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Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "Crown of Flowers [Helga]". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1974. Printed 1987. Dimensions: Overall size: 11 3/8 x 14 5/16 in. (289 x 364 mm). Image size: 9 5/8 x 11 7/8 in. (244 x 302 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower left; signed in the plate, lower center. Edition unknown. Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Very good to fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [28305-3-300]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "May Day". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1960. Printed 1963. Dimensions: Overall size: 11 3/16 x 14 3/4 in. (284 x 375 mm). Image size: 9 11/16 x 13 7/16 in. (246 x 341 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right. A proof from the edition of unknown size (c300?). Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. Image copyright © The Estate of Andrew Wyeth. [27969-3-225]

Artist: Joel-Peter Witkin (America, b.1939). Title: "Mexican Pin-up". Medium: Original photogravure. Date: Composed 1975. Printed 1985. Dimensions: Overall size: 10 5/8 x 10 15/16 in. (270 x 278 mm).Lot Note(s): Stamped with the photographer's name, verso. Edition unknown, presumed small. High-grade archival paper. Printed to the edge of the sheet. Fine, quality printing. Very good to fine condition; affixed to very thin and supple archival acid-free support sheet, not mount/board. Comment(s): Rare. “Gordon’s” locates only one sale of this image, a silver print which realized $6,953 (£3,840) at Christie's, South Kensington, 6/29/2006, lot #155. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs frequently depict macabre, often grotesque scenes, with images including torture, cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. Image copyright © Joel-Peter Witkin Rare. “Gordon’s” locates only one sale of this image, a silver print which realized $6,953 (£3,840) at Christie's, South Kensington, 6/29/2006, lot #155. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs depict macabre, often grotesque scenes, with images including torture, cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. Image copyright © Joel-Peter Witkin. [29677-2-400]

Artist: Sam Francis (American, 1923-1994). Title: "Pink Venus Kiki". Medium: Color lithograph. Date: Composed 1963. Dimensions: Overall size: 16 1/8 x 11 3/8 in. (410 x 289 mm). Image size: 15 3/8 x 10 5/8 in. (391 x 270 mm).Lot Note(s): Edition of 2,000. White wove paper. The full sheet. Fine impression with fresh colors. Fine condition. Comment(s): For Walasse Ting's "1¢ Life." Prints from the One Cent Life portfolio are in most major and public collections worldwide including MOMA (New York), Tate Modern (London), Museum of Contemporary Art (Montreal) and the Andy Warhol Museum (Pittsburg). Text and/or image may be on verso. Image copyright © Estate of Sam Francis / Artists Rights Society (ARS), New York. [26820-4-225]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "Spring Sun". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1958. Printed 1963. Dimensions: Overall size: 11 1/4 x 15 1/2 in. (286 x 394 mm). Image size: 8 9/16 x 13 3/16 in. (217 x 335 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, lower left. A proof from the edition of unknown size (c300?). Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. Image copyright © The Estate of Andrew Wyeth. [27972-3-150]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "White Dress [Helga]". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1980. Printed 1987. Dimensions: Overall size: 11 1/8 x 15 3/4 in. (283 x 400 mm). Image size: 8 1/4 x 13 3/16 in. (210 x 335 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, lower right. Edition unknown. Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Very good to fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [28309-3-225]

* HERBERT WHONE (BRITISH 1925 - 2011), GLASGOW TRAM (The Johnny Beattie picture) oil on canvas, signed and dated '62 image size 57cm x 40.5cm, overall size 66cm x 50.5cm Framed. Provenance: The Estate of the late Johnny Beattie MBE (9th November 1926 - 9th July 2020). Note: Herbert Whone was born in Bingley, West Yorkshire, where his parents were both employed in the cloth mills. He was encouraged by his mother to ''improve'' himself culturally, and from an early age took photographs and practised the violin. After education at the Royal Manchester College of Music (now the Royal Northern College of Music) and Manchester University, he secured positions in the Royal Opera House Orchestra and the BBC Symphony Orchestra, before moving to Glasgow in 1955, where he took up the position of deputy leader of the Scottish National Orchestra. He was inspired by Glasgow's changing fortunes and painted a series of notable canvases featuring the beauty of a city and surrounding areas in transition. His paintings of trams and shipbuilding on and around the Clyde, to pick two of his fondest subjects, were presented with warmth and beauty, almost impressionistic in their depiction of glowing sunsets and use of rich colour. Herbert Whone (often incorrectly catalogued as Herbert Bannister Whone, his father's name) continued to paint long after his departure from Glasgow in 1964 and made several trips back to Scotland to paint. but It's the relatively small body of work produced in and around the city that stand testament to his exceptional talent. Whone's paintings, while highly collected and critically acclaimed, are still to attain the full recognition and commercial value they deserve and will surely eventually achieve. Known collectors of Herbert Whone's paintings included Joan Eardley, Margot Sandeman, Cyril Gerber, Johnny Beattie and Magnus Magnusson. Growing collector interest in Herbert Whone has seen his auction record price being beaten on an almost annual basis in recent years and his current "high" is £11,000 (hammer). This is even more impressive as auction appearances of his Glasgow paintings are becoming ever rarer. Public collections include: Glasgow Museums & Galleries, The Scottish National Gallery of Modern Art, The Hepworth, Kirklees Museums & Galleries, Salford Museums & Galleries and The Mercer Gallery (Harrogate). A copy of "Hertbert Whone, Glasgow - In Transition" (a 112 page illustrated hardback book) accompanies this lot. Johnny Beattie and his wife are shown in the book, holding their painting in a newspaper clip. Johnny Beattie MBE enjoyed a career spanning more than 60 years and appeared on shows including Scotch & Wry, Rab C. Nesbitt before later starring in the BBC Scotland soap opera River City. He was one of the pillars of Scottish entertainment. Beattie, along with fellow Glaswegians Rikki Fulton, Jack Milroy, Jimmy Logan and Stanley Baxter were the blueprint of post war Scottish comedy. What set them apart was their ability to turn their hand to almost anything. In his incredible 63-year career Johnny was a stand-up, film and TV actor, presenter, panto dame, TV soap star and even rapper. In The Scottish Contemporary Art Auction of 24th January 2021, lot 23 "Factories in the Snow" by Herbert Whone sold for £8000 (hammer).

* KEN CURRIE (SCOTTISH b 1960), THE BOILER ROOM charcoal, titled and dated 1992 label verso image size 168cm x 99cm, overall size 184cm x 114cm Framed and under glass. Labels verso: Galleri Christian Dam, Copenhagen; Raab Boukamel Galleries, 9 Cork Street, London. Note: Ken Currie is a Scottish artist and is one of the most prominent New Glasgow Boys along with his contemporaries including Peter Howson, Adrian Wiszniewski and Steven Campbell. Thirty-nine of Ken Currie's works are included in UK Public Collections including The Tate (London), The National Galleries of Scotland, Glasgow Museums & Galleries, The People's Palace and Winter Gardens (Glasgow), Manchester Art Gallery, Middlesbrough Institute of Modern Art (MIMA), The Fleming Collection, The Scottish National Gallery of Modern Art, The Scottish National Portrait Gallery, Edinburgh University, Glasgow Caledonian University, The National Trust (Scotland) and Aberdeen University. In 2013 Currie was awarded a rare solo show at the Scottish National Portrait Gallery.

* PHILIP GURREY (BRITISH b. 1984), MENIPPUS oil on canvas, signed, titled and dated 2007 verso overall size 180cm x 95cm Unframed. Note: British artist Philip Gurrey studied at Glasgow School of Art leaving with an BA and a MA to his name. Most of the time Gurrey explores history and politics in his art practice. He investigates through painting, initially, paying homage to specific historical movements and occurrences. Gurrey is influenced, importantly, by the contrast of the world we live in today. He bases his early work on the painted language of the Dutch golden age, in addition, he borrows directly from Rubens and Anthony van Dyck. Ultimately, Gurrey aims to sculpt a new vision of an age which saw power shifts, specifically, away from the King and religion, but towards trade and money. Historically considered by many as the birth of the modern society. Gurrey has many collectors across the world including the Mercer Art Gallery Collection and Fondation France.

* SHEILA MACMILLAN DA PAI (SCOTTISH 1928 - 2018), MEDITERRANEAN HARBOUR oil on board, signed and dated '99 image size 48cm x 57cm, overall size 68cm x 78cm Framed and under glass. Note: Sheila Macnab Macmillan was born in Glasgow in 1928. She attained a degree in Geography at Glasgow University and went on to train as a teacher. However, she had always painted and her talent was strongly encouraged by her uncle the distinguished Iain Macnab RE ROI (1890 - 1967) who persuaded Sheila to come to London and train under him. Iain Macnab had been Principal at Heatherley's Art School (1925 - 1940) and then went on to be founding Principal of the hugely influential Grosvenor School of Modern Art. Sheila's London influences and Glasgow School foundations evolved into a distinctive and individual style. She usually worked "en plein air" and her work is semi abstract. She focused mainly on landscape where her training as a geographer, allowed her to use her understanding of land formation, the delicate balance of the seasons and the interaction between Man and the environment. Her uncle's concept of "rhythm" is evident in Sheila's work and remained a constant throughout her career. She painted in Scotland, Spain. France and Italy and exhibited widely especially in Glasgow, Edinburgh, London and Newcastle. Her work appeared frequently at the Royal Scottish Academy, Royal Glasgow Institute, Paisley Art Institute annual exhibitions and at the Royal Academy Summer Exhibition (London). She won numerous awards and prizes over a long and distinguished career.

* SHERREE VALENTINE DAINES, SHARED MEMORIES II limited edition print on canvas board, signed and numbered 21/195 image size 42cm x 33cm, overall size 70cm x 61cm Framed. DeMontfort certificate of authenticity verso. Note: Sherree Valentine Daines has been at the forefront of British art for over 35 years – a truly remarkable achievement. Over this time she has been variously described as ‘the face of modern British impressionism, ‘artist to the stars’, (Daily Express) and ‘the finest figurative artist we have here in the UK” (Art of England). Her exquisite paintings have been exhibited at such prestigious venues as the Tate Gallery, the Barbican and the Lord’s Museum and is held in many corporate and private collections all over the world. Sherree is both the critic’s choice and the people’s choice, winning many high profile awards, and she has been officially voted the UK’s leading Modern Impressionist. A familiar face on our televisions she has appeared in programmes as varied as ‘To the Manor Bowen’ and ‘This Morning’; recently she was seen painting a £75,000 commission of a society bride in Channel 4’s documentary, ‘How the Rich Get Hitched’, and the reaction of the bride put all the other extraordinary elements of her wedding in the shade! Daines is unsurprisingly one of the UK's most successful print artists and her signed limited editions are highly sought after at galleries and at auction. Her superb illustrated hardback book "Your Days, My Days" is now in its second edition. Sherree’s unquestionable virtuosity has made her a favourite with many celebrity collectors including members of the British Royal Family and former Prime Minister Sir John Major. Many famous names in the world of show-business have sat for her including Joanna Lumley, John Sessions, Lord Sebastian Coe and Sir Michael Parkinson. She was also commissioned to paint portraits of Jonny Wilkinson and Martin Johnson for a pair of commemorative Limited Editions (signed by both artist and player). In 2017 she was honoured to paint a commemorative 100th birthday portrait of Dame Vera Lynn, and her most recent sitters have been celebrated British explorer, Sir Ranulph Fiennes and much-loved chef and broadcaster Rick Stein.

* NEIL DALLAS BROWN (SCOTTISH 1938 - 2003), SILENT STRAND (ABANDONED HARBOUR), 1996 oil, sand and acrylic gel on canvases, signed verso, titled label verso overall size 205cm x 66cm Unframed, as intended. Handwritten artist's label verso. Artist's label verso. Note: Neil Dallas Brown was born in Elgin, Moray and studied at Dundee College of Art, Patrick Allan Fraser School of Art in Arbroath and the Royal Academy Schools. He won a travelling scholarship to the continent and a number of notable awards and prizes. In 1967 he visited New York with a Scottish Arts Council bursary; in 1970 took part in the Arts Council of Northern Ireland Open winning a major prize; and in 1981 won a bursary to the Scottish Arts Council studio in Amsterdam. From 1968-78 he was visiting lecturer at Dundee's Duncan of Jordanstone College of Art, then joined Glasgow School of Art where he taught for some 20 years. He lived in Fife until his death in 2003. Dallas Brown participated in dozens of group shows but also had a series of prestigious solo shows, notably at Compass Gallery in Glasgow, a series in the late 1960s at Piccadilly Gallery in London, a touring retrospective in 1975 from Stirling University, Perth Art Gallery 1987, Thackeray Gallery London in 1989 and Glasgow School of Art 1998. Birds and humans featured in Dallas Brown's pictures, which are tinged with mystery, menace and surrealism. He said ''Painting is love. Painting is an affectionate devotion''. More than 50 of Neil Dallas Brown's paintings are held in major public collections in the UK including at Glasgow Museums & Galleries, Fife Council, Hospitalfield (Arbroath), The Glasgow School of Art, Edinburgh City Collection, Nottingham Art Gallery, The Walker Art Gallery (Liverpool), Aberdeen Museums & Galleries, Dundee Museums & Galleries, The Fleming Collection (London), Paisley Museums & Galleries and The Scottish National Gallery of Modern Art.

CHAE KYUNG (KOREAN, B.1981) - CELL PHONE 2008 X-ray photography and Chinese ink, mounted on hanging scroll With artists seal lower right From the 'Ghost in the Machine' series Sold with certificate of authenticity 99cm x 40cm Condition: No obvious condition issues Additional Information: About the artist: Kyung Chae attempts to arrange a marriage of polarities: painting and photography, East and West, traditional and modern, analog and digital, science and art. Through these marriages, she aims to inspire a new way of introspection into our modern world of technology. She humanizes technology and uses an interesting mix of mediums such as x-ray photography, Korean paper and ink to explore the obscure organic nature in technological objects; just like organs being parts of a body, it is the same with the mechanisms of a technological gadget.

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "Helga, Nude [AW inventory #2941]". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1978. Printed 1987. Dimensions: Overall size: 11 1/2 x 15 7/16 in. (292 x 392 mm). Image size: 9 7/16 x 13 in. (240 x 330 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, lower right. Edition unknown. Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Very good to fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [28299-3-600]

Artist: Joel-Peter Witkin (America, b.1939). Title: "Manuel Osorio". Medium: Original vintage photogravure. Date: Composed 1982. Printed 1985. Dimensions: Overall size: 11 x 10 7/8 in. (279 x 276 mm).Lot Note(s): Stamped with the photographer's name, verso. Edition unknown, presumed small. High-grade archival paper. Printed to the edge of the sheet. Fine, quality printing. Very good to fine condition; affixed to very thin and supple archival acid-free support sheet, not mount/board. Comment(s): According to “Gordon’s Photography Prices” the most recent sale of a silver print of this image realized $2,337 Swann Auction Galleries, N.Y.C., 10/18/2011, lot #283. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs frequently depict macabre, often grotesque scenes, with images including cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. Image copyright © Joel-Peter Witkin. [29673-2-300]

Artist: Andy Warhol (American, 1928 - 1987). Title: "Marilyn [Louisiana]". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1986. Dimensions: Overall size: 33 1/2 x 24 1/2 in. (851 x 622 mm). Image size: 22 x 22 in. (559 x 559 mm).Lot Note(s): Signed in black marker, lower right. Edition unknown. Light cream wove paper. The full sheet. Fine impression. Very good condition. Comment(s): Based on Warhol's 1967 "Marilyn". Published by the Louisiana Museum of Modern Art, located in Humlebaek, 35 km (22 mi) north of Copenhagen, Denmark. It is the most visited art museum in Denmark. This poster will presumably be included in the forthcoming catalogue raisonne of Warhol's posters by Paul Marechal. Image copyright © Andy Warhol Foundation for the Visual Arts / Artists Rights Society (ARS), New York. [28397-6-1200]

Artist: William E. Smith (American, 1913-1997). Title: "Pay Day". Medium: Original linocut. Date: Composed 1938. Dimensions: Overall size: 10 3/4 x 8 1/4 in. (273 x 210 mm). Image size: 8 x 5 15/16 in. (203 x 151 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; titled in pencil, lower left. Edition of 20. Cream wove paper. Wide margins. A very good, dark impression. Fine condition. Comment(s): An impression of this rare print sold for $3,600 (including premium) at Swann Galleries, New York City, 10/4/2007, Lot #7. Smith made another linoleum cut of this subject with the pose reversed – impressions dated 1941 are in the collections of Hampton University, VA, and Harmon and Harriet Kelley, San Antonio. Smith, an African-American, moved to Cleveland from Chattanooga at the age of 12. During the early 1930s he studied at the Playhouse Settlement of the Neighborhood Association of Cleveland (now called Karamu House), one of the oldest ethnically and racially diverse cultural institutions in the United States. It was here that Smith found his passion for printmaking and began making linocuts. He exhibited widely in Cleveland, New York, Hartford, and Atlanta during the 1930s and 1940s, before subsequently moving to Los Angeles. He drew praise from the likes of Howard University artist and art historian James Porter, who lauded Smith as “one of the dominant personalities of Negro printmaking” in his 1943 publication, “Modern Negro Art.” Image copyright © The Estate of William E. Smith. [19536-2-600]

Artist: Joel-Peter Witkin (America, b.1939). Title: "Sanitarium". Medium: Original vintage photogravure. Date: Composed 1983. Printed 1985. Dimensions: Overall size: 10 5/8 x 10 3/4 in. (270 x 273 mm).Lot Note(s): Stamped with the photographer's name, verso. Edition unknown, presumed small. High-grade archival paper. Printed to the edge of the sheet. Fine, quality printing. Very good to fine condition; affixed to very thin and supple archival acid-free support sheet, not mount/board. Comment(s): According to “Gordon’s Photography Prices” the auction record for a silver print of this image is $10,200 realized at Christie's, New York, 2/14/2006, lot #78. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs frequently depict macabre, often grotesque scenes, with images including torture, cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. Image copyright © Joel-Peter Witkin. [29680-2-600]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "Study for Easter Sunday [Helga]". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1975. Printed 1987. Dimensions: Overall size: 11 3/8 x 15 5/16 in. (289 x 389 mm). Image size: 9 7/16 x 13 3/16 in. (240 x 335 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, upper left. Edition unknown. Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Very good to fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [28308-3-300]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "Teel's Island". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1954. Printed 1963. Dimensions: Overall size: 10 15/16 x 17 in. (278 x 432 mm). Image size: 5 1/2 x 13 3/16 in. (140 x 335 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, lower left. A proof from the edition of unknown size (c300?). Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Fine condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [27974-3-400]

Artist: Andrew Wyeth (American, 1917-2009). Title: "The Corner". Medium: Color offset lithograph. Date: Composed 1953. Printed 1963. Dimensions: Overall size: 11 1/4 x 17 in. (286 x 432 mm). Image size: 8 11/16 x 13 1/4 in. (221 x 337 mm).Lot Note(s): Signed in pencil, lower right; signed in the plate, lower right. A proof from the edition of unknown size (c300?). Cream wove paper. Wide margins. Fine impression. Very good condition. Provenance: Private collection, Santa Barbara, California. Comment(s): Andrew Newell Wyeth was a visual artist, primarily a realist painter, working predominantly in a regionalist style. He is one of the best-known U.S. artists of the middle 20th century. In his art, Wyeth's favorite subjects were the land and people around him, both in his hometown of Chadds Ford, Pennsylvania, and at his summer home in Cushing, Maine. One of the best-known images in 20th-century American art is his painting, "Christina's World," currently in the collection of the Museum of Modern Art in New York City. [27976-3-300]

Artist: Lee Krasner (American, 1908-1984). Title: "The Trumpet". Medium: Conte crayon on paper. Date: Composed c1940. Dimensions: Overall size: 10 x 7 in. (254 x 178 mm). Image size: 8 1/8 x 5 in. (206 x 127 mm).Lot Note(s): Signed lower right. Textured tan wove paper. Good to very good condition. Comment(s): Undoubtedly a study for a larger work. In the early 1930s Krasner regularly visited the Museum of Modern Art in New York to analyze, absorb and emulate the works of the European Modernists: de Chirico, Miro and Henri Matisse were among her favorites. During this period Krasner was also taking life drawing classes, under various instructors and producing studies of the nude in pencil, conte crayon, ink and charcoal. In 1937 Krasner enrolled at the Hans Hofmann School of Fine Arts and, for the first time, became seriously engaged with Cubism (courtesy National Gallery of Australia). She became one of the most influential American abstract expressionist painters in the second half of the 20th century. On October 25, 1945, she married artist Jackson Pollock, who was also influential in the abstract expressionism movement. She was born Lena Krassner (outside the family she was known as Lenore Krasner) in Brooklyn, New York to Russian Jewish immigrant parents from Bessarabia. Image copyright © Estate of Lee Krasner/ARS. [27922-1-2400]

Artist: Wifredo Lam (Cuban, 1902 - 1982). Title: "Composicion". Medium: Mixed media (Gouache, pastel, and crayon) on paper. Date: Composed 1973. Dimensions: Overall size: 16 1/8 x 12 in. (410 x 305 mm).Lot Note(s): Signed and dated, lower right. Tan wove paper. Very good to fine condition. Provenance: Through the artist Max Ernst; Private collection, Vera Cruz, Mexico. Comment(s): Our example undoubtedly removed from a sketchbook. Lam, like many of the most renowned artists of the 20th century, combined radical modern styles with the "primitive" arts of the Americas. While Diego Rivera and Joaquin Torres-Garcia drew inspiration from Pre-Columbian art, Lam was influenced by the Afro-Cubans of the time. He dramatically synthesized Surrealist and Cubist strategies while incorporating the iconography and spirit of Afro-Cuban religion. Image copyright © The Estate of Wifredo Lam. [30170-3-5000]

Modern art framed picture of cocktail glasses

'Tinaia 9 Box I.'Marcel Broodthaers, 1994, Köln, Tinaia 9 Verlags GmbH, Buch 1: 284 SS. 3Bl.; Buch 2: (26 unpaginierte Bl.); Buch 3: 22 SS. 1 Bl., OLn. mit ill. O.-Umschlag; O.-Karton mit ill. O.-Umschlag, Die Box enthält: Wilfried Dickoff, Marcel Broodthaers, 'Les poids d'une oeuvre d'art'; Marcel Broodthaers, Projects including Twenty drawings; Marcel Broodthaers, Magie. Art et Politique; 1 carte du monde poetique; Le musee d'Art modern; Le musee d'Art modern presente un film de Rene Margritte; Marcel Broodthaers, 'Interview with Freddy de Vree'; Übersichtskarte zur Box, 1/1500 nummeriert, Rücken und offener Rand nachgedunkelt, Schuber angestaubt'Tinaia 9 Box I.'Marcel Broodthaers, 1994, Cologne, Tinaia 9 Verlags GmbH, book 1: 284 pgs. 3 sheets; book 2: (26 unnumbered sheets); book 3: 22 pgs. 1 sheet, original cloth cover with illustrated case, original card with original illustrated case, the box contains: Wilfried Dickoff, Marcel Broodthaers, 'Les poids d'une oeuvre d'art'; Marcel Broodthaers, Projects including Twenty drawings; Marcel Broodthaers, Magie. Art et Politique; 1 carte du monde poetique; Le musee d'Art modern; Le musee d'Art modern presente un film de Rene Margritte; Marcel Broodthaers, 'Interview with Freddy de Vree'; Übersichtskarte zur Box, numbered 1/1500, spine and open edge slightly discoloured, slipcase dusty

W.J. MILES, MODERN PRACTICAL FARRIERY, A COMPLETE SYSTEM OF THE VETERINARY ART, WILLIAM MACKENZIE, LONDON, hardcover

Artist: Walker Evans (American, 1903 - 1975). Title: "Coal Dock Worker, Havana, Cuba [two shovels]". Medium: Gelatin silver print. Date: Composed 1932. Printed 1971. Dimensions: Overall size: 18 x 14 3/4 in. (457 x 375 mm). Image size: 7 5/8 x 6 in. (194 x 152 mm).Lot Note(s): Signed in pencil on the mount, lower right; dated and numbered on the mount, lower left. Planned edition of 100, of which 88 were printed. Mounted into debossed areas on Strathmore double weight rag board. Flush mounted as issued. Fine, quality contact printing from the original negatives by Ives-Sillman/Thomas A. Brown, under the supervision of Walker Evans. Very good condition; would be fine save a small imperfection in the hat of the subject, visible in the raking light. Comment(s): This iconic Evans photograph is from the beautifully conceived and executed portfolio “Walker Evans: 14 Photographs,” published by Ives-Sillman, New Haven, CT, in 1971. Evans selected this image for the portfolio as representative of the work he did in Cuba, where he made a series of single and group portraits of coal dock workers. Arguably the most important and compelling image of the series, this man, holding not one but two shovels, was the oldest of the workers and the central figure in all of the group portraits. The photograph was included by Evans in his 1938 exhibition at the Museum of Modern Art. A photocopy of the very rare prospectus and price list for the portfolio accompanies the lot. Distributed in part by Harry H. Lunn/Graphics International Ltd., Washington, D.C. Image copyright © The Walker Evans Archive, The Metropolitan Museum of Art. [29783-3-3000]

Artist: Wifredo Lam (Cuban, 1902 - 1982). Title: "El Par". Medium: Gouache on paper. Date: Composed 1961. Dimensions: Overall size: 19 5/8 x 15 in. (498 x 381 mm). Image size: 19 5/8 x 15 in. (498 x 381 mm).Lot Note(s): Signed and dated, lower right. Cream wove paper. Very good condition overall. Provenance: Through the artist Max Ernst; Private collection, Vera Cruz, Mexico. Comment(s): Lam, like many of the most renowned artists of the 20th century, combined radical modern styles with the "primitive" arts of the Americas. While Diego Rivera and Joaquin Torres-Garcia drew inspiration from Pre-Columbian art, Lam was influenced by the Afro-Cubans of the time. He dramatically synthesized Surrealist and Cubist strategies while incorporating the iconography and spirit of Afro-Cuban religion. Image copyright © The Estate of Wifredo Lam. [25232-3-3000]

Artist: Joel-Peter Witkin (America, b.1939). Title: "Harvest". Medium: Original vintage photogravure. Date: Composed 1984. Printed 1985. Dimensions: Overall size: 10 3/4 x 11 in. (273 x 279 mm).Lot Note(s): Stamped with the photographer's name, verso. Edition unknown, presumed small. High-grade archival paper. Printed to the edge of the sheet. Fine, quality printing. Very good to fine condition; affixed to very thin and supple archival acid-free support sheet, not mount/board. Comment(s): According to “Gordon’s Photography Prices” the auction record for a silver print of this image is $22,800 realized at Sotheby's, New York, 10/11/2005, lot #198. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs frequently depict macabre, often grotesque scenes, with images including torture, cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. Image copyright © Joel-Peter Witkin. [29679-2-800]

Artist: Joel-Peter Witkin (America, b.1939). Title: "Portrait of Nan". Medium: Original vintage photogravure. Date: Composed 1984. Printed 1985. Dimensions: Overall size: 11 x 10 15/16 in. (279 x 278 mm).Lot Note(s): Stamped with the photographer's name, verso. Edition unknown, presumed small. High-grade archival paper. Printed to the edge of the sheet. Fine, quality printing. Very good to fine condition; affixed to very thin and supple archival acid-free support sheet, not mount/board. Comment(s): According to “Gordon’s Photography Prices” the auction record for a silver print of this image is $14,375 realized at Bonhams, New York, 5/7/2013, lot #119. Witkin’s controversial and carefully constructed photographs frequently depict macabre, often grotesque scenes, with images including torture, cadavers, hermaphrodites, dwarfs, etc. His works can be found in the collections of The Museum of Modern Art in New York City, the J. Paul Getty Museum in Los Angeles, the National Gallery in Washington, D.C., the Victoria and Albert Museum in London, and the Centre Georges Pompidou in Paris. N.B. This image has been incorrectly titled “Larry’s First Wife.” Image copyright © Joel-Peter Witkin. [29675-2-600]

Artist: Guillermo Meza (Mexican, 1917 - 1997). Title: "Que porque Eran Niños [plate 04 from: "Guillermo Meza, Impressiones, 11 Litografias, Presentacion de Jaled Muyaes y Raul Kamffer, Nota Bibliografica de Carlos Payan." Sub-title: "Impressiones Subjectivas sobre el Libro Sagrado de los Antiguos Mayas. Chilam Balam de Chumayel." Published by Galeria Kamffer, Mexico City. Printed at Policromia, Mexico City, by the master printer, Alfredo Nuñez]". Medium: Lithograph in brown ink. Date: Composed 1962. Dimensions: Overall size: 17 7/8 x 13 11/16 in. (454 x 348 mm). Image size: 16 5/16 x 10 5/8 in. (414 x 270 mm).Lot Note(s): Signed in ink, lower right; numbered in ink, lower left. From the edition of 300 (of which all were printed?). Cream wove paper. Full margins. Fine impression. Very good condition. Provenance: Estate of Jaled Muyaes, one of the collaborators. Comment(s): Published by Galeria Kamffer, Mexico City. Printed at Policromia, Mexico City, by the master printer, Alfredo Nuñez. Prints by Meza are scarce. His work is in the collections of the Museo de Arte Moderno, Mexico City, the Museum of Modern Art, New York, the Art Institute of Chicago, and the San Francisco Museum of Modern Art. His 'expressionist - surrealist' paintings, with themes often drawn from Indian mythology, are often associated with artists such as Frida Kahlo and Agustín Lazo. [24466-3-225]

Artist: Kiki Kogelnik [kiki o.k.] (Austrian, 1935-1997). Title: "Rocket Ship". Medium: Color lithograph. Date: Composed 1963. Dimensions: Overall size: 16 x 23 1/8 in. (406 x 587 mm). Image size: 15 3/4 x 22 in. (400 x 559 mm).Lot Note(s): Signed with the initial in the plate, lower right. Edition of 2,000. White wove paper. The full sheet. Fine impression with fresh colors. Joined sheets as issued; conservation backing. Comment(s): For Walasse Ting's "1¢ Life." Prints from the One Cent Life portfolio are in most major and public collections worldwide including MoMA (New York), Tate Modern (London), Museum of Contemporary Art (Montreal) and the Andy Warhol Museum (Pittsburg). [26803-4-300]

Artist: Sam Francis (American, 1923-1994). Title: "Uncle Sam Love Marilyn". Medium: Color lithograph. Date: Composed 1963. Dimensions: Overall size: 16 1/4 x 22 15/16 in. (413 x 583 mm). Image size: 16 x 22 7/16 in. (406 x 570 mm).Lot Note(s): Edition of 2,000. White wove paper. The full sheet. Fine impression with fresh colors. Fine condition; centerfold as issued. Comment(s): For Walasse Ting's "1¢ Life." Prints from the One Cent Life portfolio are in most major and public collections worldwide including MOMA (New York), Tate Modern (London), Museum of Contemporary Art (Montreal) and the Andy Warhol Museum (Pittsburg). Text and/or image may be on verso. Image copyright © Estate of Sam Francis / Artists Rights Society (ARS), New York. [26796-4-225]

Artist: Frank Lloyd Wright/Taliesin Architects (American, 1869 - 1959). Title: "Vintage Frank Lloyd Wright/Taliesin Architects Designed Carpet from the Arizona Biltmore Hotel [01 "tile"] [approximate size: 54" x 54" (4 1/2' x 4 1/2') square. The integral repeating design of the carpet consists of four green “squares” with an “arrow” through the middle of each square, pointing to the “center.” Each one of the squares is approximately 27” square and four of them make the complete design, a “tile.” The tile dimension is approximately 54 inches square (4 ½ feet x 4 ½ feet)]". Medium: Textile. Date: Lot Note(s): The carpet has been professionally cleaned and bordered. Very good condition, with no holes, patches, stains, color bleeding, etc. Several minimal, virtually undetectable, professionally repaired tears. This carpet size is perfect for a wall hanging. It is also very impressive when framed. Provenance: Arizona Biltmore Hotel, Phoenix, Arizona. Comment(s): Built in 1929 and known throughout the world as “The Jewel of the Desert," the Biltmore resort was designed by Albert Chase MacArthur, with consulting from Frank Lloyd Wright and his Taliesin Architects, particularly on the brick design and general interior design, including the carpeting. Mr. Wright's carpet design was sent to the prestigious Wilton Carpet Manufacturing Company in Axminster, England, which used only the highest quality 100% wool available in its manufacture. In 1932 the carpet was installed throughout the hotel as an integral part of the overall interior design. On June 21st, 1973, a tragic fire led to the replacement of all the carpeting throughout the resort, of which our example is part (please see image of the carpet in place). The carpet was designed by Wright's Taliesin Architects based on a Wright drawing (dated by him in 1921) for the Second Imperial Hotel in Tokyo, constructed 1915-1923. "As classically correct today as the day it was created, Mr. Wright's modern use of line and rich jewel tones make this vintage carpet as modern and enduring as the Biltmore itself." (from the "Arizona Republic"). Included in several important collections, including the Baltimore Museum of Art. Image copyright © Artists Rights Society (ARS), New York. [23620-16-400]

Aquarell, Tusche und Deckweiß auf Karton 61,6 x 46,5 cm Unter Glas gerahmt. Unten rechts weiß monogrammiert und datiert 'RMI 31' (ligiert) sowie oben links betitelt 'RENDEZ-STUD.'. Rückseitig nochmals mit roter und schwarzer Tinte signiert, datiert, betitelt und bezeichnet 'Rob.Michel: 1931. "RENDEZ-STUD". OZ-TU+Aqua+Deckweiss. H 62,0xB46,5cm....' sowie mit dem blauen Rundstempel "Heimatmuseum of Modern Art" SCHMELZ near 6239 GERMANY". - Die Ecken und Kanten schwach bestoßen.ProvenienzAnnely Juda Fine Art, London (1978); Hauswedell & Nolte, Auktion 289 Moderne Kunst II, 7.6.1991, Lot 644; Privatsammlung RheinlandAusstellungenLondon 1978 (Annely Juda Fine Art), The Non-Objective World, Kat Nr. 111

The Flower Fairies by Marion St. John Webb hardback book 39 pages with inscription on inside front cover Published The Modern Art Society. Book in poor condition with front cover detaching from spine also has a tear on spine with dings on corners, foxing with discolouration. Sold on behalf of the Michael Sobell Cancer Charity. Shipping at cost from £4.99 in UK, we can ship a 30kg box for £10 so up to 10 books. Overseas shipping at cost from £7.99

An Art Deco EPNS Desk Stand, with calendar to centre; Together with An Engine Turned Pen, stamped "925", a modern two pen set, a fountain pen with "14 Car" nib and a pair of hallmarked silver gent's cufflinks, the oval panels with applied crest detail and initialled, on chain connections, in an associated Asprey case, etc.

A modern Reflections Art Deco mirror

Aquarell auf Büttenpapier mit Wasserzeichen "MBM" 55 x 44,8 cm Unter Glas gerahmt. Unten rechts zweifach mit Bleistift signiert 'Nolde.'. - Farbfrisch erhalten. Vereinzelte winzige Retuschen vornehmlich zum linken oberen Rand, fest auf Karton montiert.Mit einer Foto-Expertise von Manfred Reuther, Klockries, vom 17. Dezember 2014. Das Werk ist im Archiv der Nolde Stiftung Seebüll registriert.ProvenienzSammlung Ernesto F. Blohm, Hamburg; Nachlass; Privatsammlung (1986); Sotheby's London, Impressionist and Modern Art Day Sale, 22. Juni 2016, Lot 341; Privatbesitz, BelgienIn dieser en face angelegten Porträtdarstellung einer jungen Frau entzündet Emil Nolde ein Feuerwerk expressiver Farbigkeit. Das schmale Gesicht und der lange schlanke Hals sind in transparenten Grünschattierungen angelegt, die signalroten Lippen und der summarisch angelegte purpurrote Hintergrund stehen in komplementärem Kontrast dazu, das leuchtende Kobaltblau der Augen findet sich in der verschatteten rechten Gesichtshälfte wieder. Virtuos bedient sich Nolde einer Farbpalette, die sich frei vom Lokalkolorit bewegt. „In fliegender Eile beginnt er zu malen. Klick, wirft er den ersten Pinsel zurück, klick den zweiten. Ununterbrochen und blitzschnell handhabt er die verschiedenen Pinsel. […] An die Farbtöpfe wendet er keinen Blick, er kennt sie wie die Musiker seine Tasten“, so beschreibt eine Zeugin einige Jahre später seinen Malprozess (zit. nach: Nils Ohlsen, in: Emil Nolde. Glühender Farbenrausch. Aquarelle, Tusche- und Kreidezeichnungen, Köln 2018, S. 23). In seiner Suche nach dem inneren Ausdrucksgehalt eines Porträts erreicht der Künstler alleine durch die Farbe eine eindringliche Charakterisierung der Person, welche im vorliegenden Werk zu einer regelrecht dramatischen Aussage gesteigert wird.

Lichtpause auf Polyesterfolie Ca. 191 x 100 cm. Unter Glas gerahmt. Signiert, betitelt und nummeriert sowie gestempelt "Hauptstrom". Am unteren Rand mit typographischen Editionsangaben. Exemplar 44/180 (+18 A.P.). Edition Modern Art Agency, Neapel und Edition Tangente, Heidelberg. - Mit Atelier- und leichten Altersspuren.Jörg Schellmann (Hg.), Joseph Beuys, Die Multiples, München 1992, WVZ-Nr. 49

Bronze Höhe 48,1 cm Seitlich an der Plinthe signiert 'Barlach' sowie mit dem Gießerstempel "H. NOACK BERLIN". Einer von 25 nicht nummerierten, seit 1938 entstandenen Güssen aus einer Gesamtauflage von 36 nicht nummerierten Exemplaren. - Mit dunkelbrauner Patina.Laur 391; Schult I, 306Mit einer Expertise von Hans Barlach, Ratzeburg, vom 3, November 1992 (in Kopie)AusstellungenU.a. Berlin 1930 (Galerie Flechtheim), Bronzen von Ernst Barlach, Nr. 17; Bremen 1959 (Kunsthalle Bremen), Ernst Barlach, Nr. 501; Berlin 1981 (Akademie der Künste), Ernst Barlach. Werke und Werkentwürfe aus fünf Jahrzehnten, Nr. 61 mit Abb. auf Frontispiz; Kiel 1998 (Kunsthalle Kiel), Ernst Barlach. Mehr als ich, S. 109 mit ganzseitiger Farbabb.; Rostock 1998 (Kunsthalle Rostock), Ernst Barlach. Artist of the North, S. 169 mit ganzseitiger Farbabb.; Flensburg/Ribe 2002 (Museumsberg Flensburg/Ribe Kunstmuseum), Ernst Barlach, Wege und Wanderungen. Vom Jugendstil zum Expressionismus, Nr. 25; Hamburg 2003 (Hauptkirche St. Katharinen), Ernst Barlach, Mystiker der Moderne, S. 298; Kyoto/Tokyo/Yamanashi 2006 (The National Museum of Modern Art/The Universitiy Art Museum/Tokyo National University of Fine Arts and Music/Yamanashi Prefectural Museum of Art), Ernst Barlach Retrospective, Nr. 142LiteraturU.a. Friedrich Droß (Hg.), Ernst Barlach, Die Briefe II, 1925 - 1938, München 1969, Nr. 1448; Carl Dietrich Carls, Ernst Barlach, Das plastische, graphische und dichterische Werk, Berlin 1931, S. 84 mit ganzseitiger Abb., S. 85; Kunsthalle Mannheim, Bestandskatalog Skulptur, Plastik, Objekt, Mannheim 1982, S. 71, Nr. 440 mit Abb.; Kunsthalle Kiel, Katalog der Bildwerke, bearb. v. Ulrich Bischoff, Rendsburg 1986, S. 29 mit ganzseitiger Abb.; Heinz Spielmann (Hg.), Stiftung und Sammlung Rolf Horn, Schleswig 1995, S. 190-191, Nr. 117 mit Farbabb.; Heike Stockhaus, Ernst Barlach und der Geist seiner Zeit, in: Kat. Rostock 1998, S. 169 mit ganzseitiger Farbabb.; Elisabeth Laur, Vom Jugendstilkünstler zum expressionistischen Holzbildhauer, in: Kat. Flensburg/Ribe 2002, S. 50 f.; Naomi Jackson Groves, Ernst Barlach, Leben im Werk. Plastiken, Zeichnungen und Graphiken, Dramen, Prosawerk und Briefe, Taunus 2013, S. 99Die fünf Bronzeplastiken von Ernst Barlach, die wir in dieser Auktionssaison anbieten dürfen, geben einen Eindruck von der künstlerischen Entwicklung, die sich in seinem plastischen Oeuvre abzeichnet. Die „Russische Bettlerin mit Schale", 1906 entstanden, und die „Russische Bettlerin II", die, obwohl in dieser Größe erst 1932 realisiert, in ihrer Gestaltung der kleinen Fassung von 1907 folgt, verdeutlichen die motivischen und künstlerischen Impulse, die Barlach aus seiner mehrwöchigen Russland-Reise im Jahr 1906 zog. Nach seinen vom Jugendstil beeinflussten Anfängen findet der Künstler nun zu vereinfachten, in sich geschlossenen Formen. Die den Körper verhüllenden langen Gewänder der russischen Landbevölkerung setzt er leicht stilisiert in fließende, ornamentale Linien um. Überwiegen bei der früher entstandenen „Bettlerin mit Schale" noch die darstellerischen Details und der erzählerische Aspekt, so überführt er die Gestalt der vornüber gebeugten zweiten „Bettlerin" bereits in eine stark abstrahierte Form, die den menschlichen Körper unter den Stoffbahnen lediglich erahnen lässt.Das Gewand bleibt auch in Barlachs später entstandenen Plastiken ein bestimmendes Element, er baut die Figur über die Gewandform auf. Sie bildet eine vereinheitlichende Hülle für den Körper und sorgt durch diese Formreduktion für eine Konzentration auf die Gestik und Haltung; auch emotionale Bewegtheit kann dadurch veranschaulicht werden. Barlachs Hauptwerk ab 1910 wird stark von den gotischen Bildwerken in den Kirchen seiner norddeutschen Heimat beeinflusst. Die dort gesehenen formalen Grundsätze übersetzt er in seine eigene expressive Sprache. Dabei bedient er sich konkreter Kompositionen der sakralen mittelalterlichen Werke, ohne notwendigerweise deren ikonografischen Gehalt zu übernehmen. Es entstehen Plastiken von zeitloser Ausdruckskraft, die die Grundaussagen menschlicher Existenz veranschaulichen.Die gelängten, statuarischen Gestalten von Christus und Thomas im „Wiedersehen" von 1926 sind durch ihre körperlich distanzierte, aber dennoch innige Umarmung zu einer Einheit verschränkt; die stark differierende Körperhaltung der beiden gibt eine beredte Aussage über die Umstände ihrer Begegnung. Blockhaft und erdschwer stellt sich der „Zweifler" von 1930 dar, das Gewand fasst den knienden Körper zu einer Einheit zusammen, die innere Zerrissenheit offenbart sich durch die Neigung des Kopfes und die gerungenen Hände. Die Figur des „Buchlesers" von 1936 - auch „Lesender Mann im Wind" betitelt - zeigt ebenfalls eine in sich geschlossene Einheit, Haltung und Blick sind ganz auf die Lektüre ausgerichtet. Die etwas gebauschten Gewandschöße und das zerzauste Haar können als Auswirkungen des Windes, aber auch als subtile Zeichen innerer Unruhe gelesen werden.

Öl auf Holz, auf Sperrholz montiert 29,8 x 24,7 cm Gerahmt. Unten rechts mit der schwarzen Stempelsignatur "Marc Chagall".Mit einer Expertise mit der Nummer 2013034 von Jean-Louis Prat, Comité Marc Chagall, Paris, vom 5. April 2013 (in Kopie)ProvenienzNachlass des Künstlers; Privatsammlung, New York; Sotheby’s London, Impressionist & Modern Art Day Sale 20. Juni 2007, Lot 502; Opera Gallery, New York (mit rückseitigem Klebe-Etikett); Privatbesitz SüddeutschlandMarc Chagall und Walentina Brodsky, genannt Vava, finden nach dem Tod von Chagalls erster Ehefrau Bella im Jahr 1944 zueinander. Sie begegnen sich im Frühjahr 1952 und heiraten noch im selben Jahr. In Vava trifft Chagall eine herzliche, schöne und gebildete Frau; selbst Kunsthistorikerin, spricht sie mehrere Sprachen. Vava wirkt auf unterschiedliche Weise positiv in das Werk Chagall hinein, ist dem Maler - der zu diesem Zeitpunkt längst zu internationalem Ruhm gelangt ist - Inspiration und Managerin.Unser Gemälde entsteht kurz nach der Hochzeit der beiden und zeugt von einer engen, vertrauensvollen Verbundenheit. Fast beiläufig malt Chagall die sitzende Vava und schreibt dem Porträt so eine unverstellte Intimität ein. Die kräftige Palette in Blau, Rot, Gelb und Grün demonstriert Chagalls unbedingte Vitalität und Schaffenskraft dieser Tage und vermittelt zugleich die klingende Poesie, die sein einzigartiges Gesamtwerk auszeichnet.

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Unterhaltung. 1923. Aquarell und Tuschpinsel über Kreidezeichnung. Links oben sowie mittig oben signiert. Verso mit dem Nachlassstempel (Lugt 1570b) und der handschriftlichen Nummerierung 'A Da/Bi 10'. Auf festem, glattem Velin. 35 x 47 cm (13,7 x 18,5 in), blattgroß. [CH]. • Farbkräftige Figurenkomposition von gemäldehafter Wirkung. • Die gesellige Szene zeigt wohl E. L. Kirchner, seine Lebensgefährtin Erna Schilling und einen Gast im 'Wildbodenhaus' in Davos, welches das Paar erst im Entstehungsjahr 1923 bezieht. • Bei dem Gast könnte es sich um den Kunstkritiker Gustav Schiefler handeln, der den Künstler im Juni in Davos besucht. • Kirchner stellt zudem einige von ihm selbst geschnitzte Möbel dar, u. a. eine Banklehne mit Mutter und Kinderfiguren, fertiggestellt im Entstehungsjahr unseres Aquarells. Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Elfriede Wirnitzer, Baden-Baden. Privatsammlung Norddeutschland. Privatsammlung Schweiz (2006 vom Vorgenannten erworben, Villa Grisebach Auktionen, 26.5.2006, Los-Nr. 43). LITERATUR: Auktionshaus Weinmüller, München, 97. Auktion, Katalog 105, Moderne Kunst, 5.11.1965, Los-Nr. 140 (mit Abb., Tafel 62). Villa Grisebach Auktionen, Berlin, 134. Auktion, Selected Works, 26.5.2006, Los-Nr. 43 (mit Farbabb., S. 74). Nach einigen längeren Aufenthalten in Davos siedelt E. L. Kirchner mit seiner Lebensgefährtin Erna Schilling 1923, dem Entstehungsjahr der hier angebotenen Arbeit, endgültig in die Schweiz über. In Davos bezieht er nun das 'Wildbodenhaus' oberhalb und nördlich des Sertigtals. Hier baut sich das Paar ein einfaches, rustikales Leben mit nur wenigen Annehmlichkeiten auf. Die Alpenlandschaft, das besondere, wenngleich arbeitsreiche Leben der dort ansässigen Bauernfamilien und die dörflich-bukolische Idylle sind Kirchner in diesen Jahren bedeutende Inspirationsquellen. Mit beeindruckender Schaffenskraft arbeitet er an druckgrafischen Arbeiten, Zeichnungen, Aquarellen, Gemälden und sogar Holzskulpturen und Möbeln für sein Zuhause im 'Wildbodenhaus'. Wie einige seiner ähnlich gesinnten Künstlerfreunde wünscht sich Kirchner ein Leben fernab der etablierten, bürgerlichen Lebensformen. Das einfache Haus in der Schweiz richtet er mit Erna deshalb mit exotischen, teils eben auch selbst entworfenen und gefertigten Möbeln ein, für deren aufwendige Schnitzereien er sich u. a. von der afrikanischen und auch der Schweizer Volkskunst inspirieren lässt. Auf einem dieser Möbelstücke, einem von Kirchner selbst geschnitzten Stuhl, sitzt hier in lässig-gemütlicher Pose ein älterer Herr in blauem Anzug, bei dem es sich um den Kunstmäzen und -kritiker Gustav Schiefler (1857-1935) handeln könnte, dessen Besuch im Juni zur Entstehungszeit unserer Arbeit erst wenige Monate zurückliegt. Schiefler und Kirchner führen einen intensiven Schriftwechsel, denn Schiefler arbeitet in diesen Monaten intensiv an einem Werkverzeichnis der grafischen Arbeiten E. L. Kirchners, dessen erster Band 1926 publiziert wird. Bei dem Stuhl handelt es sich hoher Wahrscheinlichkeit nach um 'Stuhl III' von 1920 (Wolfgang Henze, Werkverzeichnis der Plastik, 1920/05), bei dem Kirchner einen weiblichen Akt an der Rückenlehne ausgestaltet. Rechts im Bild ist die Lehne einer rot bemalten Sitzbank aus Kiefernholz auszumachen, die in Wirklichkeit aus einem geschnitzten Frauenakt und zwei kleinen Kinderfiguren besteht und die Kirchner erst kurze Zeit vor Entstehung unserer Arbeit fertigstellt (Henze, 1923/02). Das vorliegende Werk weiß die Schaffenskraft des Künstlers in diesen Jahren eindrucksvoll zu veranschaulichen: Das dynamisch aufs Papier gebrachte Aquarell in kräftig-expressiven Farben zeigt nicht nur eine gesellige, womöglich abendliche Szene im gerade bezogenen 'Wildbodenhaus', sondern setzt auch die aufwendigen, von Kirchner selbst gestalteten und geschnitzten Sitzmöbel in Szene, von denen heute nur noch wenige Stücke erhalten sind. [CH] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Unterhaltung. 1923. Watercolor and brush drawing over chalk drawing. Signed in upper left and in top center. Verso with the estate stamp (Lugt 1570b) and the hand-written number 'A Da/Bi 10'. On firm smooth wove paper. 35 x 47 cm (13.7 x 18.5 in), the full sheet. [CH]. • Figure composition in strong colors and with a painting-like effect. • The casual scene shows E. L. Kirchner, his partner Erna Schilling and a guest at the 'Wildbodenhaus' in Davos, where the couple had just settled in 1923, the year this work was made. • The guest might have been the art critic Gustav Schiefler who visited the artist in Davos in June that year. • Kirchner also depicts a couple of pieces of furniture, among them the backrest of a bench showing a mother with children, which he had carved the year our watercolor was made. This work is documented at the Ernst Ludwig Kirchner Archive, Wichtrach/Bern. PROVENANCE: From the artist's estate (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Galerie Elfriede Wirnitzer, Baden-Baden. Private collection Northern Germany. Private collection Switzerland (acquired from aforementioned in 2006, Villa Grisebach Auctions, May 26, 2006, lot no. 43). LITERATURE: Auction house Weinmüller, Munich, 97th auction, catalog 105, Modern Art, November 5, 1965, lot no. 140 (with illu., plate 62). Villa Grisebach Auctions, Berlin, 134th auction, Selected Works, May 26, 2006, lot no. 43 (with color illu. on p. 74). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.28 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Ernst Ludwig Kirchner - - 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Zirkus. 1926. Aquarell. Links in der Darstellung signiert und datiert. Auf leichtem, glattem Karton. 31,1 x 52 cm (12,2 x 20,4 in), blattgroß. [CH]. • Aus der berühmten Sammlung Dr. Frédéric Bauer, Davos (Kirchners Leibarzt). • Seit fast 60 Jahren Teil derselben Privatsammlung. • Auch das motivisch verwandte Gemälde 'Zirkusreiterin' (1912/13, Pinakothek der Moderne, München / Bayerische Staatsgemäldesammlungen) war ehemals Teil der Sammlung Dr. Frédéric Bauer, Davos. • 1952/53 werden Aquarell und Gemälde zusammen ausgestellt: u. a. im Haus der Kunst, München, und im Haus am Waldsee, Berlin. Das Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Frédéric Bauer, Davos. Stuttgarter Kunstkabinett, Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (wohl ab 1953). Privatsammlung (1962 erworben, Stuttgarter Kunstkabinett, 3.5.1962, Los 221). AUSSTELLUNG: E. L. Kirchner Gemälde + Graphik. Sammlung Dr. F. Bauer - Davos, Haus der Kunst, München, Nov./Dez. 1952; Haus am Waldsee, Berlin 19.6.-19.8.1953, und andere, Kat.-Nr. jeweils 213, S. 39. Ernst Ludwig Kirchner. Bildwirkerei und Graphik, Kestner-Museum, Hannover, Januar bis Februar 1955, Kat.-Nr. 18. Ernst Ludwig Kirchner. Zur Erinnerung an den 75. Geburtstag des Künstlers, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, 8.9.-20.10.1956, Kat.-Nr. 62. Il miracolo. Die Gestaltung des Pferdes in der Kunst der Vergangenheit und Gegenwart, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, August bis September 1957, Kat.-Nr. 158. LITERATUR: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart, 18. Auktion, 26.11.1953, Los 1942. Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart, 37. Auktion, Moderne Kunst, 1. Teil, 3.5.1962, Los 221 (mit S/W-Abb., Tafel 212). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner -1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Zirkus. 1926. Watercolor. Signed in the image in bottom left. On light smooth board. 31.1 x 52 cm (12.2 x 20.4 in), the full sheet. [CH]. • From the renowned Collection Dr. Frédéric Bauer, Davos (Kirchner's personal physician). • Part of the same private collection for almost 60 years. • The painting 'Zirkusreiterin' (1912/13, Pinakothek der Moderne, Munich) also used to be part of the Collection Dr. Frédéric Bauer, Davos. • In 1952/53 there watercolor and the painting were shown together at, among others, the Haus der Kunst, Munich, and the Haus am Waldsee, Berlin. PROVENANCE: Collection Dr. Frédéric Bauer, Davos. Private collection (acquired in 1962, Stuttgarter Kunstkabinett, May 3, 1962, lot 221). EXHIBITION: E. L. Kirchner Gemälde + Graphik. Sammlung Dr. F. Bauer - Davos, Haus der Kunst, München, Nov./Dec. 1952; Haus am Waldsee, Berlin June 19 - August 19, 1953, and others, cat. no. each 213, p. 39. Ernst Ludwig Kirchner. Bildwirkerei und Graphik, Kestner-Museum, Hanover, January to February 1955, cat. no. 18. Ernst Ludwig Kirchner. Zur Erinnerung an den 75. Geburtstag des Künstlers, Württembergischer Kunstverein, Stuttgart, September 8 - October 20, 1956, cat. no. 62. Il miracolo. Die Gestaltung des Pferdes in der Kunst der Vergangenheit und Gegenwart, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, August to September 1957, cat. no. 158. LITERATURE: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart, 37th auction, Modern Art, part 1, May 3, 1962, lot 221 (with black-and-white illu on plate 212). Called up: June 18, 2021 - ca. 13.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Hermann Max Pechstein - - 1881 Zwickau - 1955 Berlin Tänzerin in schwarzer Hose. 1910. Tuschpinselzeichnung. Rechts unten monogrammiert. Verso wohl von fremder Hand bezeichnet. Auf chamoisfarbenem Velin. 44,5 x 34,2 cm (17,5 x 13,4 in), Blattgröße. [CH]. • Seit fast 50 Jahren Teil derselben Privatsammlung. • Aus der besten 'Brücke'-Zeit. • Tanz und Varieté nehmen in Pechsteins Œuvre und im gesamten Schaffen der Expressionisten eine besonders wichtige Stellung ein. • Die Federzeichnungen stehen im Zusammenhang mit dem motivisch ähnlichen, verschollenen Gemälde 'Der Tanz' aus dem gleichen Jahr (Soika 1910/48). • Die Tänzerin mit der voluminösen Hose lud Pechstein 1909 und 1910 mehrfach in sein Atelier ein, auch in dem Gemälde 'Tanz' (1909, Brücke-Museum, Berlin) steht sie im Fokus der Darstellung. • Weitere Zeichnungen aus dieser Werkphase befinden sich u. a. im Museum of Modern Art, New York (Liegender Akt, 1909), im Museum Ludwig, Köln (Kopf, 1910) und im Brücke-Museum, Berlin (Zwischen Schilf, 1910). PROVENIENZ: Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (1969 vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 13.33 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONHermann Max Pechstein -1881 Zwickau - 1955 Berlin Tänzerin in schwarzer Hose. 1910. Brush and India ink drawing. Rechts unten monogrammiert. Verso wohl von fremder Hand bezeichnet. Auf chamoisfarbenem Velin. 44.5 x 34.2 cm (17.5 x 13.4 in), Blattgröße. [CH]. • Part of the same private collection for almost 50 years. • From the best 'Brücke' times. • Dance and variety play a particularly important position in Pechstein's oeuvre and in the entire work of the Expressionists. • The pen and ink drawings are related to the missing painting 'Der Tanz' from the same year (Soika 1910/48), which has a similar motif. • Pechstein invited the dancer with the voluminous trousers to his studio several times in 1909 and 1910, and also depicted her in the painting 'Der Tanz' (1909, Brücke-Museum, Berlin). • Other drawings from this creative period are at, among others, the Museum of Modern Art, New York (Liegender Akt, 1909), the Museum Ludwig, Cologne (Kopf, 1910) and the Brücke-Museum, Berlin (Zwischen Schilf, 1910). PROVENANCE: Galerie Nierendorf, Berlin (1972). Private collection. Called up: June 18, 2021 - ca. 13.33 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Carlo Mense - - 1886 Rheine/Westfalen - 1965 Königswinter Selbstbildnis. 1918. Öl auf Leinwand. Drenker-Nagels 34. Rechts unten signiert. Auf dem Keilrahmen handschriftlich bezeichnet 'Selbstbildnis'. 45,5 x 34 cm (17,9 x 13,3 in). [SM]. • Eindringliches Selbstporträt im typischen Stil der Neuen Sachlichkeit. • Eine geheimnisvoll faszinierende Aura umgibt den Dargestellten. • Teil der Ausstellung 'Magic Realism. Art in Weimar Germany 1919-1933', 2018/19 in der Tate Modern in London. PROVENIENZ: Privatsammlung Rheinland-Pfalz (seit 1985). Galerie Berinson, Berlin (verso mit dem Etikett). Privatsammlung Europa (seit 2009). AUSSTELLUNG: Carlo Mense, Von der Heydt-Museum, Wuppertal, 10.10.-12.12.1993. Magic Realism. Art in Weimar Germany 1919-33, Tate Modern, London, 30.7.2018-14.7.2019, Ausst.-Kat. mit Abb. S. 13. LITERATUR: Van Ham, Köln, Auktion 31.5.2006, Los 422. 'Was sonst um mich vorgeht interessiert mich wenig, und andere noch weniger, ist ja immer dasselbe. Die Hauptsache [ist], daß gute Bilder gemalt werden.' Mense in seiner Autobiografie 1920, zit. nach: Klara Drenker-Nagels Carlo Mense. Sein Leben und sein Werk von 1909 bis 1939, Köln 1993, S. 13 An dem Werk Carlo Menses lässt sich die Entwicklung der Kunstgeschichte des 20. Jahrhunderts in Deutschland ablesen. Am Anfang seiner Schaffensphase befand er sich ab 1911 in „den Stürmen des Expressionismus“ (Ertel 1960, S. 5), von welchen sich Mense ab 1918 zunehmend abwendet. Nun zählt für ihn vor allem die Hinwendung zu beruhigenden Formen. Zuvor aufgesplitterte Formgefüge mit verkürzter tiefenräumlichen Wirkung werden nun sanft und in einzelnen Körpern und Figuren voneinander abgehoben dargestellt. Der Wandel zu einer Formsprache der Neuen Sachlichkeit ist Antwort auf die schrecklichen Erfahrungen während des Krieges und das Scheitern revolutionärer Bestrebungen. Das Interesse an Einzelbildnissen neuer selbstbewusster Bürger zeigt sich in Menses neusachlichen Porträts. Dieses Selbstbildnis weist einen Einfluss veristischer Werke von H. M. Davringhausen und George Grosz auf. Bereits in Frühjahr 1917 kam Mense bei einem Kennenlernen in Berlin mit Arbeiten seiner beiden Kollegen in Kontakt. Stilistisch sehr ähnlich zu Menses Gemälde der „Trinker“ von 1918/19 malt der Künstler sich in unserem Gemälde letztendlich selbst. Daraufhin entstehen innerhalb weniger Jahre eine Reihe von Selbstbildnissen und gegenseitigen Porträts von H. M. Davringhausen und Mense. Die Szenerie ist, wie in fasten allen Werken aus dieser Zeit, in ein nächtliches Dunkel getaucht. In der dämonisch-transzendenten Farbigkeit fällt vor allem ein leichter Lichteinfall auf. Schlaglichtartig werden die Gesichtszüge mit einer surrealen Komponente freigelegt, wodurch der Dargestellte geheimnisvoll, fast marionettenartig inszeniert wird. So entsteht ein eindrucksvolles und faszinierendes Selbstporträt. [CS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.04 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONCarlo Mense -1886 Rheine/Westfalen - 1965 Königswinter Selbstbildnis. 1918. Oil on canvas. Drenker-Nagels 34. Signed in lower right. With hand-written inscription 'Selbstbildnis' on the stretcher. 45.5 x 34 cm (17.9 x 13.3 in). [SM]. • Striking self-portrait in typical New Objectivity manner. • The depicted person emanates a fascinationg mysterious aura. • Part of the exhibition 'Magic Realism. Art in Weimar Germany 1919-1933' at Tate Modern in London in 2018/19. PROVENANCE: Private collection Rhineland Palatinate (since 1985). Galerie Berinson, Berlin (verso with the label). Private collection Europe (since 2009). EXHIBITION: Carlo Mense, Von der Heydt-Museum, Wuppertal, October 10 - December 12, 1993. Magic Realism. Art in Weimar Germany 1919-33, Tate Modern, London, July 30, 2018 - July 14, 2019, ex. cat. with illu. on p. 13. LITERATURE: Van Ham, Cologne, auction on May 31, 2006, lot 422. 'I don't care much about the things happening around me, and even less about other people, that's always the same. The main thing [is] that I paint good pictures.' Mense in his autobiography from 1920, quote from: Klara Drenker-Nagels Carlo Mense. Sein Leben und Wrk von 1909 bis 1939, Cologne 1993, p. 13 Called up: June 18, 2021 - ca. 14.04 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Otto Dix - - 1891 Gera - 1969 Singen Leonie. 1923. Farblithografie. Karsch 58/III b (von b). Signiert, datiert und nummeriert. Aus einer Auflage von 65 Exemplaren. Auf Maschinenbütten von Johann Wilhelm (mit den angeschnittenen Wasserzeichen). 47,4 x 37,4 cm (18,6 x 14,7 in). Papier: 59,6 x 46,6 cm (23,5 x 18,3 in). Herausgegeben von Karl Nierendorf, Berlin. [CH]. • Bei den Lithografien und Radierungen aus den frühen 1920er Jahren handelt es sich um die auf dem internationalen Auktionsmarkt gesuchtesten druckgrafischen Arbeiten des Künstlers. • Weitere Exemplare dieser Farblithografie befinden sich u. a. in der Sammlung des Museum of Modern Art, New York, des Kunstmuseums Bern und des Hammer Museum, Los Angeles. • Nach den traumatischen Erfahrungen und in der angespannten sozialen Lage nach dem Ersten Weltkrieg erhebt Dix die Außenseiter der Gesellschaft zum schillernden Motiv seiner Darstellungen. • Die karikaturesken, übersteigerten künstlerischen Mittel, mit denen Dix sein Anliegen zur Darstellung bringt, bestätigen seine große Wertschätzung als einer der bedeutendsten deutschen Grafikkünstler des frühen 20. Jahrhunderts. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOtto Dix -1891 Gera - 1969 Singen Leonie. 1923. Lithograph in colors. Karsch 58/III b (of b). Signed, dated and numbered. From an edition of 65 copies. On machine-made laid paper from Johann Wilhelm (with the truncated watermark). 47.4 x 37.4 cm (18.6 x 14.7 in). Sheet: 59,6 x 46,6 cm (23,5 x 18,3 in). Published by Karl Nierendorf, Berlin. [CH]. • Lithographs and etchings from the early 1920s are among the artist's most sought-after graphic works on the international auction market. • Other copies of this color lithograph are part of the collections of, among others, the Museum of Modern Art, New York, the Kunstmuseum Bern and the Hammer Museum, Los Angeles. • Following the traumatic events of World War I and in context of an increasingly tense social situation, Dix declarde society's outsiders the dazzling main motif of his depictions. • The caricaturesque exaggerated artistic means that Dix uses to express his concern confirm his renown as one of most important German graphic artists of the early 20th century. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.28 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Otto Dix - - 1891 Gera - 1969 Singen Haus und Baumstümpfe (bei Souchez, Pas-de-Calais). Um 1916. Schwarze Kreidezeichnung. Rechts unten signiert und verso wohl von fremder Hand betitelt. Auf dünnem Velin. 28,5 x 28,5 cm (11,2 x 11,2 in), blattgroß. [CH]. • In der Fragmentierung, Abstrahierung und Verfremdung dieser dörflichen, hier jedoch groben, fast bedrohlichen Szene verarbeitet Dix die ihn in seinen Grundfesten erschütternden Kriegserlebnisse jener Zeit. • Vergleichbare Zeichnungen des Künstlers befinden sich u. a. im Museum of Modern Art in New York ('Zerschossene Mauern', 1916 / 'Schreibender Soldat', 1916). • Die kontrastreichen, expressionistischen Kriegszeichnungen bilden einen eindrucksvollen ersten Höhepunkt im frühen Schaffen des Künstlers. Das Werk ist im Archiv der Otto-Dix-Stiftung unter der Nachtragsnummer Lorenz WK 5.5.19 registriert. PROVENIENZ: Antiquariat unter den Linden, Berlin (um 1970). Privatsammlung Rheinland. Privatsammlung Deutschland (durch Erbschaft vom Vorgenannten). 'Dix muss den Krieg erlebt haben wie einen Traum, aber mit den überwachen Augen des Zeichners und Malers. [..] Dix sieht im Krieg nicht bloß eine Auswirkung der vom Menschen selbst geschaffenen Technik, sondern er erlebt ihn als brutalen, gefühllosen Naturausbruch jenseits von Gut und Böse: als Sturmflut und Taifun, als Erschütterung, unter der die Erde in ihren Grundfesten erbebt. Er erlebt in apokalyptisch oder eschatologisch [..], d.h. als Letztes und Äußerstes, als Weltuntergangsstimmung, als Un- und Übermenschliches, als etwas, was dem Menschen längst entglitten ist. Der Mensch kann sich vor dieser Gewalt nur noch ducken: er kann sie nur erleiden. Doch was für ein pandämonisches Drama entfaltet sie vor seinen erschreckten und staunenden Augen!' Otto Conzelmann, Otto Dix. Handzeichnungen, Hannover 1968, S. 17f. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.29 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONOtto Dix -1891 Gera - 1969 Singen Haus und Baumstümpfe (bei Souchez, Pas-de-Calais). Um 1916. Black Chalk drawing. Lower right signed and titled on the reverse, presumably by a hand other than that of the artist. On thin wove paper. 28.5 x 28.5 cm (11.2 x 11.2 in), the full sheet. [CH]. • Through fragmentation, abstraction and alienation of this coarse, almost threatening, village scene, Dix processed his war experiences , which had shaken him to the core. • Similar drawings by the artist are at the Museum of Modern Art in New York ('Zerschossene Mauern', 1916 / 'Schreibender Soldat', 1916). • The high-contrast, expressionist war drawings form an impressive first peak in the artist's early creative period. The work is registered in the archive of the Otto-Dix-Foudnation with the number Lorenz WK 5.5.19. PROVENANCE: Antiquariat unter den Linden, Berlin (around 1970). Private collection Rhineland. Private collection Germany (inherited from above). 'Dix must have experienced the war like a dream, but with the watchful eyes of a draftsman and painter. [.] Dix not only sees war as an effect of a man-made technology, but experiences it as a brutal, callous eruption of nature beyond good and evil: as storm flood and typhoon, as a tremor that shakes earth in its foundations. He experiences in apocalyptic or eschatological [.], that is the ultimate and the utmost, as doomsday mood, as inhuman and superhuman, as something what has long slipped away from man. Man can only duck before this violence: he can only suffer through it. But what a pandemoniac drama it unfolds before his frightened and amazed eyes! ' Otto Conzelmann, Otto Dix. Handzeichnungen, Hanover 1968, pp. 17f. Called up: June 18, 2021 - ca. 14.29 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

George Grosz - - 1893 Berlin - 1959 Berlin An der Börse. ca. 1923/24. Tuschzeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel (unter Resten einer Klebemontierung), dort mit der handschriftlichen Nummerierung '3 13 2'. Auf dünnem Velin. 59,3 x 46,3 cm (23,3 x 18,2 in), Blattgröße. [KT]. • Meisterhaft beobachtende und charakteristische Zeichnung des prägendsten Chronisten der Weimarer Republik. • Ab 1925 wird der mit provokativen und gesellschaftskritischen Arbeiten bekannt gewordene Grosz von dem bedeutenden Berliner Galeristen Alfred Flechtheim vertreten. • Besonders in der Grafik herausragender Künstler, dessen Arbeiten in internationalen Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid und dem Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris vertreten sind. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Galerie Nierendorf, Berlin. Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.30 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONGeorge Grosz -1893 Berlin - 1959 Berlin An der Börse. ca. 1923/24. India ink drawing. With the estate stamp on the reverse (below mounting remains), there with hand-written number '3 13 2'. On thin wove paper. 59.3 x 46.3 cm (23.3 x 18.2 in), size of sheet. [KT]. • Masterful observation in a characteristic drawing by the most influential chronicler of the Weimar Republic. • Grosz, who became known for his provocative and socio-critical work, was represented by the important Berlin gallery of Alfred Flechtheim as of 1925. • Grosz's works are in possession of many renowned international museums like the Museum of Modern Art, New York, the Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid and the Musée National d'Art Moderne, Center Georges Pompidou, Paris. PROVENANCE: From the artist's estate. Galerie Nierendorf, Berlin. Private collection (acquired from the above). Called up: June 18, 2021 - ca. 14.30 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Lyonel Feininger - - 1871 New York - 1956 New York The Disparagers (Die Höhnenden / Die Ausgestoßenen). 1911. Radierung. Prasse E 38. Signiert und datiert. In der Platte signiert, betitelt und datiert. Auf gelblichem Bütten. 21,7 x 26,4 cm (8,5 x 10,3 in). Papier: 30,5 x 34 cm (12 x 13,3 in). [KT]. • Seltenes und gesuchtes Blatt aus dem Frühwerk des Künstlers. • Feiningers Faszination für Architektur und Technische Konstruktionen lässt ihm wiederholt das Viadukt von Meudon zum Motiv werden, das er während einer Parisreise besichtigt. • Weitere Exemplare des faszinierenden Blattes befinden sich im Museum of Modern Art, New York sowie dem Art Institute, Chicago. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Keins, Buenos Aires. Privatsammlung (vom Vorgenannten erworben). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 14.50 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N).ENGLISH VERSIONLyonel Feininger -1871 New York - 1956 New York The Disparagers (Die Höhnenden / Die Ausgestoßenen). 1911. Etching. Prasse E 38. Signed and dated. Signed, titled and dated in the plate. On yellowish laid paper. 21.7 x 26.4 cm (8.5 x 10.3 in). Sheet: 30,5 x 34 cm ( x 12 x 13,3 in). [KT]. • Rare and sought-after sheet from the artist's early creative period. • Feininger's fascination with architecture and technical constructions made the Meudon Viaduct a motif that he visited during a trip to Paris. • Further copies of the fascinating sheet are in the Museum of Modern Art, New York and the Art Institute, Chicago. PROVENANCE: Collection Dr. Keins, Buenos Aires. Private collection (acquired from the above). Called up: June 18, 2021 - ca. 14.50 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N).

Georges Braque - - 1881 Argenteuil - 1963 Paris Nature morte aux fruits. Um 1954. Öl auf Leinwand. Links unten signiert. 18,5 x 27 cm (7,2 x 10,6 in). [CH]. • Insbesondere die Stillleben nehmen im Œuvre des Künstlers eine übergeordnete Stellung ein. • Weitere Arbeiten aus dem Spätwerk des Künstlers befinden sich u. a. im Museum of Modern Art, New York. • Die Stillleben des Spätwerks enthalten in ihrer Darstellung eine deutlich stärkere Intimität und Zurückhaltung. • Mit feintoniger Schattierung, einer reduzierten Farbpalette und einer radikalen Vereinfachung der Formensprache verleiht der Künstler dem traditionellen Sujet des Früchtestilllebens seine ganz eigene, charakteristische Bildsprache. Das Werk wird in den in Vorbereitung befindlichen Nachtrag des Werkverzeichnisses der Gemälde von Dr. Quentin Laurens, Paris, aufgenommen. PROVENIENZ: Sammlung Fenwick, Paris (bis 1964, Palais Galliéra, Paris, 3.12.1964, Los 7). Sammlung Prof. René Küss, Paris (1964 vom Vorgenannten erworben, bis 2006). Galerie Salis & Vertes, Salzburg. Privatsammlung Süddeutschland (2008 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Un siècle de peinture, Société des Artistes Honfleurais, Grenier à Sel, Honfleur, Juli bis September 2001, S. 50 (mit Farbabb.). LITERATUR: Christie's, Paris, 5496. Auktion, Collection du Professeur René Kuss. Tableaux Impressionnistes et Modernes, 1.12.2006, Los 330. Christie's, New York, Impressionist and Modern Day Sale, 7.5.2008, Los 372. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.17 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONGeorges Braque -1881 Argenteuil - 1963 Paris Nature morte aux fruits. Um 1954. Oil on canvas. Lower left signed. 18.5 x 27 cm (7.2 x 10.6 in). [CH]. • The still lifes in particular occupy a prominent position in the artist's oeuvre. • Further works from the artist's late creative period can be found at, among others, the Museum of Modern Art, New York. • His later still lifes are more intimate and reserved. • With fine shading, a reduced color palette and a radical simplification of the formal vocabulary, the artist gives the traditional subject of the fruit still life a very own, characteristic visual language. The painting will be included into the forthcoming addenda of the catalog raisonneé compiled by Dr. Quentin Laurens, Paris. PROVENANCE: Collection Fenwick, Paris (until 1964, Palais Galliéra, Paris, December 3, 1964, lot 7). Collection Prof. René Küss, Paris (acquired from the above in 1964, until 2006). Galerie Salis & Vertes, Salzburg. Private collection Southern Germany (acquired from the above in 2008). EXHIBITION: Un siècle de peinture, Société des Artistes Honfleurais, Grenier à Sel, Honfleur, July to September 2001, p. 50 (with color illu.). LITERATURE: Christie's, Paris, 5496th auction, Collection du Professeur René Kuss. Tableaux Impressionnistes et Modernes, December 1, 2006, lot 330. Christie's, New York, Impressionist and Modern Day Sale, May 7, 2008, lot 372. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.17 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Christian Rohlfs - - 1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Mutter und Kinder. Um 1928. Öl auf Leinwand. Vogt 733. 107 x 220 cm (42,1 x 86,6 in). • Singuläres, monumentales Werk im Œuvre des großen deutschen Expressionisten. • Das bisher großformatigste Werk des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt (Quelle: artprice.com). • Weitere Werke des Künstlers sind u. a. in den Sammlungen des Museum of Modern Art, New York, oder des Louvre Paris vertreten. • Einige seiner Arbeiten werden 1937 auf der Ausstellung 'Entartete Kunst' in München gezeigt. • 1955 werden einige Werke postum auf der documenta 1 in Kassel ausgestellt. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Galerie Boisserée, Köln (auf dem Keilrahmen mit dem Galerieetikett). Firmensammlung Nordrhein-Westfalen. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.28 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONChristian Rohlfs -1849 Niendorf/Holstein - 1938 Hagen Mutter und Kinder. Um 1928. Oil on canvas. Vogt 733. 107 x 220 cm (42.1 x 86.6 in). • Singular, monumental work in the oeuvre of the great German expressionist. • The artist's largest work offered on the international auction market (source: artprice.com) to date. • Other works by the artist are at, among others, the Museum of Modern Art, New York, or the Louvre, Paris. • Some of his works were shown in the 'Degenerate Art' exhibition in Munich in 1937. • In 1955 some works were exhibited posthumously at documenta 1 in Kassel. PROVENANCE: From the artist's estate. Galerie Boisseré, Cologne (with a gallery label on the stretcher). Corporate collection North Rhine-Westphalia. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.28 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Erich Heckel - - 1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Schlafende. 1917. Gouache über Bleistift. Rechts unten signiert und datiert sowie bezeichnet. Auf chamoisfarbenem Zeichenpapier. 33,5 x 45 cm (13,1 x 17,7 in), blattgroß. Verso mit einer Tuschpinselstudie 'Blick über den See', signiert und datiert '12'. • Erich Heckel ist Gründungsmitglied der expressionistischen Künstlergruppe “Brücke” (1905-1913). • Das intime Motiv der schlafenden Frau durchzieht viele Schaffensphasen des Künstlers. Die Arbeit wurde im Erich Heckel-Nachlass, Hemmenhofen am Bodensee, verzeichnet. Wir danken Frau Renate Ebner und Herrn Hans Geissler für die freundliche Auskunft. PROVENIENZ: Privatsammlung Deutschland (bis 2015, Ketterer Kunst 3.-5.12.2015). Privatsammlung Tschechische Republik (seit 2015, vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Ketterer Kunst, München, Auktion 428, Klassische Moderne, 3.-5.12.2015, Los 44. Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.36 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErich Heckel -1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Schlafende. 1917. Gouache over pencil. Signed, dated and inscribed in lower right. On creme paper. 33.5 x 45 cm (13.1 x 17.7 in), the full sheet. Verso with a ink brush study 'Blick über den See', signed and dated '12'. • Erich Heckel was a founding member of the expressionist artist group “Brücke” (1905-1913) • Heckel used the intimate motif of the sleeping woman in many of his creative periods. This work is registered at the archive of the estate. We are grateful to Mrs Renate Ebner and Mr Hans Geissler, Erich Heckel Estate, Hemmenhofen on Lake Constance, for the kind support in cataloging this lot. PROVENANCE: Private collection Germany (until 2015, Ketterer Kunst December 3 - 5, 2015). Private collection Czech Republic (since 2015, acquired from aforementioned). LITERATURE: Ketterer Kunst, Munich, Auction 428, Modern Art, December 3 - 5, 2015, lot 44. Called up: June 18, 2021 - ca. 15.36 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Alberto Giacometti - - 1901 Borgonovo (Schweiz) - 1966 Chur Copie d'apres un vase grec / Copie d'apres Li-Long-Mien: Shakyamuni assis en contemplation. 1942. Bleistiftzeichnung. Rechts unten signiert und datiert. Verso bezeichnet 'Vase greque' und 'chinois'. Auf festem, chamoisfarbenem Velin. 26,3 x 24,6 cm (10,3 x 9,6 in), Blattgröße. [CH]. • Auf beiden Blattseiten mit Zeichnungen des Künstlers. • In dynamischen, schnellen Strichen beweist der wohl bedeutendste schweizerische Bildhauer des 20. Jahrhunderts hier sein meisterliches Verständnis der menschlichen Anatomie. • Eindrucksvolles Zeugnis von Giacomettis Faszination und Auseinandersetzung mit anderen Kulturen wie auch der kunsthistorischen Vergangenheit. Das Werk ist in der Alberto Giacometti Database / AGD, Paris, unter der Nummer 504 registriert. PROVENIENZ: Sammlung Katherine S. und Morton G. Schamberg, Chicago. Privatsammlung USA/Spanien (2005 vom Vorgenannten erworben, Christie's, New York, 2.11.2005, Los 191). LITERATUR: Christie's, New York, 1571. Auktion, Impressionist and Modern Works on Paper, 2.11.2005, Los 191, S. 98 (mit Abb.). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.41 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONAlberto Giacometti -1901 Borgonovo (Schweiz) - 1966 Chur Copie d'apres un vase grec / Copie d'apres Li-Long-Mien: Shakyamuni assis en contemplation. 1942. Pencil drawing. Lower right signed and dated. Verso inscribed 'Vase greque' and 'chinois'. On firm creme wove paper. 26.3 x 24.6 cm (10.3 x 9.6 in), size of sheet. [CH]. • With drawings by the artist on both sides. • In this work the most important Swiss sculptor of the 20th century delivers proof of his ingenious understanding of human anatomy in swift and dynamic lines. • Remarkable document of Giacometti's fascination with foreign cultures and art history. The work is registered in the Alberto Giacometti Database / AGD, Paris, with the number 504. PROVENANCE: Collection Katherine S. and Morton G. Schamberg, Chicago. Private collection USA/Spain (acquired from above in 2005, Christie's, New York, November 2, 2005, lot 191). LITERATURE: Christie's, New York, 1571st auction, Impressionist and Modern Works on Paper, November 2, 2005, lot 191, p. 98 (with illu.). Called up: June 18, 2021 - ca. 15.41 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Marc Chagall - - 1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence L'arbre bleu et le coq rouge. 1959. Porzellan, bemalt. Seitlich links signiert sowie zusätzlich auf der Unterseite signiert und datiert. Durchmesser: 26 cm (10,2 in). Der von Marc Chagall bemalte Teller stammt aus der Sammlung von Peter A. Ade (1913-2005), erster Direktor der Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung (1985-1999) sowie ehemaliger Direktor Haus der Kunst in München (1950-1982). In seiner Funktion unterhält Ade zeitlebens engen Kontakt mit zahlreichen Künstlern, darunter Marc Chagall, Hans Purrmann, Oskar Kokoschka und Giacomo Manzù. [CH]. • Nahezu 50 Jahre Teil der Sammlung Peter A. Ade (1913-2005, ehemaliger Direktor Haus der Kunst, Kunsthalle Hypo-Kulturstiftung). • Von Marc Chagall gestaltete Keramiken und bemaltes Porzellan sind nur selten auf dem internationalen Auktionsmarkt zu finden. • In charmanten, kleinen Skizzen stellt Chagall hier einige charakteristische figurative Elemente seiner Malerei zur Schau: Den Hahn, die Ziege, eine längliche Figur mit fließenden Formen, einen vielblättrigen Baum sowie eine kleine Häuserzeile (vgl. 'I and the Village' 1911, Museum of Modern Art). PROVENIENZ: Sammlung Peter A. Ade (1913-2005), München (als Geschenk vom Künstler erhalten). Privatsammlung Rheinland-Pfalz (vom Vorgenannten erworben). LITERATUR: Christie's, London, Impressionist and Modern Art, 28.11.2007, S. 91, Los 151 (mit Abb.). Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 15.44 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMarc Chagall -1887 Witebsk - 1985 Saint-Paul-de-Vence L'arbre bleu et le coq rouge. 1959. Porcelain, painted. Signed in lef,t as well as signed and dated on the underside. Diameter: 26 cm (10.2 in). The plate painted by Marc Chagall comes from the collection of Peter A. Ade (1913-2005), first director of the Kunsthalle of the Hypo-Kulturstiftung (1985-1999) and former director of Haus der Kunst in Munich (1950-1982). In his role, Ade maintained close contact with numerous artists throughout his life, including Marc Chagall, Hans Purrmann, Oskar Kokoschka and Giacomo Manzù. [CH]. • Part of the Peter A. Ade Collection (1913-2005, former director Haus der Kunst, Kunsthalle Hypo-Kulturstiftung) for almost 50 years. • Ceramics or painted porcelain designed by Marc Chagall are rarely found on the international auction market. • In charming, small sketches, Chagall shows some characteristic figurative elements of his painting: the rooster, the goat, an elongated figure with flowing forms, a blooming tree and a small row of houses (cf. 'I and the Village' 1911, museum of Modern Art). PROVENANCE: Collection Peter A. Ade (1913-2005), Munich (gifted from the artist). Private collection Rhineland-Palatinate (acquired from the above). LITERATURE: Christie's, London, Impressionist and Modern Art, November 28, 2007, p. 91, lot 151 (with illu.). Called up: June 18, 2021 - ca. 15.44 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Norbert Kricke - - 1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Gelötete Edelstahlstäbe, lose auf Basaltsockel montiert. Unikat. Ca. 58,5 x 47 x 46 cm (23 x 18,5 x 18,1 in). Sockel: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • 1961 auf Krickes erster Einzelausstellung in den USA im Museum of Modern Art, New York, ausgestellt. • Aus der Sammlung des MoMA-Kurators Peter Howard Selz. • Krickes 'Raumplastiken' gleichen schwerelos und filigran in den Raum ausgreifenden Strahlenbündeln und gelten als Höhepunkt seines Strebens nach der 'Einheit von Raum und Zeit'. Wir danken Sabine Kricke-Güse, Berlin, für die freundliche wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: wohl: Lefebvre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (seit 1961). The Jewish Museum, New York (bis 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (2009 beim Vorgenannten erworben - 2010). Privatsammlung Rheinland (2010 vom Vorgenannten erworben, seither in Familienbesitz). AUSSTELLUNG: Museum of Modern Art, New York, 2.3-2.4.1961, Galerie John Lefebvre, New York, 11.4-6.5.1961, Galerie Karl Flinker, Paris, 15.11.-9.12.1961, möglicherweise Kat.-Nr. 9 (ohne Abb.). LITERATUR: Ketterer Kunst, Auktion 361, Kunst nach 45 / Zeitgenössische Kunst, München 12.12.2009, Los 318 (mit Abb.). 'Mein Problem ist nicht Masse, ist nicht Figur, sondern es ist der Raum und es ist die Bewegung - Raum und Zeit. [..] Ich versuche der Einheit von Raum und Zeit eine Form zu geben.' Norbert Kricke, 1954, zit. nach: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, München 1988, S. 2. Peter Selz, der Kurator des Museum of Modern Art und frühere Besitzer der vorliegenden 'Raumplastik', beginnt seinen Katalogtext zu Krickes erster Einzelausstellung in den USA 1961 mit den folgenden Worten: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [..]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz hatte bereits damals erkannt, dass Kricke in der Bildhauerei der Nachkriegsmoderne aufgrund seiner intensiven plastischen Erkundung von Raum und Zeit eine herausragende Rolle zukommt. Inspiriert von der konstruktivistischen Plastik um Naum Gabo und Antoine Pevsner entwickelt Kricke in seinen Unikaten eine bis heute einzigartige Formensprache. Kricke beginnt zunächst in den 1950er Jahren damit, die Dynamik der Linie anhand des Verlaufes eines einzelnen gebogenen Drahtes zu erkunden. Für diese frühen, meist farbig gefassten Arbeiten, die mit ihren langen Linienverläufen geradezu das spätere Schaffen des Amerikaners Fred Sandback vorwegzunehmen scheinen, findet dann auch bereits der Titel 'Raumplastik' Verwendung. Ab Mitte der 1950er Jahre beginnt Kricke dann mit Linienbündeln zu arbeiten, die er bis zum Ende des Jahrzehntes - wie auch in unserer wunderbaren 'Raumplastik' - bis hin zu mehrteiligen filigranen Linienkonstruktionen weiterentwickelt, die sich durch ihre einzigartige polyphone Ästhetik auszeichnen. Bündel aus aneinandergelöteten Metallstäben greifen, sich zu feinsten Verästelungen verjüngend, nach allen Seiten aus. Filigran und schwerelos wirken Krickes glänzende Schöpfungen, welche wie Lichtstrahlen den Raum füllen und damit einen äußerst progressiven Beitrag zur Bildhauerei der Nachkriegsmoderne liefern. Dies belegt auch die Tatsache, dass eine auf das eigene Werk bezogene Beschreibung des eine Generation jüngeren Amerikaners Fred Sandback auch für das deutlich frühere plastische Schaffen Krickes kaum treffender sein könnte: 'Noch Skulptur, wenn auch weniger dicht, mit einer Ambivalenz zwischen Außenraum und Innenraum. Eine Zeichnung, die man bewohnen kann.“ (Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONNorbert Kricke -1922 Düsseldorf - 1984 Düsseldorf Raumplastik. 1960. Soldered stainless steel rods, loosely mounted on basalt base. Unique object. Ca. 58.5 x 47 x 46 cm (23 x 18.5 x 18.1 in). Base: 8 x 10 x 9 cm (3,1 x 3,9 x 3,5 in). • Shown at Kricke's first U.S. solo show at the Museum of Modern Art, New York, in 1961. • From the collection of the art historian and MoMA curator Peter Howard Selz. • Kricke's 'Raumplastiken' resemble weightlessly hovering, bundles of filigree rays and mark the peak of his quest for a 'unity of space and time'. We are grateful to Sabine Kricke-Güse, Berlin, for her kind expert advice. PROVENANCE: probably: Lefebre Gallery, New York (1961). Peter Howard Selz, New York (since 1961). The Jewish Museum, New York (until 2009). Galerie Hans Strelow, Düsseldorf (acquired from aforementioned in 200, until 2010). Private collection Rhineland (acquired from aforementioned in 2010, ever since family-owned). EXHIBITION: Museum of Modern Art, New York, March 2 - April 2, 1961, Galerie John Levebre, New York, April 11 - May 6, 1961, Galerie Karl Flinker, Paris, November 15.11 - December 9, 1961, presumably cat. no. 9 (no illu.). LITERATURE: Ketterer Kunst, auction 361, Post War / Contemporary Art, Munich December 12, 2009, lot 318 (with illu.). 'Neither mass nor figure are my issues, but space and motion - space and time. [..] I strive to bring form to the unity of space and time.' Norbert Kricke, 1954, quote from: Kritisches Lexikon der Gegenwartskunst, Munich 1988, p. 2. Peter Selz, curator at the Museum of Modern Art and former owner of this 'Raumplastik', begans his text for the catalog of Kricke's first solo exhibition in the USA in 1961 with the following words: 'The Museum of Modern Art is happy to present a selection of sculpture and drawings by Norbert Kricke [.]. Kricke is already well established in Europe but has thus far not received the recognition he deserves in New York.' Selz had already recognized that Kricke played a prominent role in post-war sculpting at that time due to his intensive three-dimensional exploration of space and time. Inspired by the constructivist sculpting around Naum Gabo and Antoine Pevsner, Kricke developed a signature style that has remained unmistakable up until today. In the 1950s Kricke began to explore the dynamics of the line based on the course of a single bent wire. The title 'Raumplastik'was already used for these early, mostly colored works, which, owing to their long lines, seemed to anticipate the later work of the American Fred Sandback. From the mid-1950s on Kricke began to work with bundles of lines, which he developed by the end of the decade - as it is the case with our wonderful 'Raumplastik' - to multi-part filigree line constructions characterized by unique polyphonic aesthetics. Bundles of soldered metal rods, tapering to the finest branches, extending into all directions. Kricke's shiny creations appear filigree and weightless, filling the room like rays of light and thus making an extremely progressive contribution to post-war modernism. In this sense a quote from the American artist Fred Sandback could hardly be more suitable to describe Kricke's much earlier sculptural work: 'Still a sculpture, albeit less dense, with an ambivalence between exterior and interior space . A drawing you can live in. ”(Fred Sandback, Here and Now, Kunstmuseum Liechtenstein, Vaduz 2005). [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Willi Baumeister - - 1889 Stuttgart - 1955 Stuttgart Formen farbig (Fliegende Formen). 1937. Öl auf Leinwand. Beye/Baumeister 762. Auf dem Keilrahmen signiert und datiert sowie mit einem Etikett, dort nochmals signiert und mit der Werknummer 'WB Nr. 610' sowie ein weiteres Etikett mit rotem Fingerabdruck. 65 x 46 cm (25,5 x 18,1 in). Im Tagebuch des Künstlers befindet sich eine Skizze des Gemäldes (S.114) mit dem entwicklungsgeschichtlich aufschlussreichen Vermerk: 'Vorgänger der >fliegenden Formen< Juni 1938' (vgl. Beye/Baumeister 764ff.). • Eine der ersten rein abstrakten Kompositionen Willi Baumeisters aus der kleinen, frühen Werkgruppe der 'Ideogramme und Zeichen' (1937-1941). • Von größter Seltenheit. Bisher wurden erst zwei weitere Kompositionen aus dieser Werkgruppe auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten. • Eine der wenigen mehrfarbigen Kompositionen der überwiegend in Schwarz-Weiß ausgeführten Werkgruppe. • Die schwebenden biomorphen Strukturen zeigen deutliche Parallelen zu zeitgenössischen Schöpfungen Hans Arps und Alexander Calders. • Baumeisters Gemälde der 'Ideogramme und Zeichen' gehört zu den zentralen abstrakten Positionen der 1930er Jahre. PROVENIENZ: Galleria d'Arte Stendhal, Mailand (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel). Galleria Gissi, Turin (auf dem Keilrahmen mit dem Stempel). Klipstein & Kornfeld, Bern (1962). Galerie Valentien, Stuttgart (1987). Privatbesitz Reutlingen (1987 vom Vorgenannten erworben-2013). Galerie Schlichtenmaier, Stuttgart (2013). Privatsammlung Süddeutschland (beim Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Willi Baumeister - Ernst Wilhelm Nay, Kunsthalle Basel, 1960, (Nr. 1729, auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Willi-Baumeister - Das unbekannte in der Kunst, Stiftung für konkrete Kunst, Reutlingen 1988/89 (mit Farbabb. o.S.). LITERATUR: Klipstein & Kornfeld, Auktion 108, Bern, 25. und 26.5.1962, S. 12, Kat.-Nr. 51, (mit S/W-Abb. Tafel 98). Kunst des 20. Jahrhunderts, Lagerkatalog 1986/87, Galerie Valentien, Stuttgart 1987, S. 30 (mit Abb.). Wunderbar leicht sind die Kompositionen der kleinen Werkgruppe der 'Ideogramme und Zeichen'. In perfekter, schwebender Balance präsentieren sich die klar konturierten Formen zueinander austariert in spannungsvoller Distanz vor monochromem hellgrauen Grund. Nichts stört unseren Blick, mit dem wir dem sanften Schwingen der Kontur folgen. All das ruft zwangsläufig Parallelen zu den berühmten Mobiles Alexander Calders wach, mit denen der amerikanische Künstler ebenfalls um die Mitte der 1930er Jahre zu experimentieren beginnt. 'Formen farbig (Fliegende Formen)' gehört zu Baumeisters ersten konsequent abstrakten Schöpfungen, die sich nicht nur formal, sondern auch durch ihren Titel jeglicher figürlicher Assoziation verweigern. Baumeister hat eine starke Affinität zum Zeichen, das er in den 1940er Jahren einmal als 'Urform des Bildhaften' bezeichnet, als 'die erste und vielleicht reinste Position des Optisch-Visuellen' (zit. nach: Beye/Baumeister, Bd. I, S. 14). Neben Calder erinnern die sanft schwebenden Gebilde auf Baumeisters eindrucksvoller Komposition mit ihrer reduzierten biomorphen Formsprache auch an die zeitgenössischen Schöpfungen des deutsch-französischen Bildhauers Hans Arp. Die fast gleichaltrigen Künstler Arp und Baumeister kamen bereits früh über den Dadaisten Kurt Schwitters in Kontakt. Vermutlich begann ihre Freundschaft und ihr künstlerischer Austausch bereits in den 1920er Jahren in Paris. Für 1930 schließlich ist ein Zusammentreffen beider Künstler in der französischen Hauptstadt belegt und 1938, also im Jahr nach der Entstehung der vorliegenden Komposition, besichtigt Arp die von Baumeister 1937/38 in der Kunsthalle Basel zum Schutz vor den Nationalsozialisten deponierten Kunstwerke. Für die Nachkriegszeit sind gegenseitige Atelierbesuche und der Austausch von Kunstwerken und künstlerischen Positionen dokumentiert. Baumeister und Arp sind zudem Mitglieder der avantgardistischen Pariser Künstlergruppe 'Abstraction Création', der 1931 auch der amerikanische Künstler Alexander Calder beitritt. Die wunderschöne minimalistische Komposition 'Formen farbig (Fliegende Formen)' ist also nicht nur eine herausragend starke Komposition und laut Vermerk des Künstlers das seine schwarz-weiße Folge der 'Fliegenden Formen' initiierende Werk, sondern auch ein eindrucksvolles künstlerisches Dokument von Baumeisters internationalem künstlerischen Austausch in den 1930er Jahren. Baumeister, der ab 1946 als Professor an der Stuttgarter Kunstakademie lehrt, zählt heute zu den wichtigsten deutschen Avantgarde-Künstlern seiner Zeit und zu den wegweisenden Vertretern der abstrakten Malerei in Deutschland. Baumeisters Kompositionen waren bereits mehrfach auf Ausstellungen im Museum of Modern Art vertreten und waren dort bereits 1957 in der legendären Überblickschau 'German Art of the 20th Century' unter anderem neben Kompositionen Kandinskys zu sehen. Zuletzt hat 2014 das MKM Museum Küppersmühle, Duisburg, in der Ausstellung 'Willi Baumeister International' Baumeisters Werdegang vom Stuttgarter Kunststudenten zum international gefeierten Nachkriegskünstler in einer umfassenden Ausstellung nachgezeichnet. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.18 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).

Hans Hartung - - 1904 Leipzig - 1989 Antibes T 1931-1. 1931. Öl auf Holz. 46 x 38 cm (18,1 x 14,9 in). • Frühestes abstraktes Gemälde des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt (Quelle: www.artprice. com). • Seltenes frühes abstraktes Gemälde, das für Hartungs weiteres gestisch-abstraktes Schaffen wegweisend ist. • Im Dezember 2020 erzielte die stilistisch und farblich vergleichbare Komposition 'T1934-2' (1934) das zweithöchste Auktionsergebnis • 1975 widmet das Metropolitan Museum of Art, New York, dem europäischen Protagonisten der abstrakten Malerei eine Einzelausstellung. • Aus der Sammlung Deutsche Bank. Das Werk ist im Archiv der Fondation Hartung-Bergman, Antibes, registriert und wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis des Künstlers aufgenommen. PROVENIENZ: Galerie Kühl, Dresden (1931). Sammlung Friedrich Bienert, Berlin (1931 vom Vorgenannten erworben, - mindestens 1969, verso mit Transportetikett). Galerie Beyeler, Basel (verso mit dem Etikett). Sammlung Deutsche Bank (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Hans Hartung. Gemälde, Aquarelle und Zeichnungen, Galerie Heinrich Kühl, Dresden 1931. Hans Hartung, Musée national d’art moderne, Paris 1969, Kat.-Nr. 20. LITERATUR: Hans Hartung. Spontanes Kalkül, Ausst. Kat. Museum der Bildenden Künste, Leipzig 2007, S. 206 (mit Abb.). 'Meiner Meinung nach ist die Malerei, die man die abstrakte nennt, kein Ismus [..], sie ist weder ein 'Stil' noch eine 'Epoche' in der Geschichte der Kunst, sondern einfach ein neues Ausdrucksmittel, eine andere menschliche Sprache - und zwar direkter als die frühere Malerei.' Hans Hartung Hans Hartung ist einer der wenigen deutschen Künstler, die sich nach nur vereinzelten figürlichen Versuchen von Anfang an konsequent der Abstraktion verschrieben haben. Ein Vortrag von Wassily Kandinsky, den der in Leipzig geborene Künstler 1925 während seiner Studentenzeit hört, wird dabei zum Schlüsselerlebnis. Fortan beginnt Hartung ausschließlich abstrakt zu arbeiten und wird schließlich zu einem der herausragenden Vertreter des europäischen Informel. Unsere leuchtende Komposition, die Hartung in flächig breitem Duktus auf den Malgrund setzt, scheint bereits den breiten Strich späterer Kompositionen von Pierre Soulages vorwegzunehmen. War der Schritt zur abstrakten Malerei für andere Künstler oft das Ergebnis eines langen Weges der Suche, so ist sie für Hartung vielmehr die frühe Grundlage eines besonders reichen gestischen Schaffens, das bis in die 1980er Jahre reicht. Diese künstlerische Konsequenz wird Hartung in der Zeit des Nationalsozialismus allerdings zum Verhängnis, weshalb die große öffentliche Würdigung seines Schaffens erst in der Nachkriegszeit einsetzt. Seine ungegenständlichen Arbeiten finden erst dann ein aufnahmewilliges Publikum. Zudem wird seine Zugehörigkeit zur École de Paris, die in den 1950er Jahren Mittelpunkt der europäischen Avantgarde ist, besonders gewürdigt. Hartungs Bildfindungen sind freie Formen eines dynamischen Schaffensprozesses, die sich durch ihren besonderen grafischen Gestus auszeichnen. Bereits in den 1970er Jahren wird Hartungs Œuvre nicht nur in Deutschland mit einer Retrospektive im Wallraf-Richartz-Museum in Köln, sondern 1975 sogar mit einer Einzelausstellung im Metropolitan Museum, New York, geehrt. Auf der New Yorker Ausstellung werden vorrangig Arbeiten der frühen 1970er Jahre gezeigt, in denen Hartung das lineare Formenpotenzial der beiden vorangegangenen Jahrzehnte mit neuen, stärker flächig ausgerichteten Formelementen verbindet. Seine Kompositionen weisen in dieser Zeit häufig breite, mit dem Spachtel oder Flachpinseln aufgetragene Farbzonen auf, welche mit den feinen Liniensystemen früherer Arbeiten zu ausdrucksstarken Farbklängen verschmolzen werden. Diese flächig ausgeführte Gestik der 1970er Jahre ist aber keineswegs neu in Hartungs Œuvre, wie unsere leuchtende Komposition aus dem Jahr 1931 zeigt. Die äußerst frühe abstrakte Komposition überzeugt durch ihre progressive, flächig-gestische Bildsprache und das Element der Überlagerung, beides Stilmittel, die nicht nur für Hartungs weiteres malerisches Œuvre in entscheidender Weise prägend sein werden. Hartungs Arbeiten befinden sich heute in zahlreichen internationalen Museen, u. a. im Metropolitan Museum of Art, New York, dem Museum of Modern Art, New York, und der Tate Gallery, London. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.22 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).

Karl Hofer - - 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Drei Frauen. 1941. Öl auf Leinwand. Wohlert 1547. Rechts unten monogrammiert und datiert. 74 x 51 cm (29,1 x 20 in). • Hofers einzigartig entrückte Mädchenbildnisse gehören zu den eindringlichsten Schöpfungen des Künstlers. • Hofers Figurengemälde waren bereits 1957 auf der legendären Ausstellung 'German Art of the 20th Century' im Museum of Modern Art, New York, neben Dix, Grosz und Beckmann ausgestellt. • Durch den schönen Kontrast des schwarzen und weißen Kleides und dem blauen Kopftuch erhält die herausragende Komposition eine subtile Spannung. • Seit 60 Jahren Teil einer deutschen Privatsammlung. • Vergleichbare Figurenkompositionen aus dem Jahr 1943 befinden sich im Museum der bildenden Künste, Leipzig, und im Karl Ernst Osthaus Museum, Hagen. PROVENIENZ: Privatsammlung Krefeld (wohl seit 1961, Lempertz 1./2.12.1961, bis 1980). Privatsammlung München (1980 vom Vorgenannten durch Erbschaft erhalten). LITERATUR: Kunsthaus Lempertz, Köln, Auktion 467, 1./2.12.1961, Los 250, S. 47 (mit SW-Abb. Tafel 16). 'Nie habe ich eine Figuration nach der äußeren Natur des Zufälligen geschaffen. Der Impressionismus vermochte mich darum nicht zu berühren. Die Extasen des Expressionismus lagen mir nicht. Der Mensch und das Menschliche war und ist das Objekt meiner Darstellungen.' Karl Hofer, zit. nach: Karl Hofer. Von Lebensspuk und stiller Schönheit, Ausst.-Kat. Kunsthalle Emden 2012, S. 14. Einzigartig ist die Melancholie und Beziehungslosigkeit, die in besonderer Weise Hofers mehrfigurige Kompositionen auszeichnet. Figurengruppen aus drei weiblichen Gestalten gehören dabei zu den wiederkehrenden Themen in Hofers malerischem Œuvre. Variationen dazu lassen sich bereits in seinem Frühwerk finden. Das Motiv hat seinen ikonografischen Ursprung in den in der Renaissance verbreiteten Darstellungen des 'Urteil des Paris' und der 'Drei Grazien'. Hofer aber emanzipiert sich mit seiner Darstellung zugleich deutlich von diesen grundlegenden mythologischen Bezügen. Sein Fokus liegt ganz auf der Schilderung einer in sich gekehrten, seltsam entrückten Beziehungslosigkeit. Es ist eine stumme Zusammenkunft der drei jungen Frauen, die von der Regungslosigkeit ihrer Gesichter und ihrem sentimental nach innen gerichteten Blick getragen wird. Gleichzeitig ist die latente Spannung zwischen den drei leicht bekleideten, körperlich einander zugewandten Frauen spürbar, die durch den spannungsvollen Kontrast des schwarzen und weißen Kleides und der Nacktheit des gegenübergestellten Rückenaktes noch gesteigert wird. Besonders schön ist auch der farbliche Akzent des hellblauen Kopftuches, der einmal mehr von Hofers kompositioneller Meisterschaft zeugt. Die Isoliertheit und Introvertiertheit der Figuren ist sicherlich zum einen Hofers neusachlicher Prägung geschuldet, aber zum anderen auch gleichsam empfindsames Sinnbild einer aufgrund der nationalsozialistischen Kulturpolitik in innerer Emigration verharrenden Künstlergeneration. Hofers Protagonisten sind in einem aktionslosen Moment des Innehaltens gezeigt, werden im Moment eines kaum bestimmbaren Empfindens und Fühlens erfasst und verweigern sich auch aufgrund des konsequenten Verzichtes auf Attribute jeder konkreten Interpretation. Gerade in dieser offenen Formulierung liegt der einzigartige, subtile Reiz von Hofers unverwechselbaren Figurenkompositionen. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONKarl Hofer -1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Drei Frauen. 1941. Oil on canvas. Wohlert 1547. Lower right monogrammed and dated. 74 x 51 cm (29.1 x 20 in). • Hofer's unique portraits of engrossed girl are among the artist's most touching creations. • In 1957 Hofer's figure paintings were part of the legendary show 'German Art of the 20th Century“ at the Museum of Modern Art, New York, alongside works by Dix, Grosz and Beckmann. • The contrast of black and white dress and the blue of the scarf add subtle tension to the composition. • Part of a German private collection for 60 years. • Similar figure compositions from 1943 are in possession of, among others, the Museum der bildenden Künste, Leipzig, and the Karl Ernst Osthaus Museum, Hagen. PROVENANCE: Private collection Krefeld (presumably since 1961, Lempertz December 1/2, 1961, until 1980). Private collection Munich (inherited from the above in 1980). LITERATURE: Kunsthaus Lempertz, Cologne, auction 467, December 1/2, 1961, lot 250, p. 47 (with black-and-white illu. on plate 16). 'I never modeled my figuration on the outer nature of chance. That's why Impressionism did not touch me, neither did the ecstasy of Expressionism. Man is the object of my depictions.' Karl Hofer, quote from: Karl Hofer. Von Lebensspuk und stiller Schönheit, ex. cat. Kunsthalle Emden 2012, p. 14. The melancholy and unrelatedness that characterize Hofer's multi-figure compositions is unique. Groups of three female figures are among the recurring themes in Hofer's oeuvre of paintings. Variations thereof can be found in works from his early creative period. The motif has its iconographic origin in the representations of the 'Judgment of Paris' and the 'Three Graces' that were quite popular in the era of the Renaissance. At the same time, however, Hofer clearly emancipated himself from these fundamental mythological references. His focus was entirely on the portrayal of an introspective, strangely remote unrelatedness. It is a silent gathering of the three young women, characterized by motionless facial expression and their sentimental, inwardly gaze. At the same time, the latent tension between the three lightly clad women, physically facing each other, is palpable, and is increased by the fascinating contrast of the black and white dress and the opposite nude in rear view. The color accentuation of the light blue headscarf, which once more testifies to Hofer's compositional mastery, is particularly beautiful. The isolation and introversion of the figures is certainly due to Hofer's neo-objective character, but also owed to a sentimental symbol of a generation of artists forced to an ‘internal‘ emigration as a consequence of National Socialist‘s cultural policies. Hofer's protagonists are shown in a moment of pause without action, they are captured in a moment of sensations and feelings that are difficult to determine and also refuse any concrete interpretation due to the artist‘s consistent renunciation of attributes. It is precisely this open formulation that makes for the unique, subtle appeal of Hofer's unmistakable figure compositions. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Fritz Koenig - - 1924 Würzburg - 2017 Altdorf bei Landshut Schaukel. 1961. Bronze, poliert. Clarenbach 260. Am Sockel mit dem Namenszug. Eines von 3 Exemplaren. Ca. 64,5 x 60 x 12 cm (25,3 x 23,6 x 4,7 in). • Seltene frühe Arbeit. • Erstes auf dem internationalen Auktionsmarkt angebotenes Exemplar aus einer Auflage von 3. • Über die New Yorker Staempfli Gallery erworben, die 1961 die erste Einzelausstellung des Künstlers in den USA zeigt. • 1970 entwirft Koenig die Bronze 'The Sphere', die zwischen den beiden Türmen des World Trade Center aufgestellt war und heute als weltbekanntes Mahnmal für die Anschläge des 11. September gilt. • Bronzen des Künstlers befinden sich in zahlreichen bedeutenden Sammlungen, darunter das Museum of Modern Art, New York, die Guggenheim Collection, Venedig, und die Pinakothek der Moderne, München. Wir danken Herrn Dr. Dietrich Clarenbach, Gauting, für die wissenschaftliche Beratung. PROVENIENZ: Staempfli Gallery, New York (direkt vom Künstler). Unternehmenssammlung Philadelphia, Pennsylvania (1976 vom Vorgenannten erworben). 'In den Skulpturen werden Erfahrungen sowohl aufgrund äußerer Sinne als auch innerer Wahrnehmungen, Imagination und eigener physisch-psychischer Verfassung [..] mit ästhetischer Wertung [verbunden]. ' Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig Skulpturen 1966-79, Regensburg 1979, o.S. Im wahrsten Sinne spektakulär war die große Koenig-Retrospektive, welche die Uffizien im Sommer 2018 veranstaltet haben: An zwei Orten zugleich, der Galleria degli Uffizi und im benachbarten Boboli Garten, begegneten die Besucher den unverwechselbaren Schöpfungen des weltbekannten deutschen Bildhauers. Es war eine 'Präsentation der Superlative' (Tagesspiegel, 30.8.2018), die dort nicht nur in elf Sälen der Uffizien, sondern auch mit 25 in der beeindruckenden Renaissance-Kulisse des Boboli Gartens präsentierten Großplastiken dem deutschen Ausnahmebildhauer gewidmet war. Der in Würzburg geborene Bildhauer Fritz Koenig wird durch die frühe Zusammenarbeit mit der New Yorker Staempfli Gallery schnell international bekannt. Nach Koenigs erster Einzelausstellung in den USA, die die Galerie des gebürtigen Schweizers George William Staempfli 1961 zeigt, widmet die New Yorker Galerie aufgrund des großen Erfolges Koenigs beeindruckendem Schaffen schließlich bis 1973 regelmäßig Einzelausstellungen. Ab 1956 beginnt Koenigs intensive Auseinandersetzung mit verschiedenen Bewegungsmotiven, die er in Ansammlungen von Mensch und Tier künstlerisch durchzuspielen beginnt. Es entstehen gleich mehrere Versionen der Arbeiten 'Menge' (1956) und 'Camargue' (1956–1960), in der eine Herde aus parallel ausgerichteten Rinderkörpern und treibenden Reitern zu einer eindrucksvollen formalen Einheit verschmelzen. 'Camargue X' (1958) befindet sich heute in der Sammlung des Museum of Modern Art, New York. Und im Anschluss an die Biennale von Venedig, deren Teilnehmer Koenig 1958 ist, erwirbt Peggy Guggenheim ein Exemplar der Bronze 'Biga' (1957), die zwei abstrahierte Pferde vor einem Streitwagen zeigt, für ihren Skulpturengarten in Venedig. Bewegungskonzentrierte Reiter- und Quadrigamotive folgen um 1960 und Koenig hat in unserer großen Bronze 'Schaukel' (1961) das dort noch aus der Fläche nach vorne gerichtete Bewegungsmotiv nun in ein zu den Seiten schwingendes weiterentwickelt. Auf diese Weise ist Koenig in 'Schaukel' ein luftiges, sanft schwingendes Formgebilde gelungen, das so in seinem bildhauerischen Schaffen einzigartig ist und dessen Erscheinung souverän zwischen abstrakten Elementen und figürlichen Assoziationen oszilliert. [JS] Aufrufzeit: 18.06.2021 - ca. 17.32 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONFritz Koenig -1924 Würzburg - 2017 Altdorf bei Landshut Schaukel. 1961. Bronze, polished. Clarenbach 260. With the number on the base. From an edition of 3 copies. Ca. 64.5 x 60 x 12 cm (25.3 x 23.6 x 4.7 in). • Rare early work. • First copy from the edition of 3 offered on the international auction market. • Acquired from the New York Staempfli Gallery, which showed the artist's first American solo show in 1961. • Around 1970 Koenig received the spectacular commission for 'The Sphere', a monumental globe-shaped bronze erected between the two towers of the New York World Trade Center, today it is a world-famous memorial for the 9/11 attacks. • Works by the artist are in many renowned collections, among them the Museum of Modern Art, New York, the Guggenheim Collection, Venice, and the Pinakothek der Moderne, Munich. We are grateful to Dr. Dietrich Clarenbach, Gauting, for his kind expert advice. PROVENANCE: Staempfli Gallery, New York (directly from the artist). Corporate collection Philadelphia, Pennsylvania (acquired from aforementioned in 1976). 'In the sculptures the artist concretizes experiences of both inner and outer sensations, imagination and the own physical and mental state in combination with aesthetic values.' Dietrich Clarenbach, Fritz Koenig Skulpturen 1966-79, Regensburg 1979, no p. The grand Koenig retrospective organized by the Uffizi in summer 2018 was spectacular in the truest sense of the word: In two locations, one at at the Galleria degli Uffizi and one at the neighboring Boboli Garden, visitors encountered the unmistakable creations of the world-famous German sculptor. It was a 'Presentation of Superlatives' (Tagesspiegel, August 30, 2018), which was dedicated to the exceptional German sculptor not only in eleven halls of the Uffizi, but also with 25 large sculptures presented in the impressive Renaissance backdrop of the Boboli Garden. The Würzburg-born sculptor Fritz Koenig quickly became internationally known through his early collaboration with the Staempfli Gallery in New York. After Koenig's first solo exhibition in the USA, which the gallery of the Swiss George William Staempfli showed in 1961. Due to Koenig's great success the New York gallery regularly organized solo exhibitions until 1973. From 1956 on Koenig became intensively occupied with motifs of motion, which he began to artistically examine in groups of people and animals. Several versions of the works 'Menge' (Quatity, 1956) and 'Camargue' (1956–1960) were created, in which a herd of parallel cattle bodies and driving riders merge into an impressive formal unit. 'Camargue X' (1958) is now in the collection of the Museum of Modern Art, New York. Following the Venice Biennial in which Koenig participated in 1958, Peggy Guggenheim acquired a copy of the bronze 'Biga' (1957), which shows two abstract horses in front of a chariot, for her sculpture garden in Venice. Movement-focused rider and quadriga motifs followed around 1960 and in our large bronze 'Schaukel' (Swing, 1961) Koenig has developed the forward-oriented motion motif to one that swings to the sides. This way Koenig has succeeded in creating an airy, gently swinging form. With an appearance oscillating between abstract elements and figurative associations, 'Schaukel' is unique in his sculptural work. [JS] Called up: June 18, 2021 - ca. 17.32 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.