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After Paul Klee, Seaside Town in the South of France, colour print, 42cm x 49cm, framed

Scheper-Berkenkamp, Lou. Die Geschichte von Jan und Jon und von ihrem Lotsen-Fisch. 10 Bl. Mit zahlreichen farbigen Textillustrationen von Lou Scheper-Berkenkamp. 29 x 21 cm. Farbig illustrierte OBroschur (gebräunt und etwas fleckig, Ecken mit schwachen Knickspuren). Leipzig, Ernst Wunderlich, 1948. Klotz 6266/1. - Einzige Ausgabe des frühen Nachkriegsbilderbuchs, "erdacht, gezeichnet und gemalt ... im kalten Winter 46/47". Im Kritzelstil entworfene und vom Erwachsenen imaginierte Traumwelt des Kindes, die als harmonisches und glückliches Gegenbild zur harten Realität des Lebens das Glück verheißt. Die Malerin und Farbgestalterin Lou Scheper-Berkenkamp (1901-1976) war Schülerin von Johannes Itten und Paul Klee am Bauhaus in Weimar und von Juli 1929 bis August 1930 in Moskau tätig, wo sie u. a. Beiträge für die deutschsprachige Wochenzeitschrift Moskauer Rundschau verfasste. Nach der Schließung des Berliner Bauhauses 1933 arbeitete sie als freie Malerin in Berlin, wo sie in der Nachkriegszeit ihre reizvoll illustrierten Kinderbücher verfasste. In ähnlicher Aufmachung wie Die Geschichte von Jan und Jon erschienen 1948 ebenda Knirps - ein ganz kleines Ding, Puppe Lenchen und Tönnchen und Knöpfchen. - Papierbedingt gleichmäßig schwach gebräunt, sonst wohlerhalten.

Pfister, Kurt. Deutsche Graphiker der Gegenwart. 41 S., 1 Bl. Mit 23 Original-Graphiken und 8 weiteren Tafeln. 32 x 24,5 cm. Illustrierter OHleinenband (etwas fleckig). Leipzig, Klinkhardt & Biermann, 1920. Söhn, HdO I 108. - Bedeutende Sammlung expressionistischer Originalgraphik. Enthält 3 Selbstbildnisse in Original-Lithographie von Lovis Corinth (Schwarz 409), Käthe Kollwitz (Klipstein 145) und Max Liebermann (Schiefler 307); ferner Original-Lithographien bzw. -Holzschnitte von Ernst Barlach "Gruppe im Sturm" (Schult 162), Max Beckmann "Pierrot und Maske" (Gallwitz 146), Erich Heckel "Jüngling" (Dube 226 B), Max Pechstein "Weib vom Mann begehrt" (Fechter 157), Karl Schmidt-Rottluff "Frauenkopf" (Schapire 191), Lyonel Feininger "Hansaflotte" (Prasse W 115), George Grosz, Otto Mueller, Ludwig Meidner, Paul Klee "Riesenblattlaus" (Kornfeld 77 II b), Alfred Kubin "Auf der Flucht" (Raabe 126), Rudolf Grossmann, Christian Rohlfs und anderen. - Hin und wieder minimal fleckig, die Seidenpapierblätter vor den Graphiken etwas gebräunt und vereinzelt etwas geknittert, insgesamt jedoch sehr gutes Exemplar

A good quantity of assorted art books, including Rodin, Klee, Henry Moore, Barbara Hepworth, Rousseau, Toulouse-Lautrec etc

§ KAREL APPEL (DUTCH 1921-2006) MOTHER AND CHILD - 1972 Lithograph, E.A., signed and editioned in pencil to margin(the image 70cm x 52.5cm (27.5in x 20.75in))Footnote: Karel Appel was a leading member of 20th century Europe’s avant-garde. Born in the Netherlands in 1921, he began painting in his early teens, later studying at the Rijksakademie in Amsterdam during the German occupation in the 1940s. His work was heavily influenced by the earlier notorious art establishment disruptors Pablo Picasso, Henri Matisse and Jean Dubuffet and the impact of his own art was to cause similar scandal in the eyes of the public and press. Highly regarded now for his paintings, murals, sculpture and poetry, Appel is famously synonymous with the CoBrA Group, which he joined in 1948. CoBrA was a faction of experimental cross-disciplinary artists from Copenhagen, Brussels, Amsterdam. Their work shocked and bemused Dutch society but found a warm welcome in Denmark. Typically, the group’s visual language was playful, spontaneous and deliberately child-like. Appel’s career was truly international, with time spent travelling to Mexico, Brazil and Yugoslavia, as well as living for periods in Paris, Florence and New York. He was exhibited extensively in the latter city in the 1950s, including in the influential exhibition ‘The New Decade’ at the Museum of Modern Art which featured the work of twenty-two European painters and sculptors including Francis Bacon, Jean Dubuffet, and Pierre Soulages. Lyon & Turnbull are delighted to offer this wonderful work dating from the 1970s. It is a classic example of the artist’s typical iconography, which often included representations of the human form and animal kingdom in idiosyncratic style. It shows the absorption of the work of forebears including Paul Klee and Joan Miro, as well as referencing the unselfconscious purity and freedom of folk and children’s art. His approach to painting was impetuous and instinctive – often involving squeezing paint directly from the tube and using his fingers, a palette knife and occasionally a brush to manipulate his materials. The results, as here, take on a life of their own. The colours are joyful, the imagery playful, and yet an underlying chaos and unnerving absurdity is also present. The creatures Appel created in these acrylic works of the 1970s were sometimes later realised as sculptures or limited edition lithographic prints. The work offered here for sale relates closely, with some small differences, to the lithograph ‘I am an Animal’, printed in an edition of 100 in 1971. It could reasonably be posited that this work is potentially the original on which the lithograph is based, and consequently an image the artist esteemed highly enough to be serialised into print form.

Verve.The French Review of Art, Numbers 5-6, July-October 1939, 7, April-July 1940, and 8, September-November 1940, colour lithographs after Braque, Rouault, Bonnard, Matisse and Klee to first volume, colour lithograph after Bonnard to third volume, numerous tipped-in colour plates and monochrome illustrations to each volume, first volume with colour lithograph cover design by Maillol, chipped with some wear to spine, with a little loss, second volume (Les Tres Riches Heures du Duc de Berry) with remains of glassine overwrapper, third volume with colour lithograph design to covers by Matisse (torn and frayed with some loss to spine and rear cover), folio, all contained in publisher's original card slipcase, somewhat soiled and worn, together with: Ribbed Vision, A Poem, Robert Vas Dias, Lithographs Jack Bosson, New York, 1963, three uncoloured lithographs by Jack Bosson, each signed and dated, and numbered 97/150, original boards stitched as issued, large slim folio, limited edition 97/150, signed by both poet and artist, plus: Joanne Harris, Rainy Days and Mondays, Pictured by Graham Ovenden, Ruralist Fine Art & Frogspawn, 2006, colour giclee illustrations throughout, original light blue cloth gilt, folio, limited edition 4/55, signed by author and artist, and other artists' illustrated books, including St. Paul's Epistle to the Romans, Rome, Giovanni and Martino Mardersteig at the Stamperia Valdonega, 1977, with colour frontispiece by Renato Guttuso, top edge gilt, remainder rough-trimmed, original quarter vellum, folio, with card slipcase, limited edition 30/150, Andreas Felger & Martin Gutl, Du bist Abraham, Prasenz-Verlag/Verlag Styria, 1977, with woodcut illustrations by Andreas Felger, original cloth in dust wrapper and plain card slipcase, oblong 4to, limited edition 37/150, signed by the artist and authorQty: (17)

20th century collection from Ege Axminster A/S Art Line. Homage collection to Paul Klee, titled "garten Vision" 1925 deisgn no 80549, made in Denmark 1990. [204x139cm]

Pablo Picasso lithographic print circa 1956, Fernand Leger lithographic print (Mourlot) circa 1959, 2 x Elisabeth Frink lithographic prints circa 1975, Henry Moore Shelter print circa 1940, 2 x Paul Klee prints, 2 x Eric Gill female nude prints circa 1940. 9 in total all mounted but unframed, approx overall sizes 16 x 12 inches. Cellophane wrapped.

JEAN (HANS) ARP (1886-1966)Petit figure appuyée dite 'L'Egyptienne' bronze with golden patina25cm (9 13/16in) high.Conceived in 1938, this bronze version, identified as 1/5, cast circa 1955-1959 by the Rudier Foundry in an edition of 6.Footnotes:We are most grateful to the Fondation Arp, Clamart, for their assistance cataloguing this work.ProvenanceMarguerite Arp-Hagenbach Collection, Clamart.Galerie D'Art Moderne, Basel (acquired from the above in 1974).Galerie Academia, Salzburg.Private collection, UK (acquired from the above on 21 June 1979).Thence by descent to the present owner.ExhibitedOtterlo, Rijksmuseum Kröller-Müller, De verzameling van Marguerite Arp-Hagenbach, 27 June - 16 August 1970.LiteratureC. Giedion-Welcker, Jean Arp, Stuttgart, 1957, no. 57 (another cast illustrated p. 112).Exh. cat., Schiedammers tonen hun kunstbezit, Schiedam, 1959, no. 189 (another cast illustrated).'Have you the Courage to be Elegant?', in Home & Garden, November 1963 (another cast illustrated p. 218).I. Jianou, Jean Arp, Paris, 1973, no. 57 (another cast illustrated p. 69).S. Poley, Hans Arp, Die Formensprache im Plastichen Werk, Stuttgart, 1978, no. 150 (another cast illustrated p. 143).C. Sylvia Weber, Hans Arp, Eine Übersicht, Arbeiten aus den Jahren 1912 bis 1965, exh. cat., Künzelsau, 1994 (another cast illustrated p. 83).S. Paas, Hans Arp 1886-1966, Ankäufe des Landes Rheinland-Pfalz, Mainz, 1997, no. 3 (marble version illustrated p. 144).Exh. cat., Hans Arp, Metamorphosen, 1915-1965, Werke aus der Sammlung der Fondazione Marguerite Arp, Locarno, Appenzell, 2000, no. 41 (another cast illustrated p. 88).Exh. cat., Jean Arp & Sophie Taeuber Arp, dada e oltre, Venice, 2006 (another cast illustrated p. 100).Exh. cat., Biomorph! Hans Arp im Dialog mit aktuellen Künstlerpositionen, Rolandseck, 2011 (another cast illustrated p. 99).Exh. cat., Collectie Piet en Ida Sanders, Leven met kunst, Schiedam, 2012 (another cast illustrated).A. Hartog (ed.), Hans Arp, Skulpturen - Eine Bestandsaufnahme, Ostfildern, 2012, no. 57 (another cast illustrated p. 86; incorrectly listed as sold at Camels Cohen, Paris, in 2003).Exh. cat., Im Netzwerk der Moderne, Kirchner, Braque, Kandinsky, Klee, Richter, Bacon, Altenbourg und ihr Kritiker Will Grohmann, Munich, 2012, no. 6 (another cast illustrated p. 87).For further information on this lot please visit Bonhams.com

Kenneth Noland (1924-2010)Return 1970 signed, titled and dated 1970 on the reverseacrylic on canvas102 by 244 cm. 40 3/16 by 96 1/16 in. Footnotes:ProvenanceKasmin Limited, London (no. 3749)Knoedler Gallery, London (no. 03359)The Earl of Pembroke, UKStephen Haller Gallery, New York Nancy and John Poyner Collection, USASale: Christie's New York, Post-War & Contemporary Morning Session, 13 November 2013, Lot 146Private Collection, Turkey Acquired directly from the above by the present ownerExhibitedLondon, Kasmin Limited, Kenneth Noland: New Paintings, 1970Birmingham, Birmingham Museum of Art, 1992 - 2013, work on loan to the museumLiteratureLondon, Kasmin Limited and Waddington Galleries, Kenneth Noland: New Paintings, 1970, n.p., illustrated in colour Monumental and serene, the aqueous expanse of Kenneth Noland's 1970 painting Return belies the richness and subtle beauty of its surface, whose sharp minimalism is held in equilibrium by the artist's masterful command over his colours and technique. A museum-quality painting by one of the most significant and celebrated painters of the late Modernist period, it is in the present work that we see Noland's mature style at its best; a visual symphony of unrepeatable simplicity, and one of the most accomplished 'stripe' paintings that Noland began to produce at the end of the 1960s. Noland's practice stands at the inflexion point between Modern and Postmodern painting. One of the last true pioneers of colour field painting that was ascendant in the New York School in the 1950s, his paintings expanded the colour theories of Josef Albers and the systems of the Bauhaus School, assimilating the automatic and expressive relationship to picture-making that had been championed by Noland's friend and patron, Clement Greenberg; what culminated is a body of work whose legacy endures as the quintessence of American Minimalism. In tandem with his abundant ties to the New York avant-garde of the mid-century, Noland developed his style out of much more worldly soil, consistently nodding to the likes of Paul Klee and Piet Mondrian as his touchstones; European artists who engaged deeply with the spirituality of abstraction over the significance of the picture plane. Mondrian's words offer a lens through which to read Noland's Return: 'what captivated us at first does not hold us afterwards. If one has loved the surface of things for a long time, one will finally look for something more. This 'more,' however, is already present in the surface one wants to go beyond [...] it is as we regard the surface that the inward image takes shape in our souls. This is the image we are to represent' (Piet Mondrian cited in: Diane Waldman, 'Kenneth Noland' in Kenneth Noland: A Retrospective, New York 1977, p. 11).His father, a pilot, engineer and painter, nurtured Noland's interest in the arts from an early age, once recalling the impact of scrutinising Monet's paintings during a visit to the National Gallery of Art in Washington D.C. when he was a teenager. From his formative years to those after his tours of duty, serving in the United States Air Force during World War II, Noland was immersed in a dialogue with contemporary painting. His studying at Black Mountain College under the pupillage of Josef Albers and Ilya Bolotowsky after the war, was followed in 1948 by travels to Paris on the G.I. Bill alongside Ellsworth Kelly, Sam Francis, Jules Olitski and Paul Jenkins, attending classes at the Académie de la Grande Chaumière taught by Ossip Zadkine. By the time of his moving to New York in 1963, after the death of his close friend and collaborator Morris Louis, Noland had absorbed, refined, and constructed a completely novel approach to painting. He was showing regularly with André Emmerich Gallery in New York, and his reputation as a master colourist at the forefront of painterly discourse was in no doubt. As he moved through the 1960s, developing his visual lexicon from 'targets,' to 'chevrons,' to shaped canvases, Noland's dexterity with acrylic – then named Liquitex, a new paint formula of water-soluble plastic – enabled him to modulate his application of colours across the raw cotton canvas with virtuosic skill. What emerged was the apex of the artists minimalist system, confining the narrow clusters of stripes to the top and bottom of the composition. Commenting on these most accomplished of his 'stripe' paintings, Diane Waldman noted that Noland 'appeared to be emptying the centers [sic] of his paintings [...] Colour here is intense but subdued, and Noland counters the effect of its unimpeded lateral sweep by investing the field with texture [...] these paintings represent Noland at his best' (Diane Waldman, Kenneth Noland: A Retrospective, New York 1977, p. 34).Return is one of the most sensitive and breath-taking of these rare 'stripes' to come to market. A painting that is teeming with almost imperceptible details and nuances over a limited palette of brilliantly organic colours, it is testament to the affective force of truly great painting that Noland spent his career devoted to. His influence as the grand master of painterly Minimalism endures in art, design, and architecture, and it is hard to view the works of Andreas Gursky, Rosemarie Trockel, or Steven Parrino, for example, without seeing the profound impact Noland had on the gravity of the surface, colour, and composition in contemporary picture-making. Residing in the collections of international public museums including the Centre Pompidou, Paris, the Los Angeles County Museum of Art, the National Gallery of Art, Washington, D.C., the Tate Gallery, London, and the Tochigi Prefectural Museum of Fine Arts, Japan, Noland's career stands as one of the foremost contributions to art history of the last hundred years. Not only is Return one of the most elegant paintings executed by the artist over the course of his life, but it is one of the finest examples of Noland's 'stripe' paintings from a unique and highly acclaimed passage in his oeuvre. Its sale represents an opportunity to acquire one of the finest, museum-quality examples by a hugely significant and collectible blue-chip artist.This lot is subject to the following lot symbols: ** VAT on imported items at a preferential rate of 5% on Hammer Price and the prevailing rate on Buyer's Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

A design coffeetable, by: Casprini, model: Klee, '90's. The model is named after Paul Klee, Bauhaus-artist who in his last active years produced work with curved dark lines. The black metal curved support is a tribute to the artist and his work. Estimate: € 100 - € 150.

Tischspiel "Das lustige Ein mal Eins", Klee Verlag, Inhalt: 6 Tafeln, 35 Legekarten, Spielanleitung im Innendeckel, ca. 34 x 25,5 x 4 cm. Deckelrahmen auf li. Seite eingerissen, sonst im guten Zustand.

Bonbonnière mit Putto, Hutschenreuther/Kunstabtlg., Selb, 1. H. 20. Jh. Weißporzellan mit Goldstaffage; flache Rundform, auf dem konkav geschweiften Deckel ein auf einem Apfelgeäst mit Blättern und Frucht sitzender Putto mit lorbeerumkränzten Kopf, in senen Händen 2 Äpfel haltend bzw. essend; reizvolles Figurenmotiv in der Art vergleichbarer Figuren von Fritz Klee oder Karl Tutter; auf der Wandung umlaufende Lorbeerblatt-Reliefbordüre; akzentuierende Goldstaffierung; Gesamhöhe 17,5 cm; unterseitige grüne Manufakturmarke mit Zusatz "Abteilung für Kunst" mit Goldziffernzusatz "-5-" des Golddekorationsmalers.

IMKAMP, Wilhelm(1906 Münster - 1990 Stuttgart) Abstrakte Landschaft Öl/Malkarton. Links unten signiert. Datiert: (19)68. 66 x 46 cm. Gerahmt 78 x 58 cm. Deutscher Maler und Grafiker, Ausbildung am Bauhaus in Dessau durch Lehrer wie Kandinsky, Klee und Feininger. Literatur: http://www.wilhelm-imkamp.de/biografie/.

MATTIS-TEUTSCH, Hans János zugeschrieben(1884 Kronstadt - 1960 Brașov) Abstrakte Komposition Aquarell. Rechts unten monogrammiert. Passepartoutausschnitt 59 x 39 cm. Gerahmt & hinter Glas 74 x 54 cm. Wenn Hans János Mattis-Teutsch: Ungarischer Maler, Grafiker und Kunsttheoretiker, studierte in Budapest und München, Kontakt zu Kandinsky und Klee, schloss sich der avantgardistischen Bewegung "Der Sturm" an. Literatur: Thieme/Becker.

GEORGE KARS (Czech, 1882-1945)Nude signed 'Kars' (lower left)oil on canvas50 x 65cm (19 11/16 x 25 9/16in).Painted c. 1927Footnotes:ProvenanceCollection Paquereau, Paris, 1927.ExhibitedJewish Artists of the School of Paris, Artcurial Vienna - Artcurial Brussels - Artcurial Paris, 2015.Granville, Museum of Modern Art Richard Anacréon, 2016.LiteratureGeorges Kars. 1880-1945, catalogue Galerie Jean Tiroche, Jaffa, 29th April - 15th May 1967, p. 3.Jewish Artists of the School of Paris 1905-1939, Somogy Éditions d'Art, Paris 2015, p. 172.Brigitte Richart, catalogue Belles de Nuit, Museum of Modern Art Richard Anacréon Edition, Granville, 2016, p. 68.This work will be included in the artist's catalogue raisonné.Georges Kars was born to a German Jewish family in the Prague region. In 1899, he studied in Munich with Franz von Stuck and became friends with Pascin and Paul Klee. From 1905, he travelled to Madrid where he met Juan Gris and immersed himself in the paintings of Veslasquez and Goya. In 1908, he moved to Paris and met Chagall, Apollinaire, Max Jacob, Maurice Raynal and Demetrius Galanis. During World War I, he stayed in Belgium with Pascin. Under the influence of the Cubism movement in Paris, his shapes became simpler; however, he remained deeply attached to realism. According to him, 'art does not lie in an elaborate technique but within the soul'. He produced figurative paintings and used several techniques and materials including Indian ink, watercolor, and pastels.During World War II, he took refuge in Lyon and went later into exile in Switzerland. In 1945, as he could not stand the horrifying tragedy that hit the Jewish community, he committed suicide by jumping out of the fifth floor of his hotel. His studio was sold at auction on June 17, 1966 at the Palais Galliera. In 1983, a retrospective of 120 paintings was held at the modern art museum in Troyes.In Nude, the atmosphere and treatment of the subject is reminiscent of the work of Edgar Degas, Henri de Toulouse-Lautrec and Suzanne Valadon. Transcription of the preface by Valadon published in the catalogue of Kars exhibition at the Galerie B. Weill, Comoedia, February 6, 1931, (p. 3) : « Mon cher Kars, J'ai présent à la mémoire ce que je viens de voir dans votre atelier et que vous allez exposer chez Berthe Weill. Écrire n'est pas mon fait ; j'exprime mal l'émotion admirative que j'ai eue devant vos œuvres ». ('My dear Kars, the work that I witnessed in your studio and that you will exhibit at Berthe Weill is still fresh in my memory. Writing is not my thing; I cannot express enough my admiration for your works').For further information on this lot please visit Bonhams.com

Jésékiel David Kirszenbaum (Polish, 1900-1954)The fisherman/ The violinist The fishermansigned 'J.D. Kirszenbaum/ 39' (lower right) oil on canvas 115 x 88.5cm (45 1/4 x 34 13/16in).The violinist (verso)oil on canvas115 x 88.5cm (45 1/4 x 34 13/16in).(2)Painted in 1939Footnotes:LiteraturePeintres Juifs de l'École de Paris 1905-1939, Éditions Denoël, Paris, 2000, p. 179.J. D. Kirszenbaum (1900- 1954). La génération perdue, Somogy Éditions d'Art, Paris, 2013, p. 149.Jewish Artists of the school of Paris 1905-1939, Somogy Éditions d'Art, Paris 2015, p. 177.Born in a religious family from Poland, Kirszenbaum left for Germany in 1920 and studied at Bauhaus School under the guidance of Paul Klee and Wassily Kandinsky. In Berlin, he worked as an illustrator for a few newspapers until he moved to Paris, in 1933, to devote solely in his art. Kirszenbaum's paintings were deeply inspired by Biblical scenes and the Jewish community. One of his prominent collectors was Baronne Alix de Rothschild.The fisherman/The violinist, dated in 1939, is one of the few paintings that were saved following the destruction of his works during the Occupation.This lot is subject to the following lot symbols: ARAR Goods subject to Artists Resale Right Additional Premium.For further information on this lot please visit Bonhams.com

Jésékiel David Kirszenbaum (Polish, 1900-1954)Hassid Simchat Torah oil on canvas162 x 130cm (63 3/4 x 51 3/16in).Painted in 1947Footnotes:ProvenanceBaroness Alix de Rothschild, Paris, no. 676.Art Moderne, Paris, Millon & Associes, 27 March 2013, lot 77.Acquired from the above sale by the present owner. Born in a religious family from Poland, Kirszenbaum left for Germany in 1920 and studied at Bauhaus School under the guidance of Paul Klee and Wassily Kandinsky. In Berlin, he worked as an illustrator for a few newspapers until he moved to Paris in 1933 to devote to his art. His works were deeply inspired by Biblical scenes and the Jewish community. Baronne Alix de Rothschild was a collector of his works. Hassid Simchat Torah is a praise to the Jewish religious world and the preservation of its culture and traditions.For further information on this lot please visit Bonhams.com

* DONALD MORRISON BUYERS RSW (SCOTTISH 1930 - 2003), SUMMER TRELLIS, 1970 oil on board, signed 72cm x 98cm Framed. Note: Donald Buyers studied at Gray's School of Art, Aberdeen from 1948-51. Soon after graduating he was employed as an art therapist with tuberculosis patients in the Aberdeeen hospitals. While on honeymoon in Paris in 1955 he saw a retrospective exhibition of Picasso who, with Paul Klee became a lasting influence. Back in Aberdeen he made a living as a successful commercial artist for some years and then concentrated increasingly on his career as a painter. With three fellow artists, Eric Auld, Bill Baxter and Bill Ord, he formed the ABBO group in 1957 which was to exhibit extensively for many years throughout Scotland as well as in Newcastle and Birmingham. From 1963 to 1985 Buyers taught at Robert Gordon's Institute of Technology as well as being a visiting lecturer at Gray's School of Art. His work is represented in the collections of the Arts Council, Aberdeen Art Gallery and HRH The Duke of Edinburgh.

Zwei Jugendstil-Stellrähmchen, um 1910 Messing, vegetabile Jugendstil-Ornamentik (Klee), Lichtmaß ca. 15 x 9,5 cm bzw. 12,5 x 8,5 cm. Keine Verglasung. Two brass art nouveau frames, clear width ca. 15 x 9,5 cm/ 12,5 x 8,5 cm

Paul Klee, surrealist lithograph, 6" x 8", mounted Good condition.  There is no additional provenance with this picture.

Pablo Picasso lithographic print circa 1956, 2 x Elisabeth Frink lithographic prints circa 1975, 2 x Henry Moore Shelter prints circa 1940, 2 x Paul Klee prints, 2 x Eric Gill female nude prints circa 1940. 9 in total all mounted but unframed, approx overall sizes 16 x 12 inches. Cellophane wrapped.

Hutschenreuther Paar Wandteller "Oberammergau 1922" jeweils bezeichnet und datiert, grüne Stempelmarke und Entwurfstempel Fritz Klee bzw. Carl Rehm, glatte, leicht gewölbte Form mit unterglasurblauem und goldstaffiertem religiösen Dekor zur Erinnerung an die Passionsspiele, Wandaufhängung, sehr guter Zustand, D je 22,5 cm.

Ansichtskartenalbum datiert 1901, ca. 100 vorwiegend topographische Ansichtskarten, teilweise farbig lithographiert, darunter Porta Nigra, Fichtelberg, Antwerpen - Deutsche Infanterie erzwingt den Scheldeübergang, Wiesbaden Nerotempel, Gruß vom Niederwald, Le Collège de Jeunes Filles Sedan, in grünem Jugendstildekor mit Klee, normale Altersspuren, Maße Album ca. 31 x 24 cm.

Hutschenreuther "Hohe Dose mit Putto" Entwurf Fachschule Selb 1918, Fritz Klee attr., partiell abgegriffene grüne Stempelmarke der Kunstabteilung 1917-1925 und Pinselnummer 23, Weißporzellan mit Aufglasurbemalung in Gelb und Schwarz, vertikal gerippte Zylinderform mit tiefsitzendem Bauch, reliefiertem Lorbeerkranz, zwei Volutenhenkeln und Stülpdeckel mit aufsitzendem fruchtessenden Putto als plastische Handhabe, minimalst fleckig, sonst guter Zustand, selten, H 28,5 cm.

Mixed media on paper depicting still life of fruit and bottles. Cm 50x70. In frame 73x93 cm. Signed on the lower right Santacroce.Antonio Santacroce (Rosolini 1945) is a painter, sculptor, engraver and designer originally from Sicily. Also, it is the first one in eastern Sicily engages nell'acquetinte on a Brisse press. It travels a lot, particularly in Switzerland, where in 1989 he has taught at the Zurich Art School. His career is marked by numerous awards and various exhibitions.The work of Santacroce moves between two poles, one of the classical and the more experimental painters known in Switzerland, such as Klee and Kandinsky and is characterized by a continuous tension between dream and reality due to the alternating of figures drawn from myths and legends Mediterranean personally interpreted by means of an elegant sign that leads to a continuous figuration allusive. In the work in question, signed and dated on the 2006, it contains the characteristic evolution of his technique. What it may be recognizable as a still life is transformed through the use of unreal colors and the use of a scratchy painting. But the talent that made him famous Santacroce, and here is obvious, is its constant drive towards experimentation but does not indulge never totally the loss of the object, but remains faithful to an initial intention to clear figuration. The defined contours are destroyed in favor of a representation that is "formless and formlessness form that form" as it is said by Vincenzo Consolo in its volume dedicated to the work of Santacroce.ASORstudio

A Selection of art books which include various building prints. Books include 'An approach to Paul Klee' by Nika Hulton, 'The Coast road diaries' & 'The Sea Room' by Kate Downie, The Surrealists by William Gaunt, Contemporary British Artists- Stanley Spencer, George Catlin and the old frontier, Scottish Art and letters, The art of Andrew Wyeth, James Pryde and Craigie Aitchinson.

Five Modern Art calendars, 1967, 1969, 1970, 1971 and 1972, containing prints by John Bratby, John Piper, Ivon Hitchens, Paul Klee, Jacob Epstein, etc., in original envelopes and three Phaidon calendars, 1963, 1964 and 1965

A large collection of Art Books with themes of Modern Art to include: Symbolism, Pop Art, Max Ernst, Irving Pen, Dali, Lowry, Paul Klee and Henry Moore, 45 copies

2 x Pablo Picasso lithographic prints circa 1956, 2 x Elisabeth Frink lithographic prints circa 1975, 2 x Henry Moore Shelter prints circa 1940, Paul Klee print, Eric Gill female nude print circa 1940, Henri Matisse print circa 1935. 9 in total all mounted but unframed, approx overall sizes 16 x 12 inches. Cellophane wrapped.

λ  GEORGES CSATÓ (HUNGARIAN 1910-1983)UNTITLED (NO. 67)Oil and acrylic on canvas, in six partsThree signed, each with atelier stamps and variously inscribedEach 120 x 60cm (47 x 23½ in.)Overall 120 x 360cm (47 x 142 in.) (6)Provenance:Direct from the artist's estate Georges Csató was born in Budapest in 1910. After completing classical art studies in Vienna, in the 1930s he headed to Berlin to continue his training and was fortunate to have met and studied with a number of the most influential artists of the day, including Alexander Archipenko, Käthe Kollwitz, Karl Hofer, Paul Klee and Lionel Feininger.The artist later wrote of this time 'I was a realist painter to begin with because in Berlin in 1932 abstract art was very, very rare, though I received some lessons in abstract composition from Klee. And then the war came and disrupted everything.'With the rise of Nazism, Csató escaped Germany to Prague where he studied under Oskar Kokoschka and Otto Thiele. But the onset of war, saw him captured by the Russians and put into a labour camp. Whilst there he painted portraits of his captors. A particularly compelling diary entry of the period tells of an extraordinary encounter: 'A commanding officer told me that I had to paint the most important portrait that I had ever done in my life. They blindfolded me and put me in an army car. We drove at high speed for about an hour until we arrived at a little peasant house where I was searched. They took me into a room where an old man was sitting behind a huge table. It was Stalin! While I was sketching him he never spoke a single word, he just sat there chain smoking. The only movement he made was to push a bottle of Vodka and a packet of cigarettes across the table to me.'After the war, Csató retuned to Budapest but Hungary fell under Stalinist rule with abstract painting strictly prohibited and he fled to Paris as a refugee where he remained for the rest of his life.Csató's bold expressive style was well received in Paris and Jean Cocteau organised his first exhibition at Librairie Paul Morihien in 1948. He became a popular figure in the Parisian avant-garde scene and went on to participate in a number of the radical salons such as the Salon des Réalités Nouvelles and the Salon des Comparaisons. He exhibited widely in Paris and by the 1970's he had also achieved international acclaim, exhibiting successfully in London, New York, Sydney, Melbourne, Amsterdam, Bonn, and Canada. Notable exhibitions include Galerie Silvagni, Paris, 1951; Hanover Gallery, London 1953; Gallerie de Berri, Paris 1954; Galerie Furstenberg, Paris 1956; Galerie Mariac, Paris 1959; Gallerie di Meo, Paris 1959; Santes Landweer, Amsterdam 1967; Walton Gallery, London 1970; Chastenet Gallery, London 1979; Salon D'Automme, Paris 1979; Arcadia Gallery, Paris 1981 & 1982; Gallerie L'Obsidienne, Paris 1986.The artist's work is now represented in several major public collections including Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris; Bibliotheque Nationale, Marseille; Museum of Modern Art, Bogota, Columbia; Mendel Art Gallery, Canada.During his lifetime Csato painted many well known figures from life including Bela Bartok, Karen Blixen, Winston Churchill, Colette, Albert Einstein, Sigmund Freud, Charles de Gaulle, David Ben-Gurion, Ernest Hemingway, J F Kennedy, Pablo Picasso, Bertrand Russell, Albert Schweitzer as well as Joseph Stalin.Condition Report: Three of the canvases are slightly uneven on the stretchers. They all appear to be in good original condition. Condition Report Disclaimer

Karton mit schwarz-weiß Abzügen von Werken berühmter Künstler des 20. Jh., u. A. Paul Klee, Max Ernst, Joan Miro...darunter auch ein Umschlag mit einem Stapel Abzügen mit der (handschriftlichen) Aufschrift ''Coll. Hulton, Klee, und in Schreibmaschine ''An das Hessische LAndsmuseum z. Hd. Herrn Reg.-Oberinspektor Nickel...'' Maße Karton (gut gefüllt) 15 x 33 x 24Cardboard with black and white prints of works by famous artists of the 20th century, including Paul Klee, Max Ernst, Joan Miro...including an envelope with a stack of prints with the (handwritten) inscription ''Coll. Hulton, Klee, and in typewriter ''An das Hessische LAndsmuseum z. Hd. Herr Reg.-Oberinspektor Nickel...'' Dimensions cardboard (well filled) 15 x 33 x 24

PAUL KLEE 'L'Hiver - Winter', lithograph, signed in the plate, 1938, 20cm x 35cm, framed and glazed.

A Paul Klee print, Rote u Weisse Kuppeln, framed

Pablo Picasso lithographic print (Mourlot) circa 1958, Marc Chagall lithographic print circa 1977 2 x Elisabeth Frink lithographic prints circa 1975, 2 x Henry Moore Shelter prints circa 1940, Paul Klee print, Salvador Dali Print circa 1953, Henri Matisse print circa 1935, , 9 in total all mounted but unframed, approx overall sizes 16 x 12 inches. Cellophane wrapped

Porzellan-Figur "Eule auf Ahorngeäst", Hutschenreuther, Entwurf Prof. Fritz Klee, mit Goldstaffage, H. 19 cm

Leon Underwood (British 1890-1975) Bronze of the African Madonna, (Modern British Avant Garde Sculptor ) - Original bronze - the African Madonna with a fine brown Patination. Conceived in 1934/1935, signed to the base Leon. U., numbered IV-VIII, dated 36. on a gnarled walnut rustic wood base. total height 14 1/2''. Literature: The sculpture of Leon Underwood by Ben Whitworth, published Lund Humphries 2000 cat no. 93. African Madonna (variants) illustrated on page 60. His works can be seen in major British museums and public collections in the UK. He was the precursor of modern sculpture in Britain, attended the Slade School of Fine Art and the Royal College of Art. In the first World War he worked with Solomon Joseph Solomon, Norman Wilkinson and Paul Klee as a camoufleur creating observation posts camouflaged as trees and other objects. In 1921, Underwood opened the Brook Green School of Art in Hammersmith. Amongst his many students, he taught Henry Moore and Barbara Hepworth. Moore later spoke of his indebtedness to Underwood's influence and teaching. He wrote a number of books on ancient African sculpture including Bronzes of West Africa, which were a great influence to him in later years for cycladic and African culture designs. Provenance - Mirfield Theological College of the Church of England, West Yorkshire. On Saturday October 22nd 2011, the monks at the college held an auction to raise money for the church renovations for the grade listed building. The bronze on offer was sold at this auction and mentioned in the catalogue and sold next to work by Eric Gill - entitled Lord Jesus Christ. The said bronze was also mentioned in the local paper, The Intelligent Weekly Press on 7th October 2011. See https://www.thepressnews.co.uk/press-news/monks-auction-prized-artefacts.

Raymond Klee (1925-2013) Shoreline study with figure and boats at sunset, signed, oil on board, 50 x 75cm

A LARGE GILT FRAMED OIL ON BOARD DEPICTING NIGH TIME HARBOUR SCENE SIGN KLEE LOWER RIGHT

Henri Michaux 1899 Namur (Belgien) - 1984 Paris Peinture mescalinienne. 1956. Mischtechnik. Gouache und Ölfarbe. Rechts unten signiert. Auf leichtem Karton (mit angeschnittenem Wasserzeichen). 49,8 x 32,2 cm (19,6 x 12,6 in), Blattgröße. [CH]. • Seit 30 Jahren Teil der Sammlung Haniel. • Michaux unternimmt erstmals im Jahr 1956 Experimente mit dem Rauschmittel Meskalin und hält die Erfahrungen literarisch, malerisch und zeichnerisch fest. • Die vorliegende Arbeit ist eine der seltenen Werke aus der 'Mescaline'-Serie, in der Michaux statt Tusche Gouache- und Ölfarben einsetzt (eine dieser sehr seltenen Arbeiten mit gleichem Titel befindet sich im Centre Pompidou, Paris). • Für den Dichter Michaux ist die Malerei ein Mittel, um das sichtbar zu machen, was er nicht mehr in Worte zu fassen vermag. • Farbige Zeichnungen dieser Größe werden auf dem internationalen Auktionsmarkt sehr selten angeboten. Die vorliegende Arbeit wird in das in Vorbereitung befindliche Werkverzeichnis von Micheline Phankim, Rainer Michael Mason und Franck Leibovici aufgenommen. Wir danken für die freundliche Beratung. PROVENIENZ: Galerie Fred Jahn, München. Sammlung Haniel, Duisburg (1990 vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Henri Michaux, Galerie Di Meo, Paris, 9.10.-22.11.1987, S. 55, Kat.-Nr. 17 (mit Abb.). Henri Michaux, Galerie Fred Jahn, München, 26.11.1987-23.1.1988 (mit Abb. auf dem Umschlag des Ausst.Kat.). Henri Michaux. Momente, Kunstmuseum Winterthur, 7.9.-24.11.2013, S. 105, Kat.-Nr. 46 (mit Abb.). LITERATUR: Franz Haniel & Cie. GmbH (Hrsg.), Die Sammlung Haniel, Duisburg 2010, S. 56f. (mit ganzseitiger Farbabb.). Franck Leibovici, Henri Michaux, Voir (une enquête), Paris 2014, S. 253, Kat.-Nr. 258. Der Maler und Zeichner Henri Michaux gilt als einer der wenigen Peintre-Poètes, in seinem malerischen wie literarischen Werk wird er zum Erforscher menschlicher Innenwelten. Als Michaux im Jahr 1924 nach Paris kommt, lernt er zunächst die Malerei von Paul Klee, dann jene von Max Ernst und Giorgio de Chirico kennen. Er beginnt seine eigene Kunst zu entwickeln und bleibt ein Suchender, stets in Auseinandersetzung mit den Grenzen von Sprache, Schrift und malerischem Zeichen. Das Experimentieren mit Halluzinogenen, insbesondere mit Meskalin, ist in der bildenden Kunst wie in der Literatur durchaus üblich gewesen, immer wieder haben Künstler bewusstseinserweiternde Erfahrungen auch unter Zuhilfenahme von Rauschmitteln zu erlangen versucht. Michaux unternimmt erstmals im Jahr 1956 Experimente mit dem Rauschmittel und hält die Erfahrungen literarisch, malerisch und zeichnerisch fest. Die vorliegende monumentale Form auf Papier zeigt eine strenge, konstruktive Komposition. Es sind weniger skripturale Zeichen, als sie seine Tuschezeichnungen dieser Zeit prägen. Ein wie ein Kanal anmutender vertikaler Strang bleibt nach oben und unten geöffnet, und auch die horizontal anknüpfenden Seitenstränge scheinen lediglich einen Ausschnitt eines sich weiter ausdehnenden Prinzips wiederzugeben. Für den Dichter Michaux ist die Malerei ein Mittel, um das sichtbar zu machen, was er nicht mehr in Worte zu fassen vermag: 'Ich male, um die Worte hinter mir zu lassen', formuliert er selber. Ihn interessiert stets die Welt hinter den Dingen, das Unbewusste, eine Daseinsform fern von der Ratio. Hier scheint es die grundlegende Ordnung von Vertikaler und Horizontaler zu sein, der sein Hauptinteresse gilt. Auch eine Assoziation an die menschliche Wirbelsäule mit Rippenbögen liegt nahe. [MvL] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 14.54 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONHenri Michaux 1899 Namur (Belgien) - 1984 Paris Peinture mescalinienne. 1956. Mixed media. Gouache and oil-based paint. Signed in lower right. On light board (with truncated watermark). 49.8 x 32.2 cm (19.6 x 12.6 in), size of sheet. [CH]. • Part of the Collection Haniel for 30 years. • Michaux experimented with mescaline for the first time in 1956 and captured the experiences in literature, painting and drawing. • The present work is one of the rare works from the 'Mescaline' series in which Michaux uses gouache and oil colors instead of Indian ink (one of these very rare works with the same title is at the Center Pompidou, Paris). • For the poet Michaux, painting is a means to visualize what can’t be put into words. • Color drawings of this size are very rarely offered on the international auction market. This work will be included in the ongoing catalogue raisonné by Micheline Phankim, Rainer Michael Mason and Franck Leibovici. PROVENANCE: Galerie Fred Jahn, Munich. Collection Haniel, Duisburg (acquired from aforemtnioned in 1990). EXHIBITION: Henri Michaux, Galerie Di Meo, Paris, October 9 - November 22, 1987, p. 55, cat. no. 17 (with illu.). Henri Michaux, Galerie Fred Jahn, Munich, November 26, 1987 - January 23, 1988 (with illu. on wrapper of ex. cat.). Henri Michaux. Momente, Kunstmuseum Winterthur, September 7 - November 24, 2013, p. 105, cat. no. 46 (with illu.). LITERATURE: Franck Leibovici, Henri Michaux, Voir (une enquête), Paris 2014, p. 253, cat. no. 258. Called up: December 11, 2020 - ca. 14.54 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Rolf Cavael 1898 Königsberg - 1979 München 74 / Ag2. 1974. Öl auf Leinwand. Keller 74/ 37. Rechts unten monogrammiert. Verso signiert und mit der Werknummer bezeichnet. 140 x 105 cm (55,1 x 41,3 in). • An der Städelschule in Frankfurt in Typografie ausgebildet, widmet Rolf Cavael seine Kunst von vornherein dem Ungegenständlichen. • Cavael erhält wie selbstverständlich Anerkennung von Künstlern wie Willi Baumeister, Rupprecht Geiger und anderen um ZEN49, mit denen er 1949 in München ausstellt. • Kontrapunktische Setzungen der Linien lassen an eine intensive Verbindung zur Musik denken. PROVENIENZ: Sammlung Haniel, Duisburg. LITERATUR: Franz Haniel & Cie GmbH, Die Sammlung Haniel, Ernst Wasmuth Verlag Tübingen, Berlin 2010, mit Farbabb. S. 141. Paul Klee interessiert sich bereits Ende der 1920er Jahre für die Kunst von Rolf Cavael und erwirbt Werke. Cavael studiert von 1924 bis 1926 an der Städelschule in Frankfurt Typografie und angewandte Grafik und ist mit den grafischen Techniken bestens vertraut. Mit der Machtergreifung durch die Nationalsozialisten geht auch die erste Karriere des 1898 geborenen Cavael abrupt zu Ende: Seine Kunst ist von vornherein dem Ungegenständlichen gewidmet. So fällt ihm die Orientierung nach dem Zweiten Weltkrieg nicht sonderlich schwer. Sein Interesse gilt zunächst Farb-Form-Bildern, ein geistiges Durchdringen biologischer Formen, das unendlich reiche Wissen um deren bewegte Wandlungsmöglichkeit. So findet Cavael wie selbstverständlich Anerkennung von den Künstlern um 'ZEN49' wie Willi Baumeister, Ruprecht Geiger und anderen, mit denen er 1949 in München ausstellt. Spät erst, Mitte der 1950er Jahre, beginnt er gestisch informell zu arbeiten. Prägend dabei sind die meist schwarzen Linien, wie im vorliegenden Werk, welche die Komposition rhythmisieren. Diese Bilder leben von einer inneren Dynamik, die kaum zu übertreffen ist. Kontrapunktische Setzungen der Linien lassen uns eine intensive Verbindung zur Musik denken. Das feine Blau durchbricht mitunter die dichte Linienstruktur und offenbart den poetischen Grund dieser Malerei. [MvL] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 15.23 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.ENGLISH VERSIONRolf Cavael 1898 Königsberg - 1979 München 74 / Ag2. 1974. Oil on canvas. Keller 74/ 37. Lower right monogrammed. Verso signed and inscribed with the work number. 140 x 105 cm (55.1 x 41.3 in). • Trained in typography at the Städelschule in Frankfurt, Rolf Cavael dedicates his art to the non-representational from the very beginning on. • Cavael naturally received recognition from artists such as Willi Baumeister, Rupprecht Geiger and others around ZEN 49, with whom he exhibited in Munich in 1949. • Contrapuntally set lines show a clear reference to music. PROVENANCE: Collection Haniel, Duisburg. LITERATURE: Franz Haniel & Cie GmbH, Die Sammlung Haniel, Ernst Wasmuth Verlag Tübingen, Berlin 2010, with color illu. on p. 141. Called up: December 11, 2020 - ca. 15.23 h +/- 20 min. This lot can be purchased subject to differential or regular taxation.

Fritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Hell einfließend. 1965. Öl auf Leinwand. Lohberg 2534. Rechts unten signiert und datiert. Verso signiert, datiert und betitelt sowie mit mehreren gestrichenen Bezeichnungen. 97 x 130 cm (38,1 x 51,1 in). • Großformatige, starke Komposition, die von dem Spannungsverhältnis zwischen leuchtendem Rot, Blau und Gelb getragen wird. • In den Rechteck- und Reihenbildern gelingt Winter eine eindrucksvolle Emanzipation und Dynamisierung der Farbe. • Winter ist einer der führenden Vertreter des deutschen Informel und der abstrakten Nachkriegsmoderne. • Bereits in den 1950er Jahren stellt Winter in Amerika aus und ist auf zwei Ausstellungen des Museum of Modern Art, New York, vertreten. PROVENIENZ: Aus dem Nachlass des Künstlers. Fritz-Winter-Stiftung, München (um 1986, auf dem Keilrahmen mit dem gestrichenen Etikett der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen). Galerie Gunzenhauser, München. Sammlung Deutsche Bank (vom Vorgenannten erworben). AUSSTELLUNG: Fritz Winter. Zum 60. Geburtstag, Galerie Günther Franke, München 1965, Nr. 27 (auf dem Keilrahmen mit dem Etikett). Man lebt im Wirken der Schöpfung. Fritz Winter zum 100. Geburtstag, Kunst-Museum Ahlen, 10.09.2005-29.01.2006. Ausgebildet am Bauhaus in Dessau bei Paul Klee, Wassily Kandinsky und Oskar Schlemmer, gilt Winters abstrakte Malerei im Nationalsozialismus zunächst als 'entartet', aber bald schon nach dem Krieg als absolut en vogue. 1949 gründet Fritz Winter u. a. mit Willi Baumeister und Rupprecht Geiger in München die 'Gruppe der Gegenstandslosen', später 'ZEN 49'. Winters Rechteck- und Reihenbilder der 1960er Jahre überzeugen durch ihre leuchtende Farbigkeit und durch ihre flächige Struktur, die dem reinen Klang der Farbe Raum gibt. Während sich die Arbeiten der 1950er Jahre noch durch einen stärker linearen, gestischen Farbauftrag ganz im Stile des Informel auszeichnen, beginnen sich die Liniengefüge Winters in den 1960er Jahren zu kraftvollen Farbflächenstrukturen zusammenzuschließen und in ihren Konturen zunehmend zu verhärten. Die Primärfarben Blau, Rot und Gelb geraten vor einem Fond aus gedämpften Mischfarben scheinbar in Schwingung. Allein aus der Akzentuierung der Farbwerte erhält die zweidimensional angelegte Komposition aus sich in ihren Rändern miteinander verzahnenden Farbflächen ihre Struktur und Tiefenwirkung: Leuchtendes tritt vor Gedecktes, das sich optisch eher in den Hintergrund schiebt. Winter gelingt auf diese Weise eine einzigartige Dynamisierung der Farbe. Bereits in den 1950er Jahren stellt Winter mehrfach in New York aus und ist mit seiner Malerei 1955 und 1957 im Museum of Modern Art, New York, in den Ausstellungen 'The New Decade' und 'German Art of the 20th Century' neben Baumeister, Nay und Schwitters vertreten. 1959 folgt die Beteiligung an der documenta II in Kassel. Spätestens in den 1950er Jahren also ist Winter zu einem der führenden Vertreter des deutschen Infomel und der abstrakten Nachkriegsmoderne avanciert. Noch zu Lebzeiten bestimmt Fritz Winter den Übergang eines bedeutenden Teils seines künstlerischen Nachlasses in den Bestand der Bayerischen Staatsgemäldesammlungen. Zuletzt zeigte 2018 die Pinakothek der Moderne, München, eine Einzelausstellung des Künstlers. [JS] Aufrufzeit: 11.12.2020 - ca. 17.56 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regelbesteuert angeboten (R).ENGLISH VERSIONFritz Winter 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching am Ammersee Hell einfließend. 1965. Oil on canvas. Lohberg 2534. Signed and dated in lower right. Verso signed, dated and titled, as well as with several crossed-out inscriptions. 97 x 130 cm (38.1 x 51.1 in). • Large-size powerful composition characterized by the tension between the bright red, blue and yellow. • Through the rectangular and serial pictures Winter attains a remarkable emancipation and dynamzation of color. • Winter is one of the main protagonists of German Informalism and post-war abstraction. • Winter exhibited in the U.S as early as in the 1950s and was represented in two exhibitions at the Museum of Modern Art, New York. PROVENANCE: From the artist's estate. Fritz-Winter-Foundation, Munich (around 1986, with two crossed-out labels of the Bavarian State Painting Colelction on the stretcher). Galerie Gunzenhauser, Munich. Collection Deutsche Bank AG, Frankfurt a. M. (acquired from aforementioned). EXHIBITION: Fritz Winter. Zum 60. Geburtstag, Galerie Günther Franke, Munich 1965, no. 27 (with a label on the stretcher). Man lebt im Wirken der Schöpfung. Fritz Winter zum 100. Geburtstag, Kunst-Museum Ahlen, September 10, 2005 January 29, 2006. Trained at the Bauhaus in Dessau with Paul Klee, Wassily Kandinsky and Oskar Schlemmer among his teachers, Winter's abstract painting was initially considered 'degenerate' by theNational Socialists, but soon after the war it becameabsolutely en vogue. In 1949 Fritz Winter along with Willi Baumeister and Rupprecht Geiger the 'Gruppe der Gegenstandslosen'(Group of the Nonrepresentational)in Munich, later renamed 'ZEN 49'. Winter's rectangular and serialpictures from the 1960s are particularly striking for their bright colors and their flat structure which help to emphasize the pure sound of the colors. While the works fromthe 1950s are still characterized by a more linear, gestural application of paint in aninformal style, Winter's line structures fromthe 1960s begin to merge into powerful color surface structures with increasingly hardened contours. The primary colors blue, red and yellow seem to vibrate in front of a background of subdued mixed colors. The two-dimensional composition of colored areas interlocking at their edges gets its structure and depth effect solelyfrom the accentuation of the color values: Bright colors shines in front of muted colors, which optically fade into the background. In this way, Winter realizes a unique dynamization of the color. In the 1950s, Winter had several exhibitions in New York and showed his paintings, along with works by Baumeister, Nay and Schwitters, in the exhibitions 'The New Decade' and 'German Art of the 20th Century' atthe Museum of Modern Art, New York in 1955 and 1957. In 1959 he took part in the documenta II in Kassel. By the 1950s the latest Winter had become one of the leading representatives of German Infomalismand abstract post-war modernism. During his lifetime, Fritz Winter determined a significant part of his artistic estate to betransferredto the Bavarian State Painting Collections. Most recently, in 2018, the Pinakothek der Moderne, Munich, showed his works in a solo exhibition. [JS] Called up: December 11, 2020 - ca. 17.56 h +/- 20 min. This lot can only be purchased subject to regular taxation (R).

Paul Klee 1879 Münchenbuchsee (Schweiz) - 1940 Muralto/Locarno Straßenverzweigung (bei aufgeweichtem Boden). 1912. Schwarze Tempera und Feder. Klee 824. Oben rechts im Motiv signiert. Auf dem Unterlagekarton datiert, betitelt 'Straßenverzweigung' und mit der Werknummer '111' bezeichnet. Auf Ingres 'B' auf Karton kaschiert. 12,1 x 17,6 cm (4,7 x 6,9 in). Karton: 19,2 x 24,5 cm (7,5 x 9,6 in). • Seit vierzig Jahren zum ersten Mal auf dem Auktionsmarkt (Quelle: www.artprice.com). • Klee experimentiert mit verschiedenen Dunkel- und Helligkeitswerten. • Bereits im Entstehungsjahr wird das Werk in Köln ausgestellt.. Mit einer Fotoexpertise von Dr. Michael Baumgartner und Dr. Christine Hopfengart, Zentrum Paul Klee, vom 28. Oktober 2011. PROVENIENZ: Jacob Schenker Kunsthandel, London. Privatsammlung Großbritannien. AUSSTELLUNG: Paul Klee, Gereonsclub, Köln, Oktober 1912. Die Stadt breitet sich vor den Augen des Betrachters aus: Ein Turm mit wehender Fahne, mehrere Häuser, eine dichte Bepflanzung und Straßenkreuzung im Vordergrund prägen das Bild. Das Werk des schweizerischen Malers und Grafikers Paul Klee besticht durch seinen Detailreichtum, eine spielerische Formensprache und Auseinandersetzung mit Licht und Schatten, Hell und Dunkel. Um die verschiedenen Tonalitäten der Natur wiederzugeben, verwendet Klee schwarze Tempera und Feder, die er entweder überlagert oder mit größerem Abstand aufträgt. Bereits 1908 schreibt er darüber, wie er verschiedene Dunkelheits-und Helligkeitswerte auf Papier bringt: 'Außer der konstruktiven Bildgestaltung studierte ich die Tonalitäten der Natur durch Summieren von Lage auf Lage verdünnter schwarzer Aquarellfarbe. Jede Lage muss gut eintrocknen. Auf diese Weise entsteht eine mathematische Hell-Dunkel Proportion.' (zit. nach: Boris Friedewald, Paul Klee. Sein Leben. Seine Kunst, S. 57). Die vorliegende Zeichnung zeigt diese Auseinandersetzung auf beeindruckende Weise, vor allem im Bereich des Himmels und entlang des rechten Motivrandes. Im selben Jahr entsteht eine weitere 'Straßenverzweigung', die im Vergleich jedoch weitaus skizzenhafter erscheint und die das Zusammenspiel verschiedener Tonalitäten nicht zeigt. Auch in der Folgezeit lassen ihn die Möglichkeiten einer reduzierten Farbpalette nicht los, denn es entstehen weitere Schwarz-Weiß-Zeichnungen ähnlich zu den zwei bereits genannten. Der Entzug der Farbe weicht nur zwei Jahre später einer Farbexplosion. Auslöser ist eine Reise nach Tunesien, die Paul Klee gemeinsam mit den Maler-Freunden Louis Moilliet und August Macke im April 1914 beginnt. Zahlreiche Aquarelle und Ölarbeiten, die er in Tunesien und nach seiner Rückkehr malt, bezeugen die Entdeckung der Farbe. Um die Tonalitäten der südlichen Landschaft einfangen zu können, arbeitet Klee auch hier nicht rein linear, sondern mit Farbabstufungen. Damit ist der Einsatz von Abstufungen eine Konstante im Gesamtwerk von Klee und verbindet die Arbeiten in Schwarz-Weiß mit denen in Farbe. Mehr noch als die farbigen Werke zeigen die in Schwarz-Weiß das Können Paul Klees: Trotz limitierter Mittel gelingt es ihm, eine außerordentlich atmosphärische Bildwirkung zu schaffen. Gerade deshalb ist unser Werk ein Highlight. Nicht nur malerisch, auch persönlich bringen die 1910er Jahre einschneidende Veränderungen für Klee, so erhält der Künstler erste Anerkennungen durch den Kunstmarkt. Zwischen August und September 1910 findet die erste Einzelausstellung im schweizerischen Bern statt. Die Werkschau ist im Anschluss im Kunsthaus Zürich, in Winterthur und Basel zu sehen und umfasst insgesamt etwa 56 Werke. Zudem finden erste Ankäufe durch wichtige Kunstsammler wie den Berner Bauunternehmer Alfred Bürgi statt. Dessen Witwe Hanni Bürgi baut nach dem Tod des Mannes eine der bedeutendsten und umfangreichsten Privatsammlungen mit Werken Klees auf. Der zu dieser Zeit in München wohnhafte Künstler gelangt außerdem in den Umkreis des 'Blauen Reiters'. Die Gruppe fordert eine neue Farb-und Formensprache für die Kunst, die sich von dem akademischen Zwang, die Realität darstellen zu müssen, befreien sollte. 1911 sieht Klee außerdem die Werke von Henri Matisse in einer Münchener Ausstellung. Die Entdeckung der Werke von Matisse sowie die Begegnung mit den Mitgliedern des 'Blauen Reiters' beeinflussen und bestärken Klee in seiner eigenen Kunst, weisen sie doch ebenfalls eine spielerische Dimension und freie Farb -und Formgestaltung auf. [SL]. Aufrufzeit: 12.12.2020 - ca. 17.31 h +/- 20 Min. Dieses Objekt wird regel- oder differenzbesteuert angeboten.

ERNST LUDWIG KIRCHNER 1880 - 1938: IN A BAR Ca. 1920 Ink, coloured pencils, paper 27 x 22 cm Signed: Lower right"E. L. Kirchner" Ernst Ludwig Kirchner belonged to the expressionist generation of German painters, he was one of the four founders of the group Die Brücke. World War II was a heavy desilusion to his work - his work was declared a perverted art. The exhibition in 1937 exhibited over 5,000 works by modern artists, including, in addition to Kirchner, Marc Chagall, Pablo Picasso, Vincent van Gogh, Vasily Kandinsky and Paul Klee. Degenerate art has been officially banned, denigrated and liquidated. Of the works of Ernst Ludwig Kirchner, 639 were sold or destroyed by the nazi government. The author committed suicide a year later. In his work, the effort to free oneself and paint is always and under all circumstances evident. He was constantly looking for new expressions and techniques and did not hire professionals as models, but to draw and paint real people from the street.

Jugendstil-Vase. Keramik. Gebauchte Laibung, mit vier gewundenen Henkeln, und gestreckter Hals mit bunter Bemalung von blühendem Klee. Lippe min. best. Prägemarke Amphora-Werke, Riessner, Stellmacher & Kessel, Turn b. Teplitz, Böhmen, um 1900. H. 31 cm.

Kurzgefaster UnterrichtKurzgefaster Unterricht vor den Baden-Durlachischen Bauersmann w Kurzgefaster Unterricht Kurzgefaster Unterricht vor den Baden-Durlachischen Bauersmann wie er die vier vornehmste Futterkraeuter als ewigen Klee, Esparcette, breiten Klee und Dikrüben pflanzen und benutzen sol. Karlsruhe, Macklot 1762. Mit Holzschn.-Tvign. 29 S. Mit Heftstreifen. VD18 10873058. Erste Ausgabe; 1770 und 1776 erschienen weitere Auflagen. - Gutes Exemplar. - Nicht bei Lautenschlager.

Max Peiffer WatenphulBlumenstillleben Öl auf Malkarton 64,3 x 54,4 cm Gerahmt. Oben rechts mit schwarzer Kreide monogrammiert 'M. PW'. Rückseitig handschriftlich bezeichnet "A. /25 [?]". - In guter, farbfrischer Erhaltung.Nicht bei Watenphul Pasqualucci/PasqualucciProvenienzPrivatsammlung Nordrhein-Westfalen, FamilienbesitzVor 100 Jahren, im Oktober 1919, beginnt der promovierte Jurist Max Peiffer Watenphul auf Empfehlung von Paul Klee sein Studium an dem soeben von Walter Gropius eröffneten Bauhaus in Weimar und besucht die Grundkurse von Johannes Itten, engagiert sich in den Werkstätten Weberei sowie Töpferei und interessiert sich intensiv für das Medium der Photographie. Skurrile Porträts, außergewöhnliche Städtebilder von Venedig und die italienische Landschaft um Rom, Cefalù und Ischia sind die einen Themen Peiffer Watenphuls, Stillleben und besonders üppige Blumensträuße wie dieser in einer chinesischen Vase sind die anderen bevorzugten Sujets des Künstlers. Vereinzelte Blüten im Stile der Neuen Sachlichkeit in den 1920er Jahren verdichten sich zunehmend zu prachtvollen Gebinden und explodieren geradezu über den Bildrand hinaus. Man spürt die ästhetische Empfindsamkeit des Künstlers für Blumen, die preziöse Fähigkeit, sie nach Art und Farbe zu kombinieren, sie kontrastreich zu binden und so eine beglückende, frühsommerliche Farbenpracht mit Rittersporn, Mimosen, Chrysanthemen, Nelken, Sonnenblumen und anderem zu inszenieren. Ebenso schenkt Peifer Watenphul den Gefäßen seine Aufmerksamkeit. Es sind dies neben Glasvasen zumeist edle Porzellanvasen, wie diese mit chinesischem Dekor, welche den Künstler in seinen Stillleben lebenslang begleiten und immer wieder den gebildeten Schöngeist geschmackvoll herausstellen. Max Peiffer WatenphulBlumenstillleben Oil on artist's board 64.3 x 54.4 cm Framed. Monogrammed 'M. PW' in black chalk upper right. Inscribed "A. /25 [?]" by hand verso. - In fine condition with vibrant colours.Not recorded by Watenphul Pasqualucci/PasqualucciProvenancePrivate collection, North Rhine-Westphalia, family possessionOne hundred years ago - in October of 1919 - Max Peiffer Watenphul, Doctor of Laws, began his studies at the Bauhaus in Weimar, which had just been opened by Walter Gropius. Paul Klee had recommended that he study there, and he attended the elementary courses of Johannes Itten, was active in the workshops for weaving and pottery and became intensely interested in the medium of photography. Bizarre portraits and unusual cityscapes from Venice and the Italian countryside around Rome, Cefalù and Ischia are a few of the subjects of Peiffer Watenphul; still lifes and particularly luxuriant bunches of flowers, like this one in a Chinese vase, were the artist's other favourite motifs. Isolated flowers in the style of the New Objectivity in the 1920s increasingly became concentrated into magnificent bouquets and positively explode past the edges of the painting. We can sense the artist's aesthetic sensibility for flowers, his ability to ornately combine them by species and colour, to gather them in rich contrasts and thus present a delightful, early summer marvel of colours featuring larkspur, mimosas, chrysanthemums, carnations and sunflowers, among others. Peiffer Watenphul also devoted his attention to their containers. In addition to glass vases, these usually consisted of regal porcelain vessels, such as this one featuring a Chinese motif, which accompanied the artist in his still lifes throughout his lifetime and tastefully identify him again and again as a cultured aesthete.

Klee Gallery poster, 54 x 38 cm, frame

Silber-Tellerchen - 835er Silber, vertiefter Reliefdekor mit Turm in stilisierter Landschaft, Rückseite gestempelt '835' und gerizt 'Paul Klee' (?), D.ca.8cm, Gewicht ca.27g

Expressionismus - - Wassily Kandinsky. Sélections. Chronique de la vie artistique, XIV WASSILY KANDINSKY. No. 14. Anvers, Éditions Sélection, 1933. 96 S., 68 schwarz-weiß Abbildungen. Neuer HLwd. mit goldgeprägtem Rückentitel. Spalek 2762. - Dok.-Bibl. II, 224. - Bolliger 1, 411. - Hans Harksen hatte zu Kandinsky einen besonderen Bezug: Literatur dazu: DESSAU BAUHAUS und die Familie Harksen. Ausstellung in den Meisterhäusern Kandinsky/Klee, Dessau. Ausstellungskatalog 10. Dezember 2003 bis 7. März 2004. Darin: siehe S. 14: Dr. Harksen musste sein Dienstverhältnis zum 30. September 1933 lösen. Von Kandinsky erhielt er im August noch kurz vor seiner endgültigen Übersiedelung von Berlin nach Frankreich eine Monographie zu seinem Werk (Wassily Kandinsky, Éditions Sélection, Anvers 1933) mit einer Widmung: "Herrn u Frau Dr. Harksen sehr herzlich." Kandinsky. Mit Textbeiträgen von W. Grohmann, F. Morlion, G. Marlier, C. Zervos, W. Baumeister, M. Ruphor, A. Sartorius, J. W. Buys, D. Rivera, A. de Ridder, E. L. Cary, G. E. Scheyer Im Jahr der Schließung des Bauhauses durch die Nationalsozialisten erschienenes Kandinsky-Sonderheft, u.a. mit einem Werkkatalog. - Wohlerhalten. Gutes Exemplar. Hans Harksen had a special connection to Kandinsky: Literature: DESSAU BAUHAUS and the Harksen family. Exhibition in the master houses Kandinsky / Klee, Dessau. Exhibition catalogue from December 10, 2003 to March 7, 2004. Inside: see p. 14: Dr. Harksen had to terminate his employment on September 30, 1933. In August, shortly before his final move from Berlin to France, he received a monograph from Kandinsky on his work (Wassily Kandinsky, Éditions Sélection, Anvers 1933) with a dedication: "Mr. and Mrs. Dr. Harksen very warmly." Kandinsky. Gutes Exemplar.

Otto Hofmann 1907 Essen - 1996 Pompeiana/Italien Portfolio mit drei abstrakten Serigraphien. Signiert unten rechts in Bleistift, eine Grafik datiert '89, sowie nummeriert unten links. Edizioni Valente Artecontemporanea 1989. 70 x 100 cm. Min. bestossen. 1928 - 1930 Studium am Bauhaus Dessau unter Paul Klee und Wassily Kandinsky.

KLEE PAUL: (1879-1940) Swiss-born Artist. Best known for his Paul Klee Notebooks, and his Writings on Form and Design Theory, widely considered as the most complete presentation of the principles of modern art design. A good A.L.S., `Klee´, two pages, to an oblong 7 x 3.5 card, Bern, Kistenweg 6, December 1937, to Mr. Dotsch-Benzinger, in German. Klee refers to his correspondent´s letter and states `I was glad to read your lines because you say that I did a good choice with my painting. The project of a new art meeting is very pleasant, and I hope that you will find an opportunity so we can meet in person. In the meantime I send you my best wishes to you and to your wife for the new year.´ VG

WINTER, FRITZ WINTER, FRITZ 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching Titel: "Die Sturmvögel". Datierung: 1961. Technik: Öl auf Leinwand. Maße: 135 x 171cm. Bezeichnung: Signiert und datiert unten rechts: FWinter 61. Nochmals signiert und datiert verso: fWinter 61. Hier zudem betitelt. Rahmen/Sockel: Modellrahmen. Provenienz: - Sammlung M. Winter, München - Privatsammlung Nordrhein-Westfalen Literatur: - Lohberg, Gabriele: Fritz Winter - Leben und Werk, München 1986, WVZ.-Nr. 2371, Abb. Fritz Winter erlangt seine akademische Ausbildung als Bauhaus-Schüler unter Professoren wie Paul Klee, Wassily Kandinsky und Lyonel Feininger. Besonders der Einfluss von Klee, der ihm am Ende seines Studiums auch ein positives Diplom ausstellte, ist unverkennbar. Schon während der Ausbildung wandte sich Winter allerdings von der strengen Formensprache des Bauhaus' ab und widmet sich der abstrakten Malerei. Die uns vorliegende Arbeit "Die Sturmvögel" aus dem Jahr 1961 ist charakteristisch für das Arbeiten Winters. Das reduzierte Zusammenspiel aus Farbe, Linie und Form verdeutlicht Winters intensive Auseinandersetzung mit der Art Informel. Häufig haben seine Werke auch einen übergeordneten Bezug zur Natur. Findet sich auch kein konkreter Verweis auf die im Titel bezeichneten Sturmvögel, so werden im Bildaufbau doch die innewohnenden, verborgenen Kräfte der Natur von Winter hervorgehoben. Mit einem verwischten, dynamischen Bildaufbau verweist Winter in abstrakter Bildtradition auf die unterschiedlichsten Strukturen der Schöpfung, in diesem Falle auf die dem Wind trotzenden Sturmvögel. Wandel und Schöpfung sind zentrale Themen in Winters Oeuvre. Dies liegt möglicherweise nicht zuletzt in Winters Erfahrungen mit dem Nationalsozialismus begründet. Als "entarteter" Künstler mit Mal- und Ausstellungsverbot belegt, beteiligt er sich trotzdem weiter mit anderen, im Nationalsozialismus ebenfalls verfemten, Künstlern an Ausstellungen im Ausland, beispielsweise in London. Nichtsdestotrotz wird Winter 1939 zum Kriegsdienst eingezogen und muss sich am Feldzug gegen Polen beteiligen. Ab 1941 kämpft Winter im Krieg gegen die Sowjetunion bevor er 1944 schwer verwundet wird und anschließend in sowjetische Kriegsgefangenschaft gerät. Erst 1949, fast zehn Jahre nach seiner Einberufung, kann Winter nach Deutschland zurückkehren. Fritz Winter steigt in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einem der bedeutendsten abstrakten Künstler der Nachkriegszeit auf. Mit seiner häufig experimentellen Arbeitsweise und der weitestgehend gegenstandslosen Formensprache hinterlässt Winter einschneidende Werke und prägt nicht nur die deutsche Kunstlandschaft entscheidend, sondern steigt auch International zu einer Ikone der Nachkriegskunst auf. Erläuterungen zum Katalog Fritz Winter Deutschland Informel ZEN 49 Lyrische Abstraktion Nachkriegskunst Unikate 1960er Abstrakt Gemälde Öl Vögel WINTER, FRITZ WINTER, FRITZ 1905 Altenbögge - 1976 Herrsching Title: "Die Sturmvögel". Date: 1961. Technique: Oil on canvas. Measurement: 135 x 171cm. Notation: Signed and dated lower right: FWinter 61. Once more signed and dated verso: fWinter 61. Here additionally titled. Frame/Pedestal: Craftman's frame. Provenance: - Collection M. Winter, Munich - Private collection North Rhine-Westphalia Literature: - Lohberg, Gabriele: Fritz Winter - Leben und Werk, Munich 1986, cat. rais. no. 2371, ill. Explanations to the Catalogue Fritz Winter Germany Informel ZEN 49 Lyrical Abstraction Post-War Art Post War 1960s Abstract Painting Oil Birds

Hedwig Grundmann Hedwig Grundmann Hedwig Grundmann (1894 Berlin - 1987 Hannover) Abstrakte Komposition aus Farbfeldern Die Arbeit Grundmanns spiegelt den prägenden Einfluss der beiden Bauhaus-Meister Johannes Itten und Paul Klee wider, deren Schülerin sie in 1926 bzw. 1828-1931 in Dessau war. Auch Adolf Hölzel gehörte zu den bedeutenden Protagonisten der Abstraktion, den sie 1927 in Stuttgart kennenlernte. Tempera/Lwd., auf Karton kaschiert. M. u. sign.; Ränder unregelmäßig beschnitten. Verso auf dem Rückenkarton Nachlass-Stempel mit Nr. BL 11. Ca. 30 cm x 40 cm. Rahmen. Tempera on canvas, laid down on cardboard. Signed. Cut to the margins. Estate stamp on the reverse of the backing board with no.

Hedwig Grundmann Hedwig Grundmann Hedwig Grundmann (1894 Berlin - 1987 Hannover) Abstrakte Komposition aus Farbfeldern Die Arbeit Grundmanns spiegelt den Einfluss der Bauhaus-Meister Johannes Itten und Paul Klee wider, deren Schülerin sie 1926 bzw. 1928-1931 in Dessau war. Auch Adolf Hölzel, Protagonist der Abstraktion, lernte sie 1927 in Stuttgart kennen. Tempera/Lwd., auf Karton kaschiert. R. u. sign.; Ränder unregelmäßig beschnitten. Verso auf dem Rückenkarton Nachlass-Stempel mit Nr. CL 8. Lwd. Ca. 38 cm x 50 cm (Lwd.). Rahmen. Tempera on canvas, laid down on cardboard. Signed. Cut to the edges. Estate stamp with no. on the reverse of the backing board.

Werner Gilles Werner Gilles Werner Gilles (1894 Rheydt - 1961 Essen) Straßenszene in Fioro d'Ischia Expressive, flächig stilisierte Ischia-Landschaft Gilles', die den prägenden Einfluss Paul Klees widerspiegelt, dessen Werke er seit 1918 kannte. Gilles studierte 1921-1923 am Bauhaus in Weimar bei Lyonel Feininger, wo auch Klee lehrte. 1930 erhielt Gilles ein Stipendium für die Villa Massimo in Florenz. 1932 besuchte er erstmals Ischia, seit 1951 weilte er dort regelmäßig im Sommer. 1955 und 1959 nahm Gilles an der documenta teil. Aquarell u. Gouache/Papier. R. u. sign. u. dat. 1938. Verso eigenhändige Widmung "Zur frdl. Erinnerung an Ischia Januar - Feb. WGilles 1939". 48,5 cm x 62 cm. Rahmen. Provenienz: Eberhard Seel; Sammlung Walter Hummelsheim, München; Sammlung Lambert Müller, München; Privatsammlung, Rheinland. Watercolour and gouache on paper. Signed and dated 1938. Dedication by the artist on the reverse, dated 1939.

Pablo Picasso lithographic print (Mourlot) circa 1958, Marc Chagall lithographic print circa 1977 2 x Elisabeth Frink lithographic prints circa 1975, 2 x Henry Moore Shelter prints circa 1940, Paul Klee print, Salvador Dali Print circa 1953, Henri Matisse print circa 1935,. 9 in total all mounted but unframed, approx overall sizes 16 x 12 inches. Cellophane wrapped.

Klee, Paul: "Landschafts scizze anlässlich einer Bestellung des Compagnie-Chefs" "Landschafts scizze anlässlich einer Bestellung des Compagnie-Chefs" Feder und Pinsel in Braun auf Velin, auf Karton aufgezogen. 1917. 10,6 x 21,2 cm. Oben rechts mit Feder in Schwarz signiert "Klee", links davon mit Bleistift datiert, auf dem Unterlagekarton im Unterrand mit Feder in Schwarz betitelt und links mit der Werknummer "1917/153". Catalogue Raisonné, Bd. II,1913-1918, Berlin 2000, S. 431 (mit Abb.). Was für ein Kompagniechef! Mitten im Krieg bestellt er bei einem der bedeutendsten deutschen Expressionisten, der gerade als Schreiber an der Fliegerschule V im bayerischen Gersthofen eingesetzt ist, eine Skizze dieses unwirtlichen Hügelgeländes. Struppige Nadelbäume stehen vereinzelt, manche schief und schräg, eine unwirklich riesenhafte Sonne steht tief am Horizont, umschwebt von feinen Schleierwolken. Die mit lockerem Federstrich gezeichnete Ansicht scheint nur auf den allerersten Blick eine Wiedergabe des Gesehenen. Die von Kämpfen verwüstete Natur evoziert eine beinahe unheimliche Stimmung, und im geistigen Bild erscheint uns die auf- oder untergehende riesige Sonne wie ein roter Feuerball. Der Sonnenkreis taucht als Motiv des nicht fassbaren, endlosen Universums immer wieder in Klees Gemälden und Zeichnungen auf, als Urelement für das Leben, als Energiezentrum und Symbol ewiger Sehnsucht. Klee lässt mit seiner Kunst etwas Neues entstehen, ein inneres Bild findet seinen Weg auf das Zeichenpapier. So notiert er 1923: „Wir stehen aufrecht in der Erde verwurzelt / Ströme bewegen leicht uns hin und her / frei ist nur die Sehnsucht dorthin: zu Monden und Sonnen." (zit. nach: Christina Thomson, in: Das Universum Klee, Ausst.-Kat. Nationalgalerie Berlin, Ostfildern 2008, S. 88). Während die "Landschafts scizze" also die Verheerungen des Krieges zeigt, bietet sie zugleich auch eine Zuflucht von der Wirklichkeit. Uns ebenso wie Klee. Die Erwartungen des "Compagnie-Chefs" mag das Blatt nicht erfüllt haben, denn es bleibt zunächst im Besitz des Künstlers und wird von ihm bald, wahrscheinlich um 1918, als Zeichen seiner Wertschätzung auf Karton aufgezogen und mit Titel und Werknummer versehen. Paul Klee steht 1917, als unsere „Landschafts scizze“ entsteht, vor seinem künstlerischen Durchbruch. Nach der erfolgreichen Ausstellung in Herwarth Waldens Berliner Galerie "Der Sturm" ist Klee für Theodor Däubler "nach Marcs Tod der bedeutendste Maler der expressionistischen Richtung" (Paul Klee, Das Frühwerk 1883-1922, Ausst.-Kat. Städtische Galerie im Lenbachhaus, München 1979, S. 192). Im Gegensatz zu seinen Malerfreunden August Macke und Franz Marc, die 1914 bzw. 1916 gefallen waren, muss Klee die Grausamkeiten des Krieges nicht an der Front erleben. Er wird erst 1916 eingezogen und kann 1917 als Schreiber in seiner Freizeit zeichnen, gelegentlich sogar im Auftrag seiner Vorgesetzten, wie unsere Zeichnung beweist. "Ich sitze ja warm und sicher", notiert er. "Ich habe diesen Krieg längst in mir gehabt. Daher geht er mich innerlich nichts an." (Tagebucheintrag 1090 vom 27.10.1917 und 952, 1915, zitiert nach: Paul-Klee-Stiftung (Hrsg.), Paul Klee, Tagebücher 1898-1918, Stuttgart u.a. 1988, S. 447 u. 366). Provenienz: Sturmkollektion, Dezember 1917 Sammlung Braun Klipstein und Kornfeld, Bern, 1963 Elfriede Wirnitzer, Baden-Baden, nach 1963 Hermann Kunst, Bonn Galerie Gerda Bassenge, Berlin 1994 Galerie Rosenbach, Hannover Privatsammlung Hannover Thole Rotermund Kunsthandel, Hamburg, mit dessen Klebeetikett auf der Rahmenrückseite Literatur: Paul-Klee-Stiftung (Hrsg.), Paul Klee. Catalogue Raisonné, Bd. II,1913-1918, Berlin 2000, S. 431 (mit Abb.) Hans Konrad Roethel, Paul Klee in München, Bern 1971, S. 114 (Abb. S. 115) Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

Sedgley, Peter: "Polaris" "Polaris" Öl auf Leinwand. 1972. 200 x 200 cm. Seitlich links mit Pinsel in Weiß signiert "Peter Sedgley", datiert, betitelt und mit der Ortsangabe "Berlin". Sedgley studiert zunächst Architektur und Bauwesen, ehe er sich der Kunst widmet. Autodidaktisch eignet er sich Wissen der Farbtheorie an, liest Goethe und Klee. Mit seinen großformatigen, seriell angelegten Bildern erreicht er rasch Anerkennung, und so werden bei seiner ersten Einzelausstellung bei McRoberts und Tunnard Käufe seitens der Tate und des Arts Council of Great Britain getätigt. Bereits ein Jahr später, 1965, nimmt er an der Ausstellung "The Responsive Eye" des MoMA New York teil, die unter dem Hauptthema der Op Art neben seinen auch Arbeiten von Josef Albers, Frank Stella, Victor Vasarely und Bridget Riley präsentiert. In seiner Malerei beabsichtigt Sedgley, Farben und ihre Nuancen in Anlehnung an die chromatische Ordnung derart umzusetzen, dass eine reine, ungemischte Farbe mit einer gemischten tonal gleichgesetzt werden kann. Zentrales Ergebnis seiner auf Farbtheorie und visueller Wahrnehmung basierenden Untersuchung ist seine Serie der "Target"-Paintings. Diese bestehen aus konzentrisch angelegten farbigen Kreisen vor schwarzem Bildgrund, ausgeführt in einem weich wirkenden Pinselduktus. Sedgley entscheidet sich für die Form des Kreises, da sie für ihn ausgewogen, neutral ist und den Betrachter dazu anregt, Farbe statt der Form des Kreises zu sehen. Etwa zeitgleich setzt er bewusst Licht in Bezug zu den "Target"-Pantings, denn dieses ruft Farb- und visuelle Änderungen hervor. "Ich beobachtete, dass kaltes Licht einige Farben intensiviert und andere moduliert, und warme Farben tun das Gegenteil." (zit. nach Peter Sedgley, redfern-gallery.com, 11.10.2020). Provenienz: Berliner Privatbesitz Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.

Hasegawa, Shoichi: "Jazz" "Jazz" Aquarell und Bleistift auf Velin. 1999. 25 x 32,5 cm. Unten links mit Pinsel in Schwarz signiert "S. HASEGAWA" sowie japanisch bezeichnet und gestempelt, verso mit Bleistift datiert, betitelt und japanisch bezeichnet. In dem Aquarell verbinden sich zart nuancierte Farbflächen mit einem feinen Lineament. 1961 siedelte Hasegawa von Japan nach Paris über, um dort die in Japan wenig gebräuchliche Radiertechnik zu erlernen. Er wurde Schüler im Atelier Hayter und europäische Einflüsse nahmen in seinem Schaffen zu. Besonders deutlich sind die Beziehungen seiner Arbeiten zu Paul Klee. Ausstellung: Art Paris 2003, mit deren Klebeetikett auf der Rahmenrückseite Wir bitten darum, Zustandsberichte zu den Losen zu erfragen, da der Erhaltungszustand nur in Ausnahmefällen im Katalog angegeben ist. Please ask for condition reports for individual lots, as the condition is usually not mentioned in the catalogue.