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Click here to subscribeConcert memorabilia to include: seven printed drinks cups obtained at a 2001 Radiohead concert, Half Man Half Biscuit concert poster (approx 30 x 20") and flyers, an Andy Warhol poster print, set lists from concerts inc Ian Dury (1999), The Raincoats (1996), House of Love (1991), X Ray Spex poster and flyers (2008) and more.
After Andy Warhol 'Marilyn' four screenprints in colours, published by Sunday B Morning, with stamp verso each 91.5 x 91.5cm (4)Condition report: Not viewed out of frames. Each with some light scratches to perspex frames, the one with dark pink background has slight scuffs to ink at corners. Generally, each appear to be in good condition. Please contact the department for additional images.
Warhol, Andy (Pittsburg 1928 - 1987 New York City). Mao. Farb. Offsetlithographie auf kräftigerem Papier. 1986. Handschriftlich nummeriert '1856/2400', im Druck signiert. 60 x 60 cm. Das Museum of Art gab zwei Serien des limitierten Mao-Porträts in 10 verschiedenen Farben und zwei unterschiedlichen Größen heraus.- In Brauntönen, Weiß und Schwarz überarbeitete Variante des Mao-Porträts.- Verso mit dem Stempel 'CMOA'.
Kraus, Jonathan (Leipzig 1989 lebt u. arbeitet in Berlin). Maos. Öl auf Leinwand von 2016. Verso signiert, datiert u. bezeichnet. 120 x 150 cm. Jonathan Kraus studierte in Dresden und Leipzig, dort war er Meisterschüler bei Annette Schröder.- Großformatiges, im Pop Art-Stil gehaltenes Porträt von drei jungen Menschen, im Hintergrund die Mao-Darstellungen von Andy Warhol.
NO RESERVE Ting (Walasse) 1¢ Life [One Cent Life], one of 2000 copies, 57 original lithographs only (of 62), original printed boards, dust-jacket, spine head chipped with tear to upper joint and cover, folio, Bern, 1964.⁂ Original lithographs present include ones by; W. Ting, P. Alechinsky, K. Appel, E. Baj, S. Francis, R. Indiana, A. Jorn, J. Mitchell, C. Oldenburg, M. Ramos, Robert Rauschenberg, J. Dine, J.P. Riopelle, J. Rosenquist, A. Saura, Bram Van Velde, Andy Warhol, Tom Wesselmann, and others. Those lithographs lacking are by Sam Francis (pp.78, 83), KRH Sondenburg (p.117), Roy Lichtenstein (pp.118-119), Oyvind Fahlstrom (p.120) and Mel Ramon (pp.152-153).
Andy Warhol: An exhibition poster for the Tate Gallery,17th February-28th March 1971,original promotional poster featuring Marilyn Monroe for Andy Warhol's exhibit at the Tate Gallery in London, printed on paper, rolled, 20in x 30in (51cm x 76cm)For further information on this lot please visit Bonhams.com
Andy Warhol: A Signed Copy of 'Interview' Magazine,February 1980,with Tatum O'Neal as the cover girl, signed and inscribed in black pen To Adam, Andy Warhol, 17in x 11in (43cm x 28cm)Footnotes:Tatum O'Neal is the youngest Oscar® winner in history, awarded for her role as Loggins in Paper Moon (1973). Aged 16 at the time of publication, her interview covered her friendships and experiences with Richard Burton, Michael Jackson, and Studio 54.For further information on this lot please visit Bonhams.com
ZAO WOU KI (Beijing, 1921 - Nyon, Switzerland, 2013).Untitled, from the Suite Olympic Centennial, 1992.Lithograph on 270 gram Vélin d'Arches paper, copy 58/250.Signed and justified by hand.Measurements: 90 x 63 cm.Zao Wou Ki is the second most sought-after postwar artist in the world and is the sixth most expensive artist of all time. In the first half of 2018, his sales ranked only behind those of stars such as Picasso, Monet, Modigliani or Andy Warhol. At the end of 2018, one of his paintings was sold for 56.5 million euros at auction at Sotheby's. The work made Wou-Ki the most expensive Asian artist in history.Zao Wou Ki was born into a Franco-Chinese family and grew up in a highly cultured environment, interested in the arts and sciences. He studied calligraphy in his childhood, an aspect that would influence his mature work, and later trained in painting at the Hangzhou College of Fine Arts between 1935-1941. A few years later, in 1948, he settled in Paris, in the Montparnasse district, where he would follow the artistic courses of Émile Othon Friesz and come into contact with the contemporary artistic avant-garde. He begins to experiment with lithography, a technique that he eventually mastered, as a result of his contact with Desjobert. He holds a solo exhibition at the Creuze Gallery in May 1949, with a presentation written by Bernard Dorival, curator of the National Museum of Modern Art. In January 1951 Pierre Loeb visits Wou-Ki's studio with Henri Michaux, organizing an exhibition at the Pierre Gallery for June, thus laying the foundations for a close collaborative relationship that would last six years. Thus, he exhibits regularly at the Pierre Gallery, and meets I. M. Pei and his wife Eileen, opening his circle of exhibitions to Switzerland, London, Basel and Lausanne, as well as in New York, Washington and Chicago. His painting is eminently abstract and colorist, very influenced by the work of Paul Klee, for his expressionist and emotive abstraction. He tends to work with large masses of intense and contrasting color, often creating works of large dimensions, as well as diptychs or triptychs. They are often explosions of color, germinal "big bangs", the origin of a world in creation, as we can see in this lithograph. Delicate patches of blue and mauve intermingle with some gray tones.
Elvis Presley lighters / mugs / cufflinks plus, a canned Elvis Zippo lighter together with a Bomb lighter and four further lighters, a tobacco tin with lighter and rolling papers, two boxed pairs of fine bone china mugs, coasters, compact mirror, two pairs of cufflinks (one Simon Carter - Andy Warhol foundation) card holder and more, generally all good condition
Andy Warhol (1928-1987)Mick Jagger, from Mick Jagger Portfolio, 1975 signed in pencil by the artist and numbered 66/250, signed in felt-tip pen by Mick Jaggerscreenprint in colours110.5 x 73.6cm (43 1/2 x 29in).Printed by Alexander Heinrici, New York; published by Seabird Editions, London, with their inkstamp on the reverseFootnotes:LiteratureFeldman & Schellmann, Andy Warhol Prints 1962-1987, Fourth Edition, 2003, no. II.140, p92For further information on this lot please visit Bonhams.com
Louis Vuitton x SupremeA Limited Edition Red And White Monogram Malle Courrier 90 Trunk, 2019Red and white canvas printed with the Louis Vuitton monogram print, with leather Supreme Box Logo to front, red leather trim, silver tone hardware, lined in brown leather with two linen drawers 90cm wide, 50cm deep, 51cm high, includes padlock, keys and clocheFootnotes:Under the creative direction of Kim Jones, the Louis Vuitton x Supreme collaboration unveiled in 2017 is considered one of the most important collaborations between high fashion and streetwear brands. 'The collection is inspired by the glory days of New York artists...like Keith Haring, Jean-Michel Basquiat and Andy Warhol.' said Jones. The collaboration produced some of the most sought after and collectable pieces including the signature Malle Courrier trunk in bold red and white box monogram, which can be seen as an embodiment of brand history and pop culture.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Tom Wesselmann (American, 1931-2004). Black enamel on laser cut steel titled "Standing Nude," depicting a nude woman in outline. Signed, dated 1985, and numbered 13/50 along the verso. Published by the artist and Sidney Janis Gallery, New York. Tom Wesselman, along with Andy Warhol, Roy Lichtenstein, and Jasper Johns, was one of the leading figures of New York Pop Art. He is best known for his nudes, which utilize bright colors and simple shapes to create bold, erotic artworks. This nude is a toned down version of these iconic early nudes. In the 1980s, Wesselmann became interested in cutting metal to create drawings, utilizing negative space and thin lines of metal to create a composition. Initially created from hand-cut aluminum, Wesselmann later researched and helped to develop the first laser cutting devices for artistic use. The present lot is a work created from these innovations, blending the traditional aesthetic of drawing with brand-new technology to create a look all Wesselmann's own. Height: 22 1/2 in x width: 6 1/4 in.
Bernard Rancillac (born 1931)La Parole 4 l'Evangile selon Mao 1967 monogrammé; signé et daté 67 au revers acrylique sur toile (en huit parties)with the artist's monogram, signed and dated 67 on the reverseacrylic on canvas (in eight parts)Chaque: 100 x 80 cm.39 3/8 x 31 1/2 in.Dimensions totales: 200 x 320 cm.78 3/4 x 126 in.Footnotes:ProvenanceCollection particulière, France Puis par descendance au propriétaire actuelExpositionsParis, Musée d'Art moderne de la ville de Paris, Le monde en question, 1967Saint-Etienne, Musée d'Art et d'Industrie; Brest, Musée des Beaux-Arts, Rancillac, 1971Paris, Galerie du Centre culturel municipal, Rancillac, 1973Issoudun, Musée de l'Hospice Saint-Roch; Saint-Etienne, Musée d'art moderne et contemporain; Dole, Musée des Beaux-Arts, Bernard Rancillac Retrospective 1962-2002, 2003, p. 75, illustré en couleurLittératureSerge Fauchereau, Rancillac, Paris 1991, p. 99, n° 91, illustré en noir et blancChef de file d'une génération et l'un des membres fondateurs de la Figuration Narrative, Bernard Rancillac est une icône du Pop Art européen, dont l'héritage est inséparable de toute l'histoire culturelle du vingtième siècle. Nous présentons ici une œuvre qui saisit l'esprit du mondialisme après-guerre et révèle l'approche nuancée et critique que Rancillac a adoptée tout au long de sa carrière. La série de huit toiles intitulée La Parole 4 l'Évangile selon Mao (1967) représente une foule compacte de visages réjouis et de bras tendus en signe de salutation, rendue à traits vifs et en rouge selon la technique du pochoir, qui évoque la propagande et l'imagerie des régimes socialistes de la période, et la subversion des tropes du Pop Art qui est largement associée aux peintures d'Andy Warhol et de Roy Lichtenstein.Rancillac est un artiste dont les œuvres figurent dans les collections des plus grands musées mondiaux, y compris le MoMA, New York ; le Musée d'art contemporain de Barcelone (MACBA) ; et le Musée National d'Art Moderne, Paris ; l'importance de son travail a fait l'objet d'une reconnaissance constante depuis sa participation à l'exposition révolutionnaire The World Goes Pop à la Tate Modern en 2015, qui a ensuite été présentée au Walker Centre, Minneapolis. Rancillac a occupé une place centrale dans cette exposition qui ambitionnait de reconstituer et d'étendre l'histoire du Pop Art, traditionnellement considéré comme un phénomène purement anglo-américain. Il a affirmé, ce faisant, une présence avant-gardiste dans ces mutations profondes de la culture mondiale, et s'est imposé comme une figure majeure de l'art des années 1960.La Parole 4 l'Evangile selon Mao est une œuvre de qualité muséale, qui témoigne indéniablement de son époque : une image de la Chine de Mao un an après la Révolution culturelle de 1966, peinte un an avant que Rancillac ne participe personnellement aux événements de mai 1968, en prenant le contrôle des ateliers de lithographie de l'École des beaux-arts pour former l'Atelier Populaire. Chez Rancillac, les motifs artistiques et politiques sont alignés et occupent une large place dans son œuvre. L'ampleur et l'impact de cette grande œuvre impressionnante sont indéniables, et évoquent une énergie et une confiance intellectuelle dont l'observation est captivante. Peinte en utilisant un projecteur – selon un système qui a été mis au point pour la première fois par Illeana Sonnabend pour l'artiste français Daniel Pommereulle, puis introduit auprès des artistes du groupe Figuration narrative en 1964 – l'image photographique est transposée et reconstituée. Rancillac, en imitant les sérigraphies reproductibles de Warhol, mais en créant des œuvres délicatement peintes à la main et uniques, a réalisé une synthèse esthétique qui a constitué une critique des techniques autonomes du Pop Art tout en maintenant sa propre exigence politique.L'iconographie et les pochoirs des œuvres de protestation – dont les successeurs historiques incluent des artistes comme Christopher Wool et Banksy – recèlent une puissance artistique rarement vue dans la peinture traditionnelle. Rancillac est indubitablement l'un des artistes les plus importants et influents qui ont su capter l'énergie politique d'une décennie, et cette énergie est palpable et puissante dans La Parole 4 l'Evangile selon Mao. Sont également présentées à la vente des peintures de Rancillac de la série Cinémonde reconnaissables au premier regard – un épisode de sa carrière au cours duquel il a reproduit des photos publicitaires des starlettes hollywoodiennes les plus célèbres du vingtième siècle. Selon le co-curateur de l'exposition Mythologies Quotidiennes, véritable visionnaire, cette vente donne une occasion unique d'acquérir des œuvres importantes, emblématiques de l'apogée de l'illustre carrière de Rancillac.A leader of a generation and one of the founding members of the Figuration Narrative, Bernard Rancillac is an icon of European Pop Art, whose legacy is inseparable from the broader cultural history of the twentieth century. Presented here is a work that captures the spirit of post-war globalism and reveals the nuanced, critical approach that Rancillac pursued in his work. Executed over eight canvases, La Parole 4 l'Evangile selon Mao (1967) depicts a raucous crowd of cheering faces and arms in salutation, rendered in a typically sharp, red stencil that evokes the propaganda and imagery of the socialist regimes of the period, as well as a subversion of the tropes of Pop Art that is most widely associated with the paintings of Andy Warhol and Roy Lichtenstein. An artist whose work resides in global museum collections inlcuding the MoMA, New York; the Barcelona Museum of Contemporary Art (MACBA); and the Musée National d'Art Moderne, Paris, Rancillac's significance has seen ongoing appreciation since his inclusion in the ground-breaking exhibition The World Goes Pop at the Tate Modern in 2015, travelling to the Walker Centre, Minneapolis, subsequently. Taking centre stage in a show that sought to reconstitute and expand the history of Pop Art that has traditionally been seen as a British-American phenomena, Rancillac stands as a trailblazing presence who engaged deeply with global cultural shifts and emerged a prominent voice of the 1960s. La Parole 4 l'Evangile selon Mao is an institutional-quality piece that is unquestionably of its moment: an image of Mao's China one year after the Cultural Revolution of 1966, painted one year before Rancillac himself would participate in the events of May 1968, taking over the lithography studios of the École des beaux-arts to form the Atelier Populaire. In Rancillac, artistic and political motives are aligned and writ large. In this grand and impressive work, its scale and impact are undeniable, and evoke an energy and intellectual confidence that are captivating to observe. Painted using a projector – a device that was first procured for the French artist Daniel Pommereulle by Illeana Sonnabend, that then was introduced to the artists of the Figuration Narrative group in 1964 – the photographic image is transposed and reconstituted. Both mimicking the reproducible silkscreens of Warhol, but remaining fastidiously hand-painted and unique, R... For further information on this lot please visit Bonhams.com
JEAN-PIERRE RAYNAUD (born 1939)Mur 815 1968 signé et daté 1968 au reversassemblage de polyester, métal, tôle émaillée et peinturesigned and dated 1968 on the reversepolyester, metal, enamelled sheet metal and paint300 x 75 cm. 118 1/8 x 29 1/2 in.Footnotes:ProvenanceGalerie Mathias Fels, Paris Collection particulière, France (acquis auprès de celle-ci)Puis par descendance au propriétaire actuel ExpositionsParis, Musée des Arts Décoratifs, Peintres Européens d'Aujourd'hui, 1968, n.p., n° 78, illustré en noir et blancLausanne, Musée Cantonal, IIIe Salon International des Galeries Pilotes, 1970LittératureDenyse Durand-Ruel, Jean Pierre Raynaud. Catalogue Raisonné 1962–1973, Tome 1, Paris 1998, p. 112, n° 200, illustré en noir et blancJean-Pierre Raynaud est un véritable visionnaire, dont la trajectoire artistique, bien qu'alignée sur le Pop Art européen, est demeurée absolument unique et profondément liée au readymade de Duchamp, aux monuments modernistes de Brancusi et au Nouveau réalisme. Deux œuvres cruciales et de qualité muséale sont aujourd'hui proposées à la vente, qui sont représentatives de l'avant-garde française des années 1960 : l'une de ses pièces les plus célèbres et reconnaissables, le Grand Demi-Pot, de 1969 – une œuvre qui constitue indubitablement le couronnement artistique de sa série des Psycho Objets (1964-1968) – et Mur 815, l'un des premiers « murs » créés par Raynaud en 1968, témoin de son récent intérêt pour l'architecture et sa fonction en tant qu'art. Cette idée a cheminé dans son esprit au point de devenir un projet qui a occupé une longue période de sa vie : sa maison à La Celle Saint-Cloud, qu'il a minutieusement habillée de carreaux blancs pendant 25 ans, avant de la démolir finalement et de la reconstituer comme une œuvre d'art en 1993.Raynaud a fait des études d'horticulture et a exercé le métier de jardinier. Toutefois, c'est en 1962 qu'il a fait le « saut » conceptuel qui allait ensuite définir la suite de toute sa carrière artistique, en remplissant l'espace vide d'un pot de jardin afin de créer ce qui lui est apparu comme une forme sculpturale parfaite. Raynaud a trouvé dans le pot un totem capable de soutenir une multitude d'idées ; depuis le pot, conçu comme un vaisseau qui donne et abrite la vie, jusqu'à la forme inversée qui rappelle les angles aigus du Cubisme ou la grandeur des structures mayas antiques. Pot Rouge, qui mesure près de deux mètres de haut, frappe par son immensité et son audace. Son échelle, sa simplicité et sa perfection produisent un effet de dépaysement, accentué par le fait qu'il est coupé en deux et semble surgir tout naturellement du mur ou du sol.Initialement créé comme un pot entier par l'artiste, avant d'être coupé en deux pour les besoins de l'exposition de Raynaud à l'Hôtel George V, qui avait commandé des œuvres à Raynaud en 1969, Grand Demi-Pot était la pièce centrale de la présentation, où il trônait à l'horizontale dans la cour de cet hôtel parisien. C'était une installation spectaculaire, qui présentait non sans humour un pot de jardin surdimensionné dans un jardin ornemental, était monumentale et frappante, et évoquait une profonde sobriété pour Raynaud. Commentant son inspiration pour les œuvres présentées, l'artiste déclarait : « Le George V ressemble à un cimetière. À l'intérieur on y rencontre des vieilles femmes prêtes à mourir, qui se traînent dans les couloirs. Je me suis dit qu'il fallait continuer dans cette voie » (Marc Sanchez, 'Jean Pierre Raynaud; Chronologie 1939 – 1998', en ligne). L'œuvre présentée aujourd'hui reflète un sentiment de vulnérabilité et un sens profond de la condition mortelle de l'homme, le pot comme présage du cycle de la vie et de la mort. Scellé et rempli, coupé en deux, l'autre moitié étant mise au rebut puis partiellement enterrée dans le sol, Pot Rouge est devenu un objet de contemplation, doué d'une forte charge émotionnelle et empreint d'une beauté silencieuse.Mur 815 reprend les codes iconiques de l'œuvre de Raynaud. Dans cette œuvre réalisée dans le rouge iconique qui caractérise sa production au cours de cette période, l'artiste a associé au mur une échelle trouvée et des balances dont il a marqué chacune de ses œuvres consacrées au « mur ». Fragment de la réalité, comme tombé d'un immeuble, Mur 815 révèle les différences profondes et saisissantes entre le Pop Art américain et européen des années 1960. Chez Raynaud, le caractère ordinaire et banal de l'objet n'est que le point de départ de l'œuvre d'art, alors qu'il est pour Warhol l'essence même de sa démarche artistique. L'œuvre ici présentée s'inscrit parfaitement dans la lignée des autres « murs » de Raynaud. La comparaison avec ces autres œuvres révèle non seulement la continuité dans laquelle s'inscrit l'œuvre ici présentée, mais également la signification non dite de celle-ci.Raynaud a représenté la France à la Biennale de Venise en 1993, en plus d'être collectionné par des institutions majeures, parmi lesquelles le MoMA, New York, le Musée National d'Art Moderne, Paris et le Musée Hara, Tokyo. Autant dire que la postérité d'Erró, en tant qu'artiste majeur du Pop Art européen des 60 dernières années, est assurée. Les deux œuvres monumentales et sereines ici présentées sont deux pièces muséales, représentatives de la période de création la plus complexe et audacieuse de l'artiste, qui représentent des icônes de l'art français des années 1960.Jean-Pierre Raynaud is a true visionary, charting a career arc that, whilst aligned with European Pop Art, remained utterly unique and deeply connected to the Duchampian readymade, Brancusi's modernist monuments, and Nouveau réalisme. Presented here for sale are two seminal, museum quality works that embody the French avant-garde of the 1960s: one of his most celebrated and recognisable pieces, Grand Demi-Pot, from 1969 – a work that is undoubtedly the crowning artistic achievement of his Psycho Objets series (1964-1968) – and Mur 815, one of the first 'walls' that Raynaud made in 1968 that established his newfound interest in architecture and its function as art. This would be an idea that would grow into a lifelong project for Raynaud: his house in La Celle Saint-Cloud that he would fastidiously clad in white tiles for 25 years, before its ultimate destruction and reconstitution as an artwork in 1993. Raynaud himself studied horticulture and was a practicing gardener. However, it was in 1962 that he made the conceptual leap that would largely define his artistic career subsequently, filling the empty internal space of a garden pot to create what appeared to him a perfect sculptural form. In the pot, Raynaud found a totem that was able to sustain a matrix of ideas; from the pot as a vessel that gives and harbours life, to the inverted form that evinces the hard edges of Cubism or the grandeur of ancient Mayan struc... For further information on this lot please visit Bonhams.com
Alain Jacquet (1939-2008)Gabrielle d'Estrées 1965 signé et daté 65encre sérigraphique sur toilesigned and dated 65silkscreen on canvas 114 x 162.4 cm.44 7/8 x 63 15/16 in.Footnotes:Cette œuvre porte le numéro d'enregistrement AJ-GAB-65-18 au catalogue raisonné de l'artiste. Mous remercions Madame Gaia Jacquet-Matisse pour les informations qu'elle nous a communiquées.ProvenanceCollection particulière, FrancePuis par descendance au propriétaire actuelExpositionsNice, Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice - MAMAC, De Klein à Warhol - face-à-face France/Etats-Unis, 1997-1998, p. 85, un autre exemple de cette série illustré en couleursNice, Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice - MAMAC, Alain Jacquet: Camouflages et Trames, 2005, p. 97, un autre exemple de cette série illustré en couleursParis, Musée Marmottan Monet, La toilette, naissance de l'intime, 2015, p. 188-189, un autre exemple de cette série illustré en couleursL'œuvre d'Alain Jacquet a traversé les frontières historiques, conceptuelles et mondiales, pour s'affirmer comme l'une des plus influentes et inspirantes de la dernière moitié du vingtième siècle. Nous présentons aujourd'hui à la vente une sélection de six pièces fondatrices majeures qui définissent la carrière de Jacquet et le Pop Art européen dans son ensemble. Entre Portrait of a man (1964), La Source (1965), Gabrielle d'Estrées (1965), Thomas Eackin's Swimming Hole (1966-1968) et Le Pape Otto (1969-1970), ces œuvres remontent à une période décisive de la carrière de Jacquet, qui se situe au sommet du mouvement du Pop Art et consacre la transition avec la peinture expressionniste, en tant qu'école de pensée dominante. Elles représentent un microcosme de la période la plus prolifique de Jacquet, et, comme telles, ont ouvert la voie à une génération d'artistes contemporains pour qui l'appropriation est devenue leur raison d'être créative, particulièrement ceux de The Pictures Generation, notamment Barbara Kruger, David Salle et Richard Prince. L'importance et l'influence de Jacquet sont telles que ses œuvres sont présentes dans plus de 40 grands musées internationaux, y compris le Musée d'Art Moderne et Contemporain (MAMCO), Genève ; le Centre Georges Pompidou, Paris ; le Moderna Museet, Stockholm ; et le Smithsonian American Art Museum, Washington D.C. Associée au Nouveau Réalisme émergent, l'œuvre de Jacquet est toutefois demeurée distincte du groupe, adoptant un style combinant les variantes américaines et britanniques du Pop Art, le Conceptualisme de Duchamp et ce que Restany appellerait le Mec'Art, c'est-à-dire un art reposant sur le processus mécanique de sa production. Dès ses toutes premières œuvres, Jacquet a développé une fascination pour les jeux de mots, l'association et l'interprétation. Il voyait l'histoire de l'art comme une source inépuisable d'inspiration, sous-développée et sous-exploitée, et considérait que la technique de l'impression, et les immenses possibilités de reproduction qu'elle offre, permettaient de déconstruire et de reconstituer cette imagerie infinie.Le Pop Art américain et britannique incarnait l'optimisme de la société et la libération culturelle qui s'est répandue comme une traînée de poudre dès la fin des années 50 et pendant les années 60, du rock'n'roll aux hippies, au mouvement des droits civiques et à Hollywood. Les trames Ben-Day de Roy Lichtenstein, les collages de Robert Rauschenberg, et les sérigraphies de Marylin Monroe de Warhol – artistes que Jacquet a fréquentés en 1964 – ont écrit une nouvelle version du Roman américain, donnant l'image d'une culture redéfinie par son propre sens de la liberté. Jacquet était toutefois moins blasé dans son approche de la culture populaire. L'image imprimée et la structure atomique de ses composants pointillistes font au contraire l'objet d'un examen minutieux et d'un œil critique dans l'art de Jacquet. Les images gagnent dès lors en proportion et en lisibilité, en particulier dans le Portrait d'Homme, présenté ici. La géométrie et les couleurs primaires qui sous-tendent les techniques d'impression deviennent l'image dans sa totalité. Parmi ses contemporains, Jacquet est le plus proche du peintre allemand Sigmar Polke dans cette veine – les deux artistes réalisent des toiles qui exposent les trames et les points, où l'artiste prend le rôle d'un programmateur d'image, par opposition avec celui d'un peintre. L'une des œuvres les plus éminentes de Jacquet, Gabrielle d'Estrées, partage beaucoup avec l'une des œuvres les plus célèbres de Polke, Freundinnen (Girlfriends), à laquelle elle est antérieure, qui date de 1965/1966. S'inspirant d'un tableau anonyme de l'École de Fontainebleau datant du 16ème siècle, Jacquet transforme la peinture académique pour en faire un double portrait érotique et ludique, qui est superbement évocateur de l'esprit des années 1960. Vue de près, la trame somptueuse et microscopique de couleurs se fond dans la toile brute, laissant une étendue d'espace négatif en son centre, uniquement interrompue par les ombres des baigneuses nues de Jacquet. C'est ce va-et-vient constant entre l'abstraction et la figuration, l'historique et le contemporain, le visible et ce que Jacquet appelait le « camouflage », qui fait de Gabrielle d'Estrées une pièce fondatrice dans l'œuvre de l'artiste.Dans La Source, Jacquet fait une nouvelle démonstration éclatante de son sens exceptionnel de l'époque contemporaine. Peintes sur une structure gonflable, les toutes premières œuvres contemporaines de Jeff Koons en sont le corollaire évident ; Jacquet et Koons doivent tous deux beaucoup à la philosophie du readymade dont Duchamp a été le pionnier. S'inspirant du tableau du même nom de Jean Auguste Dominique Ingres, qui date de 1820-1856 et interprétant la composition en remplaçant la cruche par un jerrican d'essence et en faisant porter un masque de protection contre les produits dangereux à la jeune femme du tableau, Jacquet détourne l'œuvre néoclassique qui l'a inspiré pour lui donner une tournure industrielle – faisant ainsi un clin d'œil au titre de l'œuvre originale. En ré-imaginant ces icônes de l'histoire de l'art par le prisme du Pop Art européen, Jacquet produit une critique visuellement spectaculaire et complexe du mode de vie bourgeois, en utilisant une technique de « camouflage » qui dissimule et construit simultanément l'image, en faisant apparaître et disparaître tour à tour ses éléments constitutifs isolés et leur assemblage.Nous présentons ici à la vente six œuvres remarquables créées à l'apogée de la carrière d'Alain Jacquet, représentatives de sa série la plus importante d'œuvres de Mec'Art. Français émigré à New York quelque temps plus tard, Jacquet est reconnu comme un artiste majeur des deux côtés de l'Atlantique, comme en témoigne sa présence dans de prestigieuses collections publiques et privées. Son influence sur les générations d'artistes qui ont suivi est in... For further information on this lot please visit Bonhams.com
Jacques Monory (1934-2018)Dreamtiger n° 2 1971 signé et daté 71; signé, titré, daté 1971 et numéroté N° 396 au revershuile sur toile et collage marouflés sur panneausigned and dated 71; signed, titled, dated 1971 and numbered N° 396 on the reverseoil on canvas and collage laid on board114 x 162 cm.44 7/8 x 63 3/4 in.Footnotes:ProvenanceCollection particulière, FrancePuis par descendance au propriétaire actuelExposition Paris, Jardin des Plantes, Les artistes au Jardin des Plantes, mai 1990, p. 160, illustré en couleurLittératureJean Christophe Bailly, Monory, Paris 1979, p. 195, n° 396, illustré en noir et blancPierre Tilman, Monory, Paris 1992, p. 312, n° 396, illustré en noir et blancAujourd'hui Poème, Février 2007, n° 78, illustré en noir et blanc en première pagePionnier du mouvement de la Figuration Narrative, Jacques Monory est l'un des représentants du Pop Art européen les plus sous-évalués et néanmoins les plus importants qui émergent dans les années 1960. Combinant la peinture et la réalisation de films, la vision de Monory est singulière et fascinante ; elle taille en pièces tous les aspects superficiels du grand écran et injecte dans ses toiles des idées complexes qui partagent beaucoup avec les philosophies de Michel Foucault et Roland Barthes. Nous présentons ici deux peintures exceptionnelles qui traduisent la prescience étonnante dont témoigne encore et toujours l'art de Monory : Dreamtiger n°2 et Le Peintre n°18, de 1971 et 1986 respectivement. Comme la rétrospective qui lui a été consacrée par la Fondation Maeght à Saint Paul de Vence en 2020 l'a démontré avec éclat, l'œuvre de Monory est plus vivante que jamais. Elle explore le pouvoir et la violence de l'image médiatisée et l'idéologie qui sous-tend notre culture contemporaine du spectacle.Dans les années 1960, la France était un melting pot d'énergie philosophique et artistique. Cette décennie a vu l'avènement d'un mouvement critique d'avant-garde, le structuralisme, dont les représentants les plus célèbres ont été Foucault, Barthes, Jacques Derrida et Louis Althusser. Ces penseurs extrêmement influents ont ouvert la voie à une nouvelle école d'artistes français, une version purement européenne du Pop Art, créée à partir de l'impact universitaire considérable de ces théoriciens critiques. Tandis que le Pop Art américain éprouvait une véritable fascination pour les images raffinées de la culture populaire – comme en témoignent les œuvres d'Indiana, de Lichtenstein, de Warhol et de Wesselmann ; artistes qui ont tous parodié ce qui faisait l'essence de l'identité américaine après la guerre (répétition, style, célébrité et sexe) – les artistes français du mouvement de la Figuration Narrative se sont intéressés à la psychologie profonde des mass media. Réagissant à la prolifération de la chose imprimée, de la musique, de la télévision et du film, les peintures de Monory sont des commentaires tranchants comme un rasoir de la nature illusoire de la culture populaire et de la séduction qu'elle exerce ou, comme pourrait le dire Barthes, de la mythologie : « le mythe ne cache rien et ne révèle rien ; sa fonction est de déformer ; le mythe n'est ni un message ni un aveu ; c'est une inflexion » (Roland Barthes, Mythologies, Londres : 2009, p. 153). Ce n'est donc peut-être pas un hasard si l'exposition majeure organisée en 1964, - dont Bernard Rancillac et Hervé Télémaque ont été les curateurs -, qui a été l'année fondatrice du mouvement de la Figuration Narrative, propulsé au premier plan de la création artistique contemporaine, a été intitulée Mythologies Quotidiennes. Le groupe a émergé comme l'un des courants artistiques les plus puissants et les plus cohérents pendant les années 1960 et 1970. Les deux peintures présentées ici, dans le style monochrome qui représente la quintessence de l'œuvre de Monory, sont des exemples exceptionnels de cette œuvre qui synthétisent la peinture et le collage en donnant un effet dramatique à l'ensemble. Barrant sa composition dans Dreamtiger n°2 par des lignes de code, « anonymisant » son sujet derrière un écran noir, ou obscurcissant le paysage de Le Peintre n°18, l'artiste fait constamment allusion à des récits cachés et des intentions déformées. Créée pendant des périodes de profonds bouleversements mondiaux, marquées par la guerre du Vietnam, les Guerres froides, les mouvements de protestation de mai 1968 et la Révolution culturelle, l'œuvre de Monory est profondément évocatrice de son époque, empêtrée dans des conflits mondiaux, sociaux et culturels.Peintes dans un bleu monochrome, inspiré par le « CinémaScope » et les planches de contact photographiques dont Monory a régulièrement nourri son imaginaire, ces deux œuvres utilisent une technique inédite tirée du film noir pour donner une impression de drame et créer un suspense. Dreamtiger n°2 est indubitablement l'une des œuvres les plus puissantes d'une série cruciale créée par l'artiste entre 1970 et 1972. Le tigre féroce, représenté enfermé dans une cage et rendu dans un bleu froid façon « CinémaScope », a d'abord été peint sur toile avant d'être découpé et reconstitué sur carton. Après le retour au thème du tigre dans les années 2000, Dreamtiger n°2 est certainement l'une des œuvres de Monory les plus intéressantes pour un collectionneur, qui arrive aujourd'hui sur le marché.Faisant écho au réalisme et au montage dynamique des films de La Nouvelle Vague, ces deux peintures élégantes sont iconiques et dignes des collectionneurs les plus exigeants. Monory, dont le style est peut-être le plus proche de celui de l'artiste du Pop Art américain James Rosenquist, demeure une sommité du Pop Art mondial, dont la carrière a été revigorée par de récentes rétrospectives organisées en Europe et aux États-Unis, et continuera sans aucun doute à susciter l'attention des acteurs institutionnels majeurs du marché. Comme en témoigne la présence de ses œuvres dans des collections muséales mondiales, y compris le Stedelijk Museum, Amsterdam, le Musée national d'Art moderne, Paris et le Fukuoka Art Museum, Japon, Monory continue d'exercer un attrait incontestable dans le monde, comme l'un des peintres majeurs des années 1960, et les deux œuvres présentées ici sont emblématiques de la carrière de l'un des artistes les plus éminents du Pop Art européen de cette période.A pioneer of the Figuration Narrative movement, Jacques Monory stands as one of the most undervalued yet significant European Pop artists to emerge in the 1960s. Encompassing painting and filmmaking, Monory's vision is singular and compelling; unpacking the superficialities of the silver screen and injecting his canvas with complex ideas that share much with the philosophies of Michel Foucault and Roland Barthes. Presented here are two except... For further information on this lot please visit Bonhams.com
Gudmundur Erro (born 1932)Gandhi 1974 signé et daté 74 au revers peinture glycérophaltique sur toilesigned and dated 74 on the reverseglycerophaltic paint on canvas162 x 131 cm.63 3/4 x 51 9/16 in.Footnotes:Cette œuvre est accompagnée d'un certificat signé par l'artiste.ProvenanceCollection particulière, France (acquis auprès de l'artiste) Puis par descendance au propriétaire actuelLittératureGeorges Herscher, Erró: Catalogue Général 1944-1974, Tome I, Paris 1976, p. 202, no. 8, illustré en noir et blancLes peintures d'Erró - l'un des artistes du Pop Art les plus sous-appréciés de l'époque -, ont été une riposte audacieuse au ton feutré du Pop Art américain des années 1960 d'Andy Warhol, de Roy Lichtenstein, et de son grand ami James Rosenquist. Les œuvres d'Erró – qui est né en Islande en 1932 et a percé à Paris à la fin des années 1950 -, ont été instantanément reconnues pour leur angle politique et la puissance de leur commentaire social véhiculant un sentiment d'opposition à la guerre et cherchant à démystifier l'image médiatisée et le consumérisme. Se servant des motifs et des techniques de composition de la bande dessinée, s'inspirant de références iconiques de l'histoire de l'art, puisant leurs sources dans l'imagerie des journaux et des magazines, les peintures d'Erró sont provocatrices et intenses – elle dépeignent le glamour naissant et l'importance du sexe dans la société de consommation, en tant que foyer de désirs et d'idées qui s'entrechoquent. Erró a produit un type complètement nouveau de Pop Baroque ; extravagant et effréné. Exposé avec d'autres artistes français de la Figuration Narrative, notamment Alain Jacquet, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Valerio Adami et Peter Klasen, Erró a créé une branche du Pop Art qui est demeurée unique en son genre et totalement à part, par rapport à la nature conceptuelle et philosophique de ses homologues européens. Lors de ses voyages en Amérique en 1963-1964 et entre 1966 et 1971, Erró a rencontré notamment Lichtenstein, Robert Rauschenberg et Jim Dine. S'inspirant du conflit culturel provoqué par la guerre du Vietnam et des politiques sociales progressives qui commençaient à se répandre plus largement à l'époque, et mélangeant la peinture classique et l'œuvre imprimée, l'artiste s'est servi de son style inspiré de la B.D. pour fusionner le tout et créer des paysages presque oniriques qui évoquent les déserts de De Chirico et de Dali, comme en témoigne en particulier son Don quichotte de la mancha, qui date de 1979. Erró est l'un des artistes du Pop Art les plus iconiques des 60 dernières années – un précurseur, comme Keith Haring, KAWS et Murakami – et il continue d'influencer la création contemporaine et d'être exposé dans les plus grands musées, avec des rétrospectives au Centre Pompidou et au Musée des Beaux-Arts de Lyon en 2010 et 2014, respectivement. Nous présentons aujourd'hui un grand ensemble d'œuvres très variées, qui va de grandes toiles jusqu'à des collages qui sont comme des pièces d'orfèvrerie, marquant ainsi l'arrivée sur le marché de certaines des œuvres les plus emblématiques du style vif et éclatant d'Erró.One of the most underappreciated Pop artists of the period, Erró's paintings have offered a bold retort to the muted tone struck by American Pop Art of the 1960s in Andy Warhol, Roy Lichtenstein, and his good friend James Rosenquist. Born in Iceland in 1932 and emerging in Paris at the end of the 1950s, his work was instantly recognised for its political edge and strong social commentary that championed anti-war sentiment and sought to demythologise the mediated image and consumerism.Using motifs and compositional cues taken from comic strips and iconic art historical references, sourcing and composing imagery from newspapers and magazines, Erró's paintings are provocative and intense – depicting the nascent glamour and sex of consumer culture as a hotbed of desire and colliding ideas. What he produced was a completely novel type of Pop Baroque; extravagant and unrestrained. Exhibiting with the French Figuration Narrative, amongst other artists including Alain Jacquet, Jacques Monory, Bernard Rancillac, Valerio Adami and Peter Klasen, Erró's brand of Pop Art remained unique and aside from the conceptual, philosophical nature of his European counterparts. Travelling to America in 1963-1964 and between 1966 and 1971, Erró met with Lichtenstein, Robert Rauschenberg and Jim Dine, amongst others. Drawing upon the cultural conflict that was brewing over American military conflict in Vietnam and socially progressive politics that was becoming more widely championed, as well as sampling classical painting and print material, the artist used his cartoon-like style to stitch together almost dreamlike landscapes that evoke the deserts of De Chirico and Dali, most notably in the work Don quichotte de la mancha, from 1979. One of the most iconic Pop artists of the last 60 years – a precursor to the likes of Keith Haring, KAWS and Murakami – Erró's legacy continues to influence contemporary practice and be featured in major institutions, most notably being honoured with retrospective exhibitions at the Centre Pompidou and the Musée des Beaux-Arts de Lyon in 2010 and 2014, respectively. Presented here are a huge variety pieces from large works on canvas to jewel-like collages, amounting to some of the most exemplary pieces of Erró's vivid style to come to market.For further information on this lot please visit Bonhams.com
Alain Jacquet (1939-2008)Le Pape Otto 1969-1970 signé au reversencre sérigraphique sur toilesigned on the reversesilkscreen on canvas155 x 102 cm.61 x 40 3/16 in.Exécuté en 1969-1970.Footnotes:Cette œuvre porte le numéro d'enregistrement AJ-PO-69/70-6 au catalogue raisonné de l'artiste. Mous remercions Madame Gaia Jacquet-Matisse pour les informations qu'elle nous a communiquées.Provenance Collection particulière, FrancePuis par descendance au propriétaire actuelExposition Nice, Musée d'art moderne et d'art contemporain de Nice - MAMAC, De Klein à Warhol - face-à-face France/Etats-Unis, 1997-1998, p. 86, un autre exemple de cette série illustré en couleursFor further information on this lot please visit Bonhams.com
* WALASSE TING (CHINESE-AMERICAN 1929 - 2010)1 CENT LIFEfolio of lithographs, published 1964, E W Kornfeld, numbered 1273/1000loose as issued in original cloth-covered boards, pictorial dust jacket designed by Machteld Appel and original cloth slipcase, within wood slipcase. The original 68 lithographs including examples by Andy Warhol, Sam Francis, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein, Pierre Alechinsky, Claes Oldenberg, Jim Dine and others. Note: Missing pages 19-22 (lithographs by James Rosenquist), 139-142 (lithographs by Robert Indiana), and 151-154 (lithographs by Mel Ramos).
SAMMELNUMMERN - VERSCHIEDENE KÜNSTLER: 1969. Banner, Multiples Calendar for 1969. Kalender mit 6 Farbsérigraphien nach ersch. Künstler. New York, Multiples Inc., (1968). Qu.-Gr.-Fol. Lose aufgelegt auf Karton, mit Spiralbindung. Enthält je eine Arbeit nach J. Dine (The Red Boots on a black Ground; 1965), R. Indiana (Flag), N. Krushenick (White Smoke, Red Sky) , R. Lichtenstein (Pistol; Corlett 237), A. Warhol (Campbell's Tomato Soup) und T. Wesselmann (The Great american Nude). Teils mit Bezeichnungen in der Darstellung sowie sämtlich verso typographisch bezeichnet (Künstlername und Copyright). Auf leichten Karton. 38,2 x 25,5 bis 38 x 38 cm. Papierränder (Kalenderblätter und Deckblatt) meist schwach fleckig (Unterrand von Wesselmann ebenso), sonst gut erhalten. [ms]
ANDY WARHOL (1928-1987)Jean Cocteau portent les tampons de l'Estate Andy Warhol et de Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, avec les initiales de Vincent Fremont et numéro d'archive 115.089 au dosunique sérigraphie sur collage de papiers colorés98 x 85cm (38 9/16 x 33 7/16in).Conçu en 1963with the stamps of the Estate Andy Warhol and the Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, initalled VF and numbered 115.089 in pencil on the reverse unique screenprint collage on coloured papersFootnotes:ProvenanceEstate Andy Warhol, États-Unis.The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, Inc., New York. Vente Kornfeld, Moderne Kunst Teil 1, 18 septembre 2020, lot 174.Acquis auprès de celle-ci par le propriétaire actuel.LittératureF. Feldman, J. Schellmann, Andy Warhol Prints A Catalogue Raisonné: 1962-1987, Fourth Edition, New York, 2003, IIIB.15 (une image similaire illustrée p. 242).L'art est une sorte de scandale, un exhibitionnisme dont la seule excuse est qu'il exerce chez les aveugle - JEAN COCTEAU (Discours d'Oxford, 1956)For further information on this lot please visit Bonhams.com
MANUEL MARÍN (Cieza, Murcia, 1942 - Málaga, 2007).Untitled, c. 70's.Polychrome iron.Signed with die.Measurements: 17 x 27 x 15 cm.It is worth mentioning the work of Manuel Marín, which shows his clear link with the avant-garde currents, the application and development of them in his own production through a unique and personal language.Manuel Marín started in the world of bullfighting at the age of ten, and made his first bullfight at the age of sixteen. However, at the age of twenty he traveled to London and began working in an art gallery, entering definitively into the world of sculpture. There he met the British artist Henry Moore, who hired him as an assistant in the realization of his bronze sculptures. In 1964 he moved to New York, where he worked as an art restorer until he opened his own gallery, The American Indian Art Gallery, which counted among its clients Warhol, Basquiat, De Kooning, Keith Haring and others. Attracted to mobile sculptures, he began creating his own works in 1969, and the following year held his first exhibition at the Alan Brown Gallery in Scardele, New York. Since then he has shown his work in various New York venues, as well as in Canada, Italy, Mexico, China, Puerto Rico, Japan and Spain. He currently has public monuments in various parts of the United States and Spain, and is represented in Spanish and foreign collections, having achieved critical and public recognition for his artistic production.
Dino Gavina, 'Omaggio ad Andy Warhol' stool, Campbell's Chicken Gumbo Soup, from the Ultramobile series by Simon International, designed 1973, silkscreened metal (no cushion), 44cm high CONDITION REPORT: The base has some rust spotting and larger areas towards the centre, the top is dented, scratched and stained, main body with scratches and small areas of stainARR Artist's Resale Right may apply to the sale of this lot if the hammer price is the equivalent of 1000 Euros or more, incurring an additional fee. For further information please ask Chorley's or visit www.dacs.org.uk
•AN INTERESTING FOLIO OF MODERN ART POSTERS for exhibitions by Richard Diebenkorn, Noel Forster (3 of the same one), Lucian Freud, Max Gill (?), Gunther Haese, David Hockney, R. B. Kitaj, Henri Matisse, Ian McKeever, Victor Pasmore, Pablo Picasso, Mark Rothko, Andy Warhol, and others, 1970-1982, various sizes (23) ++ Good condition throughout; minimal handling creases; the majority very fresh
Robin Rhode (South African, born 1976)'Expression of Joy', 2009 oil on canvas 122 x 244cm (48 1/16 x 96 1/16in).Footnotes:In the tradition of BMW's 'Art Car' collection (in which artists from Andy Warhol to Esther Mahlangu have been commissioned to paint a scale model of one of the latest cars), Robin Rhode became the first artist to use the car itself, a 2009 BMW Z4 Roadster, as the paintbrush, rather than the canvas.Initially creating a series of fingerpainted storyboards, the artist gave a stunt driver specific instructions for driving atop multiple panels (of which the current lot is one), while he remote controlled the release of paint through nozzles attached to the wheel arches. Colour would spray onto the tires, their treads tracking marks across the canvas: at several points, the artist himself also entered the arena, throwing pots of paint and interacting with the canvas in a complex colour choreography.Rhode has remarked: 'This work is an expression of painting in action – my hope is to communicate the power and thrill inherent in the creation of art... For me, the use of an untraditional paintbrush like a high performance car is a great way to investigate the relationship between emotion, technology and industrial creativity.'This lot is subject to the following lot symbols: TPTP Lot will be moved to an offsite storage location (Cadogan Tate, Auction House Services, 241 Acton Lane, London NW10 7NP, UK) and will only be available for collection from this location at the date stated in the catalogue. Please note transfer and storage charges will apply to any lots not collected after 14 calendar days from the auction date.For further information on this lot please visit Bonhams.com
NEW ORDER & RELATED POSTERS x4. To include Technique LP hand drawn laminated working titles poster (91x64cm), Berlin gig poster (60x84cm), Andy Warhol & Velvet Underground Exploding Plastic Inevitable limited edition print No.26/50 (47x66cm) and a Total promo poster (59x42cm slight creasing).Regret to me, was the last New Order song ever written. I love that tune, great bass line. This poster was the work sheet that I wrote on the wall in Real World Studios so we knew what songs we were working on, many with working titles. Hand decorated by yours truly. Pete Saville loved it and did it as a limited edition print. This is number 1.
NEW ORDER PROMO & GIG POSTERS COLLECTION x5. To include Andy Warhol Halloween MOD Happening limited edition print no.35/50 (47x66cm), Total promo poster (59x42cm), New Order Get Ready promo poster (51x76cm worn edge and staining), New Order Hooverphonic gig poster (48x68cm some tape marks), Berlin gig poster (60x84). Generally VF to NM condition.Heady days, the Final Solution poster was quite a find, they are very rare..
NEW ORDER POSTERS COLLECTION x7. To include Total promo poster (59x42cm), No Devotion limited edition poster 3/40 inc letter (42x59cm), an Andy Warhol Halloween MOD Happening limited edition print No.12/50 (47x66cm), a group image printed onto nylon (100x70), New Order Hooverphonic gig poster (48x68cm), Forces Underground Factory Film presentation poster (49x70cm 2" tear at top) and a New Order Berlin gig poster (60x84). Generally VF to NM condition.And here...
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![NO RESERVE Ting (Walasse) 1¢ Life [One Cent Life], one of 2000 copies, 57 original lithographs only (of 62), original printed](https://cdn.globalauctionplatform.com/01460cc6-ddcb-4592-8f0c-addb00bdad7f/dcf4ee8e-bd08-4454-b0a3-addb00bfadf6/468x382.jpg)
