We found 131341 price guide item(s) matching your search

Rouen, Saint-Malo, Milano Vintage Post Card Booklets, glass trinket box, miniature entree dish form butter dish, 1953 Coronation tin, etc :- One Tray

A pair of Roughneck post hole diggers

A collection of x3 WWII Second World War interest British Army uniform trousers. One pair illegibly dated (possibly 1939) size 8, and x2 other post-war pairs of trousers. All generally in good used condition. Ideal for re-enactment. 

A collection of x11 assorted WII Second World War and post war empty ammunition cardboard boxes comprising boxes for 12 bore shot gun barrel cartridges, carbine rifle .30MI calibre cartridges, 455 Webley, Remington .45 ACP Automatic Cold Pistol bullets, German 8mm bullets and others. 

A vintage WWII Second World War period fighting / combat knife. Slim steel form, with a cloth wrapped handle. No maker's marks. Supplied in a leather scabbard. Along with two post-war SAS ' Who Dares Wins ' cloth patches. Knife measures approx; 27cm long. 

An original post WWII Second World War era circa 1970's RAC Royal Armoured Corps MK IV Paratrooper helmet. The steel helmet having netting exterior, a nylon sock liner, chin strap and x6 insulating blocks to the inside rim. Marked to the liner ' Remploy 1971 '.

An original post WWII Second World War German Luftwaffe pilots navigation equipments briefcase. Rigid brown leather construction with plaque to the front in German text translating to ' Navigation Equipment For Pilots '. Two seperate inside compartments and a ' table of contents ' under the flap. Measures approx 39x39x4cm. 

A collection of x3 original WWI First World War Imperial German Army assorted uniform items, comprising; an original Pickelhaube leather uniform helmet (AF - crushed, lacking badge but retaining top spike), an original German Army water canteen with bullet hole to one side, retaining original covering and stopper. Along with a period German soldier's enamel food canteen. Interesting assortment of period items, each labelled where it was discovered immediately post-war. 

A post war white porcelain sculpted bust of German Third Reich Nazi party leader Adolf Hitler. The bust depicting a uniformed Hitler with gold gilt detailing on a flat base. Measures approx 17cm

An original post WWII Second World War US United States Army M1 steel combat helmet. The helmet having a green painted steel outer shell with a hard-hat type liner fitting snugly inside. Retaining the original webbing suspension and leather band. Movable bales and chin strap present. 

Two original British Army issue military items of Gurkha / Burmese interest to include a Kukri / Gurkha knife and a 1943 dated bush hat. The post war 1950's Kukri knife of usual form marked to the ricasso WSC 51 for Wilkinson Sword Company. The slouch hat with pleated puggaree to the rim dated 1943 to the inside leather headband.

An original post-WWII Second World War c1950s British RAF Royal Air Force ' Type D ' survival knife / dagger. The knife stamped with stores reference 1278214  and stamped with broad arrow. No scabbard. Measures approx; 32cm long. 

A WWI First World War medal and effects relating to one 37802 Private Edward Henry Collins of the Oxford & Buckinghamshire (Bucks) Light Infantry, serving in India. The collection comprising his War Medal (no ribbon), a hallmarked silver fob medal engraved ' CC - India - E. Collins - CF- 1917 ' (likely an inter-regimental Football medal), and x3 original photographs of Collins and his Company. The first photograph showing the Company football team ' A. Coy - Cornwallis Barracks - Bangalore, India '. The second photograph showing Collins in ' The Staff - Range Camp - Wellington - India ' and the third photograph being another of football interest, with Collins labelled as ' Dad ' underneath. Also supplied with two of Collins' post-war hallmarked silver and enamel Masonic medals - each supplied within the original presentation cases. Interesting collection. Collins was born in Thornbury, Bristol, and died in 1973. Consigned from the family. 

An original WWI First World War Imperial German Army M16 steel combat stahlhelm uniform helmet. Original shell, the side stamped ET66. Later restored and painted (by the vendor) for display purposes, with a ' Gott Mit Uns ' emblem to the front, camouflage paintwork and some period Parcel Post labels to one side. Fitted with a reproduction liner and chin strap. Extremely well painted, and a good display piece. Original helmet shell, later painted. 

WWII Second World War - a collection of vintage WW2 ' Home Front ' type propaganda display posters to include; Doctor Carrot, Auxiliary Fire Service London, Is Your Journey Really Necessary?, Let Us Go Forward Together (Winston Churchill) and a Barrage Balloon scene. All printed on newspaper stock. Age unknown, suspected a post-war replicas of some age. Approx Measures ; 57x41cm.

An original WWII Second World War British RAF Royal Air Force silk escape map. South-east Asia sheets 44 J and K. Two back-to-back escape maps on one folding silk map. Size 95 by 60 cm. Scale 1:000,000. Folds to pocket handkerchief size or smaller. Side J covers French Indo-China (central), Siam (Thailand east) and side K covers an area of French Indo-China (south), Siam (Thailand- part). Maps are in colour with a colour-coded key to heights and a conventional key to features such as mountains, islands, railways, stations, ruins, post offices, roads etc.

An original post-WWII Second World War c1950s British RAF Royal Air Force ' Type D ' survival knife / dagger. The knife stamped with stores reference 1b/4594 and stamped with broad arrow. Wilkinson Sword maker's marks present. In original leather scabbard. 35cm long. 

WWII military green painted railway lamp, with applied label stamped Wakefields, Birmingham 1945,another in black, two others by C. Eastgate & Son Ltd 1944/1945, one by Harry J Pratt Ltd 1945 repainted and a post war WD lamp 1954 (6)

Early Victorian rosewood davenport by Williams & Gibton, the slope top enclosing two drawers and two dummy drawers with spring loaded pen drawer, over a side cupboard with three drawers, supported on compressed bun feet. Stamped to either side of the lock and numbered 17888 to the top of the cupboard drawer. 85cm H x 49cm W x 51cm D. NOTES; The firm of Mack, Williams and Gibton was formed around 1812, but its history can be traced to the latter part of the 18th century, when John Mack established a cabinet-making business in Abbey Street, Dublin. First recorded in 1784, Mack continued to trade alone from Abbey Street until 1800 and in 1801 placed an advertisement in The Dublin Evening Post. About this time he was joined by another cabinet-maker, Robert Gibton, who had established his own business a few years earlier, trading at first from Aungier Street, where he is recorded between 1790 and 1796, and afterwards from Stephen Street where he is recorded in 1800. Trade directories reveal that in addition to cabinet-making, Gibton also worked as an auctioneer, while his trade label, a copy of which survives on a deed box in the National Museum, Dublin, indicates that he was likewise a maker and seller of trunks, portmanteaus, gun cases and musical instrument cases. The partnership of Mack and Gibton flourished. By 1803 the business had moved to larger premises in Stafford Street, and in 1805 the partnership was formalised. The following year Mack and Gibton received the ultimate accolade, being appointed 'Upholsterers & Cabinet Makers to his Majesty, His Excellency the Lord Lieutentant, and His Majesty's Board of works.' In 1812 Robert Gibton died and was succeeded by his son William Gibton (1789-1842). At the same time, a former apprentice, Zachariah Williams, who had married Robert Gibton's daughter, joined the management, thus creating the new partnership of Mack, Williams and Gibton. Under this name the firm enjoyed unparalleled success. Mack, Williams and Gibton retained its Royal Warrant for many years, supplying and restoring furniture for some of the most important public buildings in Ireland, including the Four Courts, the War Office, the Barracks Office, Dublin Castle, the Chapel royal, and the Treasury and Vice-regal Lodge. At the same time the firm undertook commissions for several major Irish country houses, such as Ballynegall, Co. Westmeath, Oakley Park Co. Meath, and Strokestown, Co. Roscommon. Following the death of John Mack in 1829, the firm continued to trade under the names of the surviving partners, Williams and Gibton, and in 1844, two years after the death of William Gibton, it again changed its name to Williams and Sons, finally ceasing business in 1852. This item can therefore be dated to this period.

COIN ALBUM CONTAINING APPROX 100 PRE DECIMAL COINS, SOME PRE 1947 TOGETHER WITH OTHER LOOSE PRE DECIMAL COINS POST 1947

Arthur Segal - - 1875 Jassy - 1944 London Kain und Abel (Zyklus Altes Testament). 1918. Öl auf Rupfen. Herzogenrath/Liska 175. Links unten signiert und datiert. Verso handschriftlich bezeichnet '103'. 69 x 90 cm (27,1 x 35,4 in). 89 x 110 cm (35 x 43,2 in). Inkl. Original-Künstlerrahmen. • Seltenes frühes Beispiel für Segals charakteristische 'Rasterbilder', die sich durch ihre Mehrszenigkeit und Simultanität auszeichnen. • Die 'Kain und Abel'-Geschichte, als Urthema des tödlichen Menschenstreites, ist in besonderer Weise exemplarisch für Segals künstlerischen Neuanfang während des Ersten Weltkrieges im Schweizer Exil. • Das 1928 entstandene, ebenfalls vierszenige Gemälde 'Hafen in Bornholm' befindet sich in der Tate Modern, London. PROVENIENZ: Nachlass Marianne Segal, Tochter des Künstlers (bis 1970, Sotheby’s 16.4.1970). Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Kollektiv-Ausstellung Arthur Segal, Kunstsalon Wolfsberg, Zürich, 18.1.-16.2.1919, Kat.-Nr. 2. Kollektivausstellung von Arthur Segal, Fraenkel & Co. / Josef Altmann, Kunsthandlung und Antiquariat, Lützowufer, Berlin, 13.1.-28.2.1921, Kat.-Nr. 18. II. Exhibition Arthur Segal Collection, Permanent Exhibition, 1 England’s Lane, London, Mai 1962-Februar 1963, Kat.-Nr. 9. LITERATUR: (in Auswahl) Neue Züricher Zeitung, 3.2.1919. Züricher Post, 6.2.1919. Sotheby’s, London, Auktion 16.4.1970, Los 3 (mit Abb.). Max Osborn, Blätter des Jüdischen Frauenverbands, Sonderdruck, August-September 1927. Arthur Segal, in Rumänien geboren, findet ab 1907 in der Hauptstadt Berlin schnell Anschluss an die künstlerische Avantgarde. Segal studiert die Malerei der 'Brücke' und des 'Blauen Reiters' sowie der 'Münchner Künstlervereinigung'. Künstler wie Heckel, Kirchner und Schmidt-Rottluff liefern dem Frühwerk des Künstlers wichtige Anregungen. 1914 muss Segal jedoch mit Kriegsbeginn emigrieren und findet in Ascona seine neue Wahlheimat. Ascona ist zum damaligen Zeitpunkt künstlerisches Zentrum der emigrierten Bohème, ein beliebter Zufluchtsort für Künstler und Intellektuelle und so leben zu dieser Zeit etwa auch Malerinnen und Maler wie Alexej von Jawlensky, Marianne von Werefkin, Paul Klee, Hugo Ball und Hans Arp in der Stadt. Unter anderem für die genannten Künstler wird Segals Haus 'Casa all’Angelo' bald zu einem beliebten Treffpunkt. Segal ist schockiert von der Barbarei des Krieges und verliert sein Vertrauen in die Kunst: 'Damals war ich der Kunst böse, dass sie den Krieg nicht verhindern konnte und betrachtete ihr Wirken als bankrott.' (zit. nach: Herzogenrath/Liska S. 29). Fortan wendet sich Segal verstärkt der Philosophie und der Religion zu und verfasst um 1915 zwei Manuskripte, in denen er sich mit dem Problem zwischenmenschlicher Beziehungen auseinandersetzt. Im 'Tagebuch eines Schwachen' beschäftigt er sich mit der völligen Umkehrung der Verteilung von Stärke und Schwäche und 1916 stellt er schließlich drei religiöse Wandgemälde, darunter 'Das Jünste Gericht', an den Gebäuden des Friedhofes von Ascona fertig. In diesem geistigen Kontext muss sich Segal geradezu zwangsläufig mit dem biblischen Thema von 'Kain und Abel' als dem Urthema des tödlichen Menschenstreites auseinandergesetzt haben, das die stoffliche Grundlage für das vorliegende frühe, erzählerische 'Rastergemälde' liefert. Ab 1917 entstehen die ersten charakteristischen 'Rastergemälde' Segals, die an der simultanen Darstellungsweise mittelalterlicher Fresken orientiert sind. 'Kain und Abel' ist ein charakteristisches Beispiel für diese einzigartige Bildform, die Segal in dieser speziellen Lebenssituation entwickelt hat und die er bis 1924 fortführt. Schön ist die besondere Harmonie der Farben, mit der es Segal gelingt, die vier narrativen Szenen und den bemalten Künstlerrahmen zu einer außerordentlich harmonischen Einheit zu verschmelzen. 1920 kehrt Arthur Segal in seine frühere Heimatstadt Berlin zurück und es folgen zahlreiche Ausstellungsbeteiligungen. 1933 muss Segal aufgrund seiner jüdischen Herkunft erneut aus Deutschland fliehen. Er findet zunächst in Spanien eine neue Heimat, drei Jahre später geht er nach London, wo er 1944 stirbt. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.01 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).

Adolf Hölzel - - 1853 Olmütz/Mähren - 1934 Stuttgart Ohne Titel. Um 1930. Pastell. Auf einem am Passepartout befestigten Etikett mit dem Nachlassstempel (Lugt 1258 f). Dort von Julie Hoelzel signiert. Auf Velourspapier. 40,3 x 59 cm (15,8 x 23,2 in), blattgroß. [CH]. • Besonders großformatiges Werk von gemäldehafter Wirkung und ausgesprochener Leuchtkraft. • Aus dem Nachlass des Künstlers. • Weitere Pastelle aus dieser Zeit befinden sich u. a. im Städel Museum, Frankfurt am Main, im Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Wien, und im Sprengel Museum, Hannover. • Zwischen 1906 und 1918 hält Adolf Hölzel eine Professur für Malerei an der Stuttgarter Akademie. • In späteren Jahren setzt sich insbesondere die Künstlergeneration um die Bauhaus-Künstler Johannes Itten (1888-1967) und Oskar Schlemmer (1888-1943) mit den theoretischen Schriften Hölzels auseinander. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Privatsammlung Stuttgart. Privatsammlung Baden-Württemberg (vom Vorgenannten durch Erbschaft erhalten). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.02 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAdolf Hölzel -1853 Olmütz/Mähren - 1934 Stuttgart Ohne Titel. Um 1930. Pastel. With the estate stamp on a label on the mount (Lugt 1258 f). There signed by Julie Hoelzel. On flock coated paper. 40.3 x 59 cm (15.8 x 23.2 in), the full sheet. [CH]. • Particularly large work with a painting-like appearance and an exeptional radiance. • From the artist's estate. • Other pastels from these days are in possession of, among others, the Städel Museum, Frankfurt am Main, the Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Vienna, and the Sprengel Museum Hannover. • Adolf Hölzel held a post as professor for painting at the Stuttgart Academy between 1906 and 1918. • In later years the generation of Bauhaus artists like Johannes Itten (1888-1967) and Oskar Schlemmer (1888-1943) examined Hölzel's writings. PROVENANCE: From the artist's estate Private collection Stuttgart. Private collection Baden-Württemberg (inherited from the above). Called up: June 18, 2021 - ca. 15.02 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Norbert Kricke - - 1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Gelötete Edelstahlstäbe, lose auf Basaltsockel montiert. Unikat. Ca. 58,5 x 47 x 46 cm (23 x 18,5 x 18,1 in). Sockel: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • 1961 auf Krickes erster Einzelausstellung in den USA im Museum of Modern Art, New York, ausgestellt. • Aus der Sammlung des MoMA-Kurators Peter Howard Selz. • Krickes 'Raumplastiken' gleichen schwerelos und filigran in den Raum ausgreifenden Strahlenbündeln und gelten als Höhepunkt seines Strebens nach der 'Einheit von Raum und Zeit'. Wir danken Sabine Kricke-Güse, Berlin, für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: wohl: Lefebvre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (seit 1961). The Jewish Museum, New York (bis 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (2009 beim Vorgenannten erworben - 2010). Privatsammlung Rheinland (2010 vom Vorgenannten erworben, seither in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Museum of Modern Art, New York, 2.3-2.4.1961, Galerie John Lefebvre, New York, 11.4-6.5.1961, Galerie Karl Flinker, Paris, 15.11.-9.12.1961, möglicherweise Kat.-Nr. 9 (ohne Abb.). LITERATUR: Ketterer Kunst, Auktion 361, Kunst nach 45 / Zeitgenössische Kunst, München 12.12.2009, Los 318 (mit Abb.). 'Mein Problem ist nicht Masse, ist nicht Figur, sondern es ist der Raum und es ist die Bewegung - Raum und Zeit. [..] Ich versuche der Einheit von Raum und Zeit eine Form zu geben.' Norbert Kricke, 1954, zit. nach: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, München 1988, S. 2. Peter Selz, der Kurator des Museum of Modern Art und frühere Besitzer der vorliegenden 'Raumplastik', beginnt seinen Katalogtext zu Krickes erster Einzelausstellung in den USA 1961 mit den folgenden Worten: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [..]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz hatte bereits damals erkannt, dass Kricke in der Bildhauerei der Nachkriegsmoderne aufgrund seiner intensiven plastischen Erkundung von Raum und Zeit eine herausragende Rolle zukommt. Inspiriert von der konstruktivistischen Plastik um Naum Gabo und Antoine Pevsner entwickelt Kricke in seinen Unikaten eine bis heute einzigartige Formensprache. Kricke beginnt zunächst in den 1950er Jahren damit, die Dynamik der Linie anhand des Verlaufes eines einzelnen gebogenen Drahtes zu erkunden. Für diese frühen, meist farbig gefassten Arbeiten, die mit ihren langen Linienverläufen geradezu das spätere Schaffen des Amerikaners Fred Sandback vorwegzunehmen scheinen, findet dann auch bereits der Titel 'Raumplastik' Verwendung. Ab Mitte der 1950er Jahre beginnt Kricke dann mit Linienbündeln zu arbeiten, die er bis zum Ende des Jahrzehntes - wie auch in unserer wunderbaren 'Raumplastik' - bis hin zu mehrteiligen filigranen Linienkonstruktionen weiterentwickelt, die sich durch ihre einzigartige polyphone Ästhetik auszeichnen. Bündel aus aneinandergelöteten Metallstäben greifen, sich zu feinsten Verästelungen verjüngend, nach allen Seiten aus. Filigran und schwerelos wirken Krickes glänzende Schöpfungen, welche wie Lichtstrahlen den Raum füllen und damit einen äußerst progressiven Beitrag zur Bildhauerei der Nachkriegsmoderne liefern. Dies belegt auch die Tatsache, dass eine auf das eigene Werk bezogene Beschreibung des eine Generation jüngeren Amerikaners Fred Sandback auch für das deutlich frühere plastische Schaffen Krickes kaum treffender sein könnte: 'Noch Skulptur, wenn auch weniger dicht, mit einer Ambivalenz zwischen Außenraum und Innenraum. Eine Zeichnung, die man bewohnen kann.“ (Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONNorbert Kricke -1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Soldered stainless steel rods, loosely mounted on basalt base. Unique object. Ca. 58.5 x 47 x 46 cm (23 x 18.5 x 18.1 in). Base: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • Shown at Kricke's first U.S. solo show at the Museum of Modern Art, New York, in 1961. • From the collection of the art historian and MoMA curator Peter Howard Selz. • Kricke's 'Raumplastiken' resemble weightlessly hovering, bundles of filigree rays and mark the peak of his quest for a 'unity of space and time'. We are grateful to Sabine Kricke-Güse, Berlin, for her kind expert advice. PROVENANCE: probably: Lefebre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (since 1961). The Jewish Museum, New York (until 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (acquired from aforementioned in 200, until 2010). Private collection Rhineland (acquired from aforementioned in 2010, ever since family-owned). EXHIBITION: Museum of Modern Art, New York, March 2 - April 2, 1961, Galerie John Levebre, New York, April 11 - May 6, 1961, Galerie Karl Flinker, Paris, November 15.11 - December 9, 1961, presumably cat. no. 9 (no illu.). LITERATURE: Ketterer Kunst, auction 361, Post War / Contemporary Art, Munich December 12, 2009, lot 318 (with illu.). 'Neither mass nor figure are my issues, but space and motion - space and time. [..] I strive to bring form to the unity of space and time.' Norbert Kricke, 1954, quote from: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Munich 1988, p. 2. Peter Selz, curator at the Museum of Modern Art and former owner of this 'Raumplastik', begans his text for the catalog of Kricke's first solo exhibition in the USA in 1961 with the following words: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [.]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz had already recognized that Kricke played a prominent role in post-war sculpting at that time due to his intensive three-dimensional exploration of space and time. Inspired by the constructivist sculpting around Naum Gabo and Antoine Pevsner, Kricke developed a signature style that has remained unmistakable up until today. In the 1950s Kricke began to explore the dynamics of the line based on the course of a single bent wire. The title 'Raumplastik'was already used for these early, mostly colored works, which, owing to their long lines, seemed to anticipate the later work of the American Fred Sandback. From the mid-1950s on Kricke began to work with bundles of lines, which he developed by the end of the decade - as it is the case with our wonderful 'Raumplastik' - to multi-part filigree line constructions characterized by unique polyphonic aesthetics. Bundles of soldered metal rods, tapering to the finest branches, extending into all directions. Kricke's shiny creations appear filigree and weightless, filling the room like rays of light and thus making an extremely progressive contribution to post-war modernism. In this sense a quote from the American artist Fred Sandback could hardly be more suitable to describe Kricke's much earlier sculptural work: 'Still a sculpture, albeit less dense, with an ambivalence between exterior and interior space . A drawing you can live in. ”(Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Willi Baumeister - - 1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Heitere Bewegung auf Rosa. 1946. Öl mit Kunstharz auf Karton, auf Holz. Beye/Baumeister 1293. Rechts unten signiert und datiert '7.46'. 35,6 x 46,2 cm (14 x 18,1 in). • Aus der bedeutenden Werkreihe der 'Figurenmauern' (1942-1950), in der Baumeister meisterlich mit prähistorischen Assoziationen spielt. • Die heiteren Figurenmauern und Landschaften der Nachkriegszeit gehören nach Grohmann zu dem Besten, was Baumeister gemacht hat. • Herausragende Komposition in seltener, sanft rosa Farbgebung von musealer Qualität. • Willi Baumeister gilt als Protagonist der deutschen Nachkriegsmoderne und war Teilnehmer der documenta I (1955), II (1959) und III (1964). PROVENIENZ: Dr. Henning Gran, Oslo. Galerie Schlichenmaier, Grafenau. Galerie Bayer, Bietigheim-Bissingen (wohl seit 1997, Lempertz 22.11.1997). Privatsammlung Norddeutschland (1998 vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Kunsthaus Lempertz, Köln, Auktion 750, 22.11.1997, Kat. S. 22, Nr. 653 (mit Abb. Farbtafel 84). Will Grohmann, Willi Baumeister - Leben und Werk, Köln 1963, S. 104, Kat.-Nr. 942 (mit Abb., Titel: Heitere Bewegung auf Rosa I). 'Die sogenannte 'abstrakte' Malerei ist nicht abstrakt im Sinne von Fremdheit zum Leben und Menschen. Die Empfindungen des Künstlers sind ganz natürliche. Eine senkrechte, gerade Linie vermittelt einen ganz bestimmten Empfindungswert. Eine gekurvte Linie oder ein Fragezeichen löst dagegen andere Empfindungen aus. Ebenso ergeben die einzelnen Farben bestimmte Reaktionen. Kontrastwirkungen entstehen durch exakte Formen im Gegensatz zu malerischen, wolkigen Auflösungen.' Willi Baumeister, Die Natur in der abstrakten Kunst, zit. nach: Wissen und Leben 1, Stuttgart 1952. Bereits Anfang der 1930er Jahre beginnt Baumeister sich für Strukturen zu interessieren, die dem Bildgrund eine aufgelockert-lebendige Oberfläche verleihen. Er wird, wie im vorliegenden Gemälde, zum Träger einer fast linearen, grafischen Komposition, die schemenhaft über den Bildgrund geistert. Urzeitliches wird evoziert, ein Phänomen, das Baumeister in mehreren seiner Werkzyklen als grundlegendes Thema wählt, da der Künstler sich intensiv mit der Ur- und Frühgeschichte beschäftigt. Er sammelt etwa Fossilien, vorzeitliche Gefäße und Steinbeile und setzt sich intensiv mit den Ursprüngen der Kunst in der frühen Steinzeit auseinander, indem er die Maltechniken der steinzeitlichen Fels- und Höhlenmalerei erforscht. Die locker angeordneten Formen und Farbflächen in 'Heitere Bewegung auf Rosa' vermitteln eine heitere Schwerelosigkeit, die Raum für vielerlei Assoziationen lässt. Assoziationen an musikalische Tempi sind oft werkbestimmend. Hier wird mit leichter Hand das Urzeitliche in ein burleskes Gewand gekleidet und so aller Sinnenschwere enthoben. Der feine Humor, der diese Komposition begleitet, findet in der zart tänzerischen Art, in der sich die schemenhaft angedeuteten Figuren über den rosa Fond bewegen, seine Entsprechung. Durch den Einsatz von Kunstharz erzielt Baumeister eine mauerputzartig strukturierte Oberflächenwirkung, die den prähistorischen Charakter des dargebotenen Formenrepertoires noch zusätzlich unterstreicht. Die mauerhafte Präsenz der Komposition wird durch die trockene Malweise und Fragmentierung sowie die bildfüllende Anordnung der Formen noch gesteigert. Weitere Arbeiten aus der Werkreihe der 'Figurenmauern' befinden sich u. a. in den Sammlungen des Osthaus Museums in Hagen, der Nationalgalerie Berlin sowie der Staatsgalerie Stuttgart. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONWilli Baumeister -1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Heitere Bewegung auf Rosa. 1946. Oil with synthetic resin on board, on panel. Beye/Baumeister 1293. Lower right signed and dated '7.46'. 35.6 x 46.2 cm (14 x 18.1 in). • From the important work series 'Figurenmauern' (Figure Walls, 1942-1950), in which Baumeister renders a masterful play with pre-historic associations. • Grohmann calls the merry figure walls and landscapes from the post-war era the best that Baumeister ever created. • Excellent composition in rare soft rose colors and of museum quality. • Willi Baumeister is the protagonist of German post-war modernism and participated in documenta I (1955), II (1959) and III (1964). PROVENANCE: Dr. Henning Gran, Oslo. Galerie Schlichenmaier, Grafenau. Galerie Bayer, Bittigheim-Bissingen (presumably since 1997, Lempertz November 22, 1997). Private collection Northern Germany (acquired from aforementinoned in 1998). LITERATURE: Kunsthaus Lempertz, auction 750, Cologne November 22, 1997, cat. p. 22, no. 653 (with color illu. on plate 84). Will Grohmann, Willi Baumeister - Leben und Werk, Cologne 1963, p. 104, cat. no. 942 (with illu., titled: Heitere Bewegung auf Rosa I). 'So-called 'abstract' painting is not abstract in a sense of alienation from man and life. The artist's sensations are very natural. A straight vertical line conveys a certain perceptual value that everyone can perceive the same way. A curved line or a question mark trigger different sensations. The same is true for the reactions that colors evoke. Contrast effects come from exact forms contrasted with cloudy dissolutions.' Willi Baumeister, Die Natur in der abstrakten Kunst, quote from: Wissen und Leben 1, Stuttgart 1952 From the early 1930s on Baumeister began to develop an interest in structures that had the right properties to both animate and decentralize the pictorial ground. This approach becomes obvious in the painting offered here, where the pictorail ground becomes carrier of an almost linear, graphic composition. Primeval associations are evoked, a phenomenon that Baumeister chose as a fundamental theme in several of his work cycles, since the artist had a deep interest in pre- and protohistory. He collected fossils, ancient vessels and stone axes and examined the origins of art in the early Stone Age by looking into the techniques of Stone Age rock- and cave painting. The loosely arranged forms and colored surfaces in 'Heitere Bewegung auf Rosa' (Merry Motion on Rose) convey a cheerful weightlessness that leaves room for all kinds of associations. Associations with musical tempos often determine the work. Here, with a light hand, the primeval aspect is disguised in a burlesque robe and thus free from burdensome meaning. The subtle humor that accompanies this composition is reflected in the delicately dancing manner in which the shadowy figures move across the pink background. By using synthetic resin, Baumeister achieves a plaster-like surface effect, which underlines the prehistoric character of the presented repertoire of forms. The wall-like presence of the composition is heightened by the dry style of painting and the fragmentation and image-filling arrangement of the forms. Further works from the series of the 'Figurenmauern' (Figure Walls) are at, among others, the Osthaus Museum in Hagen, the Nationalgalerie in Berlin and the Staatsgalerie in Stuttgart. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.28 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Rupprecht Geiger - - 1908 München - 2009 München OE 306/59 (Rot-Blau). 1959. Öl auf Leinwand. Dornacher/Geiger WV 264. Verso signiert und datiert. Auf dem Keilrahmen betitelt '306/59' und handschriftlich bezeichnet sowie mit Richtungspfeil. 120 x 100 cm (47,2 x 39,3 in). • Im Entstehungsjahr auf der documenta II. (1959) ausgestellt. • Seither in einer rheinländischen Privatsammlung. • Fein durchmoduliertes, frühes Farbfeld, das durch sein sanftes Oszillieren zwischen roten und blauen Farbwerten begeistert. • Gemälde Rupprecht Geigers befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen. PROVENIENZ: Privatsammlung Rheinland (direkt vom Künstler erworben). AUSSTELLUNG: II. documenta ’59. Kunst nach 1945, Internationale Ausstellung Druckgrafik/Malerei, Museum Fridericianum, Kassel, 1959 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Peinture et sculpture contemporaines en Allemagne, Charleroi, 1961 (mit Abb. im Kat.). Rupprecht Geiger. Gemälde, Kunst- und Museumsverein, Wuppertal, 1965. 'Ich glaube an den psychologischen Effekt von Farbe auf den Menschen. [..] Auch ein Bild könnte eine starke Wirkung auf einen Menschen ausüben, rein von der Kraft der Farbe her, und das ist schon etwas sehr wesentliches an der Farbe.' Rupprecht Geiger, zit. nach: Pinc kommt! Rupprecht Geiger, The Schaufler Foundation, Dresden 2017, S. 19. 'Der Himmel ist von beispielloser Farbenpracht und von unglaublicher Weite. Die Möglichkeiten sind unbegrenzt', hatte Rupprecht Geiger bereits 1941 in seinem russischen Kriegstagebuch festgehalten (Rupprecht Geiger, zit. nach: Pinc kommt! Rupprecht Geiger, The Schaufler Foundation, Dresden 2017, S. 31). Es sind die sanften Farbmodulationen des Himmels, die Geiger reizen und die in der Nacht durch brennende Städte in eindrucksvolle Farbszenarien verwandelt werden, die für Geiger zu Gegenbildern der bedrückenden Realität des Krieges werden. Rot und Blau sind schließlich ab den 1950er Jahren die Farben, die das beeindruckende künstlerische Schaffen des deutschen Farbfeldmalers Rupprecht Geiger in entscheidender Weise prägen und bis Ende der 1950er Jahre - wie auch in unserer wunderbar sanften Modulation - noch in Kombination eingesetzt werden, bevor Geiger in seinen späteren Kompositionen schließlich eine klare Trennung beider Farbwerte vollzieht. Während Rot als die Farbe des Blutes und des Feuers für extreme Energie und emotionale Aufgeladenheit steht, ist das kühlere Blau der rationalere, stärker in sich ruhende Farbwert, der in der vorliegenden Arbeit von einer leuchtenden Tonalität bis hin in ein tiefes Nachtblau moduliert wird. Parallel steigert Geiger das Blutrot des leuchtenden Quadrates im unteren Teil in einer sanften Modulation hin zu einem diffus glühenden Dunkelrot, eine optische Gegenbewegung, welche die Komposition in eine wunderbare, fast schwebende Balance bringt. Rupprecht Geiger hat nicht nur mit seinen Farbmodulationen, sondern auch mit seinen shaped canvases kunsthistorisch Bedeutendes geschaffen, das ihm innerhalb Deutschlands eine progressive Sonderstellung zuweist, die, wie von Helmut Friedel im Vorwort zum Werkverzeichnis nahegelegt, viel mehr den Vergleich mit Geigers Zeitgenossen in Amerika, wie etwa Mark Rothko, Ellsworth Kelly und Barnett Newman, fordert. In den USA werden Geigers Gemälde bereits seit den 1950er Jahren in unterschiedlichen Ausstellungen gezeigt und bereits 1959 wird der Künstler mit dem Solomon-Guggenheim-Preis, New York, ausgezeichnet. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONRupprecht Geiger -1908 München - 2009 München OE 306/59 (Rot-Blau). 1959. Oil on canvas. Dornacher/Geiger WV 264. Signd and dated on the reverse. Stretcher titled '306/59', inscribed and with a direction arrow. 120 x 100 cm (47.2 x 39.3 in). • Shown at documenta II (1959) the year it was made. • Ever since privately-owned. • Subtly modulated early color field, particularly fascinating for its gentle oscillation between red and blue values. • Rupprecht Geiger's paintings are in many renowned collections. PROVENANCE: Private collection Rhineland (acquired from the artist). EXHIBITION: II. documenta `59. Kunst nach 1945. Internationale Ausstellung Druckgraphik/Malerei, Museum Fridericianum, Kassel 1959 (stretcher with a label). Peinture et scupture contemporaines en Allemagne, Charleroi 1961 (with illu. in cat). Rupprecht Geiger. Gemälde, Kunst- und Museumsverein Wuppertal, Wuppertal 1965. 'I believe in the psychological effect colors have on people. [..] A picture can also exert a strong effect on a person, simply from the pure force of the color, and that's basically the nature of the color.' Rupprecht Geiger, quote from: Pinc kommt! Rupprecht Geiger, The Schaufler Foundation, Dresden 2017, p. 19. 'The sky is an unprecedented blaze of color and of an unbelievable vastness. The possibilities are unlimited', is what Rupprecht Geiger had recorded in his war diary in Russia in 1941 (Rupprecht Geiger, quote from: Pinc kommt! Rupprecht Geiger, The Schaufler Foundation, Dresden 2017, p . 31). It is the soft color modulations of the sky that stimulate Geiger and which the burning cities transformed into impressive color scenarios at night. For Geiger they became counter-images to the depressing realities of war. From the 1950s onward red and blue were the colors that decisively shaped the impressive artistic work of the German color field painter Rupprecht Geiger. The combination prevailed well until the end of the 1950s - as in our wonderfully gentle modulation - before Geiger clearly separated the two color values in his later compositions. While red as the color of blood and fire stands for extreme energy and emotional charge, the cooler blue is the more rational, more calm color value, which in the present work is modulated from a luminous tonality to a deep night blue. At the same time, Geiger increases the blood red of the luminous square in the lower part in a gentle modulation to a diffuse glowing dark red, an optical countermovement that brings the composition into a wonderful, almost floating balance. Rupprecht Geiger created something significant in art history, not only with his color modulations, but also with his shaped canvases, which earned him a special progressive position in German post-war abstraction. In the preface of the catalog raisonné Helmut Friedel suggested that Geiger is much more comparable with his contemporaries in America, such as Mark Rothko, Ellsworth Kelly and Barnett Newman. Geiger's paintings have been shown in various exhibitions in the USA since the 1950s and the artist was awarded the Solomon Guggenheim Prize, New York, in 1959. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Jan Schoonhoven - - 1914 Hof van Delft - 1994 Delft R 71-18. 1971. Relief. Pigment und Papiermaché auf Holz. Verso signiert, datiert, betitelt und bezeichnet sowie mit Richtungspfeilen. 104 x 202 cm (40,9 x 79,5 in). • Von größter Seltenheit. • Bisher wurde noch kein Relief in dieser Größe auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Weitere großformatige, frühe Reliefs befinden sich heute in Museumsbesitz, darunter das Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, und die Stiftung Kunst im Landesbesitz Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf. • Kleinformatigere Reliefs befinden sich in zahlreichen bedeutenden internationalen Sammlungen wie dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Modern, London. • 2014/15 war Schoonhovens Werk auf den großen 'ZERO'-Schauen im Solomon R. Guggenheim Museum, New York, und im Martin Gropius Bau, Berlin, zu sehen. Wir danken Herrn Antoon Melissen, Amsterdam, für die wissenschaftliche Beratung. Die Arbeit wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis aufgenommen. PROVENIENZ: Aus einer wichtigen europäischen Privatsammlung (direkt vom Künstler erworben). 'The square is perhaps the purest of the basic shapes, a kind of frame of reference for all the others.' Jan Schoonhoven, 1972, zit. nach: Jan Schoonhoven, Delftse meester, De Telegraaf, 12.1.1972. Schoonhovens monochrom-weiße Reliefs - Faszinierende Klarheit und Radikalität Schoonhovens Reliefs faszinieren durch ihre formale Klarheit, ihre künstlerische Radikalität und ihre technische Perfektion. Bereits 1972 im Katalog zur Schoonhoven-Ausstellung in Mönchengladbach wird ihr einzigartiger Charakter als 'Cool, strictly ordered, well-considered. But also familiar, humane and intimate' beschrieben (zit. nach: A. Melissen, Jan Schoonhoven's silent white revolution, in: J. Schoonhoven, Galerie Zwirner, New York 2015, S. 15). Schoonhoven war ein Einzelgänger, der tagsüber seiner nicht-künstlerischen Tätigkeit in der Immobilienabteilung der niederländischen Post nachging, bevor er sich ab Ende der 1950er Jahre allabendlich am Esstisch seines Delfter Grachtenhauses der konzentrierten Arbeit an seinen Reliefs hingibt. Durch den räumlichen Kontext ihrer Entstehung sind die Formate seiner Reliefs meist auf ein Maximum von gut einem Meter im Quadrat beschränkt. Großformate wie 'R-71-18' sind eine absolute Seltenheit in Schoonhovens Werk. Jan Schoonhoven - Protagonist der niederländischen 'ZERO'-Bewegung 1956 entsteht mit 'Motel' sein erstes monochrom weißes Relief, das formal allerdings noch auf seinen zwar stark abstrahierten, aber noch figürlichen Kompositionen dieser Jahre basiert. Hier jedoch findet Schoonhoven bereits zu der sein weiteres Schaffen prägenden, antiakademischen Materialität des Papiermaché. Allerdings sollte erst die zunehmende formale Reduktion hin zu streng geometrischen Reihungen von Rechtecken oder Quadraten - wie in 'R 71-18' - in den Folgejahren für die Einbeziehung des lebendigen Spiels von Licht und Schatten grundlegend sein. Im Anschluss an die erste niederländische Ausstellung des Italieners Piero Manzoni, der ebenfalls für seine weißen Reliefbilder international bekannt ist, gehört Schoonhoven 1958 zu den niederländischen Mitbegründern der 'ZERO'-Bewegung. Erst in den Folgejahren finden Schoonhovens Reliefs zu ihrer charakteristischen formalen Strenge, für die architektonische Strukturen wie Mauern, Pflastersteine und Gitterabdeckungen zentrale Inspirationen liefern. 'R 71-18' - Das Quadrat als geometrische Basisform Der Grundstruktur des Quadrates kommt in Schoonhovens Schaffen eine entscheidende, geradezu prototypische Rolle zu, da der Künstler gerade dem Quadrat den reinsten Ausdruck einer geometrischen Grundform zuspricht, die für alle anderen geometrischen Formen grundlegend ist. Das großformatige Relief 'R 71-18' ist damit in besonderer Weise exemplarisch für Schoonhovens Schaffen: Es basiert auf der vervielfachten Reihung des Quadrates als geometrischer Basisform, aus deren Zusammenstellung Schoonhoven ein großes Rechteck entwickelt hat. Schoonhoven hat dafür 14 Reihen mit jeweils 28 Quadraten untereinandergesetzt und damit eine beeindruckende dreidimensionale Relieflandschaft aus 392 gleichgroßen Quadraten entworfen, die durch ihre formale Klarheit und optische Ruhe begeistert. Bereits formal bietet die streng geometrische Struktur seiner Reliefs keinen Raum für eine spontane, gestische künstlerische Handschrift. Darüber hinaus arbeitet Schoonhoven bald für die Ausführung seiner Reliefs mit Assistenten zusammen, da für ihn der eigentliche künstlerische Schaffensprozess allein in der Konzeption und im zeichnerischen Entwurf liegt. Dadurch hat Schoonhoven noch einmal mehr eine der zentralen künstlerischen Grundideen der niederländischen 'ZERO'-Bewegung, der Gruppe 'Nul', auf den Punkt gebracht: die konsequente Verneinung der individuellen künstlerischen Handschrift. In einem 1972 gedrehten filmischen Porträt, das Schoonhoven unter anderem bei der Arbeit an einem seiner Reliefs zeigt, hat der Künstler folgende Beschreibung des Schaffensprozesses geliefert: 'It's purely technical, what I'm doing here, nothing but pure handiwork. The artistry, the 'künstlerische', has naturally already occured when I made the design. A lot of thoughts went into that design, preceded by a process of drawing, and this is the final result. Everything is calculated, everything is evaluated' (zit. nach: ebd., S. 39). 'R 71-18' - Zur Seltenheit des Großformates in Schoonhovens Schaffen Jan Schoonhoven, dessen monochrom weißes Hauptwerk wie auch das Schaffen von Piero Manzoni, Lucio Fontana, Günther Uecker und Enrico Castellani zu den bedeutendsten Beiträgen der europäischen 'ZERO'-Kunst zählt, hat insgesamt wohl etwa 900 Reliefs hinterlassen, von denen jedoch der Großteil kleinformatig ist und wohl nur weniger als 20 Arbeiten in vergleichbar großem Format wie 'R 71-18' ausgeführt wurden. 'R 71-18' kommt deshalb in Schoonhovens Schaffen ein absoluter Seltenheitswert zu und wir freuen uns sehr, mit der herausragenden Arbeit 'R 71-18' erstmals ein bedeutendes Großformat des gefeierten niederländischen 'ZERO'-Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt anbieten zu können. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 18.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Serge Poliakoff - - 1900 Moskau - 1969 Paris Composition abstraite. 1951. Öl auf Leinwand. Poliakoff 51-66. Rechts unten signiert. 55 x 46 cm (21,6 x 18,1 in). • Seltenes frühes Farbfeld, das für Poliakoffs malerisches Schaffen wegweisend ist. • Der Verbleib des Gemäldes war der Poliakoff Forschung nach 1957 unbekannt. • Wiederentdeckt in einer Süddeutschen Privatsammlung und nun erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Ein in Farbigkeit und Komposition vergleichbares Gemälde aus dem Jahr 1954 befindet sich in den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München (Poliakoff 54-07). • Gemälde der 1950er Jahre befinden sich in bedeutenden internationalen Privatsammlungen sowie u. a. im Museum of Modern Art, New York, und in der Tate Modern, London. Das Gemälde ist im Poliakoff Archiv, Paris, unter der Nummer '951027' registriert. PROVENIENZ: Galerie Ex-Libris, Eraste Touraou, Brüssel (direkt vom Künstler). Privatsammlung Süddeutschland (1957 vom Vorgenannten erworben, seither in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Neue Kunst aus Frankreich, Kunstverein Düsseldorf, Düsseldorf 1957 (mit SW-Abb. im Kat.). Nouvelle École de Paris, Städtische Kunstsammlungen, Bonn 1957. 'Viele Leute sagen, dass es in der abstrakten Malerei nichts zu sehen gibt. Wenn es nach mir ginge, könnte ich dreimal länger leben und doch nicht alles, was ich sehe, gesagt haben.' Serge Poliakoff, zit. nach: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Ausgabe 31, Heft 21, III 1995, S. 2. Nach figürlichen Anfängen beginnt Serge Poliakoff, der heute zu den bedeutenden Protagonisten der europäischen Farbfeldmalerei zählt, in den 1940er Jahren abstrakt zu malen und findet um 1950 schließlich zu seinem charakteristischen Stil der klar konturierten, sich sanft verzahnenden Farbfelder. Unsere minimalistisch angelegte, aus lediglich drei Farben entwickelte Komposition gehört zu den seltenen frühen Farbfeldern des Künstlers. Die oftmals noch reduzierten und für Poliakoffs Schaffen in entscheidender Weise stilbildenden Kompositionen der frühen 1950er Jahre gelten als seine gefragtesten Arbeiten. Gerade sie zeigen in der Gegenüberstellung zum zeitgleichen Schaffen der amerikanischen Farbfeldmaler Clifford Still und Ellsworth Kelly Poliakoffs enorme künstlerische Progressivität der Nachkriegsjahre. Kraftvoll schiebt sich die - in ihrer Massivität einer abstrakten Skulptur gleichende - schwarze Form vor den aus der energetischen Symbiose einer rostroten und einer eierschalfarbenen Partie gebildeten Fond. Das Schwarz bildet im Kontrast zum Rot und zum Weiß das kompositionelle Zentrum, das Poliakoff durch das scheinbare Ausgreifen der Form zu den Bildrändern in eine besondere Spannung versetzt. Auch in den Folgejahren bleiben für Serge Poliakoff die wichtigsten Elemente seiner Malerei der Raum, die Proportionen und der Rhythmus. Die Konturen der sich verzahnenden Farbflächen sind stets leicht gekrümmt und tragen somit eine kaum merkliche und doch für die einzigartige Dynamik der Komposition entscheidende Spannung. Durch die Abstufungen der Farben, eine zur Mitte hin zunehmende Dichte der Formen und die Spannung zwischen den Farbflächen entfaltet sich die besondere Harmonie seines malerischen Schaffens. In unermesslicher Schöpfungskraft lässt uns Poliakoff in seinen einzigartigen Kompositionen die individuelle Wirkung und Interaktion der Farben und damit die schier unbegrenzte emotionale Aussagekraft abstrakter Malerei immer wieder neu entdecken. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 18.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONSerge Poliakoff -1900 Moskau - 1969 Paris Composition abstraite. 1951. Oil on canvas. Poliakoff 51-66. Signed in lower right. 55 x 46 cm (21.6 x 18.1 in). • Rare early color field of seminal relevance in Poliakoff's creation. • The whereabouts of the painting have been unknown since 1957. • Rediscovered in a Southern German private collection and now offered on the international auction market. • A painting from 1954 in similar colors and composition is in the 'Bayerische Staatsgemäldesammlungen', Munich (Poliakoff 54-07). • Paintings from the 1950s are in important international private collections, as well as in the Museum of Modern Art, New York, and in the Tate Modern, London. The painting is registered at the Poliakoff Archive, Paris, with the number '951027'. PROVENANCE: Galerie Ex-Libris, Eraste Touraou, Brussels (directly from the artist). Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1957, ever since family-owned). EXHIBITION: Neue Kunst aus Frankreich, Kunstverein Düsseldorf, Düsseldorf 1957 (with black-and-white illu. cat.). Nouvelle École de Paris, Städtische Kunstsammlungen, Bonn 1957. 'Some may say there is nothing to see in abstract painting. If it was for me, I could live three lifes and still would not have told everything I see.' Serge Poliakoff, quote from: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, edition 31, issue 21, III 1995, p. 2. After figurative beginnings, Serge Poliakoff, who is one of the most important protagonists of European Color Field Painting, began to paint abstractions in the 1940s and finally found his characteristic style of clearly contoured, gently interlocking color fields around 1950. Our minimalist composition, developed from just three colors, is one of the artist's rare early color fields. The compositions from the early 1950s, which are often still reduced and, in a decisive way, formative for Poliakoff's oeuvre, are considered his most sought-after works. In comparison with the works by the American Color Field painters Clifford Still and Ellsworth Kelly from the same time, Poliakoff‘s works show the enormous artistic progressiveness of the post-war years. The black form – which for its massiveness resembles an abstract sculpture - pushes itself in front of the background formed from the energetic symbiosis of a rust-red and an egg-shell-colored section. In contrast to red and white, the black is at the the center of the composition, to which Poliakoff adds a special kind of tension by letting the forms seemingly extend to the edges of the picture. In the years that followed space, proportions and rhythm remained the most important elements of Serge Poliakoff's painting. Contours of the interlocking color fields are always slightly curved and thus carry a barely noticeable tension that is decisive for the unique dynamic appeal of the composition. The special harmony of his painterly work unfolds through the colors‘ nuances, the forms that increase their density towards the center and the tension between the color fields. In his unique compositions Poliakoff, with his immeasurable creative power, lets us rediscover the individual effect and interaction of the colors and thus the almost unlimited emotional expressiveness of abstract painting over and over again. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 18.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Emil Schumacher - - 1912 Hagen - 1999 San José/Ibiza Dibon. 1989. Mischtechnik auf Holz. Rechts unten signiert und datiert. 77 x 104 cm (30,3 x 40,9 in). • Faszinierendes Beispiel für Schumachers Action-Painting, dessen abstrakte Motivik ein wunderbares Zeugnis des hochdynamischen Malaktes ist. • Eine der seltenen informellen Kompositionen Schumachers, die auf dem kraftvollen Schwarz-Gelb-Kontrast basiert. • Eine vergleichbare goldgelbe Komposition Schumachers aus dem Jahr 1989 befindet sich in der Sammlung des Städel Museums, Frankfurt a. M. • Eindrucksvolle haptische Präsenz der Farbe, die Schumachers Wunsch, Farbe als Materie zu gestalten, erfahrbar werden lässt. Wir danken Herrn Dr. Ulrich Schumacher, Emil Schumacher Stiftung Hagen, für die wissenschaftliche Beratung. Die Arbeit ist im Archiv unter der Nummer '0/190' registriert. PROVENIENZ: Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (verso mit dem Etikett). Privatsammlung Rheinland. 'Alle Schumacher-Bilder sind Unikate in einem besonderen Sinn. Es gibt keine Skizzen, keine Vorentwürfe. Nichts ist geplant oder gar programmiert. Am Anfang steht immer nur eine allgemeine, nicht festgelegte, offene Bildvorstellung.' Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Köln 1987, S. 27. Schumacher, der bereits in den frühen 1950er Jahren beginnt, gestisch abstrakt zu malen, und darüber bald zu seinem unverwechselbaren Stil findet, gehört rasch zu den bedeutenden Protagonisten der deutschen abstrakten Nachkriegsmalerei. Impulsiv und farbgewaltig sind seine Schöpfungen, die bis heute durch die enorme Plastizität der Farbe begeistern. Farbe als Materie steht im Zentrum von Schumachers Aktionsmalerei, der es in faszinierender Weise gelingt, die haptische Präsenz auf der Leinwand erfahrbar zu machen: 'Für den Aktionsmaler ist Unruhe die erste Künstlerpflicht. [..] Informelle Malerei hatte immer die Tendenz, in die dritte Dimension vorzustoßen [..] Schumacher sah den latenten Objektcharakter seiner Bilder und machte konsequenterweise den Versuch, ihre Innenform nach außen zu holen. [..] Schumacher wollte sich, wie er sagt, auf das Bildzentrum konzentrieren, das 'Unwesentliche der Hintergründe' einfach weglassen, rigoroser als vorher das Material zum Motiv der Bildkonzeption machen und die taktilen Reize der Buckel und Höhlungen, Netze und Krater hervorheben.' (Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Köln 1987, S. 22). Wunderbar haptisch tritt uns in 'Dibon' ein leuchtend-pastoses Farbrelief entgegen, das es zu erkunden gilt und das durch seine in Schumachers malerischem Schaffen seltene goldgelbe Farbigkeit begeistert. Nach erdig-braunen Anfängen in den 1950er Jahren ist Schumachers Werk fortan neben erdigen, von roten und blauen Kompositionen beherrscht. Vermutlich ist mit 'Bing' im Jahr 1966 eines der ersten Werke in Schwarz-Gelb entstanden, eine äußerst kraftvolle Farbkombination, die fortan selten aber konstant in Schumachers Oeuvre wiederkehrt. Mit 'Salangan' (1989) befindet sich eine vergleichbare, ebenfalls aus dem Gegensatz zwischen kraftvollem schwarzen Liniengefüge und goldgelbem Fonds getragene Komposition in der Sammlung des Städel Museums in Frankfurt am Main. Bereits 1958 wird Schumacher für sein Werk mit dem Guggenheim Award ausgezeichnet und ist auf der Biennale von Venedig vertreten. Ein Jahr später zeigt er mehrere Arbeiten auf der documenta II. Schumacher wird zu einem der bedeutendsten Vertreter des europäischen Informel. Er ist ein Aktionskünstler, der mit exzentrischen Gesten vor oder über der am Boden liegenden Leinwand agiert. Zuletzt hat deshalb die Ausstellung 'Le Grand Geste! Informel und Abstrakter Expressionismus 1946-1964' (2010) im Museum Kunst Palast, Düsseldorf, Schumachers Werk im Kontext des amerikanischen Action-Paintings gewürdigt. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 19.48 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONEmil Schumacher -1912 Hagen - 1999 San José/Ibiza Dibon. 1989. Mixed media on panel. Signed and dated in lower right. 77 x 104 cm (30.3 x 40.9 in). • Fascinating example of Schumacher's Action-Painting, the abstract motif is a marvelous document of a highly dynamic painting process. • One of Schumacher's rare informal compositions based on the powerful contrast between black and yellow. • A similar golden-yellow composition by Schumacher from 1989 is part of the collection of the Städel Museum, Frankfurt a. M. • The color has a remarkable presence and expresses Schumacher's wish to treat color as tangible matter. We are grateful to Dr. Ulrich Schumacher, Emil Schumacher Foundation Hagen, for his kind expert advice. The work is registered at the archive with the number '0/190'. PROVENANCE: Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (verso with the label). Private collection Rhineland. 'All of Schumacher's pictures are unique objects in a special sense. There are no sketches, no preliminary drawings. Nothing is planned or even programmed. There is just a general, undetermined open concept at the beginning of every work.' Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Cologne 1987, p. 27. Schumacher, who began to make abstract gestural paintings in the early 1950s, soon found his unmistakable style and quickly became one of the most important protagonists of German Post-War Abstraction. His creations are impulsive and colorful, even today the enormous plasticity of the color makes them inspiring. Color as matter is at the center of Schumacher's action painting, who succeeds in making the haptic presence tangible on the canvas in a fascinating way: 'For the action painter restlessness is the artist's first and foremost duty. [.] Informal painting always tended to advance into the third dimension [.] Schumacher saw the latent object character of his pictures and consequently made the attempt to bring their inner form to the outside. [.] Schumacher wanted, as he said, to concentrate on the center of the picture, and to leave out the 'inessentials of the background', to make the material the motif of the image conception more rigorously than ever before and to emphasize the tactile charm of the humps and hollows, nets and craters. ' (Karl Ruhrberg, Emil Schumacher. Zeichen und Farbe, Cologne 1987, p. 22). In 'Dibon' we encounter a wonderfully haptic color relief, which is to be explored and which inspires with a golden yellow color that is rarely found in Schumacher's painterly creation. After earthy-brown beginnings in the 1950s, Schumacher's work became increasingly dominated by red and blue compositions alongside the works in earthy tones. Probably one of the first works in black and yellow was 'Bing' from 1966, an extremely powerful color combination that would from then on occasionally pop up in Schumacher's oeuvre. 'Salangan' (1989) is a comparable composition, it is also borne out of the contrast between the powerful black line structures and the golden yellow fund. Today it is part of the collection of the Städel Museum in Frankfurt am Main. As early as in 1958 Schumacher received the Guggenheim Award for his work and was represented at the Venice Biennial. A year later he showed several works at the documenta II. Schumacher became one of the most important representatives of European Informalism. He was an action artist who treated the canvas that lay stretched out in front of him on the floor with eccentric gestures. Most recently the exhibition 'Le Grand Geste! Informel und Abstrakter Expressionismus 1946-1964' (2010) at the Museum Kunst Palast, Düsseldorf, honored Schumacher's work in the context of American Action Painting. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 19.48 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Joseph Beuys - - 1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Goldhase. Um 1982. Goldbronzespray auf Karton. Unten signiert. 60,5 x 44 cm (23,8 x 17,3 in). • Das Motiv dieses Hasen taucht auch auf den 'Hasensteinen' auf. • Joseph Beuys ist einer der bedeutendsten Künstler der deutschen Nachkriegszeit. • Der Hase - für Beuys ein Tier mit Energiefunktion. • Unikat. PROVENIENZ: Galerie Heinz Holtmann, Köln. Sammlung Sal Oppenheim. LITERATUR: 10 Jahre Sammlung Sal.Oppenheim 1997-2007, S. 418, Abb. S.71. 'Der Hase ist das Element der Bewegung, der Aktion, der den starren Kunstbegriff ändert. Dann ein Bewohner von Eurasien, der über alle Grenzen hinweggeht und sogar mit der Berliner Mauer fertig wird. Damit hängt die Idee der großen Einheit zusammen, die von Mitteleuropa ausgeht' Joseph Beuys im Abendzeitung-Gespräch vom 15.11.1985. Schon in seiner Aktion 'Wie man dem toten Hasen die Bilder erklärt' in der Galerie Schmela, Düsseldorf, am 26.11.1965, verbindet Joseph Beuys die Farbe Gold mit dem Hasen. Beuys’ Kopf ist damals mit Blattgold, Goldstaub und Honig bedeckt. Sein Kopf, das wertvolle, gedankenbildende Zentrum des Menschen und Künstlers, ist mit dem edlen Metall kenntlich gemacht. Der Hase nimmt damals die Position des Betrachters ein; wohingegen die realen Betrachter:innen (= Ausstellungsbesucher:innen) auf der Straße vor dem Schaufenster bleiben müssen und noch keinen Einlass erhalten. Der Hase taucht in Zeichnungen, Aktionen und Multiples von Joseph Beuys immer wieder als wichtiges Bindeglied des Verständnisses auf. In Verbindung mit Gold etwa in seiner Aktion auf der documenta 7 in Kassel im Jahr 1982, als Joseph Beuys eine getreue Kopie der goldenen Zarenkrone Iwans des Schrecklichen einschmilzt und in die Gussform eines Schokoladenosterhasens gießt, es entsteht ein 'Hase mit Sonne'. Die Silhouette des schnell rennenden Hasen, wie sie hier zu sehen ist, begegnet uns auch auf den 'Hasensteinen'. Der Hase rennt und ist in seiner Schnelligkeit und Wendigkeit charakterisiert. Joseph Beuys sieht darin die geistige Beweglichkeit des Denkens und Wollens verkörpert. Eigenschaften, die im Verständnis des Künstlers für die Errichtung einer sozialen Plastik unabdingbar sind: Nur wer in seinem Denken beweglich und nicht verkrustet ist, kann Neues schaffen. Dieser Gedanke erscheint banal, in der deutschen Gesellschaft der Nachkriegszeit haben verkrustete, festgefahrene Gewohnheiten und Strukturen jedoch noch einen ganz anderen Beigeschmack als heute. Eine Neubelegung der Symbolik von Gold in Abtrennung vom Kapitalgedanken findet auf derselben Ebene statt. Es wird durch seine Wandelbarkeit des Zustandes ein prädestiniertes Material für Beuys, es kann geschmolzen oder fest, flächig oder gesprüht, massiv oder flüssig, kalt oder warm sein. Es ist nicht primär der materielle Wert, der interessiert, auch wenn die tradierte Würde und Erhabenheit des Materials immer mitschwingt. [EH] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONJoseph Beuys -1921 Krefeld - 1986 Düsseldorf Goldhase. Um 1982. Gold-bronze spray on board. Signd on the bottom. 60.5 x 44 cm (23.8 x 17.3 in). • The motif of the hare also appears on the 'Hasensteine'. • Joseph Beuys is one of the most importand artists of the post-war era in Germany. • The hare - for Beuys an animal with an energy function. • Unique object. PROVENANCE: Galerie Heinz Holtmann, Cologne. Collection Sal Oppenheim. LITERATURE: 10 Jahre Sammlung Sal.Oppenheim 1997-2007, p. 418, illu. on p.71. 'The rabbit is the element of movement, of action that changes the rigid concept of art. A resident of Eurasia who transgresses all borders and can even deal with the Berlin Wall. This is related to the idea of the great unity that Central Europe stands for. Joseph Beuys in an interview on November 15, 1985. In his campaign 'How to explain pictures to a dead hare' at Galerie Schmela in Düsseldorf on November 26, 1965, Joseph Beuys connected the color gold with the hare. Beuys’ head was covered with gold leaf, gold dust and honey. His head, the valuable, intellectual control center of man and artist, was marked with the noble metal. At that time the hare took the position of the observer; whereas the real viewers (= exhibition visitors) stood on the street in front of the gallery and followed the scene inside through the window. Time and again the hare appears in Joseph Beuys‘ drawings, actions and multiples. It serves as an important link for comprehension. Often in connection with gold, like in his action at documenta 7 in Kassel in 1982, for which Joseph Beuys melted an exact copy of the golden tsar crown of Ivan the Terrible, pouring it into the mold of a chocolate bunny, and creating a 'Hase mit Sonne' (Hare with Sun). We also find the silhouette of the running hare, as it can be seen here, on the 'Hasensteine'. The running hare is characterized by its speed and agility. To Joseph Beuys it embodies mental agility of thinking and will. In the understanding of the artist, these properties are essential for the establishment of a social sculpture: Only those flexible in their thinking and not narrow-minded can create something new. This thought seems banal, but in post-war German society narrow-mindedness and habitual thinking were of strong relevance for stagnant social development. A reinterpretation of the symbolism of gold outside its material value took place on the same level. Its changeability made it a perfect material for Beuys‘ art; it can be molten or solid, flat or sprayed, cold or warm. It is not primarily the material value that is of interest, even if the material‘s traditional dignity and sublimity always resonate. [EH] Called up: June 19, 2021 - ca. 12.36 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Fritz Winter - - 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Komposition in Rot. 1954. Öl auf Karton, original auf Leinwand kaschiert. Lohberg 1699 (dort Abbildung um 180° gedreht). Rechts unten signiert und datiert. 75 x 100 cm (29,5 x 39,3 in). [JS]. • Frühe informelle Komposition, die von einem sanft leuchtenden Lila-Schwarz getragen wird. • 2015 widmet die Pinakothek der Moderne, München, Fritz Winters Emanzipation und Dynamisierung der Farbe in der Malerei der 1960er Jahre eine eigene Ausstellung. • Winter gilt seit seiner Beteiligung an der documenta I (1955) als einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Bereits seit den 1950er Jahren stellt Winter in den USA aus und ist dort u. a. in zwei Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Galerie Marbach, Bern (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Galerie Orangerie-Reinz, Köln. Privatbesitz Rheinland (bis 2006). Privatsammlung Österreich (seit 2006). LITERATUR: Fritz Winter. Werke aus den Jahren 1949 bis 1956. Katalog Marbach Nr. 147-518, Bern 1968, Kat.-Nr. 544, mit SW-Abb. (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel und der handschriftlichen Registriernummer 'KM 544'). Lempertz, Köln, Zeitgenössische Kunst, Auktion 897, 30.11.2006, Los 956 (mit Abb.). Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 12.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONFritz Winter -1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Komposition in Rot. 1954. Oil on board, originally laminated on canvas. Lohberg 1699 (image rotated by 180°). Lower right signed and dated. 75 x 100 cm (29.5 x 39.3 in). [JS]. • Early informal composition in a gently glowing purple and black tone. • In 2015 the Pinakothek der Moderne in Munich dedicated an own exhibition to the emancipation and dynamization of the color in Fritz Winter's painting of the 1960s. • Since his participation in documenta I (1955) Winter has been acknowledged as one of the leading heads of German Informalism and post-war abstraction. • Winter showed first works in the USA in the 1950s, among others in two shows at the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Galerie Marbach, Bern (with a label on the stretcher). Galerie Orangerie-Reinz, Cologne. Private collection Rhineland (until 2006). Private collection Austria (since 2006). LITERATURE: Fritz Winter. Werke aus den Jahren 1949 bis 1956. Catalog Marbach no. 147-518, Bern 1968, cat.no. 544, with black-and-white illu. (with stamp and hand-written registration number 'KM 544' on the stretcher). Lempertz, Cologne, Contemporary Art, auction 897, November 30, 2006, lot 956 (with illu.). Called up: June 19, 2021 - ca. 12.54 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Teh-Chun Chu - - 1920 Baitu (China) - 2014 Paris Composition N° 85. 1961. Gouache. Rechts unten zweifach in chinesischen und lateinischen Lettern signiert. Verso nochmal zweifach signiert, datiert und betitelt. Auf festem Velin von Arches (mit Trockenstempel). 38 x 56,5 cm (14,9 x 22,2 in), blattgroß. • Chu Teh-Chun verbindet in seiner einzigartigen Bildsprache Elemente der klassischen chinesischen Kalligrafie mit Elementen des französischen Postimpressionismus und der westlichen Nachkriegsabstraktion. • Er ist ein Pionier der lyrischen Abstraktion – für ihn sind Poesie und Malerei untrennbar miteinander verbunden. • Er wird als erster Franzose mit chinesischer Abstammung 1997 in die Académie des Beaux-Arts in Paris aufgenommen. Mit einem Zertifikat der Chu Teh-Chun Foundation, Genf/Schweiz, vom 5. Februar 2021. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen Catalogue Raisonné aufgenommen. PROVENIENZ: Galerie H. Le Gendre, Paris. Privatsammlung (bis 1960er Jahre, in vorgenannter Galerie erworben). Privatsammlung Süddeutschland (durch Erbschaft vom Vorgenannten). Chu Teh-Chun wird 1920 in der Provinz Jiangsu geboren, von klein auf übt sich der Sohn einer Familie von Ärzten und Kunstsammlern in der traditionellen Kunst der Kalligrafie. Schon mit 15 Jahren wird er in die Kunstakademie von Hangzhou aufgenommen, eine Talentschmiede, geführt von Lin Fengmian. Viele der dort unterrichtenden Professoren sind in der Ecole des Beaux-Arts in Paris und Dijon ausgebildet worden. Dort trifft Chu Teh-Chun auf Wu Guanzhong und Zao Wou-Ki. Ihr Lehrmeister Fang Ganmin, selbst ein berühmter Maler, macht seine jungen Studenten mit westlicher Kunst vertraut, unter anderem mit Cézanne, Matisse, Derain. Chu findet über die Malerei der französischen Postimpressionisten seinen eigenen Weg, der ihn von der Tradition der chinesischen Kunst zu einer lyrischen Abstraktion führen wird. Nach seinem Abschluss geht er mit seiner Familie nach Taiwan und wird Professor am Taipei National Institute of Technology im Fachbereich Architektur. In den 1950er Jahren stellen sich die ersten künstlerischen Erfolge ein. Die damit verbundene finanzielle Freiheit nutzt er für erste Reisen nach Frankreich. 1955 lässt er sich dauerhaft in Paris nieder und trifft dort auf seinen alten Schulkameraden Zao Wou-Ki. Im Musée de l’Art Moderne sieht er die Bilder von Nicolas de Staël. Die Abstraktionen des französischen Malers beeindrucken ihn tief. So tief, wie es einige Jahre später nur noch Rembrandt vermag. Es ist ein Wendepunkt in seiner Kunst. Ausgehend von seinen Tuschezeichnungen, entwickelt er eine gestische Malerei, die, abstrakt und poetisch, innere Bilder von einer ausgesprochenen Zartheit und Eleganz hervorbringt. [SM] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 13.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONTeh-Chun Chu -1920 Baitu (China) - 2014 Paris Composition N° 85. 1961. Gouache. Twice signed in Chinese and Latin characters in lower right. Verso once more twice signed, dated and titled. On firm Arches wove paper (with blindstamp). 38 x 56.5 cm (14.9 x 22.2 in), the full sheet. • In his inimitable pictorial language Chu Teh-Chun combines elements of classic Chinesie calligraphy with elements of Fench Post-Impressionism and Western Post war Abstraction. • He was a pioneer of Lyrical Abstraction – to him poetry and painting are inseparable. • He was the first Frenchman of Chinese descent to be accpeted into the Académie des Beaux-Arts in Paris (1997). Accompanied by a certificate issued by the Chu Teh-Chun Foundation, Geneva/ Switzerland on February 5, 2021. The work will be included into the forthcoming catalouge raisonné. PROVENANCE: Galerie H. Le Gendre, Paris. Private collection until the 1960s (acquired from aforementioned gallery). Private collection Southern Germany (inherited from aforementioned). Called up: June 19, 2021 - ca. 13.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Gerhard Hoehme - - 1920 Greppin bei Dessau - 1989 Neuss-Selikum Muddle. 1982. Acryl auf Leinwand mit PE-Schnur. Hoehme 82-03. Rechts unten signiert und datiert. Verso signiert, datiert, betitelt und bezeichnet. Leinwand: 160 x 160 cm (62,9 x 62,9 in). Gesamtmaß: ca. 185 x 160 cm (72,9 x 63 in). • Großformatige Arbeit, die durch den Einsatz von Kunststoffschnüren den Bildraum in die dritte Dimension erweitert. • Wunderbarers Zeugnis von Hoehmes kunsthistorisch bedeutendem Beitrag zum 'offenen Bild'. • Schöne Verbindung von Hoehmes gestisch-informeller Malerei der 1950er Jahre mit seinem späteren Bemühen um die Entgrenzung der Bildfläche. • Hoehme gilt als Hauptvertreter des deutschen Informel und als Schöpfer eines der eigenwilligsten und vielschichtigsten Werke der deutschen Nachkriegskunst. PROVENIENZ: Sammlung Deutsche Bank. AUSSTELLUNG: Kunst aktuell, Städtische Kunsthalle, Mannheim 1986. 'Die Schnur ist eine Art Fühler. Sie tritt aus dem Bild heraus, kommt auf den Betrachter zu, um [..] den Abstand zwischen dem Betrachter und dem Bild aufzuheben, den Betrachter in das Bild hineinzuholen. So ist das Bild nicht mehr ein fremdes Gegenüber. Es entsteht so etwas wie ein Übergang vom Bildraum zu unserem gelebten Raum [..]' Walter Biemel, in: Begegnung mit Gerhard Hoehme, Ausst.-Kat. Düsseldorf 1992, S. 91. Im Jahr 1951 begegnet der junge Hoehme Jean-Pierre Wilhelm, der den Kontakt zu Jean Fautrier und Jean Dubuffet herstellt, den bedeutendsten Vertretern des Informel in Paris. Er ist, nach gegenständlichen Anfängen, bald darauf selbst der informellen Malerei verpflichtet und zählt heute neben Karl Otto Götz und Emil Schumacher zu den deutschen Hauptvertretern dieser bedeutenden Kunstrichtung der Nachkriegszeit. Hoehme hat mit seinem Œuvre in den 1950er Jahren einen wesentlichen Beitrag zum deutschen Informel geleistet und darauf aufbauend in den folgenden Jahrzehnten einen der eigenwilligsten und vielschichtigsten Stile entwickelt, die die deutsche Kunst in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts kennt. Auf seine 'shaped canvas' folgt ab den 1960er Jahren Hoehmes künstlerische Auseinandersetzung mit der Dreidimensionalität, die er mithilfe der Kombination aus bemalter Fläche und Raumelementen umzusetzen versucht. Ab 1964 entstehen verstärkt Raumobjekte, die neben dem klassischen Leinwandgrund unter anderem auch Holz, Gaze und Nylonschnüre integrieren. Im selben Jahr entwickelt Hoehme seine 'Schnittmusterbögen', ab 1968 folgen Installationen und es entstehen die ersten 'Damastbilder', mit denen Hoehme einen weiteren Beitrag zum 'offenen Bild' leistet. Seine großformatigen Leinwände der 1980er Jahre - von denen unsere stark gestische Arbeit 'Muddle' ein besonders schönes Beispiel gibt - schaffen eine eindrucksvolle Verbindung aus Hoehmes informellen Anfängen und seiner anschließend konsequent umgesetzten Öffnung des Bildraumes in die Dreidimensionalität: Die durch den energischen gestischen Duktus strukturierte Malfläche wird durch ein im Zentrum aufgesetztes, räumliches Element und Hoehmes berühmte Kunststoffschnüre in den Raum erweitert. 'Muddle' ähnelt in Aufbau und Farbgebung seinem ebenfalls 1982 geschaffenen 'Äthna-Zyklus', der sich in der Sammlung des Saarland Museums, Saarbrücken, befindet und sich mit der geologischen Thematik von Feuer, Glut und Verkrustung auseinandersetzt. Hoehmes innovatives Schaffen ist auf zahlreichen bedeutenden Ausstellungen vertreten. Zuletzt zeigte die Kunstakademie Düsseldorf im Frühjahr 2020 eine umfassende Werkschau des bedeutenden Vertreters der deutschen Nachkriegsmodernde. [JS] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 13.31 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONGerhard Hoehme -1920 Greppin bei Dessau - 1989 Neuss-Selikum Muddle. 1982. Acrylic on canvas with PE string. Hoehme 82-03. Signed and dated in lower right. Verso signed, dated, titled and inscribed. Canvas: 160 x 160 cm (62.9 x 62.9 in). Total dimensions ca. 185 x 160 cm (72,9 x 63 in). • Large-size work that extends the image space into the third dimension through the use of plastic strings. • Marvelous document of Hoehme's art-historically relevant contribution to the concept of the 'open image'. • Fine combination of Hoehme's gestural-informal painting of the 1950s and his later ambitions to delimit the image space. • Hoehme is one of the main representatives of German Informalism and the creator of one of the most unique and most versatile works of German Post War Art. PROVENANCE: Deutsche Bank Collection. EXHIBITION: Kunst aktuell, Städtische Kunsthalle, Mannheim 1986. 'The string is a sort of antenna. It emerges from the picture towards the observer [..] thus bridging the distance between observer and picture, taking the observer into the picture. This way the picture is no longer some kind of strange object. There is a transition between image space and our real world [..]' Walter Biemel, in: Begegnung mit Gerhard Hoehme, ex. cat. Düsseldorf 1992, p. 91. Called up: June 19, 2021 - ca. 13.31 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Fritz Winter - - 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Nach dem Tage. 1950. Öl auf Malpappe. Lohberg 1001. Links unten schwer leserlich, eingeritzt signiert und datiert. 50,5 x 70,5 cm (19,8 x 27,7 in). [SM]. • Seit fast 45 Jahren in Familienbesitz. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Fritz Winter gehört zu den wichtigsten deutschen Künstlern der Nachkriegsmoderne. PROVENIENZ: Galerie Marbach, Bern (verso mit dem Etikett). Kunsthandel F. W. Nickel - Alex Zadow, Nürnberg (verso mit dem Etikett). Privatsammlung Süddeutschland (seit 1978, direkt vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Fritz Winter, Werke aus den Jahren 1949 bis 1956, Kat. Marbach Nr. 147-581, Bern 1968, Kat.-Nr. 168 (verso mit dem Etikett). Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 15.07 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFritz Winter -1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Nach dem Tage. 1950. Oil on cardboard. Lohberg 1001. With barely legible scratched signatue and date in lower left. 50.5 x 70.5 cm (19.8 x 27.7 in). [SM]. • Family-owned for almost 45 years. • For the first time on the international auction market. • Fritz Winter is among the most important German representatives of Post War Art. PROVENANCE: Galerie Marbach, Bern (verso with the label). Art trader F.W.Nickel - Alex Zadow, Nuremberg. (verso with the label) Private collection Southern Germany (since 1978, acquired directly from aforementioned). LITERATURE: Fritz Winter, Werke aus den Jahren 1949 bis 1956, cat. Marbach no. 147-581, Bern 1968, cat. no. 168 (verso with the label). Called up: June 19, 2021 - ca. 15.07 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Fritz Winter - - 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Begrenzung durch grau und weiß. 1954. Öl auf Malkarton, original auf Leinwand kaschiert. Rechts unten signiert und datiert. Verso handschriftlich betitelt. 74,5 x 100 cm (29,3 x 39,3 in). [JS]. • Ausgewogene, großformatige Komposition aus dem informellen Frühwerk. • Der Kunsthändler Henry Kleemann war mit seiner New Yorker Galerie, in der er seit 1954 mehrere Einzelausstellungen Winters zeigte, maßgeblich für die frühe Bekanntheit des Künstlers in den USA verantwortlich. • Winter gilt seit seiner Beteiligung an der documenta I (1955) als einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Bereits in den 1950er Jahren ist Winter auf mehreren Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Kleemann Gallery, New York (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Privatsammlung Baden-Württemberg. Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 15.09 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFritz Winter -1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Begrenzung durch grau und weiß. 1954. Oil on board, originally laminated on canvas. Not in Lohberg. Signed and dated in lower right. Verso with hand-written title. 74.5 x 100 cm (29.3 x 39.3 in). [JS]. • Balanced large-size composition from the artist's early informal period of creation. • The art dealer Henry Kleemann showed several Winter solo exhibitions at his New Yorker gallery as of 1954 and was largely responsible for the artist's early popularity in the U.S.A. • After his participation in documenta I (1955) Winter became one of the leading representatives of German Informalism and post war abstraction. • In the 1950s Winter showed works in several exhibitions at the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Kleemann Gallery, New York (with the label on the stretcher). Private collection Baden-Württemberg. Called up: June 19, 2021 - ca. 15.09 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Fritz Winter - - 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Letztes Rot. 1955. Öl auf Karton, auf Leinwand kaschiert. Lohberg 1926. Rechts unten signiert und datiert. Verso handschriftlich datiert, betitelt sowie mit dem Künstlernamen versehen. 75,2 x 100,5 cm (29,6 x 39,5 in). [AM]. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt (Quelle: www.artprice.com). • Fritz Winter ist einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstraken Nachkriegsmoderne. • Bereits seit den 1950er Jahren stellt Winter in den USA aus und ist dort u. a. in zwei Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Sammlung Walter Brendel, Prien. Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (seit 1980). Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 15.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFritz Winter -1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Letztes Rot. 1955. Oil on board, laminated on canvas. Lohberg 1926. Lower right signed and dated. Dated, titled and inscribed with the artist's name on the reverse. 75.2 x 100.5 cm (29.6 x 39.5 in). [AM]. • For the first time on the international auction market (source: www.artprice.com). • Fritz Winter is one of the leading representatives of German Informalism and post-war abstraction. • Winter has been exhibiting in the USA since the 1950s, where he showed works in two exhibitions at the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Collection Walter Brendel, Prien. Private collection North Rhine-Westphalia (since 1980). Called up: June 19, 2021 - ca. 15.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Neo Rauch - - 1960 Leipzig - lebt und arbeitet in Leipzig Selbstbildnis. 1987. Öl auf Hartfaserplatte. Rechts unten signiert und datiert. 80 x 60 cm (31,4 x 23,6 in). [CH]. • Pastos gearbeitetes Selbstporträt aus der Akademiezeit des Künstlers an der Leipziger Kunsthochschule HGB, wo er ab 1986 als Meisterschüler Bernhard Heisigs studiert. • Mit der Gemeinschaftsausstellung 'Junge Künstler im Bezirk Leipzig' beginnt 1986 die Ausstellungshistorie seiner Werke. • Neo Rauch bezeichnet sein Frühwerk als seine 'erste halbwegs vollzogene Selbstumrundung' (Interview mit Andreas Höll, 25.9.2020, MDR Kultur). • Die Arbeiten des Künstlers sind heute Teil renommierter internationaler Sammlungen, darunter des Museum of Modern Art, New York, der Fondation Beyeler, Riehen/Basel, und des Stedelijk Museums, Amsterdam. PROVENIENZ: Galerie am Thomaskirchhof, Leipzig. Privatsammlung Bayern (1989 vom Vorgenannten erworben). Vom jetzigen Eigentümer 2006 vom Vorgenannten erworben. LITERATUR: Ketterer Kunst, München, 306. Auktion, Modern Art und Post War, 5.12.2006, Los 361 (mit Farbabb.). [..] Ich selbst war weiß Gott mehrfacher Schwerst-Epigone. Als, ich hatte eine Werner-Libuda-Phase, ich durchaus auch mal dicht an Heisig dran und ein Bacon-Epigone war, habe ich auch versucht beim frühen Baselitz längsseits zu gehen. Es ist ja auch so, dass zu den frühen Jahren einer Malerexistenz unbedingt auch gehört, in die verschiedensten Arbeitshandschuhe anderer Leute mal schlüpfen zu wollen. Ich wollte das einfach alles ausprobieren.' Neo Rauch in einem Interview mit dem MDR-Magazin 'Figaro', 13.10.2005 Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 16.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONNeo Rauch -1960 Leipzig - lebt und arbeitet in Leipzig Selbstbildnis. 1987. Oil on fibreboard. Lower right signed and dated. 80 x 60 cm (31.4 x 23.6 in). [CH]. • Impasto self-portrait from the artist's days at the Leipzig art school where he was master student of Bernhard Heisig as of 1986. • The group show 'Junge Künstler im Bezirk Leipzig' marked the beginning of his exhibition history in 1986. • Neo Rauch describes his early creative period as his 'first sort of succssful self-circumnavigation' (interview with Andreas Höll, September 25, 2020, MDR Kultur). • Works by artists are in many renowned international collections, among them the Museum of Modern Art, New York, the Fondation Beyeler, Riehen/Basel, and the Stedelijk Museums, Amsterdam. PROVENANCE: Galerie am Thomaskirchhof, Leipzig. Private collection Bavaria (acquired from above in 1989). Private collection (acquired from above in 2006). LITERATURE: Ketterer Kunst, Munich, 306th auction, Modern Art and Post War, December 5, 2006, lot 361 (with color illu.). '[.] I myself was a heavy epigone several times, God knows. I had a Werner Libuda period, was quite close to Heisig and Bacon, I also tried to walk alongside the early Baselitz. An essential part of the early years of a painter is to slip into other people's work gloves. I just wanted to try everything. ' Neo Rauch in an interview with the MDR magazine 'Figaro', October 13, 2005 Called up: June 19, 2021 - ca. 16.47 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Martin Kippenberger - - 1953 Dortmund - 1997 Wien Copa und Ipa (Vorfreude seitenverkehrt: Ich muss zuhause bleiben). 1986. Collage. Frotteetuch, Stoff, Kunststofffolie, Pappe und Hemdsärmel mit Serigrafie, auf Keilrahmen. Verso signiert und datiert. 76 x 91,5 cm (29,9 x 36 in). Im Original-Wellkartonrahmen. Aus der 24 Unikate umfassenden Serie 'Copa und Ipa'(1986), die 1986 in der Ausstellung 'Martin Kippenberger. Endlich 3' in der Galerie Erhard Klein, Köln, zu sehen war. • Humorvolles Zeugnis von Kippenbergers Anti-Kunst, mit der er für die Berliner Kunstszene der 1980er Jahre in entscheidender Weise prägend war. • 2006 würdigte die Tate Modern, London, den früh verstorbenen deutschen Künstler mit einer großen Einzelausstellung. • Arbeiten des international gefeierten Anti-Künstlers Martin Kippenberger befinden sich in zahlreichen internationalen Sammlungen, wie dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Modern, London. • 2013 zeigte das Museum Hamburger Bahnhof, Berlin, die Retrospektive 'Martin Kippenberger: sehr gut / very good'. PROVENIENZ: Galerie Gisela Capitain, Köln. Privatsammlung Hessen (bis 2010). Privatsammlung Europa (seit 2010). AUSSTELLUNG: Martin Kippenberger. Endlich 3, Galerie Erhard Klein, Köln 1986 (mit Abb.). LITERATUR: Ketterer Kunst, München, Auktion 375, Post War / Zeitgenössische Kunst, 4.12.2010, Los 196 (mit Abb.). Kippenbergers ausgesprochen vielseitiges Œuvre hinterfragt die Gesellschaft und den zeitgenössischen Kunstbetrieb. In provozierend banalen oder spöttischen Bildfindungen, die bewusst auch Peinlichkeiten akzeptieren, in Nonsenstexten und mit kalkuliertem Dilettantismus stellt er unsere traditionelle Vorstellung von Kunst und Künstler immer wieder aufs Neue in Frage. So auch in seinen im Anschluss an seine 'Magical Misery Tour' durch Brasilien geschaffenen Copacabana-Motiven. Der belebten Strandpromenade wird der abgetrennte Hemdsärmel als Symbol des Arbeitsalltags und jener europäischen Zugeknöpftheit gegenübergestellt, welche Kippenberger mithilfe der Unangepasstheit seiner Kunst immer wieder zu durchbrechen versucht. Und so wird auch in unserer, von einem Frotteehandtuch mit Copacabana-Motiv beherrschten und gewecktes Fernweh ironisch kommentierenden Arbeit die konventionelle Vorstellung von Kunst und Künstler auf die Probe gestellt. Die Leinwand wird eben nicht von einem besonders virtuosen Farbauftrag beherrscht, sondern Kunst wird im Gegensatz dazu im Sinne einer Weiterentwicklung von Duchamps Ready-Mades des frühen 20. Jahrhunderts als das gekonnte Aufspüren und spitzfindige Kombinieren von Trouvaillen des Alltags verstanden. Weite Teile dieser Schaffensphase werden 1986 in der ersten umfassenden Museumsausstellung des Künstlers 'Miete Strom Gas' im Landesmuseum Darmstadt der Öffentlichkeit präsentiert. [JS] Aufrufzeit: 19.06.2021 - ca. 16.45 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMartin Kippenberger -1953 Dortmund - 1997 Wien Copa und Ipa (Vorfreude seitenverkehrt: Ich muss zuhause bleiben). 1986. Collage. Terry towel, cloth, plastic foil, board and shirtsleeve with silkscreen, on stretcher. Signed and dated on the reverse. 76 x 91.5 cm (29.9 x 36 in). • Humorous document of Kippenberger's anti art, which was of seminal impact for the Berlin art scene of the1980s. • In 2006 Tate Modern, London, honored the early deceased German artist with a solo show. • Works by the internationally celebrated anti artist Martin Kippenberger are in many international collections, such as the Museum of Modern Art, New York, and Tate Modern, London. • In 2013 the Museum Hamburger Bahnhof, Berlin, showed the retrospective 'Martin Kippenberger: sehr gut / very good'. PROVENANCE: Galerie Gisela Capitain, Cologne. Private collection Hesse (until 2010). Private collection Europe (since 2010). LITERATURE: Ketterer Kunst, Munich, auction 375, Post War / Contemporary Art, December 4, 2010, lot 196 (with illu.). Called up: June 19, 2021 - ca. 16.45 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

A pair of brilliant cut diamond stud earrings, estimated total diamond weight 2.45cts, estimated colour I-J, estimated clarity P1-P2, stamped 585, gross weight 2.5g.Condition report: Overall condition good to fairWith fixed post fittings for pierced earsWith 925 butterfliesDiamonds well matched, each with scattered light and dark inclusions, some visible with the unaided eye, none are surface reaching

A pair of Georg Jensen silver 'Infinity' earrings, pattern 452B, designed by Regitze Overgaard, hallmarks for Birmingham, length 3.9cm, gross weight 8.8g. With maker's box.Condition report: Overall condition good to fairWith fixed post fittingsScratches and discolouration in keeping with occasional wearJewellers inscriptions to earrings, visible with magnificationCase in good condition, outer box one side is torn

An Edwardian oak wall letter sorting box, the shaped back above two divisions , lettered brass titles on the front "Post" and "Delivery" with pierced brass grilles. 26cm wide x 18cm high

Packet: good quantity Union-Castle Line interest items, both pre and post-war

REV CHARLES LUDWIDGE DODGSON "LEWIS CARROLL": EIGHT OR NINE WISE WORDS ABOUT LETTER-WRITING - THE "WONDERLAND" OF POSTAGE - STAMP - CASE, Oxford Emberlin & Son, 1890 but probably later as the small booklet about letter writing lacks the final page of adverts suggesting this is a post-1907 reprint, the corresponding stamp case with 12 Victorian stamps in 12 slots together with the original envelope

Box: PICTURE POST, assorted issues, 1940 (1), 1948 (17), 1949 (16), 1950 (5), 1951 (3), 1953 (3), original wraps (45)

A  pair of Russian onyx and ruby 14ct gold earrings, circular form set to the centre with a ruby/paste , overlaid on onyx with faceted edge, with a decorative border of gold, diameter approx 15mm, screw post and fittings for pierced ears, marked 56 to reverse maker mark rubbed, total gross weight approx 4.7gms in a leather bound Russian jewellery boxCondition report - one stone replaced by faceted red paste, wear and tear to backs and marks rubbed  

A pair of 18ct yellow gold large hoop creole earrings, oval shaped with flat profile (hollow)  textured with line decoration, size approx 50 x 60mm, total gross weight approx  9.2gms along with a pair of diamond shaped articulated  brick links drop earrings, length approx 40mm, post and scroll fittings for pierced ears, total weight approx 8.9gms condition report: good minor wear and tear only, no visible sign of dame or repair 

A pair of freshwater cultured pearl and 9ct gold stud earrings, the pearls with peach tone, approx 9mm, post and scroll pierced fittingsCondition report: minor wear and tear  

A pair of neon apatite silver stud earrings, claw set with oval stones approx 7 x 4mm, post and scroll pierced fittingsCondition report: Good- all stones present and intact, minor wear and tear only   

A pair of ruby and diamond silver earrings, round form each set to the centre with round cut claw set ruby, total ruby weight approx. 3.23 carats, with diamond accents, diameter approx. 12mm, clip fittings along with a pair of  black spinel and silver drop earrings, the pear cut top suspending a pearl cut dropper, claw set throughout, length approx. 25mm,  post and scroll fittings, total stone weight approx. 19.15 carats, both with original sales tag and Gems TV certificates  

A pair of silver and black spinel earrings, circular textured silver set to the centre with round cut spinel, diameter approx. 18mm, along with a pair of oval claw set moldavite earrings, carat weight approx. 3.48carats,  both with post and scroll fittings, along with Gemporia and Gems TV certificates  

A pair of London blue topaz silver stud earrings, claw set with oval stones approx 8 x 6mm, post and scroll pierced fittingsCondition report: Good- all stones present and intact, minor wear and tear only  

A pair of diamond and silver earrings comprising intertwined pear shapes with outer borders of claw set round brilliant cut diamonds with central rows of baguette cut diamonds, total diamond weight approx 1.95 carats, length approx 27mm,on post and scroll fittings, total gross weight approx 5.4gms, along with Gems TV certificate card Condition report: good- minor wear only 

A pair of black diamond and silver oval earrings, oval form with domed centre pave set with small round cut black diamonds with an outer border of larger black diamonds, size approx. 15 x 18mm, on post and omega clip fittings, with original sales tag and Gems TV certificate  

Three stone carved posts, comprising a pair of posts, measuring 70cm high, 28cm wide, 22cm deep, together with a single post with different carved design, measuring 70cm high, 30cm wide, 23cm deep (3)

A pair of diamond and 18ct white gold solitaire earrings, comprising claw set round brilliant cut diamonds, weighing a total approx 1 carat, assessed clarity SI2, assessed colour L, on post and scroll pierced fittingsCondition report: Good- stones present and intact minor wear and tear 

A pair of diamond set line earrings, tapered 'V' form with a reverse scroll  grain set throughout with round brilliant cut diamonds, total diamond weight approx 1.2carats, length approx 50mm, on post and omega clip fittings for pierced ears, unmarked assessed as 18ct white gold,  total gross weight approx 13.3gmsCondition report: one earrings diamond deficient, crack to metal otherwise all diamonds present and intact

A pair of tanzanite and diamond 9ct gold cluster earrings, comprising claw set with oval tanzanite's, within a border of small round brilliant cut diamonds, size approx 9 x 7mm, claw set through out, unmarked assessed as 9ct gold, post and scroll pierced fittings, total gross weight approx 1.8gms Condition report: Good- all stones present and intact, minor wear and tear only  

A pair of Art Deco style aquamarine and diamond 18ct white gold earrings, comprising square diamond set tops, set with small round cut diamonds suspending an articulated row of graduated round cut diamonds, total diamond weight approx 0.83ct, to a rectangular cut aquamarine claw set terminals with diamond set accents, stone weight approx 4.63 carats, length approx 30mm, post and scroll pierced fittings, unmarked, total gross weight approx 7gms, casedCondition report: Good- all stones present and intact, minor wear and tear only  

A pair of diamond and 18ct white gold solitaire earrings, comprising claw set round brilliant cut diamonds, weighing a total approx 0.45ct, on post and scroll pierced fittingsCondition report: Good- stones present and intact minor wear and tearCONDITION:assessed clarity SI2, assessed colour N plus

 A pair of diamond and 18ct white gold earrings, comprising square invisible set princess cut diamonds, weighing a total approx 2.00carats, size approx 8mm,  on post and scroll pierced fittings, stamped 750, total gross weight approx 4.5gms boxed Condition report: Good- stones present and intact minor wear and tear CONDITION:assessed clarity SI, assessed colour H/I,

A pair of ruby and diamond 9ct gold cluster earrings, comprising claw set oval rubies, total stone weight approx 3.85 carats,  within a border of illusion set small round brilliant cut diamonds, total diamond weight approx 0.24ct,  size approx 14 x 12mm, claw set through out, marked as 375, post and scroll pierced fittings, total gross weight approx 5.1gms Condition report: Good- all stones present and intact, minor wear and tear only