We found 19749 price guide item(s) matching your search

MODERN ART INTERIOR DESIGN LIGHT

A Collection of Books and catalogues relating to the Grosvenor School and CRW Nevinson Three volumes by Claude Flight: The Art and Craft of Lino-cutting and Printing, published 1934 by Batsford; Lino-cuts, revised edition published in 1948 by The Bodley Head; Christmas and Other Feasts and Festivals, published 1936 by George Routledge & Sons Ltd, inscribed by the artist on the inside front cover; Linocuts of the Machine Age: Claude Flight and the Grosvenor School, a Catalogue Raisonné by Stephen Coppel, published 1995 by Scolar Press; Cyril Power Linocuts by Philip Vann, 2008; The Cutting Edge of Modernity, 2002; Rhythms of Modern Life by Clifford Ackley, 2008; Contemporary British Artists: CRW Nevinson, published 1925 by Charles Scribner's Sons; CRW Nevinson The Twentieth Century (12)Footnotes:Also included: two exhibition catalogues: Nash and Nevinson in War and Peace , 31 Oct to 19 Nov 1977 at Leicester Galleries at the Alpine Club Gallery, Claude Flight and His Circle, 19 Nov-6 Dec 1975 at Michael Parkin Fine Art Ltd; plus an invitation to The Movement of Flight, Claude Flight, his circle and his pupils at Parkin Gallery 27 Sep-21 Oct 1978This lot is subject to the following lot symbols: •• Zero rated for VAT, no VAT will be added to the Hammer Price or the Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

A Collection of Books and catalogues relating to the Grosvenor School and CRW Nevinson Linocuts of the Machine Age: Claude Flight and the Grosvenor School, a Catalogue Raisonné by Stephen Coppel, published 1995 by Scolar Press; Lino-cuts by Claude Flight, published in 1927 by The Bodley Head; Sybil Andrews and the Grosvenor School by Hana Leaper, 2015; Fine Art Prints from the V&A Collection by Margaret Timmers; CRW Nevinson The Twentieth Century, Imperial War Museum exhibition catalogue, 2000; CRW Nevinson, A Printmaker in War and Peace, Osborne Samuel exhibition catalogue, 2014; Modern Masters of Etching: CRW Nevinson, The Studio Ltd, 1932; Contemporary British Artists: CRW Nevinson, 1925, with Nevinson's signature on a card insert; Vorticism and the Grosvenor School, Hearst Gallery exhibition catalogue, 1993, Cutting Edge: Modern British Printmaking, Dulwich Gallery exhibition catalogue, 2019; Sybil Andrews Paintings & Graphic Work, Parkin Gallery exhibition pamphlet, 1980 (11)This lot is subject to the following lot symbols: •• Zero rated for VAT, no VAT will be added to the Hammer Price or the Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Claude Flight (British, 1881-1955)Speed (Coppel CF 7) Linocut printed in cobalt blue, yellow ochre, vermilion and Prussian blue, circa 1922, a very good impression, on tissue thin oriental laid paper, reverse-mounted on yellow-inked paper backing, signed and numbered 49/50 in pencil, framedBlock 223 x 285mm (8 3/4 x 11 1/4in)Sheet 267 x 316mm (10 1/2 x 12 1/2in)Footnotes:In one of his most iconic images Flight has captured all the vibrancy and movement of London busses speeding along Regent Street. The subject was designed to have a broad appeal, both with Londoners familiar with the daily commute and with a wider audience for whom the London bus was an instantly recognizable icon. The composition is carefully balanced with curving lines leading the eye into the image, and the arc of the bus evoking a sensation of speed. The sinuous curves and bold primary colours combine in a celebration of the new machine age and modern city life. Unusually, this image was printed on the reverse side of the sheet. The translucent oriental paper allowed the colours to show through to the viewing side and being mounted on a yellow-inked paper backing enhanced the overall visual impact.This image was a favourite of the artist who used it as the frontispiece to his volume The Art and Craft of Lino Cutting and Printing, a copy of which is included in lot 153.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Cyril Edward Power (British, 1872-1951)The Escalator (Coppel CEP 12) Linocut printed in yellow, Chinese orange and viridian, circa 1929, on oriental laid paper, signed, titled and numbered 3/50 in pencil, also titled in pencil in the lower margin, framedBlock 334 x 373mm (13 1/8 x 14 5/8in)Sheet 385 x 456mm (15 1/8 x 18in)Footnotes:ExhibitedRhythms of Modern Life: British Prints 1914-39, Museum of Fine Arts, Boston, 30 January-1 June 2008, Metropolitan Museum of Art, New York, 23 September-7 December 2008, Wolfsonian Florida International University, 29 November-28 February 2010.Whilst working on the experimental proofs for this image Power noted that the tissue thin oriental paper did not work well for this linocut and therefore used a thicker oriental paper for the numbered edition.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Brooch, earrings. ring and two pairs of earrings, with pictures created by butterfly wings, backed with silver, a set of Thai silver and black enamel buttons and studs, a jet brooch, a modern pendant of oxidised steel, and a bone and stone (?) ethnic necklace by Folio Fine Art, 6 Stratford Place, London, W1 

Detailed Cars And Other Similar 1/43 Scale Modern Diecast to include Corgi Detailed Cars  Ferrari 512 TR Art.1006,  Detail Cars Art.173 Jaguar XJ 220, Detail Cars Art.111 Lamborghini Diablo S and similar. Conditions generally appear Excellent in generally Fair to Excellent boxes. (13) (See Photo)

* Amadeo Modigliani (Italian, 1884-1920) 'Femme Accoudee' Portrait of de Mme Anka Zberowskapencil on paper laid down on boardsigned41 x 25cmPlease note this lot attracts an additional import tax of 5% on the hammer price Provenance: Madame Hanka Zborowska (wife of the artist’s dealer); Galerie Zac, Paris; Ronauld Laaren, The Netherlands; Parke-Bernet, New York, 13th May 1964; Bloomsbury Auctions, London, 12th July 2009;Literature: Oscaldo Patani, Amadeo Modigliani, Catalogue generale; Disegni 1906-1920, Milano 1991. no. 124. Illustrated. A photo-certificate issued by the Wildenstein Institute, Paris was issued for this work.Private Collection Guernsey.The primitive style of this Expressionist painter is perhaps best epitomised by the many portraits he painted of Hanka (Anka). These hang in the major art galleries, such as the New York Museum of Modern Art and the London Tate. In this sketch, as with Klimpt, it has been drawn with a very light pencil, so the positioning of the frame to avoid too much reflection, is critical for easy viewing.Madame Zberwoska was the daughter of a Polish aristocrat who, with her husband, arrived in Paris on 1914 with both becoming very close to the artist, her husband Leo was his main agent whilst she remained his primary model, until his early death aged only 35. It is likely therefore that this drawing was executed only a few years before his death. Other artists who painted her include Utrillo, Derain and Fujita. Modigliani drawings are both uncommon and expensive, so given its excellent Provenance and Literary references this is a rare chance to acquire a work by an artist now eagerly sought.***CONDITION REPORT***Paper evenly discoloured with further darker damp spots, looks very flat so thought to be laid down, signature lower right corner, housed in a later card mount and modern glazed gilt frame, various Exhibition labels verso.PLEASE NOTE:- Prospective buyers are strongly advised to examine personally any goods in which they are interested BEFORE the auction takes place. Whilst every care is taken in the accuracy of condition reports, Gorringes provide no other guarantee to the buyer other than in relation to forgeries. Many items are of an age or nature which precludes their being in perfect condition and some descriptions in the catalogue or given by way of condition report make reference to damage and/or restoration. We provide this information for guidance only and will not be held responsible for oversights concerning defects or restoration, nor does a reference to a particular defect imply the absence of any others. Prospective purchasers must accept these reports as genuine efforts by Gorringes or must take other steps to verify condition of lots. If you are unable to open the image file attached to this report, please let us know as soon as possible and we will re-send your images on a separate e-mail. 

Moorcroft - A modern trial piece, prestige large square plaque in "Natures Whispher" pattern, having figural and four Hounds and Art Nouveau style design, in silver frame. Marked to reverse, signed by Emma Bossons, Eric Knowles and dated 30 - 10 - 09. Also with label to verso stating "Framed for Moorcroft by The Art Studio". Approx. 48.5cm wide.  Further Details: In good condition, slightest wear and slightest nibbles to frames.

Coalport - An Art Deco designed modern "The Flapper" figurine no. 651/2000, dated 2003. Unboxed. Approx. 31cm high. Further Details: In good condition.

A Victorian silver Christening mug of tapering form with engraved decoration, London 1875 (1910 presentation engraving), to/w an Art Deco toast rack, Mappin & Webb, Sheffield 1933, two engine-turned napkin rings, a curb-chain bracelet with padlock clasp, London 1961, 9.9oz total, to/w a novelty trowel bookmark with mother-of-pearl handle, Birmingham 1923, a Yard-O-Led pencil, London 1947 and a modern floral-cut cranberry glass scent bottle with silver top, London 2001 (8)

Three iconic and striking 20th century modern art lithograph posters. Comprising: Henri Matisse (French, 1869-1954) Icarus Offset lithograph Limited edition of 2000 58cm x 47.5cm (23" x 18.75") Edvard Munch (Norwegian, 1863-1944) The Scream Offset lithograph printed 1999 80cm x 75cm (31.5" x 29.5") Reuven Rubin (Israeli, 1893-1974) Girl with Flower Pot Offset lithograph poster, produced for the exhibition of Israeli art in Jerusalem Please measure Presented unframed, unglazed & previously stored in roll

Chess pieces, carved ivory, one set dyed green, the other red, Indian (islamic), 19th C., minor faults, small restoration, wear on the decoration, one green bishop with faded green. Notes: vd. similar pieces in WICHMANN, Hans and WICHMANN, Siegfried - "Chess - The Story of Chesspieces from Antiquity to Modern Times". London: Paul Hamlyn Ltd, 1964, fig. 109. In the same book one can find references to similar sets belonging to the following collections: Metropolitan Museum, New York (catalogue number 48.174.11); Topkapi Saray Museum, Istanbul; Hammond Collection, London (cf. HAMMOND, Alex - "The Book of Chessmen". London, 1950); British Museum, London. Other similar pieces were part of the exhibition "Schachpartie durch Zeiten und Welten" in the Museum für Kunst und Gewerbe, Hamburg, from May 5th to August 28th in 2005, and are reproduced in its catalogue as figs. 138 and 141. Other similar pieces were part of the exhibition "Jogos Cruzados - Viagens entre Oriente e Ocidente", held at the Museum of Ancient Art, from June 14th to September 25th, 2022, and is reproduced in its catalogue, p. 194, fig. 114. a) This lot is subject to CITES export/import restrictions and is duly certified: nr ?????????????; b) Several countries prohibit the import of goods that incorporate materials from protected wild fauna and flora species, including, among others, ivory, coral and turtle; c) In Portugal, according to the forecast transposition into the Portuguese legislation of the more recente EU guidance document concerning ivory commerce, the issuing of reexport certifications for non EU countries is suspended; d) We therefore advise potential buyers to inform themselves in advance on the applicable legislation, in particular the customs regulations in force in the countries concerned., Dim. - (Rei) 5 cm

Leon Kossoff: Unique Prints from Paintings at the National Gallery, featuring a loosely-inserted autograph letter signed by Leon Kossoff, 7 April 2008, London: Michael Richardson Contemporary Art, 2008; Kossoff: Selected Paintings 1956-2000, Denmark: Louisiana Museum of Modern Art, 2004; Drawn to Painting: Leon Kossoff, Drawings & Prints After Nicolas Poussin, containing an ALS from the artist, 4 Jan 2000, London: Merrell, 2000; Leon Kossoff: Drawing from Painting, featuring two ALS by the artist, plus one from "Peggy" [his wife Rosalind], London: National Gallery, 2007 (4)

A quantity of various china and glassware to include cheese dish, modern Art Glass figure, handkerchief type clear glass vase, a pair of figures in the form of cherubs; jardiniere etc.

WW1 British 1914-15 Star, British War Medal and Victory Medal to 85557 Gnr. A Parrot, Royal Field Artillery. Mounted on a bar with modern replacement ribbon. Complete with a postcard photo of the recipient taken before the war and a Trench Art Coal Scuttle made from an 18prd shell, an artillery round driving band and two German cartridges. RA badge affixed.

ONE BOX OF MISCELLANEOUS SUNDRIES, to include a modern Bush portable 'Classic' turntable, model KTS-601, seven pieces of Minton 'Haddon hall' pattern giftware, six Nutella transfer printed 'Simpsons' jars, cigarette card albums, Ogden's, Gallagher, Wills's, etc. a boxed roller blind, a mid-century teak shell art design wall hanging, a Donnay stunt kite, etc. (s.d) (1 box + loose)

An Art Studio paper folio cabinet, modern, with 20 sloped A1 size paper holders, 122cm high, 89cm wide

Books - A collection of 20 books relating to antiques & collectables, to include Lyle Antiques Price Guide 2001, English Silver, Modern Cabinet Work, The Book of Gilding, Sporting Art, Old English Furniture, etc. (2 boxes)

A modern art glass vase

To be sold on behalf of Sue Ryder Care: a modern art glass vase, of elongated double gourd form, in amber and dark brown mottled glass, 49.5cm. high; together with a vintage Sylvac green majolica glazed jardiniere. (2)

Fritz Wotruba 1907 Wien - 1975 Wien Genius. 1929. . Bleiguss mit schwarz-brauner Patina. Breicha 24 (mit 'Verbleib unbekannt' gelistet). Nur ein Abguss im Fotoarchiv des Künstlers dokumentiert. Zudem handelt es sich laut einem Brief des Künstlers an den ehemaligen Besitzer der Skulptur um einen unikaten Abguss (Wotruba-Archiv, Wien). Höhe: 110,4 cm (43,4 in). [JS]. • Eine der stärksten Schöpfungen aus Wotrubas bildhauerischem Frühwerk. • Außergewöhnlich sind die stark überlängten Körperformen, die neben Wotrubas Lehmbruck-Begeisterung seine Auseinandersetzung mit der bildhauerisch bedeutenden Tradition der Kreuzigung dokumentieren. • Unikat. Lebzeitguss. • Wotruba zählt zu den bedeutendsten europäischen Bildhauern des 20. Jahrhunderts. • Bereits 1959 zeigt das Museum of Modern Art, New York, Wotrubas Skulpturen in der Ausstellung 'New Images of Man' neben Arbeiten von Alberto Giacometti, Jean Dubuffet und Wilhelm de Kooning. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Herbert und Agnes Simons, Düsseldorf/London (1931 direkt vom Künstler erworben). Privatsammlung London (1956 durch Erbschaft von den Vorgenannten). Privatsammlung Norddeutschland (Ende der 1970er Jahren erworben). Seither Familienbesitz. 'Als Wotruba als Künstler begann, war der mitteleuropäische Expressionismus abgeebbt, aber auch die neue Sachlichkeit (wie alles übrige) für den jungen Wotruba keine erspriessliche künstlerische Möglichkeit. Wenn er an etwas Mass genommen hat, so an Wilhelm Lehmbruck [..], einem Ausdruckskünstler besonderer Art, also an einem, der seinerseits nirgends dazugehörte, unverwechselbar eigentümlich, wie er war, von spröder Faszination, auf die auch Wotrubas Arbeit eingestimmt ist.' Otto Breicha, Fritz Wotruba. Werkverzeichnis, St. Gallen 2002, S. 8. In 'Genius', einer der stärksten Schöpfungen aus Wotrubas bildhauerischem Frühwerk, verschmilzt der Künstler seine formale Begeisterung für die überlängten Formen Wilhelm Lehmbrucks mit der Auseinandersetzung mit der wohl bedeutendsten Motivik der christlichen Ikonografie: der Kreuzigung. Nicht nur die stark überlängten Gliedmaßen des gestreckten männlichen Aktes verweisen auf die lange ikonografische Tradition des gekreuzigten Christus, sondern zudem auch die schräg gestellten Füße auf der stark nach vorne geneigten Sockelplatte. Wotrubas 'Genius' wirkt somit auf der Standfläche fixiert, während er seine frei nach oben gestreckten Arme, gefolgt von seinem flehenden, suchenden Blick, kraftvoll gen Himmel wendet. Die Kreuzigung als das Ende der christlichen Passion wird hier zum Sinnbild des geschundenen künstlerischen Genius, der sich, aus seinen irdischen Fesseln befreit, einer Entgrenzung im Metaphysischen zuwendet. Wotruba beginnt mit 19 Jahren sein Studium in der Fachklasse für Bildhauerei an der Kunstgewerbeschule in Wien. Bis 1928 ist er Student Anton Hanaks, in dessen Klasse er seine zukünftige Frau Marian Fleck kennenlernt. Anschließend besuchen beide die Klasse Eugen Steinhofs, mit dem sich die künstlerischen Auseinandersetzungen fortsetzen, die bereits in Hanaks Klasse begonnen hatten. Im Mai 1929 eröffnet die Kunstgewerbeschule schließlich ein Disziplinarverfahren gegen den jungen Wotruba, da er sich unaufgefordert in eine Auseinandersetzung zwischen Marian und Steinhof eingemischt habe. Wotruba erhält Hausverbot, wird für den Rest des Studienjahres beurlaubt und zum Ende des Schuljahres 1929 von der Schule verwiesen. Der aufstrebende, sich scheinbar aus den Fesseln windende 'Genius', den Wotruba in eben diesem Jahr geschaffen hat, ist also zugleich ein Sinnbild für Wotrubas künstlerisches Selbstverständnis, das sich dem klassischen Weg einer autoritären akademischen Ausbildung entzieht. [JS] Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.05 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Wotruba 1907 Wien - 1975 Wien Genius. 1929. Sculpture. Lead cast with black brown patina. Breicha 24 (listed 'Verbeib unbekannt'(whereabouts unknown). The artist's photo archive only provides proof of one cast. According to a letter from the artist to the sculpture's former owner, this is a unique cast (Wotruba Archive, Vienna). Height: 110.4 cm (43.4 in). [JS]. • This is one of the strongest creations from Wotruba's early sculptural period. • The unusually overlong limbs deliver proof of Wotruba's fascination for Lehmbruck as well as of the occupation with the important sculptural tradition of the crucifixion. • Unique object. Lifetime cast. • Wotruba counts among the most important European sculptors of the 20th century. • The Museum of Modern Art, New York, showed Wotruba's sculptures alongside works by Alberto Giacometti, Jean Dubuffet and Wilhelm de Kooning in the exhibion 'New Images of Man' as early as in 1959. PROVENANCE: Collection of Dr. Herbert and Agnes Simons, Düsseldorf/London (acquired from the artist in 1931). Private collection London (inherited from the above in 1956). Private collection Northern Germany (acquired in the late 1970s). Ever since family-owned. 'When Wotruba's artistic path began, Central European Expresionism had already waned, and New Objectivity (like everything else) had nothing to offer for a young aspiring artist. If there was one model for him, it was Wilhelm Lehmbruck [..], an especially expressive artist, one who didn't belong anywhere, unmistably unique as he was and characterized by an austere fascination that is also reflected in Wotruba's work.' Otto Breicha, Fritz Wotruba. Catalogue raisonné, St. Gallen 2002, p. 8. In 'Genius', one of the strongest creations from Wotruba's early sculptural work, the artist merges his formal enthusiasm for Wilhelm Lehmbruck's elongated forms with an examination of what is probably the most important motif in Christian iconography: the crucifixion. Not only the strongly elongated limbs of the stretched male nude refer to the long iconographic tradition of the crucified Christ, but also the slanted feet on the strongly leaning base plate. Wotruba's 'Genius' thus appears to be fixed on the base, while his arms are stretched upwards, followed by his pleading, searching gaze, powerfully turned towards heaven. The crucifixion as the end of the Christian Passion becomes a symbol of the maltreated artistic genius who, freed from his earthly shackles, turns towards a dissolution of boundaries in the metaphysical. Wotruba began his studies in the sculpture class at the School of Applied Arts in Vienna at the age of 19. Until 1928, he was a student of Anton Hanak, in whose class he met his future wife Marian Fleck. They both then attended Eugen Steinhof's class, with whom they continued the artistic discussions that had already begun in Hanak's class. In May 1929, the School of Arts and Crafts finally initiated disciplinary proceedings against the young Wotruba for intervening in a dispute between Marian and Steinhof without being asked. Wotruba was banned from the school, given leave of absence for the rest of the academic year and was eventually expelled at the end of the 1929 school year. The aspiring 'genius' that Wotruba created that year, seemingly wriggling out of his shackles, is thus also a symbol of Wotruba's artistic self-image, which eludes the classic path of an authoritarian academic education. [JS] Called up: December 8, 2023 - ca. 13.05 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Fritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Kaltes Rot. 1956. Öl auf Leinwand. Rechts unten monogrammiert und datiert. Verso signiert, datiert und betitelt. 114 x 146 cm (44,8 x 57,4 in). • Facettenreiche und expressive Darstellung in starken Farbkontrasten. • Winter gilt seit seiner Beteiligung an der documenta I (1955) als einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Bereits seit den 1950er Jahren stellt Winter in den USA aus und ist dort u. a. in zwei Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Fritz-Winter-Stiftung an den Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München (verso auf dem Keilrahmen mit der Inv.-Nr. 192). Galerie Otto Stangl, München. Privatsammlung Süddeutschland (1983 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Große Kunstausstellung München 1956, Haus der Kunst, München, 22.6.-7.10.1956, Kat.-Nr. 418 (verso auf dem Keilrahmen mit dem Ausstellungsetikett). LITERATUR: Gabriele Lohberg, Fritz Winter. Leben und Werk mit Werkverzeichnis der Gemälde und einem Anhang der sonstigen Techniken, München 1986, WVZ-Nr. 2088 (m. Abb.). In harmonisch aufeinander abgestimmten Form- und Farbklängen erscheint uns Fritz Winters 'Kaltes Rot' aus dem Jahr 1956. Hier ist der Titel Programm: Obwohl die Farbe Rot ein mit Wärme konnotierter Farbton ist, strahlt Winters roter Mond doch eine gewisse Kühle aus. Dieses fast frostige Erscheinungsbild wird durch die einerseits kühlen Farbtöne Grau, Blau und Schwarz unterstützt sowie andererseits von der kühnen Formgebung herbeigeführt. Es scheint, als rufe Winter hier eine dreidimensionale Nachtlandschaft auf, die einen Zwischenraum aus Figuration und Abstraktion eröffnet. Dieses Gegenspiel ist Grundlage einer der größten Debatten in der deutschen Nachkriegskunst, deren Plattform die documenta I in Kassel bildet. Diese sollte einen Rückblick auf die Vorkriegsmoderne bieten, an die man nach dem Krieg, nach der Zensur durch die nationalsozialistische Kulturpolitik, wieder anknüpfen wollte. Prominent wurde ein Werk Pablo Picassos, stellvertretend für die Vorkriegsmoderne, einem Werk von Fritz Winter als zeitgenössische Antwort gegenübergestellt. Winter ist einer der exemplarischen Vertreter der jüngeren Generation der deutschen Nachkriegskunst. Insbesondere da er noch vor dem Beginn des Zweiten Weltkrieges seine Ausbildung absolviert hatte. Und dies am Dessauer Bauhaus, das wie keine andere Institution für die deutsche Avantgarde stand. Dort besucht er Wassily Kandinskys Kurs der 'Abstrakten Formenlehre', der hier seine Ideen zu 'Isolierter Form' und 'Isolierter Farbe' aufruft. Offenkundig sind dies Prinzipien, die Winter in seinem darauffolgenden Kunstschaffen prägen sollten. Von der Isolation von Form und Farbe am Bauhaus wird Winter dann in der Realität von Nationalsozialismus und Krieg in seine eigene Isolation geführt, wo er zu seiner eigenen Bestimmung von Form und Farbe gelangt. Während seine Kunst 1937 diffamiert und er wie viele seiner Weggefährten mit einem Mal- und Ausstellungsverbot belegt wird, erfolgt 1939 die Einberufung zum Kriegsdienst. Doch lässt sich Winter nicht beirren von diesen Erlebnissen, direkt im Jahr seiner Entlassung aus sowjetischer Kriegsgefangenschaft 1949 ist er u. a. neben Willi Baumeister und Rupprecht Geiger Gründungsmitglied von 'ZEN 49'. 'Kaltes Rot' entsteht daher in einer sowohl für Winter als auch für die gesamte deutsche Nachkriegskunst so wichtigen Zeit und zeigt exemplarisch, wie dieser Neuanfang auszusehen hatte. In dreidimensionalen Räumen befinden sich Formen und Farben in der Schwebe, eröffnen einen neuen Raum, in dem sich die Malerei in harmonisch aufeinander abgestimmten Klängen aus sich selbst heraus entwickelt. [AW] Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.20 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Kaltes Rot. 1956. Oil on canvas. Lower right monogrammed and dated. Signed, dated and titled on the reverse. 114 x 146 cm (44.8 x 57.4 in). • Multifaceted and expressive depiction in strong color contrasts. • Since his participation in documenta I (1955), Winter has been regarded as one of the leading representatives of German Informalism and abstract post-war modernism. • Winter had two exhibitions at the Museum of Modern Art, New York, in the 1950s. PROVENANCE: Fritz-Winter Foundation at Bavarian State Painting Collections, Munich (inventory number 192 on the reverse). Galerie Otto Stangl, Munich. Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1983). EXHIBITION: Große Kunstausstellung München 1956, Haus der Kunst, Munich, June 22 - October 7, 1956, cat. no. 418 (exhibition label on the reverse). LITERATURE: Gabriele Lohberg, Fritz Winter. Leben und Werk mit Werkverzeichnis der Gemälde und einem Anhang der sonstigen Techniken, Munich 1986, no. 2088 (illu.). Fritz Winter's 'Kaltes Rot” (Cold Red) from 1956 appears particularly harmonious in terms of form and color. The title says it all: although the color red is a hue associated with warmth, Winter's red moon radiates a certain coolness. This almost frosty appearance is supported by, on the one hand, the cool shades of gray, blue and black, and, on the other hand, the bold design. It seems as if Winter was evoking a three-dimensional night landscape here, opening up an intermediate space between figuration and abstraction. This interplay provided the basis for one of the most heated debates in German post-war art, the platform for which was the exhibition documenta I in Kassel, which was supposed to offer a look back at pre-war Modernism, which was to be revisited after the war and Nazi oppression. A work by Pablo Picasso, representative of pre-war Modernism, was prominently juxtaposed with a work by Fritz Winter as a contemporary response. Winter was one of the main representatives of the younger generation of German post-war artists, especially as he had completed his training before the beginning World War II, above all at the Bauhaus in Dessau, which stood for the German avant-garde like no other institution. He attended Wassily Kandinsky's course on the 'Abstract Theory of Form', where Kandinsky expressed his ideas on 'Isolated Form' and 'Isolated Color', both principles that would shape Winter's subsequent artistic work. From the isolation of form and color at the Bauhaus, Winter was then led into his own isolation in the reality of National Socialism and war, attaining his own definition of form and color. While his art was defamed in 1937, and, like many of his contemporaries, he was banned from painting and exhibiting, he was drafted into the military in 1939. However, Winter was not deterred by these experiences and in 1949, the year of his release from Soviet captivity, he alongside Willi Baumeister and Rupprecht Geiger, and others, was a founding member of 'ZEN 49'. 'Kaltes Rot' was created at a time that was so important both for Winter and for German post-war art as a whole, it is a prime example of what this new beginning had to look like. In three-dimensional spaces, forms and colors are suspended, opening up a new space in which the painting develops out of itself in harmonious color modulations. [AW] Called up: December 8, 2023 - ca. 13.20 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Serge Poliakoff 1900 Moskau - 1969 Paris Composition bleue et orange. Um 1963. Gouache. Rechts unten signiert. Auf blau-grauem Papier. 62,4 x 47,4 cm (24,5 x 18,6 in), Blattgröße. [JS]. • Kraftvolle Komposition aus der besten Schaffenszeit. • Oszillierende Farbigkeit von besonderer Strahlkraft und Tiefe durch den mehrschichtigen, duktusgetragenen Farbauftrag. • Seltene, lediglich aus dem Gegensatz von zwei Farbtönen aufgebaute Komposition. • Von besonderer Spannung und Dynamik aufgrund der scheinbar von oben und unten aufeinander zustrebenden, leuchtend-blauen Formen. • Seit fast 40 Jahren Teil einer süddeutschen Privatsammlung. • 1962 ist Poliakoff mit einem eigenen Saal auf der Biennale von Venedig vertreten. • Gemälde dieser Werkphase befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen, u. a. im Museum of Modern Art, New York, und in der Tate Modern, London. PROVENIENZ: Galerie Stangl, München (mit dem Stempel verso). Privatsammlung Süddeutschland (seit 1985, vom Vorgenannten erworben). 'Viele Leute sagen, dass es in der abstrakten Malerei nichts zu sehen gibt. Wenn es nach mir ginge, könnte ich dreimal länger leben und doch nicht alles, was ich sehe, gesagt haben.' Serge Poliakoff, zit. nach: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Ausgabe 31, Heft 21, III 1995, S. 2. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONSerge Poliakoff 1900 Moskau - 1969 Paris Composition bleue et orange. Um 1963. Gouache. Lower right signed. On blue-gray paper. 62.4 x 47.4 cm (24.5 x 18.6 in), size of sheet. [JS]. • Powerful composition from the best creative period. • Oscillating colors of particular radiance and depth, due to the multi-layered application of paint. • Rare composition solely based on the contrast of two hues. • Of particular tension and dynamics due to the luminous blue forms that seem to converge from above and below. • Part of a German private collection for almost 40 years. • In 1962, Poliakoff had his own exhibition space at the Venice Biennale. • Paintings from this work phase can be found in important international collections, such as the Museum of Modern Art, New York, and the Tate Modern, London. PROVENANCE: Galerie Stangl, Munich (with the stamp on the reverse). Private collection Southern Germany (since 1985, acquired from the above). 'Many people say that there is nothing to see in abstract painting. If it were up to me, I could live three times longer and still not have said everything I see.' Serge Poliakoff, quoted from: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Issue 31, no. 21, III 1995, p. 2. Called up: December 8, 2023 - ca. 13.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Fritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Ohne Titel. ca. 1970. Öl auf Karton auf Hartfasterplatte aufgezogen. Auf bräunlichem dünnen Karton von Beryll (mit Trockenstempel). 61 x 43 cm (24 x 16,9 in). [AW]. • Farbstarke Arbeit von besonderer kompositorischer Raffinesse. • Die klare Formensprache Winters kommt hier eindrucksvoll zur Geltung. • Winter gilt seit seiner Beteiligung an der documenta I (1955) als einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Arbeiten des Künstlers befinden sich in renommierten Museen, u.a. in der Pinakothek der Moderne, München, dem Centre Georges Pompidou, Paris, sowie im Museum of Modern Art, New York. Die Expertise von Frau Dr. Gabriele Lohberg, Krefeld, lag bei Drucklegung noch nicht vor. PROVENIENZ: Galerie Otto Stangl, München. Privatsammlung Süddeutschland (1973 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.48 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Ohne Titel. ca. 1970. Oil on cardboard laid on fiberboard. On thin brownish cardboard by Beryll (with the blindstamp). 61 x 43 cm (24 x 16.9 in). [AW]. • A sophisticated composition in strong colors. • An impressive document of Winter's clear formal language. • Since he participated in documenta I (1955), Winter has been regarded as one of the leading representatives of German Informalism and abstract post-war modernism. • Works by the artist can be found in renowned museums like the Pinakothek der Moderne, Munich, the Centre Georges Pompidou, Paris, and the Museum of Modern Art, New York. The certificate of authenticity by Dr. Gabriele Lohberg, Krefeld, was not at hand before printing. PROVENANCE: Galerie Otto Stangl, Munich. Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1973). Called up: December 8, 2023 - ca. 13.48 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Serge Poliakoff 1900 Moskau - 1969 Paris Composition abstraite. 1965. Öl auf Leinwand. Rechts unten monogrammiert. Verso signiert. 38 x 46 cm (14,9 x 18,1 in). [JS]. • Kraftvoll-dichte Komposition aus der besten Schaffenszeit. • Die charakteristischen Poliakoff-Farben Rot und Blau in faszinierender Balance. • Seltene, lediglich aus dem Gegensatz von zwei Farbtönen aufgebaute Komposition. • Seit 40 Jahren Teil einer süddeutschen Privatsammlung. • Gemälde dieser Werkphase befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen, u. a. im Museum of Modern Art, New York, und in der Tate Modern, London. Die Arbeit ist unter der Nummer 964103 im Poliakoff-Archiv, Paris, verzeichnet. PROVENIENZ: Galerie Stangl, München (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel). Privatsammlung Süddeutschland (vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Alexis Poliakoff, Serge Poliakoff. Catalogue raisonné, Bd. IV, 1963-1965, Paris 2012, S. 242, WVZ-Nr. 65-17 (m. SW-Abb.). 'Viele Leute sagen, dass es in der abstrakten Malerei nichts zu sehen gibt. Wenn es nach mir ginge, könnte ich dreimal länger leben und doch nicht alles, was ich sehe, gesagt haben.' Serge Poliakoff, zit. nach: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Ausgabe 31, Heft 21, III 1995, S. 2. Nach figürlichen Anfängen beginnt Serge Poliakoff, der heute zu den bedeutenden Protagonisten der europäischen Farbfeldmalerei zählt, in den 1940er Jahren abstrakt zu malen und findet um 1950 schließlich zu seinem charakteristischen Stil der klar konturierten, sich sanft verzahnenden Farbfelder. Unsere aus lediglich zwei Farben entwickelte Komposition gehört zu den besonders komprimierten Schöpfungen des Künstlers, dessen Malerei auf Farbe, Raum, Proportion und Rhythmus basiert. Die Konturen der sich verzahnenden Farbflächen sind stets leicht gekrümmt und tragen somit eine kaum merkliche und doch für die einzigartige Dynamik der Komposition entscheidende Spannung. Meist ist es eine zur Mitte hin zunehmende Dichte der Formen, die neben der nuancierten Abstufung der Farben die einzigartige Harmonie von Poliakoffs malerischem Schaffen ausmacht. Unsere Komposition aber ist gegenläufig angelegt, das nahezu leer erscheinende Zentrum schafft ein spannungsvolles Bewusstsein für die Abwesenheit von Form und wird von den es stabilisierenden Farbformen in sanft durchmoduliertem Rot umfangen. In unermesslicher Schöpfungskraft lässt uns Poliakoff in seinen einzigartigen Kompositionen die individuelle Wirkung und Interaktion der Farben und damit die schier unbegrenzte emotionale Aussagekraft abstrakter Malerei immer wieder aufs Neue erleben. Dabei hat jede von Poliakoffs meisterlich durchkonzipierten Komposition ihren unverwechselbar eigenen Charakter, ihre ganz eigene Emotion. [JS] Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.49 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONSerge Poliakoff 1900 Moskau - 1969 Paris Composition abstraite. 1965. Oil on canvas. Lower right monogrammed. Signed on the reverse. 38 x 46 cm (14.9 x 18.1 in). [JS]. • Powerful and dense composition from the best creative period. • The characteristic Poliakoff colors red and blue in a fascinating balance. • Rare composition based solely on the contrast of two colors. • Part of a German private collection for 40 years. • Paintings from this work phase are in renowend international collections like the Museum of Modern Art, New York, and Tate Modern, London. The work is documented in the Poliakoff Archive, Paris, under the number 964103. PROVENANCE: Galerie Stangl, Munich (stamp on the stretcher). Private collection Southern Germany (acquired from the above). LITERATURE: Alexis Poliakoff, Serge Poliakoff. Catalogue raisonné, vol. IV, 1963-1965, Paris 2012, p. 242, no. 65-17 (black-and-white illu.). 'Many people say that there is nothing to see in abstract painting. If it were up to me, I could live three times longer and still not have said everything I see.' Serge Poliakoff, quoted from: Künstler. Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Issue 31, no. 21, III 1995, p. 2. After figurative beginnings, Serge Poliakoff, who is regarded one of the most important protagonists of European Color Field Painting today, began to pursued an abstract path in the 1940s and eventually attained his characteristic style of clearly contoured, gently interlocking color fields around 1950. Our composition, developed from just two colors, is one of the particularly condensed creations by the artist whose painting is based on color, space, proportion and rhythm. The contours of the interlocking color fields are always slightly curved and thus carry a barely noticeable tension that is nevertheless decisive for the unique dynamics of the composition. It is usually the forms’ increasing density towards the center, together with the nuanced colors, that makes for the unique harmony of Poliakoff's painterly work. Our composition, however, is arranged in the opposite direction; the center, which appears almost empty, creates an exciting awareness of the absence of form and is surrounded by the color forms that stabilize it in a gently modulated red. With immeasurable creative power, Poliakoff's unique compositions allow us to experience the individual effect and interaction of the colors and thus the sheer unlimited emotional expressiveness of abstract painting. Each of Poliakoff's masterfully conceived compositions has its own unmistakable character, its very own emotions. [JS] Called up: December 8, 2023 - ca. 13.49 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Niki de Saint Phalle 1930 Neuilly-sur-Seine - 2002 San Diego/Kalifornien Assemblage No. 6. 1961. Assemblage auf blau bemalter Holzplatte. Signiert und datiert unten rechts. 25,5 x 32 x 3,5 cm (10 x 12,5 x 1,3 in). [AW]. • Eines der frühen Hauptwerke aus der Schlüsselphase, in der sich Saint Phalle dem 'Nouveau Réalisme' anschließt. • 2023 Teil der umfassenden Ausstellung in der Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main, in Kooperation mit dem Kunsthaus Zürich und bis 2024 Teil einer Ausstellung in der Hamburger Kunsthalle. • Werke der Künstlerin befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, u. a. der des Museum of Modern Art, New York, des Centre Georges Pompidou, Paris, der Tate Gallery, London, sowie in der Pinault Collection, Paris. PROVENIENZ: Galerie Hanschin, Basel. Sammlung Dagny und Jan Runnqvist, Galerie Bonnier, Genf. Firmensammlung Ahlers AG, Herford. AUSSTELLUNG: Niki de Saint Phalle. En joue! Assemblagen und Schießbilder 1958-1964, Stiftung Ahlers Pro Arte / Kestner Pro Arte, Hannover, 1.2.-21.4.2014. ZERO und Nouveau Réalisme. Die Befragung der Wirklichkeit, Stiftung Ahlers Pro Arte, Hannover, 26.2.-26.6.2016, S. 83 (m. Abb.). Nouveaux Réalistes, Museo Comunale d'Arte Moderna di Ascona, 25.5.-3.9.2017, S. 43 (m. Farbabb.). Niki de Saint Phalle, Kunsthaus Zürich, 2.9.2022-15.1.2023; Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main, 3.2.-21.5.2023, S. 43 (m. Farbabb.). Herausragend! Das Relief von Rodin bis Taeuber-Arp, Hamburger Kunsthalle, 13.10.2012-25.2.2024. LITERATUR: Christie's, Paris, 3564. Auktion, Art Contemporain, 5.12.2013, Los 217. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 13.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONNiki de Saint Phalle 1930 Neuilly-sur-Seine - 2002 San Diego/Kalifornien Assemblage No. 6. 1961. Assemblage on a blue panel. Lower right signed and dated. 25.5 x 32 x 3.5 cm (10 x 12.5 x 1.3 in). [AW]. • One of the early major works from the key phase in which Saint Phalle joined the 'Nouveau Réalisme' movement. • 2023 part of the comprehensive exhibition at the Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main, in cooperation with the Kunsthaus Zürich and until 2024 part of an exhibition at the Hamburger Kunsthalle. • Works by the artist can be found in renowned international collections like the Museum of Modern Art, New York, the Centre Georges Pompidou, Paris, the Tate Gallery, London, and the Pinault Collection, Paris. PROVENANCE: Galerie Hanschin, Basel. Collection of Dagny and Jan Runnqvist, Galerie Bonnier, Geneva. Corporate Collection Ahlers AG, Herford. EXHIBITION: Niki de Saint Phalle. En joue! Assemblagen und Schießbilder 1958-1964, Foundation Ahlers Pro Arte / Kestner Pro Arte, Hanover, February 1 - April 21, 2014. ZERO und Nouveau Réalisme. Die Befragung der Wirklichkeit, Foundation Ahlers Pro Arte, Hanover, February 26 - June 26, 2016, p. 83 (fig.). Nouveaux Réalistes, Museo Comunale d'Arte Moderna di Ascona, May 25 - September 3, 2017, p. 43 (color illu.). Niki de Saint Phalle, Kunsthaus Zürich, September 2, 2022 - January 15, 2023; Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main, February 3 - May 21, 2023, p. 43 (color illu.). Herausragend! Das Relief von Rodin bis Taeuber-Arp, Hamburger Kunsthalle, October 13, 2012 - February 25, 2024. LITERATURE: Christie's, Paris, 3564th auction, Art Contemporain, December 5, 2013, lot 217. Called up: December 8, 2023 - ca. 13.52 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Fritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Ohne Titel. ca. 1970. Öl auf Karton auf Hartfaserplatte aufgezogen. Auf bräunlichem dünnen Karton. 61 x 43,3 cm (24 x 17 in). [AW]. • Reduziert starke, von einem leuchtenden Rot dominierte, Komposition. • Fritz Winter ist Schüler am Dessauer Bauhaus und gilt später als einer der wichtigsten deutschen Nachkriegskünstler. • Vor der Entstehung unseres Werks ist Winter bereits dreimal auf der documenta in Kassel vertreten: documenta 1 (1955), documenta II (1959) und III (1964). • Bereits in den 1950er Jahren sind Arbeiten des Künstlers in zwei Ausstellungen im Museum of Modern Art, New York, zu sehen. Die Expertise von Fr. Dr. Gabriele Lohberg, Krefeld, lag bei Drucklegung noch nicht vor. PROVENIENZ: Galerie Otto Stangl, München. Privatsammlung Süddeutschland (1973 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.09 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Ohne Titel. ca. 1970. Oil on cardboard on fiberboard. On thin brownish cardboard. 61 x 43.3 cm (24 x 17 in). [AW]. • Reduced, strong composition dominated by a bright red. • Fritz Winter studied at the Bauhaus in Dessau and later became one of the most important German post-war artists. • Prior to the creation of our work, Winter had already participated in the documenta in Kassel: documenta 1 (1955), documenta II (1959) and III (1964). • As early as in the 1950s, works by the artist were shown in two exhibitions at the Museum of Modern Art, New York. The certificate of authenticity by Dr. Gabriele Lohberg, Krefeld, was not at hand before printing. PROVENANCE: Galerie Otto Stangl, Munich. Private collection Southern Germany (acquired from the above in 1973). Called up: December 8, 2023 - ca. 14.09 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Fritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Kleine vergitterte Figur III. 1981. Eisen, montiert. Clarenbach 770. Eines von 2 Exemplaren. 41 x 49 x 14,5 cm (16,1 x 19,2 x 5,7 in). [JS]. • Eines von nur zwei Exemplaren. • Seit Entstehung in einer süddeutschen Privatsammlung. • 1970 entwirft Koenig die Bronze 'The Sphere', die zwischen den beiden Türmen des World Trade Center in New York aufgestellt war und in ihrer beschädigten Form heute als weltbekanntes Mahnmal für die Anschläge des 11. September gilt. • 2018 widmen die Uffizien Koenig eine faszinierende Retrospektive in mehreren Sälen und im Boboli Garten: eine 'Präsentation der Superlative' (Tagesspiegel). • Bronzen des Künstlers befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art, New York, die Guggenheim Collection, Venedig, und die Pinakothek der Moderne, München. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (direkt vom Künstler erworben). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.17 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONFritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Kleine vergitterte Figur III. 1981. Iron, mounted. Clarenbach 770. One of 2 copies. 41 x 49 x 14.5 cm (16.1 x 19.2 x 5.7 in). [JS]. • One of only two copies. • Part of a Southern German private collection since it was created. • In 1970, Koenig designed the bronze 'The Sphere', which was placed between the two towers of the World Trade Center in New York, Today its damaged form is a world-famous memorial to the September 11 attacks. • In 2018, the Uffizi dedicated a fascinating retrospective to Koenig in several halls and the Boboli Gardens: a 'presentation of superlatives' (Tagesspiegel). • Bronzes by the artist can be found in numerous important collections, among others, the Museum of Modern Art, New York, the Guggenheim Collection, Venice, and the Pinakothek der Moderne, Munich. PROVENANCE: Private collection Southern Germany (acquired directly from the artist). Called up: December 8, 2023 - ca. 14.17 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Blinky Palermo 1943 Leipzig - 1977 Kurumba, Malediven 4 Prototypen. 1970. 4 Farbserigrafien. Jahn 7. Jeweils signiert, datiert und nummeriert. Aus einer Auflage von 90 Exemplaren. Auf Bistrolkarton. Jeweils 59,6 x 60 cm (23,4 x 23,6 in), Blattgröße. Gedruckt im Serigraphischen Atelier Laube, München, herausgegeben von der Galerie Heiner Friedrich, München, im Verlag G. v. Pape, München 1970. Ohne die Original-Mappe. [JS]. • Klein und von herausragender kunsthistorischer Bedeutung ist das Œuvre, das Blinky Palermo bis zu seinem plötzlichen Tod auf den Malediven mit erst 33 Jahren geschaffen hat. • Palermos Œuvre gehört neben Gerhard Richter und Sigmar Polke zu den bedeutendsten Positionen der deutschen Kunst der 60er und 70er Jahre. • Lediglich 37 Nummern umfasst das Verzeichnis von Palermos Grafiken und Auflagenobjekten, darunter nur 9 mehrteilige Werke. • Ein anderes Exemplar befindet sich in der Sammlung des Museum Modern Art, New York. 'Palermo made several works using isosceles triangles, starting with Tagtraum I 1965 and culminating in Blaues Dreieck, which was installed at the Palais des Beaux-Arts in Brussels in 1970, where blue triangles were painted onto the walls and evenly spaced. [..] [A]rt historian Benjamin H. D. Buchloh has related the shapes to the triangular forms in pre-war utopian constructivist abstraction and to Joseph Beuys's Fat Corner of 1963 (see Buchloh, 'The Palermo Triangles', in Los Angeles County Museum of Art 2010). Buchloh has also emphasised the importance of the work Yves Klein to Palermo in the latter's use of ultramarine. Palermo is one of the most important artists to have emerged in Germany in the 1960s.' Mark Godfrey, for The Tate Collection, zit. nach: https://www.tate.org.uk/art/artworks/palermo-blaues-dreieck-t13802 Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.21 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONBlinky Palermo 1943 Leipzig - 1977 Kurumba, Malediven 4 Prototypen. 1970. 4 Silkscreen in colors. Jahn 7. Each signed, dated and numbered. From an edition of 90 copies. On cardboard by Bistrol . Each 59.6 x 60 cm (23.4 x 23.6 in), size of sheet. Printed at Serigraphisches Atelier Laube, Munich, published by Galerie Heiner Friedrich, Munich at Verlag G. v. Pape, Munich 1970. Lacking original portfolio. [JS]. • The oeuvre that Blinky Palermo created until his sudden death on the Maldives at the age of 33 is small and of outstanding art-historical significance. • Alongside Gerhard Richter and Sigmar Polke, Palermo made the most significant contribution to German art of the 1960s and 70s. • Palermo's made only 37 prints and editions, including just 9 multi-part works. • Another copy is in the collection of the Museum Modern Art, New York. 'Palermo made several works using isosceles triangles, starting with Tagtraum I 1965 and culminating in Blaues Dreieck, which was installed at the Palais des Beaux-Arts in Brussels in 1970, where blue triangles were painted onto the walls and evenly spaced. [..] [A]rt historian Benjamin H. D. Buchloh has related the shapes to the triangular forms in pre-war utopian constructivist abstraction and to Joseph Beuys's Fat Corner of 1963 (see Buchloh, 'The Palermo Triangles', in Los Angeles County Museum of Art 2010). Buchloh has also emphasised the importance of the work Yves Klein to Palermo in the latter's use of ultramarine. Palermo is one of the most important artists to have emerged in Germany in the 1960s.' Mark Godfrey, for The Tate Collection, quoted from: https://www.tate.org.uk/art/artworks/palermo-blaues-dreieck-t13802 Called up: December 8, 2023 - ca. 14.21 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Raymond Hains 1926 Saint-Brieuc/Bretagne - 2005 Paris SAFFA. 1970. Holz, bemalt, Schleifpapier. Verso signiert, datiert und betitelt. 99 x 42 x 13,5 cm (38,9 x 16,5 x 5,3 in). [AR]. • Frühe Arbeit aus der berühmten Streichhölzer-Serie des künstlerischen Pioniers des 20. Jahrhunderts. • 1960 unterzeichnet er gemeinsam mit Künstlern wie Arman, Yves Klein und Jean Tinguely das erste Manifest des Nouveau Réalisme. • Teilnahme an der documenta in Kassel in den Jahren 1968 und 1997 sowie postum 2017 in der Hauptausstellung der Biennale von Venedig vertreten. • Weitere Arbeiten dieser Werkgruppe befinden sich in internationalen Sammlungen, u. a. im Museum of Modern Art, New York, dem Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nizza, dem Museu Coleção Berardo, Lissabon, und dem Museum Ludwig, Köln. PROVENIENZ: Galerie Lara Vincy, Paris (verso m. Etikett). Firmensammlung Ahlers AG, Herford (2011 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: François Dufrêne, Raymond Hains. Une amitié entre l'art et les mots. Freundschaft zwischen Kunst und Wort, Passage de Retz, Paris, 5.12.2011-15.1.2012 (nicht im Katalog). 'SAFFA' ist ein frühes Beispiel für Hains' ikonische Serie von überdimensionierten Streichholzheften, mit der er Mitte der 1960er Jahre beginnt und die er Anfang der 2000er Jahre wieder aufgreift. Der Titel ist das Akronym einer italienischen Tabakfirma. Von einem Zimmermann nach seinen Anweisungen hergestellt, fordern Hains' Streichhölzer den Begriff der Autorenschaft heraus. Mit der Idee des Readymades spielend, bewegen sich die Werke zwischen Humor und Ernsthaftigkeit, ästhetischem Anspruch und Dinglichkeit. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.29 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONRaymond Hains 1926 Saint-Brieuc/Bretagne - 2005 Paris SAFFA. 1970. Wood, painted, sand paper. Signed, dated and titled on the reverse. 99 x 42 x 13.5 cm (38.9 x 16.5 x 5.3 in). [AR]. • Early work from the famous matches series of the pioneer of 20th century art. • Together with artists such as Arman, Yves Klein and Jean Tinguely, he signed the first manifesto of Nouveau Réalisme in 1960. • He participated in documenta in Kassel in 1968 and 1997, and was posthumously represented in the main exhibition of the Venice Biennale in 2017. • Other works from this group are in international collections like the Museum of Modern Art, New York; the Musée d'Art Moderne et d'Art Contemporain, Nice; the Museu Coleção Berardo, Lisbon; and the Museum Ludwig, Cologne. PROVENANCE: Galerie Lara Vincy, Paris (with the label on the reverse). Corporate Collection Ahlers AG, Herford (acquired from the above in 2011). EXHIBITION: François Dufrêne, Raymond Hains. Une amitié entre l'art et les mots. Freundschaft zwischen Kunst und Wort, Passage de Retz, Paris, December 5, 2011 - January 15, 2012 (not in the catalog). 'SAFFA' is an early example of Hains' iconic series of oversized matchbooks, which he began in the mid-1960s, revisiting it in the early 2000s. The title is the acronym of an Italian tobacco company. Made by a carpenter according to his instructions, Hains' matchbooks challenge the notion of authorship. Playing with the idea of the readymade, the works move between humor and seriousness, aesthetic pretension and thingness Called up: December 8, 2023 - ca. 14.29 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Mike Bidlo 1953 Chicago - lebt und arbeitet in New York Not Pollock (Study for No 8, 1949). 1983. Emailfarben und Öl auf Leinwand. Verso auf der Leinwand signiert, datiert und betitelt. 78,8 x 140,5 cm (31 x 55,3 in). [CH]. • Besonders frühe Arbeit des Künstlers aus der Werkserie 'Not Pollock', in der er mit großer Wertschätzung und Hingabe Jackson Pollocks berühmte 'Drip Paintings' nachbildet. • Mike Bidlo macht sich insbesondere ab den 1980er Jahren mit Performances und äußerst präzisen Nachbildungen berühmter Kunstwerke des 20. Jahrhunderts einen Namen, u. a. von Andy Warhol, Yves Klein und Jackson Pollock. • 1984 folgen weitere Performances wie 'Guernica: A Painting in Progress', in der Bidlo innerhalb von vier Wochen vor Publikum Picassos berühmtes Gemälde reproduziert. • Zusammen mit Elaine Sturtevant, Louise Lawler, Sherrie Levine u. a. zählt Bidlo zu den Vertretern der Appropriation Art, in der sich Künstler:innen als Hommage oder im Sinne einer Kunstkritik bereits vorhandener Werke bedienen. PROVENIENZ: Galerie Bruno Bischofberger, Zürich. Privatsammlung Süddeutschland (direkt vom Vorgenannten erworben). 'Grundsätzlich verstehe ich meine Arbeit als politischen Akt: eine Aneignung der Ikonen moderner Kunst, die ich der Kunstwelt für mich (und andere) wegnehme.' Mike Bidlo, 1988, zit. nach: Galerie Bruno Bischofberger, https://www.brunobischofberger.com/bidlo-bio?lang=de Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMike Bidlo 1953 Chicago - lebt und arbeitet in New York Not Pollock (Study for No 8, 1949). 1983. Enamel paint and Oil on canvas. Signed, dated and titled on the reverse. 78.8 x 140.5 cm (31 x 55.3 in). [CH]. • Particularly early work by the artist from the 'Not Pollock' series, in which he reproduces Jackson Pollock's famous 'Drip Paintings' with great appreciation and dedication. • Mike Bidlo made a name for himself in the 1980s, in particular with performances and extremely precise reproductions of famous works of art from the 20th century, including works by Andy Warhol, Yves Klein and Jackson Pollock. • Further performances followed in 1984, such as 'Guernica: A Painting in Progress', in which Bidlo reproduced Picasso's famous painting in front of an audience over the course of four weeks. • Together with Elaine Sturtevant, Louise Lawler, Sherrie Levine and others, Bidlo is one among the representatives of Appropriation Art, in which artists use existing works as homage or in the sense of art criticism. PROVENANCE: Galerie Bruno Bischofberger, Zürich. Private collection Southern Gemany (acquired from the above). 'Basically, I see my work as a political act: an appropriation of the icons of modern art that I take away from the art world for myself (and others).' Mike Bidlo, 1988, quoted from: Galerie Bruno Bischofberger, https://www.brunobischofberger.com/bidlo-bio?lang=de Called up: December 8, 2023 - ca. 14.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Sean Scully 1945 Dublin - lebt und arbeitet in Königsdorf und Berlin, Barcelona und New York 06.16.96. 1996. Aquarell über Bleistift. Unten mittig signiert und datiert. Auf festem Aquarellpapier. 36,1 x 32 cm (14,2 x 12,5 in), Blattgröße. [CH]. • Scullys ausdrucksstarke Aquarelle entstehen als eigenständige Werkgruppe parallel zu seinen großformatigen Gemälden. • Seine sog. 'Inset'-Gemälde – Werke mit in die Leinwand eingesetzten kleineren bemalten Leinwänden – übersetzt Scully hier motivisch in die Aquarelltechnik. • Im Entstehungsjahr 1996 zeigen u. a. die Staatliche Graphische Sammlung der Neuen Pinakothek in München, das Museum Folkwang in Essen und die Galerie Nationale du Jeu de Paume in Paris umfassende Werkschauen zu den Papierarbeiten des Künstlers. • Aquarelle aus den 1990er Jahren befinden sich u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art in New York, der National Gallery of Art in Washington, D.C., des Los Angeles County Museum of Art und des Philadelphia Museum of Art. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (direkt vom Künstler erhalten). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.45 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONSean Scully 1945 Dublin - lebt und arbeitet in Königsdorf und Berlin, Barcelona und New York 06.16.96. 1996. Watercolor over pencil. Bottom center signed and dated. On firm watercolor paper. 36.1 x 32 cm (14.2 x 12.5 in), size of sheet. [CH]. • Scully's expressive watercolors make up an independent group of works on a par with his large-format paintings. • Scully translates his so-called 'inset' paintings - works with smaller painted canvases inserted into the canvas - into the watercolor technique. • In 1996, the year the present work was made, the Neue Pinakothek in Munich, the Museum Folkwang in Essen and the Galerie Nationale du Jeu de Paume in Paris, among others, showed comprehensive exhibitions of the artist's works on paper. • Watercolors from the 1990s can be found in, among others, the collections of the Museum of Modern Art in New York, the National Gallery of Art in Washington, D.C., the Los Angeles County Museum of Art and the Philadelphia Museum of Art. PROVENANCE: Private collection Southern Germany (obtained directly from the artist). Called up: December 8, 2023 - ca. 14.45 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Fritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Magdalena. 1993. Eisen. Clarenbach 972. Auf der Plinthe mit dem Monogramm. Eines von 2 Exemplaren in Eisen. Zudem noch ein Exemplar in Bronze, bemalt. 75,5 x 38,5 x 20,5 cm (29,7 x 15,1 x 8 in). [JS]. • Sehr selten. Eines von nur drei Exemplaren. • Besonders ausdrucksvolle Arbeit in der für Koenigs Œuvre charakteristischen, maximal reduzierten Figuration. • Seit den 1980er Jahren nimmt die Todesthematik in Koenigs Schaffen einen besonderen Raum ein, es entstehen seine berühmten Epitaphien sowie die Werkgruppen 'Paolo und Francesca' und 'Ikarus'. • In 'Magdalena' vereint Koenig das erotische Paarmotiv früherer Arbeiten mit der christlichen Ikonografie der Kreuzabnahme. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Koenigs Skulpturen befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art, New York, die Guggenheim Collection, Venedig, und die Pinakothek der Moderne, München. PROVENIENZ: Fritz-und Maria-Koenig-Stiftung, Landshut. LITERATUR: Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig. Skulpturen. Werkverzeichnis, München 2003, WVZ-Nr. 972 (m. ganzs. Abb., S. 77, 240 u. 241). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.52 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONFritz Koenig 1924 Würzburg - 2017 Ganslberg Magdalena. 1993. Iron. Clarenbach 972. Plinth with monogram. One of 2 copies in iron. Additionally another copy in bronze, painted. 75.5 x 38.5 x 20.5 cm (29.7 x 15.1 x 8 in). [JS]. • Very rare. One of only three copies. • Particularly expressive work in the maximally reduced figuration characteristic of Koenig's oeuvre. • Since the 1980s, the theme of death has occupied a special place in Koenig's work, resulting in his famous epitaphs as well as the groups of works 'Paolo and Francesca' and 'Icarus'. • In 'Magdalena', Koenig combines the erotic motif of earlier works with the Christian iconography of the Descent from the Cross. • For the first time offered on the international auction market. • Koenig's sculptures are in numerous important collections like the Museum of Modern Art, New York, the Guggenheim Collection, Venice, and the Pinakothek der Moderne, Munich. PROVENANCE: Fritz-und Maria-Koenig-Foundation, Landshut. LITERATURE: Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig. Skulpturen. Catalogue raisonné, Munich 2003, no. 972 (full-page illu., p. 77, 240 and 241). Called up: December 8, 2023 - ca. 14.52 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Jasper Johns 1930 Augusta - lebt und arbeitet in New York Voice II. 1982. 3 Farblithografien. ULAE 228. Eines signiert und datiert. Zwei monogrammiert. Alle Blätter jeweils nummeriert und die Reihenfolge angebend bezeichnet 'A/C-C/C'. Der komplette Satz, jeweils Exemplar 33/54. Jeweils 86 x 59 cm (33,8 x 23,2 in). Papier: 90,8 x 61,5 cm (35,7 x 24,2 in). Herausgegeben von Universal Limited Art Editions, Bay Shore/NY (mit dem Trockenstempel). [SM]. • Ein matching Set. • Großformatige Drucke in nur kleiner Auflage erschienen. • Besonders variantenreicher, aufwendig gearbeiteter Druck von höchster Qualität. • Ein Exemplar der dreiteiligen Farblithographie befindet sich in der Sammlung des Museum of Modern Art, New York. PROVENIENZ: Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Düsseldorf. Firmensammlung Ahlers AG, Herford. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 14.57 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONJasper Johns 1930 Augusta - lebt und arbeitet in New York Voice II. 1982. 3 Lithograph in colors. ULAE 228. One signed and dated. Two monogrammed. All sheets numbered and sequentially inscribed 'A/C-C/C'. The complete set, each copy 33/ 54. Each 86 x 59 cm (33.8 x 23.2 in). Sheet: 90,8 x 61,5 cm (35,7 x 24,2 in). Published by Universal Limited Art Editions, Bay Shore/NY (with the blindstamp). [SM]. • A matching set. • Large prints published in an edition of small print run. • Particularly rich, lavis print of an outstanding quality. • A copy of the three-part color lithograph is at the MoMA, New York. PROVENANCE: Wolfgang Wittrock Kunsthandel, Düsseldorf. Corporate Collection Ahlers AG, Herford. Called up: December 8, 2023 - ca. 14.57 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Karel Appel 1921 Amsterdam - 2006 Zürich Figure. 1991. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen handschriftlich bezeichnet 'X91_041'. 81 x 65 cm (31,8 x 25,5 in). • Karel Appel ist einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler der Niederlande. • Besonders ausdrucksstarke gestisch-figurative Malerei. • In der reich strukturierten Oberfläche arbeitet Karel Appel das Motiv heraus. • Gemälde von Karel Appel befinden sich u. a. im Moderna Museet, Stockholm, im Museum of Modern Art, New York, und im Los Angeles County Museum of Art. Das Werk ist in der Karel Appel Foundation, Amsterdam, unter der Nummer KA.1991.27 registriert. PROVENIENZ: Privatsammlung Süddeutschland (1991 bei Waddington Galleries, London). AUSSTELLUNG: FIAC 1991, Waddington Galleries, London (verso auf dem Rahmen mit Etikett). '.. I have broken through, through the wall of Abstract, Surrealism etc. my work contains [..] everything You mustn't be pigeon-holed [..]. Your friend Karel.' Karel Appel in einem Brief an Corneille, zit. nach: Ausst.-Kat. CoBrA. The color of freedom, Stedelijk Museum Schiedam 2003, S. 42. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarel Appel 1921 Amsterdam - 2006 Zürich Figure. 1991. Oil on canvas. Lower right signed. Inscribed 'X91_041' on the reverse. 81 x 65 cm (31.8 x 25.5 in). • Karel Appel is one of the most important contemporary artists in the Netherlands. • Particularly expressive gestural-figurative painting. • Karel Appel emphasizes the motif in the richly structured surface. • Paintings by Karel Appel can be found at, among others, the Moderna Museet, Stockholm, the Museum of Modern Art, New York, and the Los Angeles County Museum of Art. The work is registered at the Karel Appel Foundation, Amsterdam, under the number KA.1991.27. PROVENANCE: Private collection Southern Germany (in 1991 acquired from Waddington Galleries, London). EXHIBITION: FIAC 1991, Waddington Galleries, London (label on the reverse). '.. I have broken through, through the wall of Abstract, Surrealism etc. my work contains [..] everything You mustn't be pigeon-holed [..]. Your friend Karel.' Karel Appel in a letter to Corneille, quoted from: ex. cat. CoBrA. The color of freedom, Stedelijk Museum Schiedam 2003, p. 42. Called up: December 8, 2023 - ca. 15.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

William N. Copley 1919 New York - 1996 Key West/Florida Moving Violation. 1983. Acryl auf Leinwand. In der Darstellung (unten mittig) signiert 'Cply' und datiert. 171 x 141 cm (67,3 x 55,5 in). [CH]. • In dieser wie in vergleichbaren Arbeiten von 1983/84 verbindet Copley die unbemalte, großporige Leinwand mit Motiven einer sonntäglichen Spazierfahrt und bukolisch-idyllischem Picknicken im Grünen – von seiner Zeit in Paris (1951–1962) inspirierte französische Bildelemente sowie erotisch aufgeladene Figurenszenen in seiner charakteristisch bunten, intensiven Farbigkeit. • Die ovale Bildfläche füllt Copley mit mehreren Bilddimensionen und scheinbar parallel verlaufenden Geschichten sowie kleineren eigenständigen Darstellungen innerhalb der Gesamtkomposition. • Erst im Frühjahr diesen Jahres zeigt die Galerie Max Hetzler in der Ausstellung 'William N. Copley. Autoeroticism (Paintings from 1984)' in Paris Arbeiten aus eben dieser Werkserie. • Mit seinem einzigartigen künstlerischen Schaffen erzielt Copley eine Symbiose aus amerikanischer Pop-Art und europäischem Surrealismus und beeinflusst die Nachkriegskunst in den Vereinigten Staaten wie auch in Europa nachhaltig. • Arbeiten des Künstlers aus den 1980er Jahren befinden sich u. a. im Museum of Modern Art in New York, im Museum für moderne Kunst / Mumok in Wien und im Museum Frieder Burda in Baden-Baden. PROVENIENZ: David Nolan Gallery, New York. Galerie Fred Jahn, München (vom Vorgenannten erworben). Galerie Kurt Schäfer, Berlin (auf dem Keilrahmen mit dem Galerieetikett). Privatsammlung Süddeutschland. AUSSTELLUNG: William N. Copley, Phyllis Kind Gallery, New York, 15.10.-19.11.1983 (auf d. Keilrahmen m. d. Galerieetikett). Wohl: CPLY, Phyllis Kind Gallery, Chicago, 6.1.-7.2.1984. 'It's always been the most important image that I've ever had simply because to me, the car is the stationary center of the universe. You're stationary, and the world is moving around you – over you, under you, around you. […] I find I could say more with that image than almost anything I've tried.' William N. Copley, 1983, in: Ausst.-Kat. William N. Copley, Fondazione Prada, Mailand 2016, S. 39. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.18 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONWilliam N. Copley 1919 New York - 1996 Key West/Florida Moving Violation. 1983. Acrylic on canvas. Signed 'Cply' and dated in the image (bottom center). 171 x 141 cm (67.3 x 55.5 in). [CH]. • In this work, as in comparable works from 1983/84, Copley combines the unpainted, large-pored canvas with motifs of a Sunday drive and bucolic, idyllic picnics in the countryside - French pictorial elements inspired by his time in Paris (1951-1962) as well as erotically charged figure scenes in his characteristically bright, intense colors. • Copley fills the oval image area with several pictorial dimensions and seemingly parallel stories as well as smaller, independent depictions within the overall composition. • Just this spring, Galerie Max Hetzler showed works from this very series in the exhibition 'William N. Copley. Autoeroticism (Paintings from 1984)' in Paris . • With his unique artistic oeuvre, Copley achieved a symbiosis of American Pop Art and European Surrealism and had a lasting influence on post-war art in the United States and Europe. • Works by the artist from the 1980s can be found in, among others, the Museum of Modern Art in New York, the Museum of Modern Art / Mumok in Vienna and the Museum Frieder Burda in Baden-Baden. PROVENANCE: David Nolan Gallery, New York. Galerie Fred Jahn, Munich (acquired from the above). Galerie Kurt Schäfer, Berlin (gallery label on the stretcher). Private collection Southern Germany. EXHIBITION: William N. Copley, Phyllis Kind Gallery, New York, October 15 - November 19, 1983 (gallery label onthe stretcher). Wohl: CPLY, Phyllis Kind Gallery, Chicago, January 6 - February 7, 1984. 'It's always been the most important image that I've ever had simply because to me, the car is the stationary center of the universe. You're stationary, and the world is moving around you – over you, under you, around you. […] I find I could say more with that image than almost anything I've tried.' William N. Copley, 1983, in: ex. cat. William N. Copley, Fondazione Prada, Milan 2016, p. 39. Called up: December 8, 2023 - ca. 15.18 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Marlene Dumas 1953 Kapstadt - lebt und arbeitet in Amsterdam The short black dress. 1993. Tuschezeichnung. Rechts unten signiert, datiert und betitelt. Auf Velin von BFK Rives (mit Wasserzeichen). 31,5 x 24 cm (12,4 x 9,4 in), Blattgröße. [AW]. • Im Zentrum ihres Schaffens stehen die menschliche Figur und das Porträt. • Die Basis bildet meist eine selbst aufgenommene oder den Medien entnommene fotografische Vorlage. • 1982 und 1992 Teilnahme an der 7. und IX. documenta in Kassel sowie 1995 Teilnahme an der Biennale in Venedig. • Arbeiten der Künstlerin befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, u. a. der des Stedelijk Museum, Amsterdam, des Art Institute of Chicago, der Tate Gallery, London, und dem Museum of Modern Art, New York. Wir danken dem Archive Studio Dumas, Amsterdam, für die freundliche wissenschaftliche Unterstützung. PROVENIENZ: Privatsammlung Norddeutschland. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.29 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMarlene Dumas 1953 Kapstadt - lebt und arbeitet in Amsterdam The short black dress. 1993. India Ink drawing. Lower right signed, dated and titled. On BFK Rives wove paper (with watermark). 31.5 x 24 cm (12.4 x 9.4 in), size of sheet. [AW]. • The human figure and the portrait are at the center of her work. • The basis is usually a photographic template that she shoots herself or takes from the media. • In 1982 and 1992, she took part in the 7th and IX documenta in Kassel and in 1995 in the Venice Biennale. • Her works can be found in renowned international collections like the Stedelijk Museum, Amsterdam, the Art Institute of Chicago, the Tate Gallery, London, and the Museum of Modern Art, New York. We are grateful to the Archive Studio Dumas, Amsterdam, for the kind expert advice. PROVENANCE: Private collection Northern Germany. Called up: December 8, 2023 - ca. 15.29 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.

Peter Halley 1953 New York City - lebt und arbeitet in New York City Remote. 1999. Acryl, fluoreszierendes, metallisches und perlmuttartiges Acryl sowie Roll-a-Tex auf Leinwand. Verso signiert, datiert und betitelt. 189 x 183 cm (74,4 x 72 in). [AW]. • Mit seinen geometrischen Gemälden und fluoreszierenden Farben sorgt Halley erstmals in den frühen 1980er Jahren für Aufsehen. • Neben Form- sowie Farbkomposition kommt es Halley als drittes Element auf die Oberfläche an – er integriert dreidimensionale Reliefs in seine Arbeiten. • Besonders schöne Komposition mit sowohl koloristisch als auch haptisch abgestimmten Farbflächen. • Werke des Künstlers befinden sich in renommierten internationalen Sammlungen, u. a. der des Guggenheim Museum, New York, des Museum of Modern Art, New York, und der Tate Gallery, London. PROVENIENZ: Sandra Gering Gallery, New York. Private collection, Istanbul, Türkei (vom Vorgenannten erworben). Private collection, Istanbul, Türkei (vom Vorgenannten erworben). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (2018 vom Vorgenannten erworben). 'Ever since I became an artist, I've asked myself, why does painting still exist? I’ve lived through the death of painting and all arguments about paintings. My theory is that paintings are unique because they stimulate the brain both as images and as tactile experiences. A great painting is one whose texture interests you, like in Van Gogh or De Kooning. Even if you don't touch the painting, it appeals to the tactile part of the brain. That's what my paintings are based on. Texture doesn't have to be hand-made. Perhaps painting is popular because, by stimulating two pleasure centers at the same time, painting yields a unique intense pleasure.' Peter Halley in einem Interview mit Alexandre Stipanovich, Kathy Grayson und Jeremy Liebman für Opening Ceremony New News, 15. April 2013. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONPeter Halley 1953 New York City - lebt und arbeitet in New York City Remote. 1999. Acrylic, fluorescent, metallic and pearlescent acrylic, and Roll-a-Tex on canvas . Signed, dated and titled on the reverse. 189 x 183 cm (74.4 x 72 in). [AW]. • Halley became widely noticed in the early 1980s with his geometric paintings in fluorescent colors. • In addition to form and color composition, Halley's third element is the surface - he integrates three-dimensional reliefs into his works. • Particularly beautiful composition with fields in both well-balanced colors and a haptic appeal. • Works by the artist can be found in renowned international collections like the Guggenheim Museum, New York, the Museum of Modern Art, New York, and the Tate Gallery, London. PROVENANCE: Sandra Gering Gallery, New York. Private collection, Istanbul, Türkei (acquired from the above). Private collection, Istanbul, Türkei (acquired from the above). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 2018). 'Ever since I became an artist, I've asked myself, why does painting still exist? I’ve lived through the death of painting and all arguments about paintings. My theory is that paintings are unique because they stimulate the brain both as images and as tactile experiences. A great painting is one whose texture interests you, like in Van Gogh or De Kooning. Even if you don't touch the painting, it appeals to the tactile part of the brain. That's what my paintings are based on. Texture doesn't have to be hand-made. Perhaps painting is popular because, by stimulating two pleasure centers at the same time, painting yields a unique intense pleasure.' Peter Halley in an interview with Alexandre Stipanovich, Kathy Grayson and Jeremy Liebman for Opening Ceremony New News, April 15, 2013. Called up: December 8, 2023 - ca. 15.30 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Henrique Oliveira 1973 São Paulo Xilempasto 3. 2011. Mischtechnik. Schichtholz und Pigment. 220 x 330 x 43 cm (86,6 x 129,9 x 16,9 in). [EH]. • Mit seinen Arbeiten schafft Henrique Oliveira eine organische Materialität, die die Grenze zwischen Natürlichem und von Menschen Gemachtem in Frage stellt. • Das charakteristische Werk zeigt die Transformation von Holz in ein scheinbar fließendes Gebilde aus Material und Farbe. • Werke von Henrique Oliveira befinden sich u. a. im Centro per L'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, in der Queensland Art Gallery of Modern Art, Brisbane, Australien, und in der Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasilien. Mit einer vom Künstler bestätigten Bescheinigung der Galerie Vallois, Paris, vom 17. Oktober 2011. PROVENIENZ: Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris. Firmensammlung Ahlers AG, Herford (seit 2011, vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Henrique Oliveira, Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris, 9.9.-9.10.2011. LITERATUR: https://www.henriqueoliveira.com/portu/comercio_i.asp?flg_Lingua=1&cod_menu_obras=1&cod_Serie=20&cod_Artista=1. Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONHenrique Oliveira 1973 São Paulo Xilempasto 3. 2011. Mixed media. Laminated wood and pigment. 220 x 330 x 43 cm (86.6 x 129.9 x 16.9 in). [EH]. • Henrique Oliveira creates an organic materiality in his works that questions the boundary between the natural and the man-made. • The characteristic work shows the transformation of wood into a seemingly flowing structure of material and color. • Works by Henrique Oliveira can be found at, among others, the Centro per L'Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, the Queensland Art Gallery of Modern Art, Brisbane, Australia, and the Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brazil. Accompanied by an artist-confirmed certificate issued by Galerie Vallois, Paris, from October 17, 2011. PROVENANCE: Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris. Corporate Collection Ahlers AG, Herford (since 2011, acquired from the above). EXHIBITION: Henrique Oliveira, Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois, Paris, September 9 - October 9, 2011. LITERATURE: https://www.henriqueoliveira.com/portu/comercio_i.asp?flg_Lingua=1&cod_menu_obras=1&cod_Serie=20&cod_Artista=1. Called up: December 8, 2023 - ca. 15.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Per Kirkeby 1938 Kopenhagen - 2018 Kopenhagen Versuchung II. 2004. Öl auf Leinwand. Verso signiert, datiert und bezeichnet 'Laeso'. Auf der umgeschlagenen Leinwand handschriftlich betitelt und bezeichnet. 90 x 75 cm (35,4 x 29,5 in). [JS]. • Kirkebys Malerei erhält ihre Inspirationen aus der Natur und transportiert atmosphärisch verdichtete Landschaftseindrücke. • In der thematischen Ausstellung 'Wildnis' präsentierte die Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main (2018), Kirkebys Arbeiten neben Werken von Max Ernst, Henri Rousseau, Giorgia O'Keeffe und Gerhard Richter. • Seltene, von großen, sonnengelben Rundformen überlagerte Komposition. • Kirkebys Gemälde befinden sich in bedeutenden internationalen Sammlungen, wie u. a. im Museum of Modern Art, New York, der Tate Modern, London, dem Centre Pompidou, Paris, dem Statens Museum for Kunst, Kopenhagen, und der Pinakothek der Moderne, München. • Einzelausstellungen u. a. im Museum Ludwig, Köln, in der Tate Modern, London, im Museum Kunstpalast, Düsseldorf, im Museum Küppersmühle, Duisburg, und im Museum Insel Hombroich. PROVENIENZ: Galerie Kleinheinrich, Münster (wohl direkt vom Künstler). Privatsammlung Nordrhein-Westfalen (2004 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Per Kirkeby. Bild, Skulptur, Zeichnung, Grafik, Galerie Noah im Glaspalast, Augsburg 26.4. - 29.6.2002 (m. Abb.). Per Kirkeby, 1991, zit. nach: Per Kirkeby, Ausst.-Kat. Tate Modern, London; Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2009/10, S. 13. Per Kirkeby ist ein genauer Beobachter und erwartet genau diese Ruhe und absolute Hingabe an den optischen Eindruck von den Rezipienten seines Werks. Kirkeby, der 2018 in seiner Geburtsstadt Kopenhagen gestorben ist, gilt als der wohl international bekannteste dänische Künstler seiner Generation und einer der wichtigsten europäischen Zeitgenossen. 'Ich verstehe meine Gemälde als eine Summierung von Strukturen. Eine Sedimentation hauchdünner Schichten. […] Im Prinzip eine endlose Ablagerung. Doch es ist auffallend, dass die darunterliegende Struktur immer durchbricht, auch wenn eine neue Schicht ein ganz anderes Motiv und eine ganz andere Farbe hat.“ (Zit. nach: Per Kirkeby, Ausst.-Kat. Tate Modern, London u. a., 2009/10, S. 10) Der Bildaufbau Kirkebys erzeugt durch eben jene Schichtungen eine faszinierende Tiefenwirkung. Wunderbar lassen Kirkebys entrückte Schöpfungen, wie auch unser, von einem leuchtenden Gelb getragene Komposition, den naturwissenschaftlichen Hintergrund ihres Schöpfers erkennen. Denn Kirkebys Entscheidung Maler zu werden geht zunächst ein Studium der Geologie voraus. In Kirkebys Arbeiten spielen Inspirationen aus der Natur und atmosphärisch verdichtete Landschaftseindrücke eine grundlegende Rolle. Die der Natur entlehnten Motive - Wasser, Bäume, Berge, Steine und Höhlen ebenso wie Architekturformen und fragmentierte Körperteile - ergeben kein homogenes, perspektivisches Landschafts- oder Figurenbild. Sie sind vielmehr nach dem Prinzip des All-over-Paintings angelegt, in dem verschiedene Formgedanken und Sinneseindrücke auf der Bildfläche wie auf einer Art Notizblock gleichwertig nebeneinandergesetzt werden. Kirkeby folgt dem unvorhersehbaren Gesang seiner Intuition, der eine Komposition gleich einem Gedanken wachsen und entstehen lässt. Kirkebys eindrucksvolles malerisches Œuvre ist heute Teil bedeutender internationaler Sammlungen, wie u.a. dem Museum of Modern Art, New York, der Tate Modern, London, dem Centre Pompidou, Paris, dem Statens Museum for Kunst, Kopenhagen, und der Pinakothek der Moderne, München. [JS] Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 15.42 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONPer Kirkeby 1938 Kopenhagen - 2018 Kopenhagen Versuchung II. 2004. Oil on canvas. Signed, dated and inscribed 'Laeso' on the reverse. Titled and inscribed on the folded canvas. 90 x 75 cm (35.4 x 29.5 in). [JS]. • Kirkeby's found inspiration in nature and conveyed atmospherically condensed impressions of the landscape in his paintings. • In the thematic exhibition 'Wildnis' (Wilderness), the Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main (2018), presented Kirkeby's work alongside works by Max Ernst, Henri Rousseau, Giorgia O'Keeffe, and Gerhard Richter. • Rare composition overlaid with large, sunny yellow circular forms. • Kirkeby's paintings are part of major international collections like the Museum of Modern Art, New York; Tate Modern, London; Centre Pompidou, Paris; Statens Museum for Kunst, Copenhagen; and Pinakothek der Moderne, Munich. • The artist had solo exhibitions at, among others, the Museum Ludwig, Cologne, Tate Modern, London, Museum Kunstpalast, Düsseldorf, Museum Küppersmühle, Duisburg, and Museum Insel Hombroich. PROVENANCE: Galerie Kleinheinrich, Münster (directly from the artist). Private collection North Rhine-Westphalia (acquired from the above in 2004). EXHIBITION: Per Kirkeby. Bild, Skulptur, Zeichnung, Grafik, Galerie Noah im Glaspalast, Augsburg April 26 - June 29, 2002 (fig.). Per Kirkeby, 1991, quoted from: Per Kirkeby, ex. cat. Tate Modern, London; Museum Kunst Palast, Düsseldorf, 2009/10, p. 13. Per Kirkeby is a close observer and expects exactly the same calm observation and devotion to the visual impression from recipients of his work. Kirkeby, who died in his home town Copenhagen in 2018, is considered the most internationally renowned Danish artist of his generation and one of the most important European post-war artists. 'I understand my paintings as a summation of structures. A sedimentation of gauzy layers. [..] In principle, an endless sedimentation. But it is striking that the underlying structure always breaks through, even if a new layer has a completely different motif and color.' (Quoted from: Per Kirkeby, ex. cat. Tate Modern, London et al., 2009/10, p. 10) Kirkeby's pictorial structure creates a fascinating depth effect through precisely those layers. Kirkeby's rapturous creations, among them the present composition borne by a luminous yellow, reveal the scientific background of their creator. Before Kirkeby made the decision to become a painter, he studied geology. In Kirkeby's works, inspirations from nature and atmospherically condensed landscape impressions play a fundamental role. The motifs inspired by nature - water, trees, mountains, stones and caves, as well as architectural forms and fragmented body parts - do not result in a homogeneous, perspective landscape or figure painting. They are rather laid out according to the principle of ‘all-over painting’, in which various formal ideas and sensory impressions are juxtaposed on the image area like on a kind of notepad. Kirkeby followed the unpredictable song of his intuition, which allows the composition to grow and emerge like a thought. Kirkeby's impressive painterly œuvre is now part of important international collections, such as the Museum of Modern Art, New York, the Tate Modern, London, the Centre Pompidou, Paris, the Statens Museum for Kunst, Copenhagen, and the Pinakothek der Moderne, Munich. [JS] Called up: December 8, 2023 - ca. 15.42 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Miriam Cahn 1949 Basel - lebt und arbeitet in Basel schwarze kriegerinich. 2019. Pastell, Pigmente und Kreide. Auf festem Velin. Ca. 96,5 x 93 cm (37,9 x 36,6 in). Unterlagekarton: 103 x 100 cm (40,5 x 39,3 in). [AW]. • Künstlerische Auseinandersetzung mit Friedens- und Frauenbewegungen, in denen sich Cahn selbst aktiv beteiligt. • 2019 findet die Einzelausstellung 'Ich als Mensch' im Haus der Kunst in München statt. • Mit exquisiter Sensibilität setzt Cahn Farben ein, um ihren Modellen ein Gefühl von Zerbrechlichkeit und innerem Leben zu verleihen. • Arbeiten Miriam Cahns befinden sich in internationalen Sammlungen, wie u. a. im Museum of Modern Art, New York, in der Tate Modern, London, im Museo Reina Sofía, Madrid, und in der Städtischen Galerie im Lenbachhaus, München. PROVENIENZ: Galerie Meyer Riegger, Berlin. Privatsammlung Österreich (vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 08.12.2023 - ca. 16.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMiriam Cahn 1949 Basel - lebt und arbeitet in Basel schwarze kriegerinich. 2019. Pastel, pigments and chalks. On firm wove paper. Ca. 96.5 x 93 cm (37.9 x 36.6 in). Backing board: 103 x 100 cm (40,5 x 39,3 in). [AW]. • Artistic examination of the peace- and women's movements, in which Cahn is actively involved. • In 2019, the Haus der Kunst in Munich showed the solo exhibition “Ich als Mensch' (I as Human). • With exquisite sensitivity, Cahn uses color to give her models a sense of fragility and inner life. • Miriam Cahn's works are in international collections like the Museum of Modern Art, New York, the Tate Modern, London, the Museo Reina Sofía, Madrid, and the Städtische Galerie im Lenbachhaus, Munich. PROVENANCE: Galerie Meyer Riegger, Berlin. Private collection Austria (acquired from the above). Called up: December 8, 2023 - ca. 16.08 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R), artist´s resale right compensation is due.

Jakub Schikaneder 1855 Prag - 1924 Prag In der Kirche. 1883. Öl auf Leinwand. Rechts unten signiert und datiert. Verso auf der Leinwand mit den Maßen bezeichnet sowie mit fragmentiertem Etikett. Verso auf dem Keilrahmen nummeriert '98215'. 59 x 39 cm (23,2 x 15,3 in). • Schikaneder gilt als der bedeutendste Prager Künstler der Jahrhundertwende. • Charakteristische Frauenfigur aus dem von mitfühlendem Realismus geprägten Frühwerk des Künstlers. • Zentrale Hauptwerke seines Schaffens befinden sich in der Nationalgalerie, Prag. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). Wir danken Prof. Dr. Tomáš Vlcek für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Privatsammlung Hessen (seit vier Generationen in Familienbesitz). LITERATUR: Svetozor, XVI, 1882, S. 569: Zeichnung. Veronika Hulíková (Hrsg.), Jakub Schikaneder (1855–1924), Ausst.-Kat. Nationalgalerie Prag, Prag 2012, Kat.-Nr. 181: Zeichnung. Jakub Schikaneder gehört zu den bedeutendsten Künstlern des ausgehenden 19. Jahrhunderts und der Jahrhundertwende in Prag. 1871-79 studiert er an den Kunstakademien in Prag und in München, dort in der Klasse von Gabriel von Max, der mit seinen historistischen Figurenkompositionen schulbildenden Einfluss ausübt. Schikaneders Anfänge sind geprägt von einem erzählerischen Realismus naturalistischer Prägung, in denen er sich den Lebensumständen und der Existenz der armen Bevölkerung annimmt. Ähnlich wie die den Realismus prägenden Künstler Frankreichs nimmt er sich dabei oft Einzelfiguren vor, die gleichzeitig in ihrer Individualität als auch als Symbol für eine Klasse oder den allgemein-menschlichen, mit leiser Melancholie eingefärbten Kampf ums Dasein gezeigt werden. Damit wendet er sich von einer historisch-fantastischen Historien- und zugleich einer beschönigenden akademischen Genremalerei ab, zugleich auch von einer von jeglichem sozialen Anspruch losgelösten impressionistischen Schilderung. Seine Figuren sind oftmals weiblich, als ob man in ihnen eine größere Tiefe des Empfindens und Mitfühlens zutrauen würde. Oftmals beiläufige Szenen des menschlichen Lebens, beim Kartoffelschälen, Kräutersammeln oder in der Kirche, zeigen die harte Realität, die dennoch von einem Vertrauen in das Leben gekennzeichnet sind. Gewisse Nähe zeigt sich bisweilen zu Van Goghs Sozialstudien dieser Zeit und der holländischen realistischen Malerei des 19. Jahrhunderts, die ebenso von einem dunklen Kolorit geprägt sind. Schikaneders Interesse an symbolischen Ausdrucksformen zeigt sich am deutlichsten in seinem Interesse an der Welt der Frauen in seinem Werk der 1880er Jahre. Vor allem die Pariser Kultur in Europa wandte sich zu dieser Zeit den Bildern und Schicksalen der Frau in der modernen Zivilisation als dem prominentesten Thema der Moderne zu. Sein Werk, das anfänglich noch zwischen Allegorie und Zeugnis, zwischen klassizistischem Akademismus und modernem, sozial orientiertem Naturalismus oszilliert, wird in den späten 1880er Jahren zum bedeutendsten Versuch eines bildlichen Ausdrucks der Tendenzen von Realismus und Naturalismus im tschechischen Kulturmilieu. [KT] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 14.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONJakub Schikaneder 1855 Prag - 1924 Prag In der Kirche. 1883. Oil on canvas. Signed and dated in lower right. Inscribed with the dimensions and with a fragmentarily preserved label on the reverse. Numbered '98215' on the stretcher. 59 x 39 cm (23.2 x 15.3 in). • Schikaneder is considered the most important Prague artist of the turn of the century. • Characteristic female figure from the artist's early work, characterized by compassionate realism. • His main works are at the National Gallery, Prague. • For the first time offered on the international auction market (source: artprice.com). We are grateful to Prof. Dr. Tomáš Vlcek for his kind expert advice. PROVENANCE: Private collection Hesse (family-owned for four generations). LITERATURE: Svetozor, XVI, 1882, p. 569: prel. drawing. Veronika Hulíková (ed.), Jakub Schikaneder (1855–1924), ex. cat. Národní galerie v Praze, Prague 2012, cat. no. 181: prel. drawing. Jakub Schikaneder was one of the most important artists of the late 19th century and the turn of the century in Prague. From 1871-79, he studied at the art academies in Prague and Munich in the class of Gabriel von Max, whose historicist figure compositions had a formative influence. Schikaneder's beginnings are characterized by a narrative Realism of a naturalistic nature, in which he addressed the living conditions of the poor. Similar to the French artists of Realism, he often put focus on individual figures shown both in their individuality and as symbols of a class or the general human struggle for existence, tinged with a quiet melancholy. In doing so, he turned away from history painting, and at the same time from euphemistic academic genre painting, as well as from impressionistic depiction detached from any social claims. His figures are often female, as if one would expect a greater depth of feeling and empathy in them. Often incidental scenes of human life, peeling potatoes, gathering herbs or in church, show a harsh reality that to some point is still characterized by a notion of a fundamental trust in life. Some works show a certain proximity to Van Gogh's social studies of the time and Dutch realistic painting of the 19th century, which are also characterized by dark colors. Schikaneder's interest in symbolic forms of expression becomes most evident in his depictions of women in his works of the 1880s. At this time, Parisian culture in Europe in particular was turning to the images and fates of women in modern civilization as the most prominent theme of modernity. His work, which initially oscillated between allegory and testimony, between classicist academicism and modern, socially oriented Naturalism, became the most significant attempt at a pictorial expression of the tendencies of Realism and Naturalism in the Czech cultural environment in the late 1880s. [KT] Called up: December 9, 2023 - ca. 14.10 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Max Slevogt 1868 Landshut - 1932 Neukastel Kinder am Weiher (Garten in Godramstein). 1909. Öl auf Leinwand. Verso mit dem Nachlassstempel und der handschriftlichen Registriernummer '149', der irrtümlichen Datierung auf '1911' sowie der Unterschrift Wolfgang Slevogts, des Sohnes des Künstlers. 63 x 78,5 cm (24,8 x 30,9 in). • Bis August diesen Jahres war das Gemälde noch Teil einer Ausstellung in der National Gallery in London. • Wunderbar locker und summarisch auf die Leinwand gesetze Parklandschaft mit familiärer Szenerie. • Slevogt erwähnt das Gemälde in einem handschriftlichen Bilderverzeichnis und datiert es auf 1909. • Gemeinsam mit Liebermann und Corinth zählt er zu den herausragenden Vertretern des deutschen Impressionismus. Die Authentizität der vorliegenden Arbeit wurde von Bernhard Geil mündlich bestätigt. PROVENIENZ: Sammlung Caroline von Slevogt, geb. Lucas (Mutter des Künstlers). Privatsammlung. Privatsammlung. Privatsammlung Berlin (2005 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Liebermann - Corinth - Slevogt. Die Landschaften, Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud, Köln, 30.4.-1.8.2010; Museum of Fine Arts, Houston, 12.9.-5.12.2010, Kat.-Nr. 67 (m. Farbbabb.). After Impressionism. Inventing Modern Art, The National Gallery, London, 25.3.-13.8.2023, Kat.-Nr. 63 (m. Farbabb.). LITERATUR: Kunsthaus Lempertz, Köln, 882. Auktion, Moderne Kunst, 3.12.2005, Los 986 (m. Farbabb. S. 319). Von einer besonderen atmosphärischen Leichtigkeit ist die vorliegende Parklandschaft geprägt. Der lockere Auftrag lichter Farben, das virtuose Licht-Schatten-Spiel im Schutz der Bäume und die zufällig wahrgenommene Familienszene unterstreichen die herausragende Stellung Max Slevogts innerhalb des deutschen Impressionismus. Nachdem sich Slevogt von 1884 bis 1889 einem Studium an der Münchener Akademie der Bildenden Künste widmet, schreibt er sich 1889 in der renommierten Académie Julian in Paris ein. Doch wird erst die Teilnahme 1900 an der Weltausstellung in Paris und der dortige Kontakt mit dem französischen Impressionismus sowie mit der Malerei Édouard Manets zu einer Art Zäsur in seinem eigenen künstlerischen Schaffen. Es beginnt eine Loslösung von einer eher dunklen Farbigkeit seiner dramatischen Gemälde mit teils symbolistischen Anklängen à la Arnold Böcklin hin zu einer lichten Freilichtmalerei im Sinne des impressionistischen Grundgedankens eines Claude Monet. Die spontane Erfassung des flüchtigen visuellen Eindrucks in Verbindung mit einer suggestiven Pinselschrift zeigt sich eindrucksvoll in dem vorliegenden Gemälde 'Kinder am Weiher (Garten in Godramstein)' von 1909. In dieser Zeit fertigt Slevogt hauptsächlich Landschaften und Porträts im Auftrag des Bayerischen Prinzregenten Luitpold an, doch findet er auch Zeit, sich sehr persönlichen Darstellungen zu widmen, wie in diesem Gemälde aus dem Besitz der Mutter des Künstlers, Caroline von Slevogt. In einem schon fast fotografisch festgehaltenen Augenblick zeigt Slevogt seine beiden Kinder Nina und Wolfgang gemeinsam mit ihrem Kindermädchen auf dem Weg zu einem Weiher auf dem Grundstück seiner Schwiegereltern. Später sollte das unweit gelegene Landgut Neukastell, später Slevogthof genannt, zu dem Alterssitz des Künstlers werden. Die pfälzische Landschaft um Godramstein mit Ausblick auf die Vogesen und umliegende Weinberge sollte das künstlerische Schaffen zeitlebens inspirieren, sie sind als weiterer Motor in seiner Entwicklung hin zu einer impressionistischen Malerei zu nennen. Slevogt setzt sich hier mit jahres- und tageszeitlichen sowie mit witterungsbedingten atmosphärischen Effekten auseinander. Hier ruft er eine herbstliche Szenerie mit schon teils gefärbtem Laub und nachmittäglichen Lichtstrahlen auf, die sich ihren Weg durch das dicke Baumgeflecht am oberen Bildrand suchen und ihre warmen Strahlen sowohl auf den Weg als auch auf die drei Gestalten werfen. Man kann sich Max Slevogt förmlich vorstellen, wie er hinter dem Bildausschnitt mit einer Staffelei sitzt und seinen Kindern womöglich etwas zuruft. Es ist daher nicht verwunderlich, dass das Gemälde erst diesen Sommer einen Platz in der mit großer Aufmerksamkeit verfolgten Ausstellung 'After Impressionist: Inventing Modern Art' in einem der weltweit führenden Museen, der National Gallery in London, fand. [AW] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 17.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Bauern mit Kuh. Um 1922. Aquarell, Tuschpinsel und schwarze Kreide. Rechts unten signiert. Auf glattem, festem Velin. 39,2 x 50 cm (15,4 x 19,6 in), blattgroß. Es existiert eine Fotografie dieser Arbeit von Ernst Ludwig Kirchner, 'Photoalbum II', S. 343. [CH]. • Ausgearbeitetes Aquarell aus der gesuchten Davoser Schaffenszeit. • Bereits 1955 in den USA ausgestellt. • Nahezu bühnenartig komponierte Szene mit belebtem Vorder-, Mittel- und Hintergrund. • Als begnadeter Zeichner bringt Kirchner diese momenthafte Situation der in Bewegung befindlichen Tiere und Menschen in wenigen, gekonnt gesetzten Strichen aufs Papier. • Die in diesem Aquarell enthaltenen Motive finden sich auch in Kirchners berühmtem Gemälde-Triptychon 'Alpleben' wieder (1918/19, Kirchner Museum, Davos). • Durch Kirchners Umzug in die Bergwelt der Schweizer Alpen entwickelt der Künstler eine Faszination für das arbeitsreiche Bergbauernleben, das er in Fotografien, Aquarellen, Zeichnungen und Gemälden festhält. Das vorliegende Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Sammlung Mr. and Mrs. Dickson Reck, Berkeley (um 1930). Privatsammlung Sydney. Dover Street Gallery, London (1992). Galerie Iris Wazzau, Davos. Privatsammlung Norddeutschland (1994 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: 20th Anniversary Exhibition, San Francisco Museum of Art, August 1955. LITERATUR: Sotheby's, London, Impressionist and Modern Paintings, Drawings and Sculpture (part II.), 23.6.1993, Los 274 (m. Farbabb.). 'Der gute van de Velde schrieb mir heute, ich sollte doch wieder ins moderne Leben zurück. Das ist für mich ausgeschlossen. Ich bedaure es auch nicht. Ich habe hier ein reiches Feld für meine Tätigkeit, dass ich es gesund kaum bewältigen könnte [..]. Und hier lernt man tiefer sehen und weiter eindringen als in dem sogenannten 'modernen' Leben, das meist trotz seiner reichen äusseren Form so sehr viel oberflächlicher ist.' E. L. Kirchner in einem Brief an Helene Spengler, 3.7.1919. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 18.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Bauern mit Kuh. Um 1922. Watercolor, ink brush and black chalks. Lower right signed. On firm and smooth wove paper. 39.2 x 50 cm (15.4 x 19.6 in), the full sheet. A photograph of this work is in Ernst Ludwig Kirchner's 'Photoalbum II', p. 343. [CH]. • Elaborate watercolor from the sought-after Davos period. • Exhibited in the USA as early as 1955. • An almost stage-like scene with animated foreground, middle ground and background. • As a gifted draftsman, Kirchner adds motion to the animals and people in this depiction with just a few skillfully placed strokes. • The motifs contained of this watercolor can also be found in Kirchner's famous oil triptych 'Alpleben' (1918/19, Kirchner Museum, Davos). • Kirchner's move to the mountains of the Swiss Alps led to a fascination for the hard life of mountain farmers, which he captured in photographs, watercolors, drawings and paintings. The present work is registered in the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: Collection of Mr. and Mrs. Dickson Reck, Berkeley (around 1930). Private collection Sydney. Dover Street Gallery, London (1992). Galerie Iris Wazzau, Davos. Private collection Northern Germany (acquired from the above in 1994). EXHIBITION: 20th Anniversary Exhibition, San Francisco Museum of Art, August 1955. LITERATURE: Sotheby's, London, Impressionist and Modern Paintings, Drawings and Sculpture (part II.), June 23, 1993, lot 274 (color illu.). 'The good van de Velde wrote to me today saying that I should return to modern life. That is out of question for me. And I have no regrets. I have found a rich field for my work here that I could hardly manage it in good health [..]. You learn to look and explore deeper than in so-called 'modern' life, which, despite its rich outer form, is so much more shallow.' E. L. Kirchner in a letter to Helene Spengler, July 3, 1919. Called up: December 9, 2023 - ca. 18.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Karl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Mädchenporträt. Um 1920. Öl auf Kupferplatte. Rechts unten monogrammiert. 40 x 34,5 cm (15,7 x 13,5 in). Während der Besetzung der Niederlande 1940–1945 wurde das Bild zusammen mit der Sammlung des Besitzers von Direktor Sandberg im Stedelijk Museum in Amsterdam verborgen gehalten. [AW]. • Radikal moderne Ästhetik: klar-reduzierte Komposition in flächig-leuchtender Farbgebung. • Ausdrucksstarkes Porträt von einnehmend klarem Blick aus der besten Schaffenszeit. • Eindrucksvoll gelingt es Hofer in seinen Porträts, das individuelle Schicksal der Dargestellten zu visualisieren, um es gleichzeitig in den Zustand des Allgemeingültigen zu heben. • Seit beinahe 100 Jahren in Familienbesitz. PROVENIENZ: Das Kunsthaus Herbert Tannenbaum, Mannheim. Sammlung William (Dr. Wilhelm) Landmann (1891-1987), Mannheim/Amsterdam/Toronto (in den frühen 1920er Jahren vom Vorgenannten erworben). Sammlung Martin Landmann (1923-2021), Vancouver, Kanada (1953 vom Vorgenannten erhalten). Seither in Familienbesitz. AUSSTELLUNG: Stedelijk Museum, Amsterdam (Juli 1939-1946 als Leihgabe aus der Sammlung Landmann). European sculpture and painting from the collection of William Landmann, Art Gallery of Ontario, Toronto, 18.10.-17.11.1946. European Paintings, Art Gallery of Toronto, 1962 (m. Abb. S. 4). Für die Kunst! Herbert Tannenbaum und sein Kunsthaus. Ein Galerist – seine Künstler, seine Kunden, sein Konzept, Reiß-Museum der Stadt Mannheim, 11.9.1994-8.1.1995, Kat.-Nr. 179 (m. Abb.). LITERATUR: Karl Bernhard Wohlert, Karl Hofer. Werkverzeichnis der Gemälde, Bd. 2, hrsg. von Markus Eisenbeis, Köln 2007, WVZ-Nr. 402 (m. Abb.). Unterlagen zur Einlagerung / Leihgabe der Sammlung Landmann, Archiv des Stedelijk Museum Amsterdam, Ordner 707. Unterlagen zur Einlagerung / Leihgabe der Sammlung Landmann, Archiv des Stedelijk Museum Amsterdam, Ordner 698, S. 18, lfd. Nr. 601. Ausstellungsliste von 1946, Archiv der Art Gallery of Ontario, Toronto. Sammlungsinventar (Karteikarte) der Sammlung Landmann, Privatbesitz. Paul Duval, German, Mexican and American Art Shows Varied National Characteristics, in: Saturday Night, Band 62, Nr. 8, 26.10.1946, Toronto, S. 2f. (m. Abb.). Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 18.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Mädchenporträt. Um 1920. Oil on copper plate. Monogrammed in lower right. 40 x 34.5 cm (15.7 x 13.5 in). During the occupation of the Netherlands from 1940 to 1945, the picture, alomngside other works from the collection, was hidden at the Stedelijk Museum in Amsterdamby by its director Sandberg. [AW]. Radically modern aesthetics: a clear, reduced composition in flat, bright colors. • Expressive portrait with an engaging clear look from the best creative period. • In his portraits, Hofer impressively succeeded in visualizing the individual fate of those depicted, while he also takes the pictorial content to a universal level. • Family-owned for almost 100 years. PROVENANCE: Das Kunsthaus Herbert Tannenbaum, Mannheim. William (Dr. Wilhelm) Landmann Collection (1891-1987), Mannheim/Amsterdam/Toronto (acquired from the above in the early 1920s). Martin Landmann Collection (1923-2021), Vancouver, Canada (obtained from the above in 1953). Ever since family-owned. EXHIBITION: Stedelijk Museum, Amsterdam (July 1939-1946 as loan from the Landmann Collection). European sculpture and painting from the collection of William Landmann, Art Gallery of Ontario, Toronto, October 18 - November 17, 1946. European Paintings, Art Gallery of Toronto, 1962 (fig. p. 4). Für die Kunst! Herbert Tannenbaum und sein Kunsthaus. Ein Galerist – seine Künstler, seine Kunden, sein Konzept, Reiß-Museum der Stadt Mannheim, September 11, 1994 - January 8, 1995, cat. no. 179 (fig.). LITERATURE: Karl Bernhard Wohlert, Karl Hofer. Catalogue raisonné of paintings, vol. 2, ed. by Markus Eisenbeis, Cologne 2007, no. 402 (fig.). Documents on the storage / loan from the Landmann Collection, archiev of Stedelijk Museum Amsterdam, folder 707. Documents on the storage / loan from the Landmann Collection, archiev of Stedelijk Museum Amsterdam, folder 698, p. 18, no. 601. Exhibition list from 1946, archive of Art Gallery of Ontario, Toronto. Collection inventory (file card) of Landmann Collection, privately owned. Paul Duval, German, Mexican and American Art Shows Varied National Characteristics, in: Saturday Night, vol. 62, no. 8, October 26, 1946, Toronto, pp. 2f. (fig.). Called up: December 9, 2023 - ca. 18.34 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.

Kurt Schwitters 1887 Hannover - 1948 Ambleside/Westmorland Uviolett. 1926/1928. Merzzeichnung. Collage. Papier, teils typografisch bedruckt auf dünnem Karton. Links unten auf dem Unterlagekarton signiert. 19 x 14,7 cm (7,4 x 5,7 in). Im vorläufigen Werkkatalog von Ernst Schwitters, dem Sohn des Künstlers, ist die Arbeit unter der Oeuvre-Nr. 1936/1321 gelistet. Karin Orchard und Isabel Schulz ordnen das Werk im Catalogue raisonné den Jahren 1926/1928 zu. [EH]. • Die 'Merzzeichnungen' gehören zu den begehrtesten Arbeiten des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt. • Schwitters berühmte 'Merzzeichnungen' sind heute Teil zahlreicher bedeutender Museumssammlungen, wie u. a. der Tate Modern, London, und des Museum of Modern Art, New York. Wir danken dem Kurt Schwitters Archiv im Sprengel Museum, Hannover, für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Hans Brockstedt, Hannover (1956). Sidney Janis Gallery, New York (erworben 1956). Ralph Pappenheimer, Cincinnati. Privatbesitz, Toronto, Ontario. Gemini Gallery, Palm Beach, Florida. Privatbesitz, New York (nach 1986-1997). Clemens Toussaint, Köln (1997-1999). Art Focus, Zürich (erworben 1999). Galerie Berinson, Berlin (2000 erworben). Ubu Gallery, New York (2003). Privatsammlung Lucia Woods Lindley (2003 erworben). AUSSTELLUNG: Kurt Schwitters, 57 Collages, Sidney Janis Gallery, New York, 1956, Kat.-Nr. 37 (m. Etikett, hier datiert 1936). Paul Klee im Kreise seiner Freunde, Galerie Art Focus, Zürich, 1.10.1998-29.1.1999. Kurt Schwitters (1887-1948): Collages, Paintings, Drawings, Objects, Ephemera, Ubu Gallery, New York, 1.4.-23.5.2003, Kat.-Nr. 1 (m. Abb.). LITERATUR: Karin Orchard/Isabel Schulz, Kurt Schwitters. Catalogue raisonné, hrsg. vom Sprengel Museum Hannover im Auftrag der Niedersächsischen Sparkassenstiftung, der Norddeutschen Landesbank, der Sparkasse Hannover und der Kurt und Ernst Schwitters Stiftung, Hannover, Bd. 2, Ostfildern-Ruit 2003, WVZ-Nr. 1470 (Abb. 1470). Sotheby's, New York, Auktion 19.11.1986, Los 113 (m. Abb.) Marc Dachy, Archives Dada – Chronique, Paris 2005 (Farbabb. S. 537). Die 'Merzzeichnungen', wie Kurt Schwitters seine ab 1918 entstandenen dadaistischen Collagen nennt, gelten gemeinsam mit den 'Merzbildern' als der bedeutendste und bekannteste Werkkomplex des Künstlers. Im Anschluss an den Ersten Weltkrieg befreit Schwitters sich und seine Kunst von jeglicher akademischen und kunsthistorischen Tradition. 'Merz' war für Schwitters nicht nur die Bezeichnung für den künstlerischen Stil seiner Ein-Mann-Kunstbewegung, sondern vielmehr gleichbedeutend mit künstlerischer Revolution und Neuanfang. In den 'Merzzeichnungen', die eigentlich Collagen sind, findet sich eine Ansammlung des scheinbar Zufälligen. Es ist letztlich eine durchdachte Gestaltung von Relikten verschiedenster Provenienz. Hinzu kommt eine Ästhetisierung des Unbrauchbaren, der Reste, die hier, neu vereint, den künstlerischen Aspekt dieser Arbeit ausmachen. Dabei lassen sich manche dieser Relikte noch einer Herkunft zuordnen. Beispielhaft ist in diesem Zusammenhang natürlich 'MERZ' aus einem Schnipsel von 'COMMERZ BANK' zu nennen, das namensgebend für diese gesamte Werkgruppe wird. In unserem 'Merzbild' lassen sich drei Papierfragmente benennen: das schwarze Papier eines Agfa-Filmpacks sowie das Etikett eines 'AECHT PATZENHOFER'-Biers; eine Verbindung zu Schwitters Heimatstadt Hannover gibt das titelgebende Fragment 'uviolett' von 'Günther Wagners Pastellkreiden'. 1871 kauft Günther Wagner die Hannoveraner Farben- und Tintenfabrik des Carl Hornemann. Er setzt 1878 sein eigenes Familienwappen, den Pelikan, als Markenzeichen der Firma ein. 'Pelikan' ist viele Jahrzehnte als einer der größten Hersteller von Tinten-Füllern und anderer Farben bekannt. Bei den 'Pastellkreiden Sorte 460 für Schul- und Studienzwecke' der Firma ist jede Farbkreide in eben diese hellen Papiere eingewickelt, die Kurt Schwitters in unserer Collage verwendet. Farbnummer 2 ist Carmesin und 11 Blauviolett. Schwitters verkürzt in der für ihn typischen Weise die Begriffe auf 'Carm' und 'uviolett'. [EH] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 18.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Tanzschule Wigman. Um 1926. Gouache über schwarzer Kreide. Verso mit dem Nachlassstempel des Kunstmuseums Basel (Lugt 1570 b) und der handschriftlichen Registriernummer 'A Da/Be 22'. Auf bräunlichem Velin. 34 x 48,2 cm (13,3 x 18,9 in), blattgroß. [CH]. • Mit dieser mehrfigurigen, farbstarken Darstellung verbindet der Künstler bedeutende Themen seines künstlerischen Schaffens: den weiblichen Akt, Tanz und Bewegung. • Der Tanz spielt in Kirchners Œuvre bereits seit den Szenen aus den Tanzcafés und Varietés in Dresden um 1905 eine bedeutende Rolle. • In den 1920er Jahren lernt Kirchner mit Mary Wigman und Gret Palucca bedeutende Tänzerinnen der Zeit kennen und beschäftigt sich intensiv mit dem modernen Ausdruckstanz. • Die moderne, progressive Wigman-Ballettschule in Dresden besucht der Künstler während seiner Deutschlandreise 1926 (vgl. u. a. Presler, Skizzenbuch Skb 127). • Im Ausdruckstanz Mary Wigmans sieht Kirchner das einstige Programm der 'Brücke'-Künstler von 1906 umgesetzt, die unmittelbare und unverfälschte Wiedergabe dessen, 'was einen zum Schaffen drängt'. Das vorliegende Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Wolfgang Ketterer, München. Privatsammlung Norddeutschland (1985 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Ernst Ludwig Kirchner. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Graphik, Galerie Wolfgang Ketterer, München, 6.9.-26.10.1985, Kat.-Nr. 97 (m. Farbabb., S. 117). 'Heute erster großer Eindruck bei Mary Wigman. Ich empfinde das Parallele, wie es sich in ihren Tänzen ausdrückt in der Bewegung der Massen, die die Einzelbewegung verstärken durch die Zahl. Es ist unendlich anregend und reizvoll, diese Körperbewegungen zu zeichnen. [..] Ja, das was wir geahnt haben, das ist doch Wirklichkeit geworden. Die neue Kunst ist da. Mary Wigman benutzt vieles aus den modernen Bildern unbewußt und das Schaffen eines modernen Schönheitsbegriffes ist ebenso in ihren Tänzen am Werke wie in meinen Bildern.' E. L. Kirchner, 16.1.1926, in: Lothar Grisebach (Hrsg.), Davoser Tagebuch, Stuttgart 1998, S. 126. 'Ich bin jetzt schön in der Arbeit drin und zeichne täglich in der Wigman-Tanzschule. Dieser Tanz gibt mir doch viel, er hängt sehr mit unserer Moderne zusammen.' E. L. Kirchner an seine Lebensgefährtin Erna Schilling, Brief vom 2.2.1926, zit. nach: Hans Delfs (Hrsg.), E. L. Kirchner. Der gesamte Briefwchsel, Zürich 2010, Nr. 1650. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 18.55 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Tanzschule Wigman. Um 1926. Gouache over black chalks. With the estate stamp of the Kunstmuseums Basel (Lugt 1570 b) and the hand-written registration number 'A Da/Be 22' on the reverse. On brownish wove paper. 34 x 48.2 cm (13.3 x 18.9 in), the full sheet. [CH]. • With this multi-figure, colorful depiction, the artist combines important themes of his art: the female nude, dance and movement. • Dance has played an important role in Kirchner's oeuvre since the scenes from the dance cafés and variety shows in Dresden around 1905. • In the 1920s, Kirchner met Mary Wigman and Gret Palucca, important dancers of the time, and became intensively involved with modern dance. • The artist visited the modern, progressive Wigman Ballet School in Dresden during a trip in 1926 (cf., among others, Presler, sketchbook Skb 127). • In Mary Wigman's expressive dance, Kirchner sees the former program of the 'Brücke' artists from 1906 implemented, the direct and unadulterated reproduction of 'what urges to create'. The present work is documented at the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: Artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Wolfgang Ketterer, Munich. Private collection Northern Germany (acquired from the above in 1985). EXHIBITION: Ernst Ludwig Kirchner. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Graphik, Galerie Wolfgang Ketterer, Munich, September 6 - October 26, 1985, cat. no. 97 (color illu. p. 117). 'First great impression today at Mary Wigman. I feel the parallel, as expressed in her dances, in the movement of the masses, which reinforce the individual movement. It is infinitely stimulating and attractive to draw these body movements. [.] Yes, what we suspected has become reality. The new art is here. Mary Wigman unconsciously uses much of the modern pictures and the creation of a modern concept of beauty is at work in her dances as well as in my pictures.' E. L. Kirchner, January 16, 1926, in: Lothar Grisebach (ed.), Davoser Tagebuch, Stuttgart 1998, p. 126. 'I'm now doing a lot of work and drawing every day at the Wigman dance school. This dance gives me a lot, it's very much connected to our modern age.' E. L. Kirchner to his partner Erna Schilling, letter dated February 2, 1926, quoted from: Hans Delfs (ed.), E. L. Kirchner. Der gesamte Briefwechsel, Zurich 2010, no. 1650. Called up: December 9, 2023 - ca. 18.55 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Kurt Schwitters 1887 Hannover - 1948 Ambleside/Westmorland Mz 122 Tropfen rot. (Merzzeichnung). 1920. Collage. Papier auf Papier. Auf dem Originalpassepartout monogrammiert und datiert sowie betitelt. 8,4 x 6,8 cm (3,3 x 2,6 in), Collage im Passepartoutausschnitt. Originalpassepartout: 16,5 x 11,5 cm (6,5 x 4,5 in). [JS]. • Frühe 'Merzzeichnung' des bedeutenen Dadaisten. • Nach impressionistischen und konstruktivistischen Anfängen findet Schwitters in seinen 'Merzzeichnungen', Collagen aus typografischen Fundstücken, zu seiner eigenen, revolutionären Bildsprache. • Kurz nach Erfindung der abstrakten Malerei geht Schwitters hier noch einen entscheidenden Schritt weiter, indem er jeglichen Duktus als künstlerische Handschrift aus seinen Schöpfungen verbannt. • 'Mz 122' – ein kleines, feines Zeugnis dieses künstlerischen Aufbruchs in die Moderne. • Schwitters berühmte 'Merzzeichnungen' sind heute Teil zahlreicher bedeutender Museumssammlungen, wie u. a. der Tate Modern, London, und des Museum of Modern Art, New York. PROVENIENZ: Rose Fried Gallery, New York. Gertrude Stein Gallery, New York. Privatbesitz, Beverly Hills, Kalifornien. Rachel Adler Fine Art, New York. B.C. Holland Inc., Chicago. Annely Juda Fine Art, London. Privatbesitz London. Timothy Baum, New York (vor 1994-2000). Galerie Brockstedt, Hamburg (seit 2000). Firmensammlung Ahlers AG, Herford (2000 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Surrealism. revolution by Night. National Gallery of Australia, Canberra, 12.3.-2.5.1993; Queensland Art Gallery, Brisbane, 21.5.-11.7.1993; Art Gallery of South Wales, Sydney, 30.7.-19.11.1993. Small Formats, Leonard Hutton Galleries, New York, Oktober-Dezember 1994 (außer Katalog). Ruhestörung. Streifzüge durch die Welten der Collage, Marta Herford, 28.9.2013-26.10.2014, S. 17 (m. Abb.). Schwitters. Miró. Arp, Hauser & Wirth, Zürich, 12.6.-18.9.2016, S. 23 (m. Abb. S. 188). Konstruktive Welten. Anfänge einer neuen Universalsprache der Kunst, Stiftung Ahlers Pro Arte, 17.9.-11.12.2022, S. 61 (m. Abb.). LITERATUR: Karin Orchard/Isabel Schulz, Kurt Schwitters. Catalogue raisonné, Bd. 1: 1905-1922, Ostfildern-Ruit 2000, WVZ-Nr. 673 (m. Abb.). Schwitters 'Merzzeichnungen', wie Kurt Schwitters seine ab 1919 entstandenen dadaistischen Collagen nennt, gelten gemeinsam mit den 'Merzbildern' als der bedeutendste und bekannteste Werkkomplex des Künstlers. Im Anschluss an den Ersten Weltkrieg befreit Schwitters sich und seine Kunst von jeglicher akademischen und kunsthistorischen Tradition, lässt seine impressionistischen und konstruktivistischen Anfänge hinter sich. 'Merz' war für Schwitters nicht nur die Bezeichnung für den künstlerischen Stil seiner Ein-Mann-Kunstbewegung, sondern vielmehr gleichbedeutend mit künstlerischer Revolution und Neuanfang. In seinen 'Merz'-Arbeiten löst Schwitters die Grenzen zwischen den Kunstgattungen auf, kombiniert verschiedene Materialien, Zeitungsausschnitte, Eintrittskarten und sonstige banale Fundstücke des Alltages, stellt neue, unerschließbare Bezüge her und wird auf diese Weise vom introvertierten Künstler zum experimentellen Bürgerschreck von unerschöpflicher künstlerischer Produktivität. Auch als Dichter, Schriftsteller und Architekt verleiht Schwitters seiner progressiven Produktivität Ausdruck und schafft auf diese Weise ein provokantes und beeindruckendes Gesamtkunstwerk, zu dessen international gefragtesten künstlerischen Produkten die 'Merzzeichnungen' zählen. Die vorliegende frühe Collage 'Mz 122', in der Schwitters verschiedenste typografische Produkte wie Fahrkarten und Zeitungsfragmente scheinbar zufällig zu einem neuen ästhetischen Eindruck verbindet, trägt diesen künstlerischen Aufbruch in komprimiertem Format in sich. Sie ist ein kleines, feines Zeugnis dieses bedeutenden Kapitels der Moderne. Nachdem Kandinsky und die Konstruktivisten zu Beginn der 1910er Jahre den Gegenstand überwunden und die abstrakte Malerei erfunden hatten, geht Schwitters kurz darauf noch einen entscheidenden Schritt weiter. In seinen berühmten 'Merzzeichnungen', Collagen aus typografischen Fundstücken, ist es ihm gelungen, sogar jeglichen Duktus und damit die künstlerische Handschrift aus seinen faszinierenden Schöpfungen zu verbannen. [JS] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 18.58 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

Max Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Promenade sous la neige. 1957. Öl auf Papier auf Leinwand montiert, dies auf leinenbezogenem Karton. Links unten signiert. Verso auf der Rückseite der Künstlerrahmung betitelt und mit einer persönlichen Widmung des Künstlers. 24,4 x 18 cm (9,6 x 7 in), blattgroß. • Max Ernst hat mit seinem Œuvre Dada und Surrealismus wesentlich geprägt. • Seit seiner 'Histoire naturelle'' (1926) sind die surrealen Elemente der Natur eines der wichtigsten Themen in seinem Œuvre. • Max Ernst war auf der documenta I, II, III vertreten. • Als zentraler Künstler der deutsch-französischen Avantgarde ist Max Ernst in internationalen Sammlungen vertreten, darunter das Solomon R. Guggenheim Museum, Metropolitan Museum und Museum of Modern Art, New York, das Centre Pompidou, Paris, und die Tate Gallery, London. Mit einer schriftlichen Echtheitsbestätigung von Herrn Dr. Jürgen Pech, Bonn, vom 29. Oktober 2023. Die vorliegende Arbeit ist im Archiv zum Oeuvre-Katalog Max Ernst dokumentiert. PROVENIENZ: Max Ernst, Huismes (Frankreich). Sammlung Madame Floquet, Annecy (Geschenk des Künstlers). Privatsammlung (erworben Hôtel Marcel Dassault 15.12.2000, Los 12). Privatsammlung Schweiz (vom Vorgenannten erworben, Christie's 19.06.2007, Los 468). LITERATUR: Hôtel Marcel Dassault, Paris, Auction Art Moderne, 15.12.2000, Los 12 (m. Farbabb). Christie’s, London, Impressionist and Modern Art Day Sale, (m. Farbabb). Natur ist für Max Ernst eine wesentliche Inspiration, mit der er seine Intuitionen und surrealen Imaginationen erlebbar machen kann. Mit 'Promenade sous la neige' versetzt er uns in einen gleichsam halluzinatorischen Zustand: Das Knirschen der Schritte und die gedämpfte Wahrnehmung der Welt im dichten Flirren des Schnees werden spürbar. Schon mit seiner 'Histoire naturelle'' (1926) macht Max Ernst die surrealen Elemente der Natur zu einem der wichtigsten Themen in seinem Œuvre. Gemälde wie 'La Nymphe Écho' (1936) im MoMA, New York, 'La dernière forêt' (1960/70) im Centre Pompidou, Paris, oder ('La nature à l'aurore') (1936) im Städel Museum, Frankfurt a. Main, geben dafür beispielhaft Zeugnis. Max Ernst nutzt seine Kunst, um der Natur als einem entzauberten Gegenstand der Forschung und des Konsums wieder Überraschung, Irritation Geheimnis zurückzugeben. Das Kunstmuseum Bonn widmete diesem Themenbereich unlängst die Ausstellung 'Max Ernst und die Natur als Erfindung' (13.10.2022-22.1.2023), in der das Werk des Künstlers als Entwurf einer alternativen Naturgeschichte im Kontext der Kunst seiner Zeit bis in die Gegenwart beleuchtet wurde. 'Promenade sous la neige' ist also ein Werk aus einem elementaren Themenkreis der Gedankenwelt von Max Ernst. Besonders ist noch zu erwähnen, dass die leinwandbezogenen Karton, auf der das kleine Bild montiert ist, von Max Ernst selbst ausgewählt, gestaltet und mit einer persönlichen Widmung für die erste Besitzerin versehen wurde. [EH] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 19.12 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMax Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Promenade sous la neige. 1957. Oil on paper on canvas, on canvas-covered cardboard. Signed in lower left. Titled and inscribed with a dedication on the reverse. 24.4 x 18 cm (9.6 x 7 in), the full sheet. • Max Ernst had significant influence on Dada and Surrealism. • Since his 'Histoire naturelle' (1926), the surreal elements of nature have been one of the most important themes in his oeuvre. • Max Ernst participated in documenta I, II, III. • As a central artist of the German-French avant-garde, Max Ernst's works are at, among others, the Solomon R. Guggenheim Museum, Metropolitan Museum and Museum of Modern Art, New York, the Center Pompidou, Paris, and Tate Gallery, London. Accompanied by a confirmation of authenticity issued by Dr. Jürgen Pech, Bonn, from October 29, 2023. The present work is documented in the archive of the oeuvre catalog Max Ernst. PROVENANCE: Max Ernst, Huismes (France). Collection of Madame Floquet, Annecy (gift from the artist). Private collection (acquired from Hôtel Marcel Dassault, December 15, 2000, lot 12). Private collection Switzerland (acquired from the above, Christie's June 19, 2007, lot 468). LITERATURE: Hôtel Marcel Dassault, Paris, Auction Art Moderne, December 15, 2000, lot 12 (color illu.). Christie’s, London, Impressionist and Modern Art Day Sale, June 19, 2007 (color illu.). For Max Ernst, nature was an essential source of inspiration through which he was able to express his intuitions and surreal imaginations. With 'Promenade sou la neige' he puts us in a quasi-hallucinatory state: the sound of footsteps crunching the snow and the muted perception of the surrounding become palpable. In his 'Histoire naturelle' (1926), Max Ernst made the surreal elements of nature one of the most important themes in his oeuvre. Paintings such as 'la Nymphe Écho' (1936) at the MoMA, New York, 'La dernière forêt' (1960/70) at the Center Pompidou, Paris, or (La nature à l'aurore) (1936) at the Städel Museum in Frankfurt am Main, provide impressive proof thereof. Max Ernst uses his art to restore surprise, irritation and mystery to nature, contrary to its disenchantment through science and the consumer culture. Recently, the Kunstmuseum Bonn dedicated the exhibition 'Max Ernst und die Natur als Erfindung” (Max Ernst and Nature as Invention, October 13, 2022 - January 22, 2023) to this topic. The exhibition examined the artist's work as a draft of an alternative natural history in the context of the art of his time up to the present day. Hence “Promenade sous la neige” is a work that addresses an elementary theme in Max Ernst’s world of thought. It is particularly worthwhile mentioning that the canvas-covered cardboard onto which the small picture is mounted, was selected, designed and inscribed with a personal dedication for the first owner by Max Ernst. [EH] Called up: December 9, 2023 - ca. 19.12 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.

Karl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Mädchen vor Architektur. 1949. Öl auf Leinwand. Links unten monogrammiert (in Ligatur) und datiert. Auf dem Keilrahmen betitelt '2 Frauen vor Architektur'. 101 x 70,5 cm (39,7 x 27,7 in). Das Werk ist auf einer Fotografie des Berliner Kunstfotografen Ewald Gnilka dokumentiert, mit dem Karl Hofer etwa ab Mitte der 1940er Jahre zusammenarbeitete, Archiv-Nr. 25620. [CH]. • Eines der bedeutenden und gesuchten Paarbilder des Künstlers. • Mit der hellen, reduzierten Farbpalette, dem klaren Formenrepertoire und dem ungewöhnlichen, die Figuren einrahmenden architektonischen Hintergrund gelingt dem Künstler eine besonders moderne, zeitlose Darstellung. • Die für Hofers Œuvre charakteristischen, nur auf den ersten Blick verletzlich wirkenden, in sich gekehrten Frauenfiguren zeigt Hofer hier durch ihre Größe, körperliche Verfassung und selbstbewusste Ausstrahlung als starke Persönlichkeiten. • Moderne Weiterentwicklung der Motivik des früheren Gemäldes 'Zwei Freundinnen' in der Hamburger Kunsthalle (1923/24). • In diesen Nachkriegsjahren kann Hofer an seine Erfolge anknüpfen, bspw. sind seine Figurengemälde 1957 auf der legendären Ausstellung 'German Art of the 20th Century' im Museum of Modern Art, New York, ausgestellt. PROVENIENZ: Galerie A. M. Bänninger, Berlin/Zürich. Galerie K. Meissner, Zürich. Privatsammlung Schweiz. Galerie Salis & Vertes, Salzburg. Privatsammlung Süddeutschland (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Retrospektiv. Karl Hofer 1878-1955, Baukunst-Galerie, Köln, 27.1.-15.4.1967, Kat.-Nr. 60 (m. Abb.). Gedächtnisausstellung Karl Hofer 1878-1955, Kulturamt der Stadt Salzburg / Museum Carolino Augusteum, Museumspavillon im Mirabellgarten, Salzburg, 4.7.-31.8.1975, Kat.-Nr. 19 (m. Abb.). LITERATUR: Karl Bernhard Wohlert, Karl Hofer. Werkverzeichnis der Gemälde, Bd. 3, Köln 2007, S. 66, WVZ-Nr. 2207 (m. SW-Abb.). Doris Schmidt (Hrsg.), Briefe an Günther Franke. Porträt eines deutschen Kunsthändlers, Köln 1970, S. 122, Karl Hofer an Günther Franke, Brief vom 22.12.1951 (Fußnote 4). Christie's, London, German and Austrian Art, 11.10.1995, S. 210, Los 197 (m. Farbabb.). 'Seine Figuren drängen sich aneinander, wie um sich gegenseitig Schutz zu geben, mit furchtsamen, ahnungslosen oder introvertiert abwartendem Ausdruck.' Dr. Frank Schmidt, damaliger Direktor der Hamburger Kunsthalle, 2012, in: Ausst.-Kat. Karl Hofer. Von Lebensspuk und stiller Schönheit, Hamburger Kunsthalle, 2012, S. 90. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 19.16 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Mädchen vor Architektur. 1949. Oil on canvas. Lower left monogrammed (in ligature) and dated. Stretcher titled '2 Frauen vor Architektur'. 101 x 70.5 cm (39.7 x 27.7 in). The work is documented on a photo shot by the Berlin art photographer Ewald Gnilka, with whom Karl Hofer worked together as of the mid 1940s, archive number 25620. [CH]. • One of the artist's most important and sought-after couple paintings. • With the bright, reduced color palette, the clear repertoire of forms and the unusual architectural background framing the figures, the artist achieves a particularly modern, timeless quality. • The introverted female figures, characteristic of Hofer's oeuvre, only appear vulnerable at first glance, here he shows them as strong personalities thanks to their size, physical condition and self-confidence. • A modern development of the motif in the earlier painting 'Two Girlfriends' in the Hamburger Kunsthalle (1923/24). • In these post-war years, Hofer was able to build on his success; hi paintings were part of the legendary exhibition 'German Art of the 20th Century' at the Museum of Modern Art, New York in 1957. PROVENANCE: Galerie A. M. Bänninger, Berlin/Zürich. Galerie K. Meissner, Zürich. Private collection Switzerland. Galerie Salis & Vertes, Salzburg. Private collection Southern Germany (from the above). EXHIBITION: Retrospektiv. Karl Hofer 1878-1955, Baukunst-Galerie, Cologne, January 27 - April 15, 1967, cat. no. 60 (fig.). Commemorative Exhibition Karl Hofer 1878-1955, Kulturamt der Stadt Salzburg / Museum Carolino Augusteum, Museumspavillon im Mirabellgarten, Salzburg, July 4 - August 31, 1975, cat. no. 19 (fig.). LITERATURE: Karl Bernhard Wohlert, Karl Hofer. Catalogue raisonné of paintings, vol. 3, Cologne 2007, p. 66, no. 2207 (black-and-white illu.). Doris Schmidt (ed.), Briefe an Günther Franke. Porträt eines deutschen Kunsthändlers, Köln 1970, p. 122, Karl Hofer an Günther Franke, letter from December 22, 1951 (foot note 4). Christie's, London, German and Austrian Art, October 11, 1995, p. 210, lot 197 (color illu.). 'His figures huddle together as if to give each other protection, with fearful, unsuspecting or introverted, waiting expressions.' Dr. Frank Schmidt, then director of the Hamburger Kunsthalle, 2012, in: ex. cat. Karl Hofer. Von Lebensspuk und stiller Schönheit, Hamburger Kunsthalle, 2012, p. 90. Called up: December 9, 2023 - ca. 19.16 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Max Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Réveille du jour (L'eclipse). 1962. Mischtechnik. Öl und Gouache auf Papier. Rechts oben signiert. Auf Papier auf Harfaserplatte aufgezogen. 21 x 16,5 cm (8,2 x 6,4 in), Blattgroß. • Eindrucksvolles Zeugnis von Ernsts anhaltender technischer Experimentierfreude. • Der Übergang von Nacht zum Tag ist die Zeit des Traumes. • Max Ernst erzeugt das Magisch-Irreale durch seine besonderen Finessen der Maltechnik. • Gemälde des Künstlers befinden sich in zahlreichen bedeutenden internationalen Museen, u. a. dem Museum of Modern Art, New York, dem Centre Pompidou, Paris, und der Tate Collection, London. PROVENIENZ: Galerie Lucie Weill, Paris. Timothy Baum, New York. Privatsammlung Europa. Privatsammlung Norddeutschland Privatsammlung Schweiz (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Two Surrealist Wise Men as Seen at Christmastime. Max Ernst and Joan Miró, prints and drawings, Dez. 1968, Kovler Gallery, Chicago, Nr. 9. LITERATUR: Werner Spiess/Sigrid und Günter Metken, Max Ernst Œuvre-Katalog: Werke 1954-1963, Houston/Köln 1998, WVZ-Nr. 3617, S. 295 (m. Abb.). Sotheby's Parke Bernet, New York, 23.10.1974, Los 165. Christie's East, New York, 11.5.1989, Los 172. Die Suche und Entwicklung neuer Techniken ist dem Œuvre von Max Ernst immanent. Er spielt mit Übermalungen, Collagen, Frottagen, Grattagen. Auch das Abklatschverfahren verhilft ihm zur Verfremdung des Alltäglichen und der irritierenden Inszenierung des Unerklärlichen. Hier perlen die dunklen Pinselstriche vor einem hell aufsteigenden Grund ab. Max Ernst imaginiert die Stimmung des aufgehenden Tages, wenn der Vorhang der Nach gelüftet wird. Es ist die Zeit der Träume und des Ausdrucks des Unterbewussten. [EH] Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 19.19 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONMax Ernst 1891 Brühl - 1976 Paris Réveille du jour (L'eclipse). 1962. Mixed media. Oil and gouache on paper. Signed in upper right. On paper, laid on fiberboard. 21 x 16.5 cm (8.2 x 6.4 in), the full sheet. • Impressive testimony to Ernst's continued enthusiasm for technical experimentation. • The transition from night to day is the time of dreams. • Max Ernst creates a magical and unreal aura with his refined technique. • Paintings by the artist are in numerous important international museums like the Museum of Modern Art, New York, the Center Pompidou, Paris, and the Tate Collection, London. PROVENANCE: Galerie Lucie Weill, Paris. Timothy Baum, New York. Private collection Europa. Private collection Northern Germany. Private collection Switzerland (acquired from the above). EXHIBITION: Two Surrealist Wise Men as Seen at Christmastime. Max Ernst and Joan Miró, prints and drawings, Dec. 1968, Kovler Gallery, Chicago, no. 9. LITERATURE: Werner Spiess/Sigrid and Günter Metken, Max Ernst Œuvre Catalog: Werke 1954-1963, Houston/Cologne 1998, no. 3617, p. 295 (fig.). Sotheby's Parke Bernet, New York, October 23, 1974, lot 165. Christie's East, New York, May 11, 1989, lot 172. The search and development of new techniques is inherent in Max Ernst's oeuvre. He used over-painting, collage, frottage, grattage. In this sense, the Décalcomanie technique also helped him to alienate the mundane and to stage the inexplicable in a vexing manner. The dark brushstrokes roll off against a light background. Max Ernst imagines the atmosphere of the beginning of a day when the curtain of night is lifted. It is the time of dreams and expression of the subconscious. [EH] Called up: December 9, 2023 - ca. 19.19 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.

Hermann Stenner 1891 Bielefeld - 1914 Ilow (Polen) Tulpen in grüner Vase. 1912. Öl auf Leinwand. Unten rechts monogrammiert. 39,5 x 36 cm (15,5 x 14,1 in). [KT]. • In der kraftvollen und konzentrierten Farbigkeit zeigt sich die intensive Auseinandersetzung mit Farb- und Formtheorien des jungen Künstlers. • Aus dem bedeutenden Aufbruchsjahr 1912: Stenner reist nach Paris, zur Sonderbundausstellung nach Köln und erhält ein Meisteratelier. • Besonders in den Blumenstillleben gelangt Stenner zu eindrucksvoller, vielversprechender Modernität. PROVENIENZ: Hofkunsthandlung Schaller, Stuttgart (1918, wohl Kommission). Künstlernachlass. Hermann Stenner, Bielefeld/New York. Familie Baumhöfener, München/Bielefeld (vom Vorgenannten erworben). Sammlung Hermann-Josef Bunte, Hamburg/Bielefeld. AUSSTELLUNG: Hofkunsthandlung Schaller, Stuttgart 1918, Nr. 3978. Hermann Stenner 1891-1914, Städtisches Kunsthaus, Bielefeld, 9.9.-14.10.1956, Kat.-Nr. 70. Zwischentöne. Sonderentwicklungen des Expressionismus in der Sammlung Hermann-Josef Bunte, Galerie der Stadt Aschaffenburg, Jesuitenkirche, 29.6.-26.8.2001. Stillleben südwestdeutscher Künstler 1900-1950, Kunststiftung Hohenkarpfen, 21.7.-10.11.2002, Kat.-Nr. 12 (m. Abb. S. 82, Nr. 66). Hermann Stenner und der Hölzel-Kreis. Malerei und Graphik aus der Sammlung Bunte, Kunststiftung Hohenkarpfen, 13.4.-17.8.2003, S. 82, Kat.-Nr. 12 (m. Abb.). Hermann Stenner. Gemälde. Retrospektive 1909-1914, Kunsthalle Bielefeld, 1.6.-31.8.2003; Galerie Stadt Aschaffenburg, Jesuitenkirche, 27.9.-16.11.2003. In den stärksten Farben höchst unakademisch und ganz modern. Adolf Hölzel, Hermann Stenner und der Hölzel-Kreis,Edwin Scharff Museum, Neu-Ulm, 3.12.2005-26.2.2006. Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunst-Museum Ahlen, 25.2.-28.5.2007. Hermann Stenner – Bilder und Briefe. Ein Künstlerleben im Aufbruch zur Moderne vor dem ersten Weltkrieg, Schloss Achberg, Landkreis Ravensburg, 21.4.-14.10.2007. Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Lyonel Feininger Galerie, Quedlinburg, 1.12.2007-2.3.2008; Städtische Galerie Böblingen, 16.3.-29.6.2008. Adolf Hölzel und sein Kreis. Positionen der Klassischen Moderne aus der Sammlung Bunte, Museum Moderner Kunst – Stiftung Wörlen, Passau, 9.8.-28.9.2008. Hermann Stenner (in der Sammlung Bunte), Egon Schiele Art Centrum Krumau, 31.10.2008-1.2.2009. Sammlung Bunte. Positionen der Klassischen Moderne, Kunsthalle Jesuitenkirche Aschaffenburg, 29.5.-6.9.2009; Ernst Barlach Stiftung Güstrow, 27.9.2009-17.1.2010. Das Glück in der Kunst. Expressionismus und Abstraktion um 1914. Sammlung Bunte, Kunsthalle Bielefeld, 21.3.-3.8.2014, S. 169 (m. Abb.). „Verglühte Träume“ Junge deutsche Künstler, die ihr Leben im Ersten Weltkrieg ließen, Edwin Scharff Museum Neu-Ulm, 609.2014-6.1.2015; Museumsberg Flensburg, 25.1.-19.4.2015. Hermann Stenner (1891-1914) – Retrospektive, MMK Passau, 23.4.-3.7.2016. Im Laboratorium der Moderne. Adolf Hölzel und sein Kreis, Städtische Museen Freiburg, Augustinermuseum, 25.11.2017-18.3.2018. Hermann Stenner und seine Zeit, Kunstforum Hermann Stenner, Bielefeld, 20.1.-18.8.2019, S. 164 (m. Abb.), S. 221. Hermann Stenner. Erst ordentlich zeichnen lernen, Kunstforum Hermann Stenner, Bielefeld, 20.9.2019-2.2.2020. Die Sammlung Bunte. Expressionistische Meisterwerke des 20. Jahrhunderts, Gut Altenkamp, Aschendorf, 12.7.-25.10.2020. Stenner, Hölzel, Landenberger in der Sammlung Bunte, Haus Opherdicke, Kreis Unna, 5.9.2021-27.2.2022. Hermann Stenner. Der innere Klang. Werke aus der Sammlung Bunte, Richard Haizmann Museum Niebüll, 28.10.2022-22.1.2023. Hermann Stenner: Hymnen an das Leben. Werke aus der Sammlung Bunte, Städtisches Museum Engen + Galerie, 28.2.-2.7.2023; Kunsthaus Apolda Avantgarde, 9.7.-3.9.2023, S. 78, Kat.-Nr. 45 (m. Abb.). LITERATUR: Jutta Hülsewig-Johnen/Christiane Reipschläger, Hermann Stenner. Werkverzeichnis der Gemälde, hrsg. vom Freundeskreis Hermann Stenner e. V., Bielefeld 2003, S. 115, WVZ-Nr. 88 (m. Abb.). Hans Georg Gmelin, Hermann Stenner 1891-1914, München 1975, WVZ-Nr. G 87. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 16.19 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHermann Stenner 1891 Bielefeld - 1914 Ilow (Polen) Tulpen in grüner Vase. 1912. Oil on canvas. 39.5 x 36 cm (15.5 x 14.1 in). Called up: December 9, 2023 - ca. 16.19 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Hermann Stenner 1891 Bielefeld - 1914 Ilow (Polen) Auferstehung. 1914. Öl auf Leinwand. 167 x 143 cm (65,7 x 56,2 in). Verso das Gemälde 'Badende Frauen' (Hülsewig-Johnen/Reipschläger 91). Das Gemälde entstand kurz vor Stenners Meerseburg-Aufenthalt noch in Stuttgart im Mai 1914. In einem Brief vom 1.5.1914 schreibt Stenner: '[..] ich war so in mein großes Bild vertieft, daß ich keine Zeit zum Schreiben fand. Ob es prämiert wird, ist zweifelhaft, denn erstens ist die Beteiligung (aller Länder am Rhein) so riesengroß, und zweitens mein Bild so modern, daß kaum Chancen vorhanden sein dürften [..] Eben waren Baumeister und Schlemmer bei mir. Beide waren mit meinem Bild einverstanden. Sie behaupten es sei das Beste, was ich bisher gemacht habe [..] Hölzel ist auch sehr befriedigt'. Und in einem Brief vom 12.5.1914 heißt es: 'Mein neues großes Bild kommt nun doch bestimmt in die Ausstellung. Hölzel hat mich heute dahin erklärt.' [JS]. • Das Werk „Auferstehung“ gilt als das Hauptwerk Hermann Stenners • Das Gemälde wird getragen von dem ungemein expressiven Kolorit und der dynamischen Kompositionsweise • Der Künstler Hermann Stenner markiert mit seiner Version des Themas der 'Auferstehung' einen Höhepunkt in seinem Werk, aber auch für den Expressionismus im Allgemeinen. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Erich Stenner, Bielefeld. Sammlung Oetker 1956 - 1998 (Dauerleihgabe an die Kunsthalle Bielefeld). Sammlung Hermann-Josef Bunte, Hamburg/Bielefeld. AUSSTELLUNG: Kunstausstellung Stuttgart, Verband der Kunstfreunde in den Ländern am Rhein, Königliches Kunstgebäude Stuttgart, Mai-Oktober 1914. Wilhelm Morgner – Hermann Stenner, Städtisches Kunsthaus, Bielefeld, 2.-30.5.1954, Kat.-Nr. 44. Hermann Stenner 1891-1914, Städtisches Kunsthaus, Bielefeld, 9.9.-14.10.1956, Kat.-Nr. 244 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Hermann Stenner 1891-1914, Spendhaus Reutlingen, 5.5.-16.6.1974, Kat.-Nr. 34 (m. Abb. 7). Der Hölzelkreis bis 1914, Kunsthalle Bielefeld, 30.6.-4.8.1974, Kat.-Nr. 154 (m. Abb. S. 83). Zwischen 'Brücke' und 'Blauer Reiter'. Rheinisch-Westfälischer Expressionismus, Kulturhistorisches Museum Waldhof, Bielefelder Kunstverein e. V., 9.12.1984-13.1.1985, Kat.-Nr. 21. Kunsthalle Bielefeld, Dauerleihgabe (ca. 1960 - nach 1985) The Fallen. An Exhibition of Nine Artists who lost their lives in World War One, Museum of Modern Art, Oxford, 5.11.1988-15.1.1989, S. 67. Hermann Stenner 1891-1914, Kunsthalle Bielefeld, 2.6.-25.8.1991; Städtische Galerie, Albstadt, 8.9.-27.10.1991; Galerie der Stadt Sindelfingen, 8.11.-29.12.1991, Kat.-Nr. 40 (m. Abb. S. 97). Expresionismo alemán, Centro Atlantico de Arte Moderno, Las Palmas de Gran Canaria, 14.11.1995-25.2.1996, Abb. S. 192 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Die Sammlung Hermann-Josef Bunte. Deutsche Malerei des XX. Jahrhunderts, Hamburger Kunsthalle und Galerie der Haspa, 1.12.1999-5.3.2000; Kunsthalle Wilhelmshaven, 12.3.-24.4.2000; Kunst-Museum Ahlen, 21.5.-16.7.2000; Museum Baden, Solingen, 20.8.-17.9.2000. Zwischentöne. Sammlung Hermann-Josef Bunte, Edwin-Scharff-Museum, Neu-Ulm, 16.11.2000-21.1.2001. Künstler der Hamburgischen Sezession aus der Sammlung Hermann-Josef Bunte, Staatliche Galerie Moritzburg, Halle, 28.1.-11.3.2001. Malerei der Hamburgischen Sezession (1919-1933) aus der Sammlung Hermann-Josef Bunte, Haus am Waldsee, Berlin, 24.4.-17.6.2001. Zwischentöne. Sonderentwicklungen des Expressionismus in der Sammlung Hermann Josef Bunte, Galerie der Stadt Aschaffenburg, Jesuitenkirche, 29.6.-26.8.2001, S. 28ff. (m. Abb. S. 29). Verlorene Nähe. Bilder vom Menschen in der Malerei des 20. Jahrhunderts. Sammlung Bunte, Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottdorf, Schleswig, 1.12.2001-20.1.2002; Städtische Galerie in der Reithalle, Schloss Neuhaus, Paderborn, 1.2.-13.3.2002; Kunsthaus Kaufbeuren, 22.3.-15.6.2002, Kat.-Nr. 117 (m. Abb. S. 31). Hermann Stenner. Gemälde. Retrospektive 1909-1914, Kunsthalle Bielefeld, 1.6.-31.8.2003; Galerie der Stadt Aschaffenburg, Jesuitenkirche, 27.9.-16.11.2003 Sammlung Bunte, Positionen der Klassischen Moderne, Kunst-Museum Ahlen, 25.02.-28.05.2007 (m. Ganzs. Farbabb. S. 265); Lyonel Feininger Galerie, Quedlinburg, 01.12.07-02.03.2008; Museum Moderne Kunst, Passau 09.08.-29.09.2008; Egon Schiele Art Centrum, Krumau 31.10.08.-01.02.2009; Ernst Barlach Stiftung Güstrow 27.09.09-17.01.2010; Kunsthaus Apolda Avantgarde 24.01.-05.04.2010; El Greco und die Moderne, Museum Kunstpalast, Düsseldorf, 28.04.-12.08.2012 (m.Ganzs. Abb. S. 309) Hermann Stenner, Hymnen an das Leben, Werke aus der Sammlung Bunte,Städtisches Museum Engen + Galerie, 28.02.-02.07.2023, Kat. Nr. 81 (m.Ganzs. Abb. S.124) ; Kunsthaus Apolda Avantgarde, 09.07.-03.09.2023. LITERATUR: Jutta Hülsewig-Johnen/Christiane Reipschläger, Hermann Stenner. Werkverzeichnis der Gemälde, hrsg. vom Freundeskreis Hermann Stenner e. V., Bielefeld 2003, WVZ-Nr. 171 (m. Abb. S. 239). Hans Georg Gmelin, Hermann Stenner 1891-1941, München 1975, S. 59, WVZ-Nr. G 169 (m. Abb. 14). Hermann Stenner 1891-1914, Ausst.-Kat. Städtisches Kunsthaus, Bielefeld, hrsg. von Hans Hildebrandt, Bielefeld 1956, Abb. S. 27. Gustav Vriesen, Der Maler Hermann Stenner, in: Westfalen, Bd. 35, 1957, Heft 3, S. 166. Hans Georg Gmelin (Hrsg.), Der Hölzelkreis bis 1914, Ausst.-Kat. Kunsthalle Bielefeld, Senne 1974, Abb. S. 83. Erich Stenner, Über das Werk meines Bruders Hermann Stenner (1910-1914), Halle/Westfalen 1981, S. 7 (m. Abb. S. 8). Ulrich Weisner (Hrsg.), Kunsthalle der Stadt Bielefeld, Katalog der Gemälde und Skulpturen des 20. Jahrhunderts, bearb. v. Donata von Puttkamer, Bielefeld 1985, Kat.-Nr. 313, S. 199f. (m. Abb.). Tim Cross (Hrsg.), The Fallen. An Exhibition of Nine Artists who lost their lives in World War One, Ausst.-Kat. Museum of Modern Art Oxford, Oxford 1988, S. 67 (Titelabb.). Hermann Stenner 1891-1914. Gemälde und Arbeiten auf Papier, Ausst.-Kat. Kunsthalle Bielefeld u. a., hrsg. von Hans-Michael Herzog, Bielefeld 1991, S. 22 u. S. 51. Aufrufzeit: 09.12.2023 - ca. 16.47 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

A modern art glass panel with overlaid and cased image of a man looking through a telescope, mounted on teak base, unsigned, (H x 25 cm x L 19 cm)

*ALAN DAVIE (1920-2014) 'Les Grands Musicians Initiatiges No.1, 2006' signed, titled and dated verso, oil on canvas, 91.4cm x 76.2cmProvenance: With Gimpel Fils, 30 Davies Street, Mayfair, London W1K.Alan DavieIn the 1950's Alan Davie was recognised internationally as a new radical force in modern painting and was hailed by art critic Alan Bowness as, alongside Francis Bacon, one of the most influential artist of his time. He was an artist who created his own unique style, thoroughly spontaneous, and on drawing from a number of different interests, including his own experiences of primitive art, Abstract Expressionism, Surrealism and Zen Buddhism. However, despite his diverse influences, a Davie painting could never be mistaken for anyone else's work.Alan Davie first trained as a painter at Edinburgh College of Art where he also took up jazz music, and earned money as a musician, poet and jeweller. After his marriage in 1947 to fellow art student Janet Gaul, he travelled widely in Europe and for the first time was exposed to Italian masterpieces such as Cimabue and Giotto in Florence, before meeting Peggy Guggenheim in Venice who introduced him to Pollock's early work. Her recognition and later patronage of his work propelled him onto the international arena. When Davie returned to England he was taken on by the London gallery Gimpel Fils, where he had his first solo exhibition and from then on had the support of both the gallery and the Gimpel family. Initially however, it was in America where he experienced the greatest success; at his first New York exhibition, every painting sold mostly to major institutions and in 1956, when he first visited New York, the city's major artists of the day turned out to meet him, including Pollock and Rothko. In 1957 he showed work at the Museum of Modern Art in Paris and at the Guggenheim in New York. In 1958 he was part of the Critic's Choice Exhibition selected by David Sylvester and in the same year he represented Britain at the Venice Biennale.Alan Davie's work has been widely exhibited and is included in numerous international public and private collections, including the Tate Britain, the Arts Council of Great Britain, the Victoria & Albert Museum, the Foundation Maeght and the Museum of Modern Art, New York. His exuberant and expressive paintings posses a unique force that can be associated with the New York School and also the St Ives School, yet he also stood alone from these groups. He borrowed freely from all cultures and it is the combination of these experiences, together with his freedom of expression that gives Davie his unique style.

Widdop Bingham & Co Art deco style lamp and shade together with a modern twin stemmed metal and glass droplet lamp (2)

Andy Warhol (American 1928-1987), 'Cow', 1989, screenprint in colours on wallpaper, created for the 'Andy Warhol 1989 Retrospective' at The Museum of Modern Art, New York; sheet: 115.6 x 74.9 cm (mounted)sheet: 115.6 x 74.9 cm (mounted)In overall good condition No visible knocks or tears to the sheet Some creasing and wear around the edges of the sheet, predominently to the upper right hand edge and down the left hand edge of the sheet There are some scratches visible to the blue background of the sheet Minor markings down the white edges of the sheet, visible upon close inspection This work has been attached to a white mountThis work has been stored flat and has not been framed.

RAIDERS OF THE LOST ARK, INDIANA JONES AND THE TEMPLE OF DOOMInserts (2) (14" x 36"); From the Collection of Steven BengeVery Fine Rolled; Artist Richard Amsel (Raiders of the Lost Ark) & Bruce Wolfe (Indiana Jones and the Temple of Doom) Paramount, 1981 & 1984Not surprisingly, paper from these films, especially the original trilogy, are eagerly sought by fans and collectors alike. Here are two original release inserts: iconic key art by Richard Amsel on the Raiders piece and by Bruce Wolfe on its full-bleed Temple of Doom companion.Both inserts only have mild staining and foxing in the lower area but are otherwise in terrific condition.No more true words were spoken than, "If adventure has a name, it must be Indiana Jones." Through five films, eager audiences have followed the adventurers of Henry Jones, Jr., the world's most famous archaeologist, as he has gone in search of some of history's most fabled relics, including the Ark of the Covenant, the legendary Sankara Stone, and the Holy Grail itself, battling Nazi's, thugee cultists, and rival treasure-seekers along the way. One of the most successful franchises in modern cinematic history, Indiana Jones has become a byword for adventure and excitement. This lot will be auctioned on Friday, December 8th. The auction will begin at 9:30am PST and lots are sold sequentially via live auctioneer; tune in to the live streaming broadcast on auction day to follow the pace. Note other lots in the auction may close on December 7th.

DICK TRACYPromotional Proofs ((10) 10" X 15"- 15" X 19" CMYK Proofs, (2) 19" X 24" CMYK Proofs, (4) 20" X 26.5" Mounted Annotated Printers Proofs, (1) 20" X 30" Mounted Annotated Printers Proof.)Near Mint Buena Vista Pictures, 1990Offered here are 12 ad proofs and five poster proofs featuring Dick Tracy (Warren Beatty), The Brow (Chuck Hicks), Flattop (William Forsythe), and "Big Boy" Caprice (Al Pacino), an impressive archive of Dick Tracy poster art for the discerning collector.Included in this great lot of graphics material produced for Warren Beatty's comic book adaptation among other things are (5) one sheet mock-ups with color notations and pasted taglines which would produce the final poster output, color proofs for many publications, and other items used to generate the publicity campaign.In 1990, the movie Dick Tracy was released, with Warren Beatty starring, producing and directing the film. The character of Dick Tracy was created by cartoonist Chester Gould, and the film stayed true to the source material, bringing to life the array of peculiar villains that Tracy had faced in the comics. Although plans to turn the film into a franchise never materialized, it remains one of the most unique movies ever to come to the screen, and a somewhat underappreciated gem of the comic book genre that has since become a staple of modern cinema.This lot will be auctioned on Thursday, December 7th. The auction will begin at 9:30am PST and lots are sold sequentially via live auctioneer; tune in to the live streaming broadcast on auction day to follow the pace. Note other lots in the auction may close on December 8th.