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Click here to subscribe‡Josef Herman OBE, RA (Polish 1911-2000) The Cockle Gatherers Oil on canvas 38.5 x 55cm Provenance Roland, Browse and Delbanco, London; Private Collection, by 1984; By family descent to the previous private collector; By whom sold, Sworders, Stansted, Modern British & 20th Century Art, 10 June 2020, lot 147, where purchased by the present private collector
‡Paul Feiler (1918-2013) Related Forms IV Signed, dated and inscribed PAUL FEILER/RELATED FORMS IV 1966/67 (to reverse) Oil on canvas 46 x 46cm Provenance: Geoffrey Harley (1937-2016); His posthumous sale, Woolley and Wallis, Salisbury, Modern British Art from the Estate of the Late Geoffrey Harley, 7 February 2018, lot 175, where purchased by the present private collector
Andre Durand (Canadian b.1947) Study of Suleyman, a favourite lurcher Signed with monogram (lower left) and inscribed and dated Suleyman/March 1982 (lower right) Red and white chalk 88 x 69cm Provenance: Property of a nobleman; By whom sold, Woolley and Wallis, Salisbury, Modern British & 20th Century Art, 11-12 May 2021, lot 300, where purchased by the present owner
Etruskische Kleeblattkanne. Ende 7. Jh. v. Chr. H 19,2cm, ø Körper 12,8cm. Bucchero. Aus großen Fragmenten zusammengesetzt, kleine Fehlstellen sind retuschiert, Fuß modern ergänzt. Provenienz: Aus einer französischen Privatsammlung der 1960er Jahre; in Deutschland seit 2000; ex Gorny & Mosch, München Auktion 279, 2021, Los 584. Publiziert: Kunst der Antike - Ancient Art. Galerie Günter Puhze Katalog 28, 2014, Nr. 71.
XAVIER GOSÉ (Alcalá de Henares, 1876 - Lleida, 1915)."La barraca escola".Ink and chalk on paper.With an information label on the back of the Artur Ramon Gallery (Barcelona).Signed in the lower right-hand corner.Size: 18 x 18 cm; 31 x 31 cm (frame).Xavier Gosé has several works dedicated to the idea of the barraca, this type of building associated with the farmers, is presented in this case as a school, populated by young people who enjoy themselves happily in their free time. The architecture, the landscape and the costumes of the characters show us an everyday scene, a summary of 19th-century life, with an aesthetic close to Catalan noucentisme. This is visible not only through the characters, already mentioned, but also in the way the landscape is conceived, where we can appreciate the dominance of a sinuous line, tending towards curved and fluid finishes.Gosé was a voyeur of human passions and his work constitutes a documentary archive of bourgeois society at the beginning of the 20th century. Francisco Javier Gosé was an essential draughtsman and painter in the world of graphics and fashion in the transition from the 19th to the 20th century. He studied in Barcelona, where he was assistant to the draughtsman José Luis Pellicer. From a very early age he collaborated in Barcelona publications, from "La Esquella de la Torratxa" and "La saeta", in which his attachment to modernism is evident, to "Mundial Magazine" and "Fémina", where a pre-cubist line can already be seen. His first exhibition was held at Els Quatre Gats. During his Barcelona period he portrayed the proletariat, although in 1900 he travelled to Paris, where he collaborated with "La vie Illustrée" and "Le frou-frou", among others. He exhibited in the Barcelona galleries Parés and Dalmau, the Vilches gallery (Madrid), Georges Petit and Ritlinger (both in Paris). Up to this point his works showed a satirical and realistic view of the bourgeoisie, snobs and prostitutes, although this view changed in 1907, when he began a more stylised, less realistic and less ironic period, above all because of his entry into the world of fashion, in which Gosé sought to set a trend among women in society. His period in Paris was the turning point in his life and artistic production, as the French capital was the place where he broadened his knowledge, becoming a successful artist who would obtain interesting commissions as an illustrator in the best satirical magazines. In 1910 he began to collaborate with German magazines such as "Ulk". In 1914 the First World War broke out, a circumstance which, together with serious health problems, deprived him of the elegant Parisian environment, and he moved to the city of Vichy, famous for its spas. Shortly afterwards Gosé moved back to Barcelona, spending the last days of his life in Lleida. His posthumous exhibitions include the one at the Círculo Artístico in the same year as his death, the retrospective at the Rovira gallery (1970) and the one at the Fundación La Caixa (1984). He is represented in the Museums of Modern Art in Barcelona and Madrid, among others. Javier Gosé's style oscillates between modernism and French art-deco, reflecting the life of Parisian society. Inspired by the worldly life of the café-concerts, the prostitutes, the horse races, the sportsmen and the well-known Montmartre, his style reflects the finesse and delicacy of French society at the time, although it is not without a certain mischievousness characteristic of carefree Paris.
RAMÓN MARTÍ ALSINA (Barcelona, 1826 - 1894)."Female nude".Oil on canvas. Relined.Signed in the lower left corner.Period frame, with some faults in the stucco and polychromy.Measurements: 175 x 80 cm; 213 x 118 cm (frame).Seated on cushions upholstered in silk and trimmings, a woman of cimbreantes hips and turgid flesh tones acquires a sculptural presence, being outlined in front of a dark bottom. She adopts a modest gesture that accentuates her attractiveness. She tilts her head to one side and her black eyes give off a melancholic glow. The nude seems to be based on baroque models, but Martí Alsina counterbalances the carnal charge with an intimate, modern touch. The silky qualities of the hair, the luminous modelling of the forms, the soft cushions, etc. bear the mark of a master.Considered today as the most important figure of Spanish realism, Martí Alsina was part of the European avant-garde of the time. He revolutionised the Spanish artistic panorama of the 19th century, was a pioneer of the study of life and the creator of the modern Catalan school, as well as the master of a whole generation, with disciples of the importance of Vayreda, Urgell and Torrescassana. He began his studies in philosophy and literature, alternating them with evening classes at the Barcelona School of Fine Arts until 1848. After completing this first apprenticeship and deciding to take up painting, he took his first steps in the Maresme region, where he began to earn his living by painting portraits in a naturalistic style and landscapes "à plen air". In 1852 he became a teacher of line drawing at the Escuela de la Lonja in Barcelona, and two years later he began to teach figure drawing, a post he held until the accession of Amadeo of Savoy to the throne. In 1853 he travelled to Paris, where he visited the Louvre and became familiar with the work of Horace Vernet, Eugène Delacroix and French Romanticism. Later he became acquainted with the work of Gustave Courbet, the greatest exponent of realism. In 1859 he was appointed a corresponding member of the Sant Jordi Academy of Fine Arts in Barcelona. His first important exhibition was the General Exhibition of Fine Arts in Barcelona in 1851. From then on he exhibited regularly in Barcelona, Madrid and Paris, and was invited to the Universal Exhibition in the French capital in 1889. His prizes included medals at the National Exhibitions in Madrid, third in 1858 for his work Last Day of Numancia and second in 1860 for his landscape. In his last years he lived in seclusion, focusing his efforts on the search for new forms of expression, with an undone brushstroke close to Impressionism. His themes include numerous landscapes and seascapes, urban views (especially of Barcelona), portraits and human figures, genre scenes, temperamental female nudes, history painting and biblical scenes. He rarely devoted himself to still lifes, although he also painted some still lifes. Works by Martí Alsina are kept in the Prado Museum, the Thyssen-Bornemisza Museum, the National Art Museum of Catalonia, the Barcelona Museum of Contemporary Art, the Museum of the Abbey of Montserrat and the Museum of l'Empordà in Figueras.
FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES (Fuendetodos, Zaragoza, 1746 - Bordeaux, France, 1828)."Los desastres de la guerra" (79 etchings).First edition. 1863. Published by the Real Academia de Nobles Artes de San Fernando. MadridEdition of 80 etchings on Guarro paper (79 etchings, copy number 47 is missing).Numbered and titled copies in plate.Hard cover.Presents marks of use and deterioration due to the passage of time.Size: 17,5 x 22 cm (print), 24 x 34 cm (paper), 25 x 37 x 6 cm (book).Belonging to the book published by the Real Academia de Bellas Artes de San Fernando of the collection of prints, the first edition of "Los desastres de la guerra" (1923). This first edition appeared in 1863, and others followed in 1892, 1903 and 1906, this one being the most sought after and sought after.Edition of prints in which Francisco de Goya reflected the horror unleashed during the War of Independence, which began in 1808. Enrique Lafuente Ferrari's contribution to the study of Goya's Disasters of War is considered fundamental. To him we owe the first attempt, with scientific criteria, to systematise the analysis of the Disasters, becoming an obligatory point of reference in subsequent studies."The Disasters of War", a work from the Aragonese painter's last period, have become over time a series of timeless prints that can be applied to any war in the world. Death, torture, hunger, disease, lack of solidarity... these are all disasters that are part of any war, showing the bitterest side of the human being. Goya began to engrave the plates around 1810, after returning from the front, and finished the series in 1815. "The Disasters" give free rein to one of the fundamental aesthetic categories of modernity: pathos. Unlike most of his contemporaries, Goya did not set up a systematic, serial chronicle of events, but transformed or eliminated the anecdotal in order to arrive at a universal vision.They exemplify a world in crisis, understood in the sense of change. Conceptually, they reveal the fissures of a socio-political structure based on an impeded stratification of the strata, and of a system of values based on the immobilism of customs and the tyrannical religious oppression of consciences.Aesthetically, they anticipate modern sensibility and the shift towards an art dominated by subjectivity and creative freedom. Biographically, the Caprichos appear in one of the most decisive decades in Goya's life and artistic production. This is why successive generations of writers, artists and intellectuals over the last two centuries have been unable to ignore its status as a symbol: a symbol of the end of the Ancien Régime, of the change in taste between Classicist and Romantic aesthetics, and of the crisis that occurred in the biography and art of a universal creator.The historiography specialising in Goya has established a sequence of events supposedly determining the creation of the Caprichos. This sequence appears to be characterised by a progressive departure from normative art and a consequent approach to the domain of invention. This new conception of art is linked to the biographical episodes of the serious illness that left him deaf, his intimate relations with the Duchess of Alba and his ties of friendship with the circle of enlightened intellectuals. The conclusion is that Goya needed a series of satirical prints that would provide a multiple response to his inventive perception of art, his progressive isolation, his distrust of human beings and his social concerns rooted in the Enlightenment.
Christopher Richard Wynne Nevinson A.R.A (1889-1946)Swooping Down on a Taube (Black 21; Leicester Galleries 28) Lithograph, 1917, on Holbein wove paper, signed in pencil, from the edition of 200, published by the Stationery Office, London, as part of the series Britain's Efforts and Ideals: Making Aircraft, with wide margins, framed Image 402 x 300mm. (15 3/4 x 11 3/4in.); Sheet 478 x 390mm. (18 3/4 x 15 3/8in.)Footnotes:Christopher Richard Wynne Nevinson was one of the great printmakers of the early twentieth century, most celebrated as a chronicler of modern warfare and a master of multiple print techniques. He was held in high esteem by contemporaries such as Walter Sickert and Paul Nash for his acute eye for detail, feeling for composition and technical skill. His experiences as an ambulance driver and medical orderly at the Front imbued his work with a strong emotional intensity and his depictions are regarded as some of the most powerful images of World War I.His first major exhibition held at Leicester Galleries in Autumn 1916 was a critical and commercial success and would lead to his commission as an official war artist in 1917. The Ministry of Information commissioned him to create six lithographs on the theme of Building Aircraft to be included in the propaganda series The Great War: Britain's Efforts and Ideals. These works were taken on tour around the country to boost morale and were sold to raise funds for the war effort.The Building Aircraft lithographs detail the process from manufacture, to assembly and finally to flight. Nevinson was particularly interested in aerial combat, which would play an important new role during the First World War and he produced three images of aircraft in flight. In preparation for the series, Nevinson was taken on his first flight in June 1917 and commented 'the whole newness of vision and the excitement of it infected my work and gave it an enthusiasm which can be felt'.In Banking at 4,000 feet he uses variations in tone and steep diagonals to convey the drama and exhilaration of flight, which is literally a white-knuckle ride as indicated by the hand gripping the side of the aircraft. He invites the viewer to share the experience of being in the air by placing them in the cockpit.Swooping down on a Taube depicts a British Sopwith Camel attacking a German Taube. Taube means dove and the plane was named for its bird-like profile. Nevinson conveys a sense of movement and tension using the sweeping arc of the plane's trajectory set against the strong diagonals, representing rays of light, emanating from the searchlights below. He added scratch marks through the crayon to create highlights which intensify the drama.The immediacy of these images and the unusual viewpoints proved popular with visitors to the Fine Art Society exhibition, with one critic commenting that the artist 'contrives to make the visitor almost giddy' and another that he had 'the power of expressing sensations rather than visual facts'.For further information on this lot please visit Bonhams.com
MANUSCRIPT. [Recollections in diary form of a European tour undertaken by two English ladies. London: N.p.:] October 1869. 15pp., manuscript, oblong 4to (173 x 260mm.) Unnumbered pages in a single, legible, calligraphic-style hand with hand-coloured decorative initials, elaborate floral borders and numerous pencil sketches, mainly of tourist sights and landscapes, 12pp. blank to rear. (Toning.) Original limp green cloth covers, gilt lettering to upper cover (spine worn). Note: the writer and a Mrs. French undertake a coach and train tour of Europe. The writer provides a very factual report of their trip as they go to the opera, see art ('An Exhibition of Modern Paintings'), cathedrals, services, and seek time to do their sketching ('but we were interrupted'), and, while sketching a street scene, they themselves become the centre of attention as a crowd forms which they 'persistently wished would keep at a little distance from us, but their remarks were sometimes very just and amusing'. They are busy, cultured ladies. For variety, there is always the threat of the weather ('a shower overtaking us'). They travel to Geneva, Berne, Frankfurt, Dresden and Brussels and the following year they take another trip to France.Buyer’s Premium 29.4% (including VAT @ 20%) of the hammer price. Lots purchased online via the-saleroom.com will attract an additional premium of 6% (including VAT @ 20%) of the hammer price.
Blüthner Phoenix (1920) A 9ft concert grand piano in a bright ebonised case on square tapered legs; together with a stool and an upholstered cover. This instrument has been comprehensively rebuilt to a very high standard and incorporates a 'state of the art' carbon fibre soundboard, a modern composite action with Abel hammers and innovative stainless steel wound bass strings. The case is in a bright ebonised finish which contrasts well with white maple detailing.A condition report for this Lot will be available on our website from Friday the 9th December 2022.
A QUANTITY OF CUT CRYSTAL AND OTHER GLASS WARES, to include a boxed pair of Edinburgh Crystal wine glasses, a pressed glass decanter, three crystal vases tallest 30cm (sd), cut crystal bowls by makers including Webb Corbett and Royal Brierley, an art deco pink pressed glass fruit bowl, a boxed Chinese reverse painted bottle, modern paperweights, sets and pairs of drinking glasses by makers including Royal Worcester and Stuart Crystal, an art glass clock depicting a tree, etc (Qty) (Condition report: most pieces appear in good condition, some chips, cracks and repairs)
A GROUP OF CERAMICS, GLASS WARES AND SUNDRY ITEMS, to include an Aynsley Pembroke fruit bowl diameter 26cm, two Porceval Spanish porcelain figurines, a Crown Devon Fieldings 'Spring' cheese dish and cover, a glass dressing table pot with embroidered lid, a modern Oriental ginger jar and cover, a turned wooden pedestal bowl, a small red art glass bowl with controlled bubbles, a boxed costume jewellery necklace, a Royal Vale trio printed 'Mother' (Condition report: most pieces appear in good condition, sd, would benefit from a clean)
Ca. 100-300 AD.A beautiful, inverted teardrop-shaped gold pendant with an integral suspension loop and garnet cabochon setting. The edges of the object are embellished with intricate filigree decoration. This beautiful object may once have been worn by a Roman matron. Excellent condition; professionally restrung on a modern necklace cord; wearable.Size: L:20mm / W:7.9mm ; 2.86gProvenance: From the private collection of a Central London gentleman; previously in a collection formed on the UK/European art market before 2000.
New Kingdom, Ca. 1550-1070 BC.A golden amulet in the shape of a tilapia fish. Fish pendants were worn as jewellery and were braided into the hair. A particularly famous story involving a fish pendant comes from the Westcar Papyrus, in which a female rower drops her fish pendant into the water and grieves until a magician splits the lake in half with magic to retrieve the item - a tale that highlights the precious nature of these pieces. The tilapia was a favourite in Egyptian art, and as an animal, it was revered for the way in which the females protect their young. By swallowing their own eggs in order to protect them until they were ready to hatch, these mother fish mimicked the goddess Nut swallowing the sun each evening before birthing it each dawn, and thus the tilapia became a symbol of regeneration. The item has undergone X-ray fluorescence analysis to confirm the metallurgical content suggesting its ancient origin and lack of modern trace elements.Size: L:32mm / W:15mm; 4.2g.Provenance: Property of a London Gentleman; formerly in a private UK collection formed in the the 1990s.
Ca. 323-31 BC.A rare and wonderful miniature amphora-shaped pendant with a cobalt blue glass body, gold conical base, open work handles, tall neck with a beaded mouth, and a corrugated suspension loop. The shoulder and the base are intricately covered with filigree. This item is fully wearable and it comes with a modern necklace cord.Size: L:40.1mm / W:20.9mm ; 15.34gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 200-300 AD.A beautiful gold pendant featuring a ribbed loop and plaque with an openwork foliate border. The central cell displays a stone intaglio engraved with a left-facing portrait of Hermes, depicted in the Archaic Greek fashion. The back is plain and unworked. Adopted in the Roman pantheon as Mercury, he was the messenger of the gods and an important deity in the Graeco-Romano pantheon. This item is fully wearable and it comes with a modern necklace cord.Size: L:28.6mm / W:21.1mm ; 8.25gProvenance: Private London collector, acquired on the Austrian Art market; formerly in an old USA collection, formed since the 1970s.
Ca. 400-300 BC.A stylised gold pendant in the form of a spearhead with ridges to the sides and a suspension loop. Attached to a modern necklace chain.Size: L:19.4mm / W:5.8mm ; 4.66gProvenance: From the private collection of a Central London gentleman; previously in a collection formed on the UK/European art market before 2000.
Ca. 200-300 AD.A finely rendered gold disc-shaped pendant, hammered from thin gold with a suspension loop. This piece is fully wearable and it comes with a modern necklace cord. The sun stands for Sol Invictus (Latin for "Unconquered Sun"), a major divinity in Late Roman religion. Sol Invictus was a patron of soldiers and became part of the official state religion in AD 274 under Emperor Aurelian. The cult continued into the 5th century as St Augustine felt it necessary to preach against Sol to his Christian congregation. The connection between Sol and soldiers means that this item may well have belonged to a Roman legionary, who wore it in hope of protection during military campaigns.Size: L:16.9mm / W:15mm ; 2.37gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 600-700 AD.A matched pair of gold earrings, each one comprising a hollow hoop attached to a hollow convex shaped spacer with filigree decoration attached pearl, a hook-and-loop closure. Excellent condition. The item has undergone X-ray fluorescence analysis to confirm the metallurgical content suggesting its ancient origin and lack of modern trace elements.Size: Set of 2: L:33mm / W:30 - 33mm; 3.8g.Provenance: Property of a London Ancient Art Gallery; formerly in the famous Alison Barker collection, a retired London barrister; acquired between early 1960s to 1990s.
Ca. 100-300 AD.A gold pendant formed of a thin sheet of gold, modelled in the shape of a leaf. The pendant is attached to a suspension loop and it comes with a modern necklace cord.Size: L:17mm / W:13.8mm ; 2.72gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 200-300 AD.A finely rendered gold disc-shaped pendant, hammered from thin gold with a suspension loop. This piece is fully wearable and it comes with a modern necklace cord. The sun stands for Sol Invictus (Latin for "Unconquered Sun"), a major divinity in Late Roman religion. Sol Invictus was a patron of soldiers and became part of the official state religion in AD 274 under Emperor Aurelian. The cult continued into the 5th century as St Augustine felt it necessary to preach against Sol to his Christian congregation. The connection between Sol and soldiers means that this item may well have belonged to a Roman legionary, who wore it in hope of protection during military campaigns.Size: L:16.5mm / W:12.8mm ; 2.55gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 350 BC.A lovely miniature amphora-shaped pendant with an inverted piriform body, conical-shaped base, scrolled handles, tall neck with a midrib, and a suspension loop. This item is fully wearable and it comes with a modern necklace cord.Size: L:19.8mm / W:13.8mm ; 5.95gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 295-275 BC.A silver drachm coin of Alexander the Great within a modern handmade circular sterling silver setting. The coin shows on the obverse the head of young Herakles facing right and wearing his characteristic lion's skin headdress. On the reverse is Zeus seated and holding an eagle and a sceptre, and the Greek legend written in the genitive case: "Alexander.” These coins were minted after the death of Alexander the Great, the king of Macedonia and conqueror of much of the known world as far east as India, in order to pay homage to him and lay claim to his legacy. The pendant makes a stunning statement piece necklace.Size: L:19mm / W:19mm ; 8gProvenance: Private London collector, acquired on the Austrian Art market; formerly in an old USA collection, formed since the 1970s.
Ca. 1800 AD.A carnelian intaglio with a right-facing portrait of Zeus set in a fob with an oval base and four bars forming an open-work handle that ends in a decorative suspension loop. Zeus, the god of the sky, lightning, and thunder, was also the king of the gods. He was the most important god in the Greco-Roman Pantheon and was as celebrated as he was feared. This item is fully wearable and it comes with a modern necklace cord.Size: L:24.4mm / W:22.4mm ; 9.83gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 618-907 AD.A beautiful pottery figure of a prancing horse. The spirited horse is shown with the right foreleg raised, mane swept to one side, mouth open, and ears laid back. The tail is depicted as docked and bound in traditional fashion. Traces of red colour are visible on the hooves. The saddle is covered with a red cloth draped over the saddle. Below the saddle, there is a decorated cloth. The horse's trappings are completed by an elaborate harness with dangling tassels on the horse's croup. War horses were the pride of the Tang, a dynasty of prosperity, military expansion, and artistic achievement. In 667 AD, Tang dynasty statues declared the ownership of horses as an aristocratic privilege, forbidding artisans and tradesmen the right to own horses. This piece has been precisely dated by means of a Thermo Luminescence analysis carried out by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. The TL certificate with its full report will accompany this lot. For more information on the importance of horses in China, see Cooke, B. (ed.) (2000). Imperial China- The Art of the Horse in Chinese History: Exhibition Catalogue. Kentucky Horse Park, Lexington. For more general information on the Tang Dynasty, see Benn, C. (2002). Daily Life in Traditional China: The Tang Dynasty. Westport: Greenwood Press and Watt, J. C. Y., et al. (2004). China: Dawn of a Golden Age, 200-750 A.D. Exhibition catalogue. New York: Metropolitan Museum of Art.Size: L:700mm / W:590mm ; 17.64kgProvenance: East Anglian private collection; formerly acquired in the early 1990s in Hong Kong.
Ca. 618-907 AD.A ceramic 'Fat Lady' figure standing facing forward, with one foot angled to the side. She wears long-sleeved, loose-hanging robes, and the court dress is embellished with delicately detailed upturned shoes. The original pigmentation is still visible on the figure's face, dress, and hair. The facial features, such as the eyes, lips, nose, and eyebrows are picked out by delicate painting. An elaborate coiffure crowns the face. The so-called 'Fat Lady' was a popular attendant figure among the wealthy as during the Tang dynasty luxurious tastes led to a change in the ideal feminine form, from thin to more buxom body types. This piece has been precisely dated having undergone Thermo Luminescence analysis by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. Its TL certificate with the full report will also accompany this lot. Good condition.Size: L:610mm / W:270mm ; 9.50kgProvenance: Private London collection, formed in the 1970s on the UK and European art market.
Ca. 618-907 AD.A mould-formed pottery tomb attendant figure in the form of a woman who is wearing a long robe with a red-painted skirt, upper clothing in cream, her right arm by her side holding a vessel, and her right hand outstretched, she is displaying a harmonic expression; her smiling face beneath a large hair bun. Excellent condition and original paintwork. For a similar style holding ewer, see The Metropolitan Museum of Fine Art 1997.442.7.1. This piece has been precisely dated by means of a Thermo Luminescence analysis carried out by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. The TL certificate with its full report will accompany this lot.Size: L:350mm / W:90mm ; 1.2kgProvenance: East Anglian private collection; formerly acquired in the early 1990s in Hong Kong.
Ca. 202BC - 220AD.An earthenware bird figure standing on its bronze legs and its body is decorated with vivid polychromy. This bird is a mingqi, 'spirit goods' belonging to the burial rituals in the Chinese Han Dynasty. High-ranking persons were buried with various everyday objects; it was believed that life after death was a continuation of the present life, and therefore the deceased was provided with all the objects necessary to continue living after death. H.C. Clydesdale, "The Vibrant Role of Mingqi in Early Chinese Burials", Heilbrunn Timeline of Art History, The Metropolitan Museum of Art, New York 2000. This piece has been precisely dated by means of a Thermo Luminescence analysis carried out by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. The TL certificate with its full report will accompany this lot. Size: L:120mm / W:180mm ; 310gProvenance: East Anglian private collection; formerly acquired in the early 1990s in Hong Kong.
Ca. 206 BC - 220 AD.An attractive, hollow-formed terracotta rabbit figurine with a white pelt and coral-pink pigmentation on the nose, around the eyeballs, and inside of the ears. The rabbit is depicted sitting on its haunches with its forelegs raised as if about to groom itself. In the Chinese tradition, the rabbit is the luckiest of animals and symbolises elegance, beauty, and mercy. The Han Dynasty, which ruled between 202 BC-220 AD, brought great prosperity and stability to China, reigning over a golden age of classical Chinese civilisation during which China saw major advances including the widespread development of a monetary economy and the invention of paper, as well as much progress in the decorative arts. This piece has been precisely dated having undergone Thermo Luminescence analysis by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. Its TL certificate with the full report will also accompany this lot. Excellent condition.Size: L:400mm / W:200mm ; 3.8kgProvenance: Private London collection, formed in the 1970s on the UK and European art market.
Ca. 618-907 AD.A mould-formed pottery tomb attendant figure in the form of a woman who is wearing a long robe with a red-painted skirt, upper clothing in cream, her right arm by her side holding a pipa, and her right hand outstretched, she is displaying a harmonic expression; her smiling face beneath a large hair bun. Excellent condition and original paintwork. This piece has been precisely dated by means of a Thermo Luminescence analysis carried out by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. For a similar style holding ewer, see The Metropolitan Museum of Fine Art 1997.442.7.1. The TL certificate with its full report will accompany this lot.Size: L:350mm / W:90mm ; 1.2kgProvenance: Private London collection, formed in the 1970s on the UK and European art market.
Ca. 3000-2000 BC.A large ceramic vessel with a round-bodied bowl, with a narrow, round mouth and a raised rim. The exterior central register is painted with polychrome zebu bulls with its characteristic humps and curving horns. The shoulder is decorated with a band of fish and a collar is adorned with geometric patterns. This piece has been precisely dated having undergone Thermo Luminescence analysis by Ralf Kotalla, an independent German Laboratory. The samples collected date the piece to the period reflected in its style, whilst also showing no modern trace elements. Its TL certificate with the full report will also accompany this lot.Size: L:395mm / W:392mm ; 6.1kg.Provenance: From the private collection of Mr. R. Unger; previously with a London gallery; acquired in the 1990s on the UK art market.
Ca. 1100-1200 AD.A cast bronze pendant in the shape of a right hand with a slightly clenched fist. The wrist with ribbed features and a suspension loop. This item comes with a modern necklace cord.Size: L:53mm / W:28mm ; 45gProvenance: Property of a West London gentleman; previously in a collection formed on the UK/International art market in the 1980s.
Ca. 600-800 AD.A stunning gold cruciform pendant with a rounded suspension loop, arms of approximately equal length, slightly flaring toward the ends. In the centre of the cross is an emerald cabochon within a rondel formed of filigree decoration. Each arm is elegantly ornamented with a pair of scrolls. The Cross, the principal symbol of Christianity, recalls the Crucifixion of Jesus Christ and the redeeming benefits of his Passion and death. The cross is thus a sign of Christ himself and Christians' faith. This item is fully wearable and it comes with a modern necklace cord.Size: L:32.4mm / W:23.8mm ; 7.66gProvenance: From the private collection of a Central London gentleman; previously in a collection formed on the UK/European art market before 2000.
Ca. 600 AD.A gold pendant in the form of a disc. It features a garnet cabochon flanked by a ropework border and two loops with attached gold wire rods with three glass beads in blue, red, and green colour. This item is fully wearable and comes with a modern necklace cord.Size: L:27.8mm / W:12.8mm ; 5.65gProvenance: Property of a North London gentleman; previously acquire on the UK/European art market in the 1980s.
Ca. 300-100 BC.A finely rendered Greek Hellenistic gold disc-shaped brooch/pendant, hammered from a thin sheet of gold, with an agate eye to the centre, along the brooch thirteen pyramid-shaped filigree separate, clusters of filigree decoration. The item has undergone X-ray fluorescence analysis to confirm the metallurgical content suggesting its ancient origin and lack of modern trace elements.Size: L:44mm / W:44mm; 12.3g.Provenance: Private London collection of Ancient Art; previously with a London art dealer; acquired from a Japanese collection (1970-2010).
Ca. 300 BC.A gold pendant plaque with granulated rim and applied opposing loops. The upper face intricately decorated with filigree coils and scrolls between central, round garnet and radiating piriform emerald stones and cabochons set in cells with serrated edges. Undecorated reverse. The item has undergone X-ray fluorescence analysis to confirm the metallurgical content suggesting its ancient origin and lack of modern trace elements.Size: L:46mm / W:30mm ; 5.35g.Provenance: Property of a London Ancient Art Gallery; formerly in the famous Alison Barker collection, a retired London barrister; acquired between early 1960s to 1990s.
Ca. 100-300 AD.A wearable gold ring with an ellipsoid hoop widening at the shoulders, which are embellished with parallel grooves, and a bezel with inset oval garnet gemstone with an intaglio depicting a left-facing female bust, flanked by quiver and arrows; the latter lead to identifying this female portrait as a depiction of the Roman goddess Diana. Good condition, repaired. The item has undergone X-ray fluorescence analysis to confirm the metallurgical content suggesting its ancient origin and lack of modern trace elements. It also comes with a gemmological and historical report by an independent specialist Anna Rogers. In Roman art, Diana usually appears as a huntress with a bow and quiver, accompanied by a hound or deer. In Rome, the most important temple of Diana was on the Aventine. This temple housed the foundation charter of the Latin League and was said to date back to King Servius Tullius (6th century BC). Another important centre for the worship of Diana was Ephesus, where the Temple of Artemis (or Diana) was one of the Seven Wonders of the World.Size: D: 16.51mm / US: 6 / UK: M; 10.5g.Provenance: Property of a professional Ancient art and jewelry expert; previously with a London gallery; initially from a private British collection formed in the 1980s.
Erich Heckel 1883 Döbeln/Sachsen - 1970 Radolfzell/Bodensee Einladung zur Ausstellung K.G. 'Brücke' in der Galerie Fritz Gurlitt, Berlin. 1912. Farbholzschnitt von zwei Stöcken. Ebner/Gabelmann 539 H b 1 (von b 2). Dube H 225 b. Bolliger 46. Im Stock monogrammiert. Auf sandfarbenem Karton. 9,7 x 7,5 cm (3,8 x 2,9 in). Papier: 14,9 x 12 cm (5,8 x 4,7 in). Titelvignette auf einer zweiteiligen Faltkarte mit dem farbigen Holzschnitt und zwei Seiten Text. [KT]. • Eines von nur sechs im Werkverzeichnis bekannten Exemplaren, darunter je eines im Brücke-Museum, Berlin, sowie im Museum of Modern Art, New York. • Zur Ausstellung in der renommierten Galerie Fritz Gurlitt, dessen Programm die Moderne wesentlich prägte. • Besonders schöner farbiger Druck von zwei Stöcken. • Bisher wurden nur zwei Exemplare auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). PROVENIENZ: Privatsammlung Baden-Württemberg (bis 28.5.1990: Galerie Wolfgang Ketterer). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032, von Vorgenanntem erworben). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). Erich Heckel. Einfühlung und Ausdruck, Buchheim Museum, Bernried, 31.10.2020-7.3.2021, S. 168 (m. Abb.). LITERATUR: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-1912, Bern 1958, Nr. 46 (m. Abb.). Annemarie und Wolf-Dieter Dube, Erich Heckel. Das graphische Werk, Bd. I Holzschnitte, New York 1964, Nr. 225 b (m. SW-Abb.). Galerie Wolfgang Ketterer, München, 150. Auktion, 19./20. Jahrhundert, Katalog I, 28.5.1990, Los 178 (m. SW-Abb.). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 119, SHG-Nr. 81 (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 183, SHG-Nr. 412 (m. Abb.). Meike Hoffmann, Leben und Schaffen der Künstlergruppe 'Brücke' 1905 bis 1913, mit einem kommentierten Werkverzeichnis der Geschäfts- und Ausstellungsgrafik, Berlin 2005, S. 300f. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Gemeinsames Ziel und eigene Wege. Die 'Brücke' und ihr Nachwirken, München 2009, Titelabbildung. Renate Ebner, Andreas Gabelmann, Erich Heckel. Werkverzeichnis der Druckgraphik, Bd. I 1903-1913, München 2021, 539 H (m. Abb., dieses Exemplar). Bis Ende 1911 sind die Dresdener 'Brücke'-Künstler nach Berlin umgesiedelt und suchen nach ähnlich etablierten Ausstellungsforen, wie sie es in Dresden mit den Galerien Richter und Arnold hatten. Durch Max Pechstein, der schon seit 1908 in Berlin lebt, gelingt es, die Galerie und Kunsthandlung Fritz Gurlitt zu interessieren. Dessen Sohn Wolfgang Gurlitt führt das bereits 1880 gegründete Unternehmen weiter und er stellt seine Räume in der Potsdamer Straße für die 'Brücke'-Ausstellung im April 1912 zur Verfügung. Erich Heckel gestaltet mit einer zweiteiligen Faltkarte mit Titelholz auf der Vorderseite die Einladungskarte. Neben dem Einladungstext mit Ausstellungsort und Adresse im Maschinensatz auf der Innenseite links findet der aufgeforderte Besucher gegenüber die Nennung der ausstellenden Künstler. Für die Titelvignette wählt Heckel das Medium Holzschnitt in drei Farben: Schwarz, Blau und Olivgrün. Der Gruppenname 'KG. Brücke' in schwarzen Lettern auf Olivgrün gedruckt dominiert das Motiv, bestehend aus zwei Dreiecksformen mit eingezeichneten, weiblichen Akten und zwei seitlich rahmenden Bögen mit ornamentbetonten Zickzacklinien. Die Art und Weise, wie Heckel die Details der Motive zusammensetzt, erinnert an Stoff- und Wandbemalungen, mit denen die 'Brücke'-Künstler Heckel und Kirchner aber auch Otto Mueller ihre Ateliers ausgestalten. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.14 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Karl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Birnen auf Porzellanteller. Um 1930. Öl auf Malpappe. Wohlert 935. Links unten monogrammiert (in Ligatur). 30,5 x 39,8 cm (12 x 15,6 in). [KT]. • Hervorragende Provenienz aus der Sammlung Konrad und Annalise Hager, Hamburg, mit dem Künstler befreundetes Sammlerpaar. • Verweis und Hommage an Cézanne, den Meister des Früchte-Stilllebens. • Hofers Stillleben faszinieren durch ihr kompositorisches und außergewöhnlich nuanciertes farbliches Arrangement. • Werke Karl Hofers befinden sich in renommierten deutschen sowie internationalen Sammlungen, darunter die Bayerischen Staatsgemäldesammlungen, München, das Museum of Modern Art, New York, sowie die National Gallery of Art, Washington, D.C. PROVENIENZ: Sammlung Lily Grage geb. Curtz. Sammlung Konrad und Annalise Hager, Hamburg. Privatsammlung USA (aus Familienbesitz erhalten). LITERATUR: A. B. Rasmussen, Kopenhagen, Auktion 95, 1985, S. 6, Los 23 (m. Abb.). Kunstpreisverzeichnis, 13.1957/58, S. 330. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.10 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird differenzbesteuert, zuzüglich einer Einfuhrumsatzabgabe in Höhe von 7 % (Ersparnis von etwa 5 % im Vergleich zur Regelbesteuerung) oder regelbesteuert angeboten (N), Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Hofer 1878 Karlsruhe - 1955 Berlin Birnen auf Porzellanteller. Um 1930. Oil on cardboard. Wohlert 935. Lower left monogrammed (in ligature). 30.5 x 39.8 cm (12 x 15.6 in). [KT]. • Excellent provenance, from the collection of Konrad and Annalise Hager, Hamburg, who were close frineds of the artist. • An homage to Cézanne, the master of the fruit still life. • Hofer's still lifes are fascinating for their composition and the unusual nuances. • Karl Hofer's works are in renowned German and international collections, among them the Bayerische Staatsgemäldesammlungen, Munich, the Museum of Modern Art, New York, and the National Gallery of Art, Washington, D.C. PROVENANCE: Collecion Lily Grage neé Curtz. Collection Konrad and Annalise Hager, Hamburg. Private collection USA (obtained from the family). LITERATURE: A. B. Rasmussen, Copenhagen, auction 95, 1985, p. 6, lot 23 (with illu.). Kunstpreisverzeichnis, 13.1957/58, p. 330. Called up: December 10, 2022 - ca. 19.10 h +/- 20 min. This lot can be subjected to differential taxation plus a 7% import tax levy (saving approx. 5 % compared to regular taxation) or regular taxation (N), artist´s resale right compensation is due.
Emil Nolde 1867 Nolde/Nordschleswig - 1956 Seebüll/Schleswig-Holstein Dampfer unter gelbem Himmel. 1946/48. Aquarell. Rechts unten signiert. Auf Japan. 33,5 x 44,7 cm (13,1 x 17,5 in), blattgroß. [SM]. • Eine Manifestation der Ideale des Expressionismus. • Ein furioses Farbenspiel mit sich auflösenden Formen - die Farbe wird zum Hauptakteur. • In seinen Meeresbildern kommt Nolde der Abstraktion am nächsten • Ein vergleichbares Aquarell befindet sich in der Nolde Stiftung, Seebüll. Mit einer Fotoexpertise von Prof. Dr. Manfred Reuther, damals Stiftung Seebüll Ada und Emil Nolde, vom 21. September 2016. PROVENIENZ: Privatsammlung (1959-2016). Privatsammlung. LITERATUR: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, 33. Auktion, Moderne Kunst, 30.5.1959, Los 659, m. SW-Abb., Tafel 57. „Ich sah die erregte und wilde Schönheit, die abends ihre Feuerfinger über den Himmelsbogen ziehen läßt in letzten schwebenden Wolkenstreifen, in loderndem, glühendem Farbwechsel vergehend. Ich fühlte die Schwüle der Stunde, ich fühlte sie wie Glut und Funkensprühen, malend, malend in naturgetreuer, gehorsamster Empfindsamkeit, wie erhaltenen Befehlen gehorchend.' Emil Nolde, zit. aus.: Emil Nolde. Mein Leben. Köln, DuMont Buchverlag 1976, S. 378. Als Emil Nolde und seine Frau Ada zunächst in Utenwarf und später in Seebüll sesshaft werden, konzentriert sich die Themenwahl seiner Kunst verstärkt auf seine Umgebung. An diesem besonderen Ort, dem Land zwischen den Meeren findet Nolde ein unerschöpfliches Quell an Motiven - die einzigartige Marsch, der üppige Bauerngarten, der in jeden Heim angelegt wird und letztendlich das Meer selbst. Das Meer ist für Nolde eine elementare Urgewalt, die ihn tief beeindruckt. Vor allem in der Aquarelltechnik bieten ihm die Eigenheiten dieses Motivs unbegrenzte Möglichkeiten. Die Farbe in ihrer reichen Vielfalt und unbändigen Kraft wird zum wesentliches Ausdrucksmittel. Frei gesetzt, entlädt sich ein virtuoses Spiel von explodierenden Farbtönen, die zum natürlichen Ereignis im Bild selbst werden. Noldes Interpretationen von Landschaft, Meer und Himmel sind immer Interpretationen seiner eigenen Stimmungslage. Er sah die Landschaft nicht im Sinne eines Realismus, der in expressive Farben gekleidet, neu und aufregend daherkommt. Seine Landschaften sind durchdrungen von dem Willen, die der Natur immanente Metaphysik zum Klingen zu bringen, sie den Betrachter nachvollziehen zu lassen. Er wählt die Aquarelltechnik, weil dieses Medium von Natur aus fließend ist und seinem Wunsch entspricht, die Dynamik der Natur zu vermitteln. Indem er die Bilder in einer natürlichen Entwicklung entstehen ließ, während sein Pinsel mit dem Papier in Berührung kommt, arbeitet Nolde in einer Weise, in der die Farbe die Form erzeugt, eine wahre Manifestation der Ideale des Expressionismus. Durch die glühenden Farben und die vereinfachten, an die Abstraktion grenzenden Formen gelingt es Nolde, seinen stimmungsvollen Kompositionen eine starke emotionale und geistige Resonanz zu verleihen. Himmel und Meer verschmelzen zu einer Einheit, in einem magischen Farbenspiel fließen die Formen ineinander. Wo ist der Anfang? Wo ist das Ende? Der dramatisch groß inszenierte Himmel scheint den kleinen Dampfer fast zu überwältigen, der der einzige Fixpunkt in diesem Farbenmeer bleibt. Er ist nur ein kleiner Akteur auf einer Bühne, die allein den faszinierenden Gewalten der Natur gehört. Darin liegt ihre betörende Schönheit, die Nolde wie kein Zweiter in immer wieder neuen Facetten auf das Papier bringt. [SM] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.34 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONEmil Nolde 1867 Nolde/Nordschleswig - 1956 Seebüll/Schleswig-Holstein Dampfer unter gelbem Himmel. 1946/48. Watercolor. Signed in lower right. On Japon. 33.5 x 44.7 cm (13.1 x 17.5 in), the full sheet. [SM]. • A manifestation of the ideals of Expressionism. • A magnificent play of colors and dissoluting forms - color takes center stage. • Nolde comes closest to abstraction in his seascapes • A similar watercolor is in possession of the Nolde Foundation, Seebüll.. Accompanied by a photo expertise issued by Prof. Dr. Manfred Reuther, then director of Foundation Seebüll Ada and Emil Nolde, from September 21, 2016. PROVENANCE: Private collection (1959-2016). Private collection. LITERATURE: Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, 33rd auction, Modern Art, May 30, 1959, lot 659, with black-and-white illu., plate 57. 'I saw the excited and wild beauty, which in the evening draws its fingers of fire across the arch of the sky in the last floating strips of cloud, fading in blazing, glowing colors. I felt the sultriness of the hour, I felt it like embers and sparks, painting, painting in a lifelike, most obedient sensitivity, obeying orders I had received.' Emil Nolde, quoted from: Emil Nolde. Mein Leben. Cologne, DuMont Buchverlag 1976, p. 378. When Emil Nolde and his wife Ada first settled in Utenwarf and later in Seebüll, he increasingly focused on the surroundings to find the subject for his art. This special land between the seas would serve Nolde as an inexhaustible source of inspiration - the unique marsh landscape, the lush cottage gardens that could be found around every home and ultimately the sea itself. For Nolde, the sea was an elementary force that deeply impressed him. The peculiarities of this motif offered him unlimited possibilities, especially in the watercolor technique. The color’s richness and boisterous energy became the essential means of expression. When set free, a virtuoso play of exploding color tones unfolded, becoming a natural phenomenon in the picture itself. Nolde's interpretations of landscape, sea and sky are always interpretations of his own mood. He did not see the landscape in the sense of a realism dressed in expressive colors that appears new and exciting. His landscapes are permeated by the desire to identify the metaphysics inherent in nature and to make them perceptible and comprehensible for the observer. He chose the watercolor technique for its properties. As it is fluid by nature, it suited his wish to convey the dynamism of nature the most. Allowing the images to develop naturally as his brush meets the paper, Nolde worked in a way where color creates form, a true manifestation of the ideals of Expressionism. Through the glowing colors and the simplified forms bordering on abstraction, Nolde succeeded in giving his atmospheric compositions a strong emotional and spiritual resonance. Sky and sea merge into one, the forms flow into one another in a magical play of colors. Where do they begin? Where do they end? The dramatic sky seems to almost overwhelm the small steamer, which remains the only fixed point in this vast ocean of color. It is just a small actor on a stage that solely belongs to the fascinating forces of nature. Therein lies her beguiling beauty, which Nolde brings to paper like no other. [SM] Called up: December 10, 2022 - ca. 19.34 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Jahresbericht für 1910–1911 der Künstlergruppe 'Brücke'. 1911. Holzschnitt. Gercken A 61. Dube H 709. Eines von 5 bekannten Exemplaren. Auf Velin. 6,3 x 7,5 cm (2,4 x 2,9 in). Papier: 15,5 x 23,9 cm (6,1 x 9,4 in). [SM]. • Das einzige nicht im Museum befindliche Exemplar. • Die vier weiteren Abzüge befinden sich im Brücke-Museum, Berlin, im Kupferstich-Kabinett Dresden, in der Kunsthalle Hamburg und im Museum of Modern Art, New York. • Inspiriert von den Kabarettbesuchen in Dresden und Berlin. • Wichtiges historisches Dokument, das die Organisationsstruktur der Künstlergruppe aufzeigt. PROVENIENZ: Barbara Wentzel, Stuttgart (wohl 1975 durch Erbschaft von Prof. Dr. Hans Wentzel erhalten). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (1984 von der Vorgenannten erworben, mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-12, Bern 1958, S. 26, Nr. 39 (m. Abb., anderes Exemplar). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke, Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 119, SHG-Nr. 80. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 321, SHG-Nr. 722. Der Bericht über die Jahre 1910/11 zeigt sich in Form eines einfachen Faltblattes mit typografisch gestaltetem Text sowie einer von Ernst Ludwig Kirchner geschaffenen Vignette mit tanzenden Figuren und einer eingeschriebenen Initiale B. Der Text listet nach gewohntem Schema: Erwähnung der Ausstellungsaktivitäten, die Bestückung der Grafikmappe und Mitgliedskarte, die Bitte um Einzahlung des Mitgliedsbeitrages. Erwähnt werden 20 neu gewonnene passive Mitglieder und der Geschäftsführer Erich Heckel mit seiner neuen Adresse Dresden-Altstadt 7, Falkenbrücke 2a. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.44 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Jahresbericht für 1910–1911 der Künstlergruppe 'Brücke'. 1911. Woodcut. Gercken A 61. Dube H 709. From an edition of 5 known copies. On wove paper. 6.3 x 7.5 cm (2.4 x 2.9 in). Sheet: 15,5 x 23,9 cm (6,1 x 9,4 in). [SM]. • This is the only copy not in possession of a museum. • The four other copies are at the Brücke-Museum, Berlin, the Kupferstich-Kabinett Dresden, the Kunsthalle Hamburg and the Museum of Modern Art, New York. • Inspired by cabaret visits in Dresden and Berlin. • Important historic document illustrating the artist group's organizational structure. PROVENANCE: Barbara Wentzel, Stuttgart (inherited from Prof. Dr. Hans Wentzel, presumably in 1975). Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (acquired from the above in 1984, with the collector's stamp Lugt 6032). EXHIBITION: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-12, Bern 1958, p. 26, no. 39 (with illu., different copy). Heinz Spielmann (ed.), Die Maler der Brücke, Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, p. 119, SHG no. 80. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (eds.), Die Maler der Brücke. Inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 321, SHG no. 722. The report for the years 1910/11 appears in the form of a simple leaflet with typographically designed text, as well as a vignette created by Ernst Ludwig Kirchner showing dancing figures and inscribed with the initial B. The text lists as follows: exhibition activities, the print portfolio and membership card, the request for payment of the membership fees. It also mentions 20 new passive members as well as Erich Heckel as managing director and his new address Dresden-Altstadt 7, Falkenbrücke 2a. [MvL] Called up: December 10, 2022 - ca. 16.44 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Karl Schmidt-Rottluff 1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Der rote Stuhl. 1951. Öl auf Leinwand. Grohmann S. 233/306. Rechts unten signiert. Verso auf dem Keilrahmen erneut signiert, betitelt und mit der Werknummer '516' sowie 'gewachst' bezeichnet. 101 x 76,2 cm (39,7 x 30 in). [AR]. • Der Künstler gewährt mit dem Gemälde 'Der rote Stuhl' einen privaten Blick ins Atelier. • In Farbigkeit, Perspektive und Bildausschnitt außergewöhnlich modern. • Teil der bedeutenden Privatsammlung Berthold und Else Beitz. • Erstmals auf dem internationalen Kunstmarkt angeboten. • Bereits zu Lebzeiten des Künstlers vielfach ausgestellt. Das Werk ist im Archiv der Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung, Berlin, dokumentiert. PROVENIENZ: Sammlung Berthold und Else Beitz (direkt vom Künstler). Privatsammlung Norddeutschland (durch Erbschaft von Vorgenanntem). AUSSTELLUNG: Karl Schmidt-Rottluff, Kestner Gesellschaft, Hannover, 8.4.-11.5.1952, Kat.-Nr. 36. Karl Schmidt-Rottluff. Neue Werke - Gemälde, Tuschblätter, Graphik, Galerie Ferdinand Möller, Köln, Mai 1953, Kat.-Nr. 5 (m. Abb., verso auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Karl Schmidt-Rottluff zum 70. Geburtstag. Gemälde, Aquarelle, Zeichnungen, Graphik, Skulpturen, Kunsthalle zu Kiel, Kiel, 20.6.-25.7.1954, Kat.-Nr. 56. Karl Schmidt-Rottluff zum 70. Geburtstag, Schloss Charlottenburg, Berlin, 20.9.-10.10.1954, Kat.-Nr. 92. Fränkische Galerie, Nürnberg, 1954, Kat.-Nr. 74. Städtische Galerie, Duisburg, 1955, Kat.-Nr. 47. 'Ich glaube, die meisten Bilder handeln von Vorgängen; ich wollte immer das Sein aufweisen und das stille Leben der Dinge.' Karl Schmidt-Rottluff, 1960, zit. nach: Hans Kinkel, Das stille Leben der Dinge, in: Gunther Thiem (Hrsg.), Schmidt-Rottluff. Retrospektive, München 1989, S. 69-70. Karl Schmidt-Rottluff und die Nachkriegszeit Die Zeit nach Ende des Zweiten Weltkriegs ist für Karl Schmidt-Rottluff, dessen Berliner Atelier 1943 bei einem Bombenangriff zerstört wird, von großen Unwägbarkeiten geprägt. In einem Brief an den Künstler Curt Stoermer schreibt er im Jahr 1945: „Es verblieb nur ein unvorstellbares Chaos, das einigermaßen zu beseitigen die letzten Kräfte kostete. Wir gehörten zwar zu den Überlebenden, aber viel ist sonst nicht übrig.“ (zit. nach: Gunther Thiem (Hrsg.), Schmidt-Rottluff. Retrospektive, München 1989, S. 100). Zusammen mit seiner Frau Emy Schmidt-Rottluff lebt er zunächst mittellos in seinem Elternaus in Rottluff bei Chemnitz, wo die nötigsten Dinge des Lebens nur schwer zu beschaffen sind, ganz zu schweigen von Malutensilien. Die Situation verbessert sich erst wieder, als der Künstler eine Professur an der Hochschule für Bildende Künste in Charlottenburg annimmt und 1946 nach Berlin zurückkehrt. Obwohl er durch seine Lehrtätigkeit stark eingebunden ist, arbeitet er schon bald an neuen Werken, in denen er motivisch an seine expressionistische Phase anknüpft. Mit zunehmendem Alter beginnt er sich jedoch immer mehr auf seine direkte Umgebung und sein persönliches Umfeld zu konzentrieren. Figurendarstellungen werden seltener, an ihre Stelle treten insbesondere Stillleben und Interieurs. Auch „Der rote Stuhl“ aus dem Jahr 1951 lässt sich diesen Arbeiten zuordnen, die uns private Einblicke in das Leben des Künstlers gewähren. Zudem kehrt die Reinheit und Kraft der Farben mit großer Intensität auf die Leinwand zurück. Im Gegensatz zu seinen früheren Arbeiten sind diese nun allerdings differenzierter und strukturieren in großen Flächen die außergewöhnlich modern wirkenden Bildkompositionen. Das Atelier im „Blauen Haus“ im Taunus In der Nachkriegszeit beginnt der Künstler, dessen Werk schon seit der 'Brücke'-Zeit von fremden Orten inspiriert ist, wieder vermehrt zu verreisen. Bereits 1932 hatte er sich zum ersten Mal im Taunus bei Hanna Bekker vom Rath aufgehalten und kehrt nach dem Krieg wieder regelmäßig dorthin zurück. Die Malerin und Sammlerin wird über die Jahre zu einer engen Freundin des Ehepaars Schmidt-Rottluff. Sie bewohnt in Hofheim ein mehrstöckiges Haus, das wegen seiner auffälligen Bemalung auch das „Blaue Haus“ genannt wird. Schon während der NS-Zeit entwickelt es sich zu einem Rückzugsort für Künstlerinnen und Künstler, die dort zurückgezogen leben und arbeiten können. Das Haus ist von einem großen Garten umgeben und beherbergt im Obergeschoss ein Atelier mit Nordfenstern. Es ist anzunehmen, dass auch unser Gemälde „Der rote Stuhl“ hier entsteht, denn es zeigt starke Parallelen zu einem Selbstporträt des Künstlers aus dem Jahr 1951 mit dem Titel „Im Atelier“ (Abb.). In beiden Arbeiten ist am rechten Bildrand eine große Staffelei zu sehen, in der Art, wie sie im „Blauen Haus“ zu finden war. Auch das auffällige Fenster im Hintergrund verweist auf die Räumlichkeiten von Hanna Bekker vom Rath im Taunus, die als große Förderin der Moderne gilt. Einige Arbeiten aus ihrer Sammlung befinden sich heute im Städel Museum in Frankfurt am Main, darunter eine Holzskulptur von Karl Schmidt-Rottluff und ein Gemälde von Alexej von Jawlensky. Der Stuhl als Motiv in der Kunst In der Geschichte der Malerei ist der Stuhl in all seinen Formen und Farben kein seltenes Motiv. Insbesondere in Interieurs und auf Porträts lässt er sich immer wieder finden. Zumeist nimmt das Möbelstück dabei allerdings nur eine Nebenrolle ein, dient als Sitzgelegenheit für die Porträtierten oder ist zufälliger Bestandteil einer historischen Inneneinrichtung. Nur wenige Künstler haben dem Stuhl ihre volle Aufmerksamkeit gewidmet, darunter jedoch große Namen der Kunstgeschichte, wie etwa Vincent van Gogh (1888), Henri Matisse (1918) oder Roy Lichtenstein (1997). Ins Zentrum der Darstellung gerückt, werden die Stühle in ihren Werken zum Hauptmotiv, die ganze Aufmerksamkeit liegt zunächst auf ihrer statischen Natur. Oftmals sind sie jedoch vielmehr als Platzhalter zu verstehen, wie etwa bei Vincent van Gogh, der seinen Freund Paul Gauguin nicht explizit darstellt, mit dem Titel „Gauguins Stuhl“ jedoch subtil seine Anwesenheit impliziert. Auch die Pfirsiche bei Henri Matisse vermitteln den Eindruck, als würde jeden Moment das nur vorübergehend abgestellte Obst wieder aufgegriffen werden. Ob Roy Lichtensteins Stuhl, in die typischen Striche und Punkte der Pop-Art zerlegt, einer Person standhalten würde, ist hingegen fraglich. Karl Schmidt-Rottluffs roter Korbstuhl im Vorraum des Ateliers mit der erwartungsvollen Staffelei im Hintergrund wirkt hingegen wie eine Einladung, Platz zu nehmen und den Künstler bei der Entstehung seiner Kunst zu beobachten. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.59 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Am Kaffeetisch bei Otto Mueller. Um 1911. Tuschpinsel- und Tuschfederzeichnung. Verso mit dem Nachlassstempel des Kunstmuseums Basel (Lugt 1570 b) und der handschriftlichen Registriernummer 'F Dre/Bi 24'. Auf bräunlichem Velin. 31 x 43,3 cm (12,2 x 17 in), blattgroß. Vermutlich in Otto Muellers Atelier in der Hewaldstraße in Berlin entstanden. [CH]. • Kirchner skizziert mit schneller Feder die häusliche Situation am Kaffeetisch im Atelier Otto Muellers. • Dokument der neu gewonnenen Freundschaft zu Otto Mueller. • Szenen dieser Art sind auf dem internationalen Auktionsmarkt von größter Seltenheit. • Das zu erahnende Interieur ist mithilfe zeitgenössischer Fotografien auf das Atelier Otto Muellers zurückzuführen. Dieses Werk ist im Ernst Ludwig Kirchner Archiv, Wichtrach/Bern, dokumentiert. PROVENIENZ: Nachlass des Künstlers (Davos 1938, Kunstmuseum Basel 1946). Stuttgarter Kunstkabinett Roman Norbert Ketterer, Stuttgart (1954). Galerie Wolfgang Ketterer, Stuttgart/München (1963). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Künstler der Brücke in Berlin 1908-1914. Ein Beitrag zur Geschichte der Künstlergruppe Brücke, Brücke-Museum, Berlin, 1.9.-26.11.1972, Kat.-Nr. 106. Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Galerie Wolfgang Ketterer, Lagerkatalog Nr. 26, Stuttgart 1962/1963, Kat.-Nr. 892 (m. Abb.). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 156, SHG-Nr. 153 (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 320, SHG-Nr. 721 (m. Abb.). Isabelle Dervaux, Ernst Ludwig Kirchner, in: Ausst.-Kat. From Berlin to Broadway. The EBB Bequest of Modern German and Austrian Drawings, New York 2007, S. 46-51 (m. Abb.). 'Feiner Otto Müller. Lyriker aber doch Mensch, ganz schmale Lippen', berichtet Ernst Ludwig Kirchner in einem Brief an Erich Heckel aus Dresden am 22. Mai 1910 nach Dangast. Er schreibt über ihre erste Begegnung in der Berliner Ausstellung der Galerie Macht, die Werke der Zurückgewiesenen der Berliner Secession zeigt. (Ernst Ludwig Kirchner. Der gesamte Briefwechsel, hrsg. von Hans Delfs, Zürich 2010, Nr. 64) Im Oktober 1911 kehrt Otto Mueller, nachdem er mit Kirchner unter anderem im Sommer nach Prag reist, um den tschechischen Maler Bohumil Kubišta für die Künstlergruppe zu gewinnen, nach Berlin zurück und bezieht ein neues Atelier in der Varziner Straße 8 in Berlin-Friedenau. Sein altes Studio, Mommsenstraße 60 (heute Markelstraße) in Steglitz, übernimmt Heckel, der im Dezember von Dresden nach Berlin übersiedelt und entsprechend dort auch das Büro der Künstlergruppe einrichtet. Die Wände in seinem Atelier bemalt Otto Mueller mit lebensgroßen stehenden und sitzenden Aktfiguren und seine Frau Maschka, die er 1905 nach langer Lebensgemeinschaft heiratet, schmückt die Wohnung zusätzlich mit gebatikten Tüchern. Ernst Gosebruch, fortschrittlicher, sich für den Expressionismus einsetzender und engagierter Direktor der Städtischen Kunstsammlungen in Essen, besucht im Winter Anfang 1912 die Maler der 'Brücke' in Berlin und berichtet über Muellers Atelier: 'Die grenzenlose Dürftigkeit dieser Dachquartiere fiel ja dem Eintretenden nicht so ins Auge, so gaben Otto Muellers feierliche Friese seinen Stuben etwas, man muß so sagen, Fürstliches, einen großen Stil, hinter dem man den Mangel gar nicht verspürte.' (Zit. nach: Lothar Günther Buchheim, Die Künstlergemeinschaft Brücke, Feldafing 1956, S. 60) Kirchner skizziert hier mit schneller Feder die Begegnung am Kaffeetisch in einem Raum mit Dachgauben, Stoffbahnen und Bildern an den Wänden. Auf dem Tisch lässt sich Kaffeegeschirr ausmachen und eine Petroleumlampe mit Glaszylinder und -schirm. Drei Personen sitzen am Tisch, Otto Mueller, uns den Rücken zugewandt, links von ihm vermutlich Maschka, seine Frau, und rechts die Begleitung Kirchners, Erna oder Gerda Schilling? Eine ebenfalls im Atelier von Mueller gemachte Fotografie von Kirchner zeigt neben dem Ehepaar Mueller Kirchner selbst und Gerda Schilling, die Schwester von Erna. (Abb.) Kirchner lernt die Geschwister im Oktober 1911 kurz nach seinem Umzug in die Metropole Berlin kennen; von da an beleben sie als Modelle allein oder gemeinschaftlich das Werk des Künstlers in den folgenden Jahren, werden zu den Protagonistinnen der sogenannten 'Straßenbilder'. Erna bleibt Kirchners Lebensgefährtin bis zu dessen Tod 1938; Gerdas Spuren verlieren sich 1927. Die Freundschaft speziell zwischen Kirchner und Mueller entwickelt sich entspannt; ein konkurrierendes Verhalten als jüngstes Mitglied der Künstlergemeinschaft zu Heckel, Kirchner, Pechstein und Schmidt-Rottluff fehlt, es ist Muellers Wesen fern. Am 15. Oktober 1930 schildert Kirchner seinem Sammler Carl Hagemann, der auch Werke von Mueller besitzt, seine Erinnerung an den gerade am 24. September verstorben, einstigen Weggefährten: 'Mich hat sein früher Tod auch tief bewegt. Wir standen uns Jahre hindurch vor dem Kriege sehr nahe und sind dann durch die Verhältnisse getrennt worden. […] Wir trafen uns auch in der sinnlichen Verehrung der Frau und der Schätzung der Eleganz. Nur in der menschlichen Stellung zur Frau hing er mehr an den bürgerlichen Formen, während ich die freie Kameradschaft vorzog. Ich habe ihn am liebsten gehabt von allen Künstlern, die ich kannte, denn er war der einzige, der einen noblen anständigen aufrechten Charakter hatte, eine Herrennatur und kein Speichellecker und Streber. Er kämpfte mit für die freie Kunst und machte keine Compromisse. Mag sein Vorstellungskreis auch klein gewesen sein, so sind seine Werke doch immer von Qualität und wirkliche freie Kunstwerke und echt, weil sie auf dem Boden seiner Weltanschauung frei und rein erwachsen sind. Er ist unser Corot.' (Ernst Ludwig Kirchner. Der gesamte Briefwechsel, hrsg. von Hans Delfs, Zürich 2010, Nr. 2452) [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.26 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.
Cuno Amiet 1868 Solothurn - 1961 Oschwand Postkarte: Berglandschaft mit Skifahrer. 1911. Buntstiftzeichnung und Tusche. Oben mittig signiert. Im unteren Rand bezeichnet 'Einen fröhlichen Neujahrsgruss vom Strelapass. 30. Dezember 1911'. Auf einer Blanko-Postkarte. 14,5 x 9,4 cm (5,7 x 3,7 in). Postkarte an Prof. Dr. Heinrich Ganter aus Davos, Poststempel 31.12.11. Das Werk ist unter der Nummer SHG 883 c in der Sammlung Hermann Gerlinger registriert. • Eine der äußerst selten angebotenen Künstlerpostkarten Amiets. • Treffsicher komponiertes Zeitzeugnis. • Der Mathematiklehrer Prof. Dr. Heinrich Ganter prägt als Präsident des Aargauischen Kunstvereins und Mitglied progressiver Künstlerverbände die schweizerische Kunstszene der Epoche. PROVENIENZ: Prof. Dr. Heinrich Ganter (1848–1915), Aarau (seit 1911). Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032, seit 2010: Villa Grisebach). AUSSTELLUNG: Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Villa Grisebach, Berlin, Auktion 28.11.2010, Los 602. Die Künstlerpostkarten sind beredtes Zeitzeugnis und eröffnen uns sowohl Einblicke in die künstlerische Entwicklung der Künstler als auch in ihr gesellschaftliches Leben. So folgt auch Cuno Amiet der schönen Tradition, zum Jahreswechsel Grüße an Freunde und Bekannte zu verschicken. Damit fügt er sich ein in die Reihe namhafter Künstler, darunter alle der Künstlergruppe 'Brücke', die künstlerisch gestaltete Postkarten als ideales Kommunikationsmittel auch zu Förderern und Sammlern für sich nutzen. Sie dienen als Status quo der Arbeit der Künstler, sind perfektes Beispiel der Methode des spontanen Erfassens und einer unverfälschten unmittelbaren Wiedergabe. Die Postkarten werden zu einer Art von Visitenkarte und stehen für ein modernes, erfolgsorientiertes Netzwerken. Mit der in schnellen Strichen eingefangenen schweizerischen Winterlandschaft, in der zwei unbeschwerte Skifahrer ihre Schwünge ziehen, hält sich Cuno Amiet bei Prof. Dr. Heinrich Ganter, dem Präsident des Aargauischen Kunstvereins, in Erinnerung. Dieser bereits 1860 gegründete und bis heute bestehende Kunstverein gehört zu den ältesten und größten Kunstvereinen der Schweiz. Ziel des Vereins ist es, eine umfangreiche Sammlung neuerer schweizerischer Kunst aufzubauen. Das Aargauer Kunsthaus besitzt heute mehrere Bilder aus der für Amiets Schaffen so wichtigen Zeit zwischen 1905 und 1913. [SM] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.22 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONCuno Amiet 1868 Solothurn - 1961 Oschwand Postkarte: Berglandschaft mit Skifahrer. 1911. Colored crayon drawing and India ink. Signed in upper center. Bottom margin inscribed 'Einen fröhlichen Neujahrsgruss vom Strelapass. 30. Dezember 1911'. On a blank postcard. 14.5 x 9.4 cm (5.7 x 3.7 in). Postcard to Prof. Dr. Heinrich Ganter from Davos, postage stamp December 31, 11. The work is registered in the Collection Hermann Gerlinger under the number SHG 883 c. • One of Amiet's extremely rare artist postcards. • Remarkable comtemporary document. • As president of the 'Aargauischer Kunstverein' and member of progressive artist associations, the mathematics teacher Prof. Dr. Heinrich Ganter was an influential figure of the contemporary Swiss art scene. PROVENANCE: Prof. Dr. Heinrich Ganter (1848–1915), Aarau (since 1911). Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (with the collector's stamp Lugt 6032, since 2010: Villa Grisebach). EXHIBITION: Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Villa Grisebach, Berlin, auction on November 28, 2010, lot 602. The artist postcards are eloquent testimony to the times and provide us with insights into both the artist’s development and their social life. Thus, Cuno Amiet also follows the beautiful tradition of sending greetings to friends and acquaintances at the turn of the year. In doing so, he joins the ranks of renowned artists, including all of the 'Brücke' artists, who used artistically designed postcards as an ideal means of communication, also with patrons and collectors. They serve as a status quo of the artists' work, are perfect examples of the method of spontaneous capture and unadulterated immediate reproduction. The postcards become a kind of business card and stand for modern, success-oriented networking. Cuno Amiet made the Swiss winter landscape with two skiers captured in quick strokes for Prof. Dr. Heinrich Ganter, the president of the ‘Aargauischer Kunstverein’. This art association, founded as early as in 1860 and still in existence today, is one of the oldest and largest art associations in Switzerland. The aim of the association has always been to build up an extensive collection of contemporary Swiss art. Today, the Aargauer Kunsthaus owns several paintings from the period between 1905 and 1913, which was so important for Amiet's work [SM] Called up: December 10, 2022 - ca. 17.22 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
Max Beckmann 1884 Leipzig - 1950 New York Königinbar (Selbstbildnis). 1920. Kaltnadelradierung. Hofmaier 176 A (von B b). Glaser 154. Gallwitz 148. Signiert und von fremder Hand (wohl vom Drucker Peter Zingler) bezeichnet „Druck von der unverstählten Platte für Beckmann“. In der Druckplatte bezeichnet „Königin“. Auf Japanbütten. 31,8 x 24,6 cm (12,5 x 9,6 in). Papier: 56,2 x 36,3 cm (22,1 x 14,3 in). Herausgegeben 1921 von Peter Zinglers Kabinett, Frankfurt a. Main. Bei der Königinbar handelt es sich um einen zu Beckmanns Zeiten beliebten Berliner Nachtclub am Kurfürstendamm, den Beckmann auch in dem 1935 entstandenen Gemälde „Königinbar“ verewigt. [CH]. • Besonders seltener Druckzustand vor Verstählung der Druckplatte. • Künstlerexemplar (wohl vom Drucker Peter Zingler bezeichnet: „für Beckmann“). • Ein weiteres Exemplar befindet sich in der Sammlung des Museum of Modern Art in New York. PROVENIENZ: Städtische Kunstsammlungen Chemnitz (1921-1937, verso mit dem Stempel und der Inv.-Nr. 21-16). Staatsbesitz (1937- wohl 1941, verso mit der EK-Nummer 10479, im NS-Inventar irrtümlich als Nr. 10480 „Im Café“ erfasst). Hildebrand Gurlitt, Hamburg (1941 durch Kauf vom Vorgenannten). Privatsammlung Niedersachsen (seit 2013). LITERATUR: Hauswedell & Nolte, Hamburg, 443. Auktion, Max Beckmann. Die graphischen Selbstbildnisse, 5. Juni 2013, Lot Nr. 20 (mit Abb.). www.geschkult.fu-berlin.de/e/db_entart_kunst/datenbank (EK-Nr.: 10479; EK-Nr.: 10480). Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 18.06 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONMax Beckmann 1884 Leipzig - 1950 New York Königinbar (Selbstbildnis). 1920. Drypoint. Hofmaier 176 A (of B b). Glaser 154. Gallwitz 148. Signed and inscribed '„Druck von der unverstählten Platte für Beckmann“ by a hand other than that of the artist (probably by the printer Peter Zingler) . Inscribed 'Königin“ in the plate. On Japon. 31.8 x 24.6 cm (12.5 x 9.6 in). Sheet: 56,2 x 36,3 cm (22,1 x 14,3 in). Published in 1921 by Peter Zingler's Kabinett, Frankfurt am Main. The Königinbar was a popular Berlin nightclub on Kurfürstendamm, which Beckmann also depicted in his 1935 painting of the same name. [CH]. • Very rare print state before the plate was steeled. • Artist copy (inscribed: 'für Beckmann“, presumably by the printer Peter Zingler). • Another copy is in the collection of the Museum of Modern Art in New York. PROVENANCE: Städtische Kunstsammlungen Chemnitz (1921-1937, verso with stamp and inv. no. 21-16). State-owned (1937- presumably 1941, verso with the EK number 10479, erroneously registered as no. 10480 'Im Café“ in the NS inventory). Hildebrand Gurlitt, Hamburg (acquired from the above in 1941). Private collection Northern Germany (since 2013). LITERATURE: Hauswedell & Nolte, Hamburg, 443rd auction, Max Beckmann. Die graphischen Selbstbildnisse, June 5, 2013, lot no. 20 (with illu.). www.geschkult.fu-berlin.de/e/db_entart_kunst/datenbank (EK no.: 10479; EK no.: 10480). Called up: December 10, 2022 - ca. 18.06 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Signet der Künstlergruppe 'Brücke'. 1905/06. Holzschnitt. Gercken A-26 II. von II. Dube H 964 II. Links im Holzstock monogrammiert. Eines von 6 bekannten Exemplaren dieses Zustands. Auf Bütten mit Wasserzeichen. 12,6 x 5 cm (4,9 x 1,9 in). Papier: 22,6 x 17,5 cm (8,9 x 6,9 in). [SM]. • Eines von wenigen Exemplaren, von denen sich der überwiegende Teil in Museen befindet, u. a. im Museum of Modern Art, New York. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle:artprice.com). • Frühes Dokument der jungen Künstlergruppe. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina Wien, 1.6.-26.8.2007, Kat.-Nr. 117, S. 402. Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 99, SHG-Nr. 37b (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 290, SHG-Nr. 656b (m. Abb.). Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 16.38 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Signet der Künstlergruppe 'Brücke'. 1905/ 1906. Woodcut. Gercken A-26 II. of II. Dube H 964 II. Monogrammed in left of wooden block. One of 6 known copies of this state. On laid paper with a watermark. 12.6 x 5 cm (4.9 x 1.9 in). Sheet: 22,6 x 17,5 cm (8,9 x 6,9 in). [SM]. • One of just a few copies of which most are museum-owned, among others, by the Museum of Modern Art, New York • For the first time offered on the international auction market (source:artprice.com) • Document from the early days of the young artist group. PROVENANCE: Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (with the collector's stamp Lugt 6032). EXHIBITION: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina, Vienna, June 1 - August 26, 2007, cat. no. 117, p. 402. Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Heinz Spielmann (editor), Die Maler der Brücke, Collection Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, p. 99, SHG no. 37b (with illu.) Hermann Gerlinger, Katja Schneider (editors), Die Maler der Brücke, inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 290, SHG no. 656b (with illu.). Called up: December 10, 2022 - ca. 16.38 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Plakat Muim-Institut. 1911. Farbholzschnitt. Gercken A-64 a (von b). Dube H 716. Im Stock monogrammiert. Eines von 11 bekannten Exemplaren. Auf bräunlichem Papier. 72 x 48,5 cm (28,3 x 19 in), Blattgröße. [SM]. • Sehr selten. • Ein weiteres Exemplar befindet sich u. a. in der Sammlung des Stedelijk Museum, Amsterdam. • Wichtiges Zeitdokument, dass das vielschichtige Wirken der Künstlergruppe bezeugt. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (seit 1985: Christie, Manson & Woods London, mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Expressiv! Die Künstler der Brücke. Die Sammlung Hermann Gerlinger, Albertina Wien, 1.6.-26.8.2007, Kat.-Nr. 148, S. 232 (m. Abb.). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Hans Bolliger, E. W. Kornfeld, Ausstellung Künstlergruppe Brücke. Jahresmappen 1906-12, Bern 1958, S. 33, Nr. 55. Christie, Manson & Woods, Important old master and modern prints. The properties of the Baltimore Museum of Art, the late Villiers David, Esq. (..), London, 6.12.1985, Los 559 (m. Farbabb.). Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 118, SHG-Nr. 79. Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 322, SHG-Nr. 726. Im Oktober 1911 löst Kirchner sein Atelier in Dresden auf und siedelt nach Berlin über. Im Stadtteil Wilmersdorf, in der Durlacher Straße 14, findet Kirchner zwei Wohnungen. Im dritten Stock richtet er sein Atelier ein, im zweiten Stock erhält das gemeinsam mit Max Pechstein gegründete MUIM-Institut seine Unterkunft. Das Institut, eine Art private Kunstschule, wird noch im Dezember eröffnet. In dem gleichzeitig mit dem Plakat gedruckten Prospekt (S. 52) erläutert Kirchner: 'MUIM-Institut/Leiter M. Pechstein und E. L. Kirchner/Moderner Unterricht in Malerei, Graphik, Plastik, Teppich-, Glas-, Metall-Arbeit/Malerei in Verbindung mit Architektur/Unterricht mit neuen Mitteln auf neue Art. Skizzieren nach dem Leben verbunden mit Komposition. Unterricht im Institut oder Atelier des Einzelnen. Institut tagsüber zur Verfügung. Im Sommer Freilichtakt an der See. Fördernde Korrektur aus der Eigenart des Einzelnen heraus.' Trotz des Prospekts, des Plakats und einer von Kirchner ebenfalls in Holz geschnittenen Anzeige, die von Dezember 1911 bis September 1912 regelmäßig in der von Walden herausgegebenen Zeitschrift 'Der Sturm' erscheint, bleibt der Erfolg aus. Wohl gegen Ende 1912 wird das Institut mangels Erfolges aufgegeben, nicht zuletzt dürfte die Trennung der Künstlergruppe von Pechstein dazu beigetragen haben. Von den wenigen Schülern des Instituts sind heute nur noch der in Karlsruhe geborene Werner Gothein und der Hannoveraner Hans Gewecke bekannt. Zu beiden unterhält Kirchner persönlichen Kontakt (Abb.); in seinen Werken von 1912 und 1913 tauchen sie mehrfach auf. Das Motiv des vorliegenden Plakats zeigt deutlich den Einfluss der buddhistischen Wandbilder der Höhlentempel von Ajanta in Indien aus dem 6. Jahrhundert, etwa die prall gerundeten Körperformen und die ausgeprägte, lange, weich geschwungene Nasen- und Augenpartie. Kirchner entdeckt diese Malereien noch im Frühjahr 1911 in Fachbüchern der Zentralen Kunstbibliothek der Dresdner Museen, wo er systematisch die Werke außereuropäischer Kunst studiert, Details in großem Zeichnungsformat kopierend adaptiert. Noch im Tagebuch der Schweizer Jahre ist er von ihrer Eleganz und Fremdheit des Ausdrucks gefesselt. 'Diese Werke machten mich fast hilflos vor Entzücken. Diese unerhörte Einmaligkeit der Darstellung bei monumentaler Ruhe der Form glaubte ich nie erreichen zu können, alle meine Versuche kamen mir hohl und unruhig vor. Ich zeichnete vieles an den Bildern ab, um nur einen eigenen Stil zu gewinnen..' (E. L. Kirchner, zit. nach: Eberhard Kornfeld, Die Arbeit E. L. Kirchners, 1979, S. 333). Mit dem Gemälde 'Fünf Badende am See' setzt Kirchner wohl erstmals seine Studien um und kreiert hier eine neue Auffassung der weiblichen Figur. (Abb.) Der Akt des MUIM-Plakats mit den runden Formen eines fülligen Halbaktes zeigt eine unmittelbare stilistische Nähe zu dem Gemälde. Mit einem ersten Stock druckt Kirchner mit Ocker kammartige Bögen auf das Papier, die das eigentliche Motiv, die harten, schwarz gehaltenen Konturen wie ein weicher Schatten umspielen und dem Plakat trotz der großen Textlastigkeit eine exotische Leichtigkeit verleihen. Nicht zuletzt ist es eine Blüte, die das imaginäre Modell, genüsslich daran riechend, zwischen Daumen und Zeigefinger zu halten scheint, wie auch die kleine Vignette seitlich als Haarbrosche mit einem sich bewegenden Akt, die diesen lockenden Eindruck des Plakats unterstützen. [MvL] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.08 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.
Ernst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Vignette Muim-Institut. 1911. Holzschnitt. Gercken A-65 I (von III.B.). Dube H. 958. Eines von 2 bekannten Exemplaren dieses Zustands. 7,2 x 5,4 cm (2,8 x 2,1 in). Papier: 8,5 x 7,1 cm (3,3 x 2,8 in). [SM]. • Erstmals auf dem internationalen Auktionsmarkt angeboten (Quelle: artprice.com). • Nur ein weiteres Exemplar mit der Schrift bekannt, dieses befindet sich im County Museum of Art, Los Angeles. PROVENIENZ: Sammlung Hermann Gerlinger, Würzburg (seit 1985: Christie, Manson & Woods London, mit dem Sammlerstempel Lugt 6032). AUSSTELLUNG: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum, Schloss Gottorf, Schleswig (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (Dauerleihgabe aus der Sammlung Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATUR: Christie, Manson & Woods, Important old master and modern prints. The properties of the Baltimore Museum of Art, the late Villiers David, Esq. (..), London, 6.12.1985, Los 565. Heinz Spielmann (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, S. 117, SHG-Nr. 76 (m. Abb.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (Hrsg.), Die Maler der Brücke. Bestandskatalog Sammlung Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, S. 321, SHG-Nr. 723 (m. Abb.). Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.11 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONErnst Ludwig Kirchner 1880 Aschaffenburg - 1938 Davos Vignette Muim-Institut. 1911. Woodcut. Gercken A-65 I (of III.B.). Dube H. 958. From an edition of 2 known copies from this state. 7.2 x 5.4 cm (2.8 x 2.1 in). Papier: 8,5 x 7,1 cm (3,3 x 2,8 in). [SM]. • For the first time offered on the international auction market (source: artprice.com). • Only one other copy with letters is known, it is in possession of the County Museum of Art, Los Angeles. PROVENANCE: Collection Hermann Gerlinger, Würzburg (since 1985: Christie, Manson & Woods London, with the collector's stamp Lugt 6032). EXHIBITION: Schleswig-Holsteinisches Landesmuseum Schloss Gottorf, Schleswig (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 1995-2001). Kunstmuseum Moritzburg, Halle an der Saale (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2001-2017). Buchheim Museum, Bernried (permanent loan from the Collection Hermann Gerlinger, 2017-2022). LITERATURE: Christie, Manson & Woods, Important old master and modern prints. The properties of the Baltimore Museum of Art, the late Villiers David, Esq. (..), London, December 6, 1985, lot 565. Heinz Spielmann (ed.), Die Maler der Brücke, Sammlung Hermann Gerlinger, Stuttgart 1995, p.117, SHG no. 76 (with illu.). Hermann Gerlinger, Katja Schneider (eds.), Die Maler der Brücke, Inventory catalog Collection Hermann Gerlinger, Halle (Saale) 2005, p. 321, SHG no. 723 (with illu.). Called up: December 10, 2022 - ca. 17.11 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.
Kurt Schwitters 1887 Hannover - 1948 Ambleside/Westmorland Mz. 59. Continental. 1926. Collage mit Papier auf Karton. Orchard/Schulz 1370. Auf dem Karton signiert, datiert und betitelt „continental“ sowie handschriftlich bezeichnet „Mz. 59.“. Verso handschriftlich mit der Adressangabe des Künstlers versehen. 13,6 x 10,2 cm (5,3 x 4 in). Karton (Sichtmaß): 17,7 x 14 cm (7 x 5,5 in). [AM]. • Die „Merzzeichnungen“ gehören zu den begehrtesten Arbeiten des Künstlers auf dem internationalen Auktionsmarkt. • Charakteristische Arbeit mit besonders klarer Formgebung. • Schwitters berühmte „Merzzeichnungen“ sind heute Teil zahlreicher bedeutender Museumssammlungen, wie u. a. der Tate Modern, London, und des Museum of Modern Art, New York. PROVENIENZ: Robert Michel, Vockenhausen (als Geschenk direkt vom Künstler erhalten). Galerie Folker Skulima, Berlin. Galerie Michael Werner, Köln (1990-1998, auf der Rahmenrückpappe mit dem Etikett). Privatbesitz Deutschland (seit 1998, wohl Galerie Fred Jahn, auf der Rahmenrückpappe mit dem Etikett). AUSSTELLUNG: Kurt Schwitters, Galerie Michael Werner, New York 4.10.-17.11.1990, Kat.-Nr. 8 (mit Farbabb. Nr. 8). Achenbach Kunsthandel, Frankfurt a.M., 1991. Kurt Schwitters, Achenbach Kunsthandel, Düsseldorf, 15.11.1993-28.1.1994 (kein Katalog). Kurt Schwitters, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris, 24.11.1994-20.2.1995, o. Nr., S. 378. Kurt Schwitters, IVAM Centre Julio González, Valencia, 6.4.-18.6.1995, o. Nr., S. 442. Kurt Schwitters, Musée de Grenoble, 16.9.-27.11.1995. Galerie Fred Jahn, München, 1998 (Abb. auf Einladungskarte). Stadsgalerij Heerlen, 9.3.-8.6.1997, Kat.-Nr. 19 (mit Farbabb. S. 62, auf der Rahmenrückpappe mit dem Etikett). LITERATUR: Christie's, London, Auktion Impressionist and Modern Drawings and Watercolors, 26.6.1990, Los 141. Mit seiner Kunst und seinen literarischen Texten begründet Kurt Schwitters in Hannover eine eigene Dada-Einrichtung, die er 'Merz' nennt, ein Wortfragment von 'Commerzbank' (lat. cum = mit, merx = Ware), damals eine der führenden Filialbanken. Unsere Merzzeichnung ist eine der ausdrucksstarken Arbeiten aus diesem überaus wichtigen Kapitel der Kunstgeschichte. In diesen Werken, die eigentlich Collagen sind, findet sich eine Ansammlung des scheinbar Zufälligen. Es ist letztlich eine durchdachte Gestaltung von Relikten verschiedenster Provenienz. Hinzu kommt eine Ästhetisierung des Unbrauchbaren, der Reste, die hier, neu vereint, den künstlerischen Aspekt dieser Arbeit ausmachen. Schwitters erfindet mit der Collage ein neues Bild aus täglichem Kleinabfall, Schnipseln, Fahrscheinen, Eintrittskarten, Reinigungsquittungen oder Satzfetzen, die konstruktiv wie informell, surreal wie ganz real wirken: das Zufällige erfährt hier Poesie. [AM] Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 19.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONKurt Schwitters 1887 Hannover - 1948 Ambleside/Westmorland Mz. 59. Continental. 1926. Collage with paper on cardboard. Orchard/Schulz 1370. Signed, dated and titled 'continental“ on the cardboard, as well as with the inscription 'Mz. 59.“. Verso inscribed with the artist's address. 13.6 x 10.2 cm (5.3 x 4 in). Cardboard (visible area): 17,7 x 14 cm (7 x 5,5 in). [AM]. • The 'Merzzeichnungen“ (Merz Drawings) count among his most souight-after works on the international auction market. • Characteristic work in particularly clear forms. • Schwitter's famous 'Merzzeichnungen“ are in many importnat museum collections, among them the Tate Modern, London, and the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: Robert Michel, Vockenhausen (gifted from the artist). Galerie Folker Skulima, Berlin. Galerie Michael Werner, Cologne (1990-1998, with the label on the reverse). Private collection Germany (since 1998, presumably Galerie Fred Jahn, with the label on the reverse). EXHIBITION: Kurt Schwitters, Galerie Michael Werner, New York October 4 - November 17, 1990, cat. no. 8 (with color illu. no. 8). Achenbach Kunsthandel, Frankfurt a.M., 1991. Kurt Schwitters, Achenbach Kunsthandel, Düsseldorf, November 15, 1993 - January 28, 1994 (no catalog). Kurt Schwitters, Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, Paris, November 24, 1994 - February 20, 1995, no number, p. 378. Kurt Schwitters, IVAM Centre Julio González, Valencia, April 6 - June 18, 1995, no number, p. 442. Kurt Schwitters, Musée de Grenoble, September 16 - November 27, 1995. Galerie Fred Jahn, Munich, 1998 (shown on the invitation card). Stadsgalerij Heerlen, March 9 - June 8, 1997, cat. no. 19 (with color illu. p. 62, with the label on the reverse). LITERATURE: Christie's, London, Auction of Impressionist and Modern Drawings and Watercolors, June 26, 1990, lot 141. With his art and his literary texts, Kurt Schwitters founded his own Dada institution in Hanover, which he called 'Merz', a word fragment of 'Commerzbank' (Latin cum = with, merx = goods), one of the leading banks at the time. Our Merz drawing is one of the most expressive works from this extremely important chapter in art history. In these works, which are actually collages, there is an accumulation of the seemingly random. It is ultimately a well thought-out design of relics of various origins. In addition, there is an aestheticization of the useless, of leftovers, which, in a new combination, make up the artistic aspect of this work. With the collage, Schwitters invented a new image of everyday rubbish, snippets, tickets, receipts or scraps of sentences that appear constructive and informal, surreal and very real: he makes randomness subject to poetry. [AM] Called up: December 10, 2022 - ca. 19.24 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).
Karl Schmidt-Rottluff 1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Sommerblumen. 1909. Aquarell und Tusche. Rechts unten signiert und datiert. Verso bezeichnet „Sommerblumen“. Auf zartem Aquarellpapier von J. Whatman (mit angeschnittenem Wasserzeichen). 44 x 56,1 cm (17,3 x 22 in), Blattgröße. [AM]. • Charaktervolles Frühwerk mit brillanter Farbkraft. • Aus der Moderne-Sammlung von Dr. Johannes Schürer. • Ausdrucksstarkes Stillleben aus Schmidt-Rottluffs bedeutendem Aquarelljahr 1909. Das Aquarell ist im Archiv der Karl und Emy Schmidt-Rottluff Stiftung, Berlin, dokumentiert. PROVENIENZ: Sammlung Dr. Johannes Schürer, Mülheim an der Ruhr (wohl seit den 1930er Jahren, möglicherweise Ankauf bei Commeter 1933). Seither in Familienbesitz. LITERATUR: Galerie Commeter Hamburg, Freiwillige Versteigerung einer Hamburgischen Sammlung nebst Beiträgen: Original Handzeichnungen, Radierungen, Lithographien, Holzschnitte von Künstlern des 19. und 20. Jahrhunderts (…), Versteigerung am 18. und 19. Mai 1933 (Katalog Nr. 58), Los 366. Aufrufzeit: 10.12.2022 - ca. 17.24 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten, Folgerechtsvergütung fällt an.ENGLISH VERSIONKarl Schmidt-Rottluff 1884 Rottluff bei Chemnitz - 1976 Berlin Sommerblumen. 1909. Watercolor and India ink. Lower right signed and dated. Verso inscribed 'Sommerblumen“. On delicate J. Whatman paper (with truncated watermark). 44 x 56.1 cm (17.3 x 22 in), size of sheet. [AM]. • Characterful early work in brilliant colors. • From the modern art collection of Dr. Johannes Schürer. • Expressive still life from 1909, a year of great importance for the development of Schmidt-Rottluff's watercolor technique. The watercolor is documented in the archive of the Karl and Emy Schmidt-Rottluff Foundation, Berlin. PROVENANCE: Collection Dr. Johannes Schürer, Mülheim an der Ruhr (presumably since the 1930s, probably acquired from Commeter in 1933). Ever since family-owned. LITERATURE: Galerie Commeter Hamburg, Freiwillige Versteigerung einer Hamburgischen Sammlung nebst Beiträgen: Original Handzeichnungen, Radierungen, Lithographien, Holzschnitte von Künstlern des 19. und 20. Jahrhunderts (…), auction on May 18 and 19, 1933 (catalog no. 58), lot 366. Called up: December 10, 2022 - ca. 17.24 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation, artist´s resale right compensation is due.
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![MANUSCRIPT. [Recollections in diary form of a European tour undertaken by two English ladies. London: N.p.:] October 1869. 15](https://cdn.globalauctionplatform.com/de7d9622-731e-4fc0-a64f-af5b00a5d3b0/258b901d-9b93-4e36-815b-af5f00a49f80/468x382.jpg)
