch etwas anderes darstellen zu müssen als sich selbst - ist das große Thema der Kunst Gotthard Graubners. [EH] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 18.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONGotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Kissenbild. 1970/71. Mixed media. Acrylic on nylon, stretched over synthetic wadding. Verso signed and dated. 130 x 130 x 12 cm (51.1 x 51.1 x 4.7 in). • Large-size cushion picture from an early point in the artist's oeuvre. • In Graubner's famous cushion pictures color turns into poetry. • Sophisticated spatial conception with dynamic margins and a calm center. PROVENANCE: Private collection Rhineland. Nach einjähriger Tätigkeit als Kunsterzieher erhält Graubner 1965 einen Lehrauftrag an der Hochschule für bildende Künste in Hamburg, wo er ab 1969 eine Professur für Malerei innehat. 1969/70 entstehen die ersten gesackten Kissenbilder. Gotthard Graubner gibt dem Sacken der Farbe in die Materialflächen eine zusätzliche räumliche Qualität. In unserer Arbeit geht der Künstler mit der feinteiligen Ausgestaltung des umlaufenden Randwulstes einen Schritt weiter. Feine Wellen gruppieren sich in Reihungen entlang der Ränder. Damit dominiert die Ausgestaltung des Bildrandes vor der vergleichsweise ruhigen Bildmitte. Er entwickelt in diesen Arbeiten den Weg zu den Farbraumkörpern. 1968 ist Graubner zum ersten Mal auf der Documenta in Kassel zu sehen. Zwischen 1968 und 1972 entstehen die 'Nebelräume'. 1970 ersetzt Graubner die älteren Werkbezeichnungen 'Farbleib' bzw. 'Kissenbild' durch 'Farbraumkörper'. Als er 1971 die BRD auf der Biennale in São Paulo vertritt, nutzt er die Gelegenheit zur Weiterreise nach Kolumbien, Peru und Mexiko. Weitere Studienreisen nach Indien und Nepal folgen. 1973 wird Graubner Mitglied der Akademie der Bildenden Künste in Berlin, 1976 erhält er eine Professur für freie Malerei an der Kunstakademie in Düsseldorf. Eine unvergessliche Werkschau findet 1980 in der Staatlichen Kunsthalle in Baden-Baden statt. Im bundesrepublikanischen Pavillon der Kunstbiennale von Venedig ist Gotthard Graubner 1982 mit einem fünfteiligen 'Farbraumkörper'-Ensemble zu sehen. 1987 erhält der Künstler den August-Macke-Preis der Stadt Meschede, 1988 den Norddeutschen Kunstpreis. Im selben Jahr schafft Graubner für den Amtssitz des Bundespräsidenten in Berlin, Schloss Bellevue, zwei große Bilder. 2001/02 sind die Arbeiten des Otto-Ritschl-Preisträgers im Museum Wiesbaden ausgestellt. Graubner scheint in seinem Œuvre unbeeinflusst zu sein von den Entwicklungen der Gegenwartskunst. Vielmehr hat er den einmal eingeschlagenen Weg konsequent beschritten: Das Eigenleben der Farbe zu entwickeln - befreit von dem Anspruch etwas anderes darstellen zu müssen als sich selbst - ist das große Thema der Kunst Gotthard Graubners. [EH] Called up: December 11, 2020 - ca. 18.38 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Per Kirkeby 1938 Kopenhagen - 2018 Kopenhagen Dunkelheit III. 1990/91. Öl auf Leinwand. Verso signiert, datiert '1990-91' und betitelt. 130 x 100 cm (51,1 x 39,3 in). • Seltene kontrastreiche Komposition, die sich durch leuchtende rote, grüne und blaue Farbflächen auf dunklem, erdigem Grund auszeichnet • Kirkebys Gemälde befinden sich unter anderem im Museum of Modern Art, New York, dem Centre Pompidou, Paris, dem Statens Museum for Kunst, Kopenhagen, und der Pinakothek der Moderne, München • Einzelausstellungen u. a. im Museum Ludwig, Köln, in der Tate Modern, London, im Museum Kunstpalast, Düsseldorf, im Museum Küppersmühle, Duisburg, und im Museum Insel Hombroich. PROVENIENZ: Galerie Michael Werner, Köln (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett, dort mit der Registriernummer PK 576/C). Privatsammlung Baden-Württemberg (bis 2006, Ketterer Kunst 2.6.2006). Privatsammlung Süddeutschland (seit 2006, Ketterer Kunst 2.6.2006). LITERATUR: Ketterer Kunst, München, Auktion 300, 2.6.2006, Los-Nr. 41, mit Abb. Per Kirkeby, der vor zwei Jahren in seiner Geburtsstadt Kopenhagen gestorben ist, gilt als der wohl international bekannteste dänische Künstler seiner Generation und einer der wichtigsten europäischen Zeitgenossen. Unnachahmlich ist der malerische Stil des studierten Geologen, der seinen einzigartigen Bildaufbau mit den folgenden Worten beschreibt: 'Ich verstehe meine Gemälde als eine Summierung von Strukturen. Eine Sedimentation hauchdünner Schichten. […] Im Prinzip eine endlose Ablagerung. Doch es ist auffallend, dass die darunterliegende Struktur immer durchbricht, auch wenn eine neue Schicht ein ganz anderes Motiv und eine ganz andere Farbe hat.“ (zit. nach: Per Kirkeby, Ausst.-Kat. Tate Modern, London u. a., 2009/10, S. 10). Kirkebys Gemälde, die er oft an den Rändern beginnt, haben kein wirkliches Zentrum und verneinen jegliche Hierarchie der Bildelemente. Vielmehr scheint der Künstler bei ihrer Entstehung dem unvorhersehbaren Verlauf seiner Intuition zu folgen, der eine Komposition gleich einem Gedanken wachsen und entstehen lässt. Richard Shiff hat Kirkeby aus diesem Grund in seinem Beitrag im Katalog zur Ausstellung im Museum Kunst Palast und der Tate Modern 2009/10 als 'umgekehrten Picasso' beschrieben. Anders als in Picassos analytischem Kubismus wird in Kirkebys Gemälden kein Gegenstand formal zerlegt und in seine Mehransichtigkeit aufgebrochen, sondern ein Gedanke wie auf einer Tafel oder einem Notizblock aus der Kombination von Einzelelementen niedergeschrieben. 'Dunkelheit III' zeigt wunderbar Kirkebys kreatives Spiel mit Inspirationen aus der Natur und atmosphärisch verdichteten Landschaftseindrücken, die er vorrangig aus der nordisch-mystischen Natur gewinnt. Die der Natur entlehnten Strukturen wie Wasser, Bäume, Berge, Steine und Höhlen ergeben kein homogenes, perspektivisches Landschaftsbild, sie sind vielmehr flächig nach dem Prinzip des All-over-Paintings angelegt und lassen dadurch Raum für vielfältige Assoziationen. [JS] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.18 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONPer Kirkeby 1938 Kopenhagen - 2018 Kopenhagen Dunkelheit III. 1990/91. Oil on canvas. Verso signed, dated '1990-91' and titled. 130 x 100 cm (51.1 x 39.3 in). • Rare high-contrast composition, which is characterized by bright red, green and blue colored areas on a dark, earthen background • Kirkeby's paintings can be found in the Museum of Modern Art, New York, the Center Pompidou, Paris, the Statens Museum for Kunst, Copenhagen, and the Pinakothek der Moderne, Munich • The artist had solo exhibitions at, among others, Museum Ludwig, Cologne, Tate Modern, London, Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Museum Küppersmühle, Duisburg, and at Museum Insel Hombroich. PROVENANCE: Galerie Michael Werner, Cologne (with the label on the stretcher, there with the registration number PK 576/C). Private collection Baden-Württemberg (until 2006, Ketterer Kunst June 2, 2006). Private collection Southern Germany (since 2006, Ketterer Kunst June 2, 2006). LITERATURE: Ketterer Kunst, Munich, auction 300, June 2, 2006, lot no. 41, with illu. Called up: December 11, 2020 - ca. 14.18 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Gotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Ohne Titel. 1988. Öl auf Papier auf Leinwand. Verso signiert, datiert und mit Richtungspfeil. 70 x 50 cm (27,5 x 19,6 in). [SM]. • Für Graubner ist die Farbe nicht mehr nur Mittel zum Zweck, sondern sie steht in ihrer Materialität im Vordergrund. • Eines von nur ca. 6 Werken in dieser Technik, die zwischen 1987 und 1989 entstehen. • Entfaltung der Farbe mit einem freien, ambivalenten Changieren, frei von handschriftlicher Subjektivität. PROVENIENZ: Galerie Elke Dröscher, Hamburg. Privatsammlung Deutschland (direkt beim Vorgenannten erworben). Privatsammlung Baden-Württemberg. Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 15.04 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONGotthard Graubner 1930 Erlbach/Vogtland - 2013 Neuss Ohne Titel. 1988. Oil on paper on canvas. Verso signed, dated and with direction arrow. 70 x 50 cm (27.5 x 19.6 in). [SM]. • For Graubner, color is no longer just a means to an end, instead he puts focus on its materiality. • One of only ca. 6 works created in this technique between 1987 and 1989. • The color is free from the artist's subjectivity. PROVENANCE: Galerie Elke Dröscher, Hamburg. Private collection Germany (acquired from aforementioned). Private collection Baden-Württemberg. Called up: December 11, 2020 - ca. 15.04 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Franz von Stuck 1863 Tettenweis - 1928 München Amazone. 1897 Guss vor 1906 (1906 wurde Stuck geadelt). Bronze mit schwarzbrauner Patina. Vorne an der Plinthe bezeichnet 'Franz Stuck'. Gesamthöhe u. -breite 64,4 x 48,5 cm (25,3 x 19 in). Standfläche 34 x 17,3 cm (13,4 x 6,8 in). Gegossen bei Cosmas Leyrer, München (auf der hinteren oberen Kante des Sockels mit dem Gießerstempel). • Früher Guss der erfolgreichsten und bekanntesten Plastik Franz von Stucks • Vorbild für die 1936 vor der Villa Stuck aufgestellte einzige Großplastik Stucks, der 'Speerschleudernden Amazone' von 1913/14 • Weitere Exemplare durch frühe Ankäufe u.a. in den Staatlichen Kunstsammlungen Dresden (1898), im Kunsthaus Zürich (1899), in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen (1904) und im Städel Museum Frankfurt (1914). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. AUSSTELLUNG: Internationale Kunst-Ausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens, Secession, April-September 1898, Nr. 396 (anderes Exemplar). Die Darstellung der kämpfenden oder speerschleudernden Amazone ist wohl das bekannteste plastische Werk Franz von Stucks, das in einer monumentalen Ausführung seit 1936 auch vor dem Portikus der Villa Stuck in München aufgestellt ist. Erstes Interesse für ein solches Motiv könnte Stuck schon im Rahmen seines Romaufenthaltes bei Max Klinger um 1890 gefasst haben, als er in die Welt der antiken Mythologie und deren bildhauerischer und malerischer Umsetzung eintauchen konnte. Umgeben von den herausragendsten Werken griechischer und römischer Bildhauerkunst, aber auch der der Renaissance und des Barock, könnte die „Verwundete Amazone“ des Polyklet, die später auch auf der Attika seiner Villa aufgestellt wird, oder das Reiterstandbild des Marc Aurel auf dem von Michelangelo angelegten Kapitolsplatz inspirierende Wirkung gehabt haben. Als Stuck 1901/02 sein Atelier umgestaltet, lässt er dort eine Plakette mit den Namen seiner künstlerischen Vorbilder anbringen. Die Bildhauerei ist dort mit Phidias, dem größten Bildhauer der griechischen Klassik, und Michelangelo vertreten, deren Skulpturen für Stuck in ihrer kraftvollen Monumentalität und Linienführung von Bedeutung gewesen sind. Weitere Inspiration bildete ein Kopf der Pallas Athene, ausgestellt in der Münchner Glyptothek, von dem Stuck einen Gipsabguss besaß. Ein erstes Gemälde mit der Darstellung einer kämpferischen Amazone, hier allerdings nur der behelmte Kopf, entsteht ebenfalls 1897; im Hintergrund zeigt Stuck den steineschleudernden Kentauren, der in einer malerischen Wiederaufnahme des Motivs 1912 das männliche Pendant zur Amazone bildet. In das im Oeuvre Stucks so präsente Thema des Kampfes der Geschlechter fügt sich natürlicherweise die Figur der Amazone ein, jedoch mit einer anderen Qualität. Das kriegerische Frauenvolk Kleinasiens, bereits in der Ilias Homers im Kampf der Amazonen gegen die Troia belagernden Griechen und der Niederlage ihrer Königin Penthesileia gegen Achill beschrieben, hatte in dem Motiv der Amazonenschlacht und der verwundeten Amazone Eingang in die Kunst gefunden. Die Begegnung der Geschlechter bei Stuck kann so neben dem neckischen Fangspiel und dem Tanz in wilde Verfolgungsjagd bis hin zu gewaltvoller Unterwerfung übergehen. Im Gegensatz zu anderen Frauengestalten Stucks nutzt die athletisch-furchtlose Kriegerin, für die ihm Lydia Feez Modell stand, ihren Körper nicht zu lasziver Verführung, sondern zum Angriff. Ihr (männliches) Pferd lenkt sie mit der Kraft ihrer Schenkel, die den Pferdeleib bis in die Zehenspitzen fest umklammert halten. Mit wilder Entschlossenheit greift die Hand in die Mähne, um den Kopf des Pferdes zur Seite zu ziehen und die Lanze auf den Gegner zu schleudern, den ihr nach vorn gebeugter Kopf fest im Blick hat. Vollkommen unbekleidet ist ihre einzige Rüstung der Helm, unter dem das gelöste Haar hervorquillt. Nackt im Herrensitz reitend und den Speer in der Hand, wird die weibliche Figur von Stuck mit eindeutig männlichen und sexuellen Attributen versehen. Eine Frau zu Pferde scheint dabei in der Plastik einigermaßen ungewöhnlich, ist eine solche Darstellung im allgemeinen in der Tradition der römischen Antike oder der Renaissance männlichen Heerführern oder Fürsten vorbehalten. Erstmals wird Stucks Amazone 1898 mit großem Erfolg in Wien und München ausgestellt und anschließend in der Zeitschrift 'Jugend' abgebildet, Güsse werden in kurzer Zeit von einigen der wichtigsten Museen angekauft. 1911/12 gibt schließlich der Kölnische Kunstverein für die Skulpturensammlung des Wallraff-Richartz-Museums eine Großplastik der Amazone in Auftrag, die Stuck mit leichten Abänderungen der kleinen Version anfertigt. Diesem Anlass ist unter anderem auch der Erweiterungsbau der Villa Stuck geschuldet, den Stuck mit dem Ziel, in diesem neuen Atelier auch Großplastiken fertigen zu können, erbauen lässt. [KT] Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 16.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFranz von Stuck 1863 Tettenweis - 1928 München Amazone. 1897 Cast before 1906 (Stuck was ennobled in 1906). Bronze with black-brown patina. Inscribed 'Franz Stuck' on verso of the plinth. Total height and width 64.4 x 48.5 cm (25.3 x 19 in). Base 34 x 17,3 cm (13,4 x 6,8 in). Cast by Cosmas Leyrer, Munich (rear upper edge of base with the foundry mark). • Early cast of Stuck's most popular and most successful sculpture • Model for Stuck's only large bronze 'Speerschleudernde Amazone' from 1913/14, mounted in front of Villa Stuck in 1936 • Early acquisitions of this bronze were made by, among others, the Dresden State Art Collections (1898), the Kunsthaus Zürich (1899), the Bavarian State Painting Collections (1904) and the Städel Museum Frankfurt (1914). PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. EXHIBITION: Internationale Kunst-Ausstellung des Vereins bildender Künstler Münchens, Secession, April-September 1898, no. 396 (different copy). Called up: December 12, 2020 - ca. 16.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

K.R.H. (d.i. Kurt R. Hoffmann) Sonderborg 1923 Sønderborg (Dänemark) - 2008 Hamburg Ohne Titel. 1971. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. 130 x 81 cm (51,1 x 31,8 in). [CH]. • K. R. H. Sonderborg verwendet in seinem malerischen wie auch grafischen Œuvre fast ausschließlich die 'Nicht-Farben' Schwarz und Weiß. • Seine Werke gehören zu den markantesten Beispielen des deutschen Informel. • Dem so charakteristischen Stil seiner gestisch-abstrakten Arbeiten liegen unter anderem Einflüsse aus der asiatischen Kalligrafie, dem amerikanischen abstrakten Expressionismus und der künstlerischen Methode des Automatismus zu Grunde. • 1959 und 1964 nimmt Sonderborg an der Documenta II und III teil, 1964 und 1970 an der Biennale in Venedig. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 2005). LITERATUR: Van Ham Kunstauktionen, Köln, Moderne und Zeitgenössische Kunst, 1.12.2005, Lot 571 (mit ganzseitiger Abb.). Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.51 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONK.R.H. (d.i. Kurt R. Hoffmann) Sonderborg 1923 Sønderborg (Dänemark) - 2008 Hamburg Ohne Titel. 1971. Oil on canvas. Lower right signed and dated. 130 x 81 cm (51.1 x 31.8 in). [CH]. • K. R. H. Sonderborg uses the 'non-colors' black and white almost exclusively in his painterly and graphic oeuvre. • His works are among the most striking examples of German Informalism. • The characteristic style of his gestural-abstract work is based on influences from Asian calligraphy, American Abstract Expressionism and the artistic method of automatism. • In 1959 and 1964 Sonderborg took part in Documenta II and III, in 1964 and in the Venice Biennial in 1970. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg (since 2005). LITERATURE: Van Ham Kunstauktionen, Cologne, Modern and Contemporary Art, December 1, 2005, lot 571 (with full-page illu.). Called up: December 11, 2020 - ca. 14.51 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Marc Chagall 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence La Femme du peintre. 1971. Farblithografie. Mourlot 630. Signiert und nummeriert. Eines von 50 Exemplaren. Auf Velin von Arches (mit dem Wasserzeichen). 67 x 49 cm (26,3 x 19,2 in). Papier: 76 x 59 cm (29,9 x 23,2 in). [EH]. • Marc Chagall mit seiner zweiten Frau Vava (Valentina Brodsky). • Der Künstler sagt über seine Frau: 'Meine Sorgen vergehen, wenn Vava bei mir ist'. • Eine typische poetische Farblithografie, die ein ganz persönliches Bekenntnis zeigt. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg (seit 1971 in Familienbesitz). Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 19.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMarc Chagall 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence La Femme du peintre. 1971. Lithograph in colors. Mourlot 630. Signed and numbered. From an edition of 50 copies. On wove paper by Arches (with the watermark). 67 x 49 cm (26.3 x 19.2 in). Sheet: 76 x 59 cm (29,9 x 23,2 in). [EH]. • Marc Chagall with his second wife Vava (Valentina Brodsky). • The artist says about his wife: 'My worries go away when Vava is with me'. • A typical poetic color lithograph that shows a very personal commitment. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. Called up: December 12, 2020 - ca. 19.12 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Markus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Mann + Eule II. 1996. Öl auf Leinwand. Oben rechts monogrammiert. Verso betitelt und bezeichnet. Im Künstlerrahmen. 100 x 81 cm (39,3 x 31,8 in). [SL]. • Unser Werk zeigt wunderbar Lüpertz' spontane, gestische Malerei, die zwischen Figürlichkeit und Abstraktion hin und her bewegt. • Mitte der 1990er Jahre entstehen die 'Otello' Bilder, die das männliche Gesicht frontal und mit äußerst expressivem Ausdruck porträtieren. • Einer der bekanntesten deutschen Künstler der Gegenwart • In den letzten Jahren haben mehrere große Retrospektiven seines Wirkens stattgefunden. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde vom Atelier Markus Lüpertz bestätigt. PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg. 'Der Fleck fängt an zu leben. Er wird eine Gestalt, er wird eine Form, er wird eine andere Farbe, er wird eine Auseinandersetzung, er wird plötzlich eine Erinnerung, er wird eine Antwort auf ein existierendes Bild, er kann auf Pollock reagieren, er kann es auf Picasso tun, er kann auch was ganz neues werden. Er kann was Zufälliges und was Bestimmtes werden. Für was ich zuständig bin, ist lediglich meine Methode und meine Intensität.' (zit. nach: Markus Lüpertz, Gemälde – Skulpturen, Düsseldorf 1996, S. 160). Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 15.53 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMarkus Lüpertz 1941 Liberec/Böhmen - lebt und arbeitet in Berlin, Düsseldorf und Karlsruhe Mann + Eule II. 1996. Oil on canvas. Upper right monogrammed. Verso titled and inscribed. In artist frame. 100 x 81 cm (39.3 x 31.8 in). [SL]. • Our work is a wonderful example of Lüpertz’ spontaneous, gestural painting, which oscillates between figuration and abstraction. • In the mid-1990s the 'Otello' pictures were created, which portray the male face in frontal view and with an extremely expressive physiognomy. • One of the most famous contemporary German artists • Several large retrospectives of his work have been shown in recent years. This work's authenticity has kindly been confirmed by the Atelier Markus Lüpertz. PROVENANCE: Private collection Baden-Württemberg. 'The spot begins to live. It takes on a shape, a form, becomes a different color, an examination, suddenly it becomes memory of and answer to an existing picture, it can react to Pollock, to Picasso, or become something entirely new. It can become something random or something certain. My job is merely my method and intensity.' (Quote from: Markus Lüpertz, Gemälde – Skulpturen, Düsseldorf 1996, p. 160). Called up: December 11, 2020 - ca. 15.53 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Arnulf Rainer 1929 Baden bei Wien - lebt und arbeitet in Wien Eikopfbüste. 1959/1962. Öl auf Karton auf Holzplatte. Rechts unten signiert, datiert und betitelt. 73 x 103 cm (28,7 x 40,5 in), inkl. Künstlerrahmen. • Aus der ersten Phase der Übermalungen, in denen Arnulf Rainer die Auslöschung des Bildgegenstandes zum antikünstlerischen Prinzip erklärt. • Die Übermalung gilt bis heute als das zentrale Prinzip in Rainers Schaffen und als kunsthistorisch bedeutender Beitrag zur Post-War-Kunst. • Rainers Werk atmet den freien, unkonventionellen Geist des Autodidakten, der die Akademie nach wenigen Tagen wegen künstlerischen Kontroversen verlässt. • Seit den 1960er Jahren Teil einer süddeutschen Privatsammlung. • Ausgestellt in der Einzelausstellung 'Arnulf Rainer. Der große Bogen' 1977 in der Kunsthalle Bern/Lenbachhaus München sowie in der großen Retrospektive 1980/81 in der Nationalgalerie Berlin/Staatliche Kunsthalle Baden-Baden u.a. • Rainer gilt als Begründer der österreichischen Nachkriegskunst, seine Übermalungen sind heute Teil zahlreicher bedeutender Sammlungen, wie u. a. der Tate Collection, London. Die Arbeit wurde von Atelier Arnulf Rainer, Wien, mündlich bestätigt. Wir danken für die freundliche Beratung. PROVENIENZ: Galerie van de Loo, München. Privatsammlung Süddeutschland (1976 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Arnulf Rainer. Der große Bogen, Kunsthalle Bern/Lenbachhaus München, 1977, mit Abb. S. 44 (verso mit dem Etikett der Kunsthalle Bern). Arnulf Rainer, Nationalgalerie Berlin/Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden / Städtisches Kunstmuseum, Bonn/Museum Moderner Kunst, Wien, 20.11.1980-2.11.1981, Kat.-Nr. 105, mit S-W-Abb. S. 61. 'Zustriche, Verdeckungen, Überzeichnetes haben Rainer in der Hauptsache zwischen 1954 und 1965 beschäftigt, doch hat er mit dem Übermalen seiner Arbeiten bis heute nicht aufgehört. [..] Der Zustrich war Rainers eigentümlicher Beitrag zur Ungegenständlichkeit der fünfziger Jahre [..].' Otto Breicha, Arnulf Rainer. Überdeckungen, Wien 1972, S. 5. Das Verdeckte ist das notwendige Gerüst der Verdeckung, das auch im Falle der gänzlichen Übermalung noch unsichtbar die Form der Verhüllung bestimmt. Schön ist dieses antikünstlerische malerische Prinzip Rainers an der frühen Arbeit 'Eikopfbüste' nachvollziehbar. Gerade an den übermalten Köpfen wird Rainers 'Entgestaltungsprozess' oder besser das künstlerische Prinzip der malerischen Auslöschung erfahrbar, denn bei keinem anderen Bildgegenstand geht es in der langen kunsthistorischen Tradition mehr um die Darstellung des Individuellen, der jeweils einzigartigen Physiognomie als im Genre des Porträts oder der Porträtbüste. Rainer radiert durch die schwarze Überdeckung die Bedeutung des Bildgegenstandes vor den Augen des Betrachters aus. Gestik und Farbe, die teils in verkrusteten Rinnsalen über die Leinwand fließt, beherrschen die Komposition. Das Spannungsverhältnis zwischen der sich vom Zentrum aus über die Leinwand ausdehnenden schwarzen Überdeckung und den hellen Bildrändern macht den besonderen Reiz dieser frühen, fast formatfüllenden und nahezu monochromen Übermalung aus, und so hält der Kunsthistoriker Otto Breicha fest: 'Die Ordnung dieser ersten Phase der Übermalungen ist die Ruhe und Ausgewogenheit der Farbmasse. Einerseits geht es dabei um das Verhältnis von Farbe und Bildformat [..], andererseits um die Spannungsbeziehungen, die zwischen Bildrand, Malgrund und den Begrenzungen des Zustrichs entstehen [..]' (O. Breicha, Arnulf Rainer. Überdeckungen, Wien 1972, S. 8f.). Gleich einem schwarzen Vorhang, der sich zwischen Bildgegenstand und Betrachter legt, verneinen Rainers großflächige, frühe Übermalungen mit einer besonderen künstlerischen Radikalität und Absolutheit traditionelle Erkenntnisprozesse. Für Rainer hat sich die Monochromie des Schwarz 'als ein königlicher Weg zur Stillegung und Mortifikation' erwiesen, den schöpferischen Akt des schrittweisen Übermalens hat er deshalb mit dem 'Erlangen der Kontemplation im religiösen Leben' verglichen (A. Rainer, Schriften, Ostfildern 2010, S. 30). Dass der Prozess der Übermalung sich langsam und bedächtig wachsend vollzieht, belegt auch die Datierung vieler Arbeiten, die oftmals - wie auch 'Eikopfbüste' - eine zweifache Datierung tragen. Rainers Übermalungen, die später auch Fotografien und Kunstwerke anderer Künstler als Ausgangspunkt haben, machen den Künstler international bekannt und befinden sich heute in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, wie u. a. der Tate Collection, London, dem Stedelijk Museum, Amsterdam, und dem Museum Ludwig, Köln. Zuletzt zeigte die Albertina in Wien 2019/20 anlässlich des 90. Geburtstages des Künstlers unter dem Titel 'Arnulf Rainer. Hommage' eine große Einzelausstellung. [JS] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 17.17 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Baden: Ritterkreuz 1. Klasse mit Schwertern des Orden vom Zähringer Löwen Orden in Gold an Band. Leichte Beschädigung rechts.